经过千年的历史进程，传统绘画的艺术语言已经形成了较为稳定的体系，制作方法也很纯熟，但是传统的绘画再好，对于现代一些从事艺术创作的人而言，仅仅继承古法，不去创新，他们的艺术道路就很难走远。因此，许多画家便开始了突显自我的创作，纷纷选择改变绘画中物象的原有形态的表现方式，主张传统严谨绘画方式的人们对此类绘画统称为“抽象画”。所谓的抽象画和抽象画之间却有着千里之别。在扎实的造型能力的前提下，使用何种夸张、扭曲和怪诞的表现手法，只要绘画的最终目的不是对自然物象的再现和复制，而是通过形的变化组合来表现画家内心或者潜意识中情绪，或悲凉，或欣悦，或愤怒，或平静……，不管怎样的情绪观者都能被画面中物象的形变或变形所感染。这样才是一名画家所应追求的，他的用心在于心灵世界的斥逐，相比叙述性的描绘更符合绘画的特性，并且有更高的要求，中国画一直走的就是形变的道路，不求形似重气韵，这也要求画家必须把握好“变形”与“形变”的尺度。文章的社会意义在于，帮助艺术从业者界定区分有意识的“形变”和无意识的“变形”，帮助绘画学习者科学正确的进行“形变”或“变形”的创作。这样的艺术不是简单的点、线、面、色彩的堆积组成使人费劲费解的，难以读懂的，不可解释的“作品”，而是科学的，有意义的艺术创作，在形变或变形的背后蕴含着创作者的思想所在。中国绘画的意境，水墨等等组合也不是随即、偶发的，是有其深度文化层次的，未必水墨自由行走创作出来的东西就是有韵味的，这种韵味也是观看者自身意境的体现，所以这种“形”的表现不仅是创作者内心世界的体现，也是与观者心照的共鸣。因此，在艺术创作中，要正确认识形与韵的辩证关系，并能够灵活的运用它们的关系，是艺术创作的基本要求，也是品评一幅绘画作品好与坏的关键，更是画家通过作品传达给我们的自我阐释和情感共鸣。