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摘要：
绘画色彩的发展变化是一个漫长的过程，其发展是与科技的进步和艺术观念的改变相互联系的，由模仿和再现自然，逐渐摆脱自然和科技的限制，转向主观的、表现性的色彩形式。
关键词：静态色彩；动态色彩；表现与抽象色彩
一、静态色彩的发展时期
文艺复兴前后大约两百年的时间，绘画中再现真实，尤其是再现视觉真实，使得各国艺术家紧紧围绕着怎样再现明暗色彩真实与“眼”感知的真实性这一目标而努力。静态的明暗色彩的深入感知与充分表现在欧洲文艺复兴以后渐渐成为欧洲人普遍的审美品性。
文艺复兴时期，近代科学思想的兴起带动艺术家在光线、透视、解剖等与造型艺术相关的基础研究。达·芬奇对于人体比例和色彩的关注以及他通过素描对光影的再现性控制，都促进了欧洲画家再现明暗色彩真实的感觉能力。
从达·芬奇的代表作品《蒙娜丽莎》当中，我们可以明确地感受到艺术家对明暗色彩的运用是何等的精妙。从作品人物亮部与暗部色彩的变化我们可以看到，在人物受光部分的色彩显得明亮而饱满，犹如一束暖色的光照射到人物的身体上，呈现出真实而富有变化的肌肤之色。而在背光的暗部，我们几乎看不到色彩的变化。这种亮部与暗部用色特点充分体现了这一时期艺术家在静态明暗色彩感知方面对色彩规律的把握。
二、动态色彩
随着艺术家思想观念的改变，当艺术家从明暗色彩的大门进去之后，他们又发现了另一个光辉灿烂的神奇色彩世界——动态色彩感觉。
在巴洛克、洛可可艺术轻松、华丽的色彩跳跃之后，法国浪漫主义画家色彩相对夸张性的感情表现便开始渐渐改变以明暗色彩为一统的绘画形式。十九世纪初，西方色彩理论研究不断深入，极大地推动了艺术家对于色彩创造的认识。绘画中的色彩作用在浪漫主义艺术中明显的超过明暗造型。西方绘画开始进入“色彩造型”时代。其中，最具代表性的当属印象主义绘画。
印象派画家把以明暗色彩为形式特征的绘画，转化成以色彩冷暖为形式特征的绘画，在典型的印象主义画家那里，色彩明暗因素被渐渐忽视。毕沙罗曾经对印象派的观念和方法有过明确的阐述，他说：“对于作画的画旨应着眼于外形和色彩多一些，而着眼于素描少一些。不必拘执没有素描也能得到的形体。严谨的素描是枯燥无味的，而且妨碍总体的印象，它毁坏所有的感觉。只有正确懂得明暗层次和正确的色彩笔触才能产生素描。眼睛不要凝视于一点，却应顾到一切事物，同时观察着色彩给它们周围所产生的反映。”从毕沙罗对色彩观念的理解和作画的方式中我们可以感受到，表现色彩已经不是仅仅从明暗一方面入手，而是观察着周围色彩的相互关系。表现绘画的色彩关系己经不是一种固定的光色关系，而是跳跃性的色彩关系。
三、表现与抽象色彩—动态色彩的进一步发展时期
随着时代的发展，艺术家开始反思自己的内心世界，“人”的世界在与日俱增，更加注重艺术家自身的情感，当这种情感与色彩联系在一起时，色彩就不再是单纯的表现自然，而是带有强烈的主观感情。
在浪漫主义和印象主义大师们的色彩感情启蒙及感觉色彩敏锐之上，梵·高、高更把现代性的感情色彩本质呈现和转换为个性色彩形式。情感色彩被他们在自由精神状态下毫不犹豫的呈现在画面上，用色彩表现对象，通过色彩的单纯化给予绘画更宏伟的风格。于是他们引导现代西方色彩艺术家对新的色彩的认知增加了时代性色彩表现的精神内涵。由此，色彩开始进入到一个表现性的阶段，而这种表现又与情感有着不可分割的联系。
后印象主义画家对感情色彩本质的表现，促使二十世纪初法国野兽派、德国表现主义艺术家更有意识的大胆使用情感色彩语言，进一步促进了色彩的表现性。马蒂斯首先在野兽派的绘画中展开无拘无束的感情色彩的色彩实验。情感推动了色彩的主观运用，作为一个艺术家，情感又与其想象有着密不可分的关系，因而在情感色彩表现的基础上，又出现了展示色彩想象力的抽象艺术家。康定斯基是现代艺术家中较充分的展示色彩想象力的抽象艺术家。他从音乐艺术中借助感情和想象的流畅，用想象色彩的无限性转化色彩艺术的形式。在绘画中自觉引进节奏、旋律、调性，试图在色彩创造过程中呈现音乐性的情感和想象色彩活动。这种带有想象性的色彩表现方式拓展了艺术思维的空间，以至于影响了当代色彩的运用并出现了门类繁多的色彩艺术形式。
因此，从静态色彩到动态色彩，再到抽象与表现色彩，我们可以看出西方色彩观是沿着一条模仿“神”的自然逐渐走向色彩表达人的内心世界这一方向发展的。色彩虽然没有完全脱离造型而独立存在，但其在发展过程中的作用却由依附真实的自然发展成为以色彩情感表现艺术家内心世界。
【参考文献】
[1][英]惠特福德,林鹤译.印象画派史[M].北京:生活·读书·新知三联书社,2001
[2][俄]瓦西里·康定斯基,论艺术的精神[M].北京:中国社会科学出版社,1987
绘画色彩的发展变化是一个漫长的过程，其发展是与科技的进步和艺术观念的改变相互联系的，由模仿和再现自然，逐渐摆脱自然和科技的限制，转向主观的、表现性的色彩形式。
关键词：静态色彩；动态色彩；表现与抽象色彩
一、静态色彩的发展时期
文艺复兴前后大约两百年的时间，绘画中再现真实，尤其是再现视觉真实，使得各国艺术家紧紧围绕着怎样再现明暗色彩真实与“眼”感知的真实性这一目标而努力。静态的明暗色彩的深入感知与充分表现在欧洲文艺复兴以后渐渐成为欧洲人普遍的审美品性。
文艺复兴时期，近代科学思想的兴起带动艺术家在光线、透视、解剖等与造型艺术相关的基础研究。达·芬奇对于人体比例和色彩的关注以及他通过素描对光影的再现性控制，都促进了欧洲画家再现明暗色彩真实的感觉能力。
从达·芬奇的代表作品《蒙娜丽莎》当中，我们可以明确地感受到艺术家对明暗色彩的运用是何等的精妙。从作品人物亮部与暗部色彩的变化我们可以看到，在人物受光部分的色彩显得明亮而饱满，犹如一束暖色的光照射到人物的身体上，呈现出真实而富有变化的肌肤之色。而在背光的暗部，我们几乎看不到色彩的变化。这种亮部与暗部用色特点充分体现了这一时期艺术家在静态明暗色彩感知方面对色彩规律的把握。
二、动态色彩
随着艺术家思想观念的改变，当艺术家从明暗色彩的大门进去之后，他们又发现了另一个光辉灿烂的神奇色彩世界——动态色彩感觉。
在巴洛克、洛可可艺术轻松、华丽的色彩跳跃之后，法国浪漫主义画家色彩相对夸张性的感情表现便开始渐渐改变以明暗色彩为一统的绘画形式。十九世纪初，西方色彩理论研究不断深入，极大地推动了艺术家对于色彩创造的认识。绘画中的色彩作用在浪漫主义艺术中明显的超过明暗造型。西方绘画开始进入“色彩造型”时代。其中，最具代表性的当属印象主义绘画。
印象派画家把以明暗色彩为形式特征的绘画，转化成以色彩冷暖为形式特征的绘画，在典型的印象主义画家那里，色彩明暗因素被渐渐忽视。毕沙罗曾经对印象派的观念和方法有过明确的阐述，他说：“对于作画的画旨应着眼于外形和色彩多一些，而着眼于素描少一些。不必拘执没有素描也能得到的形体。严谨的素描是枯燥无味的，而且妨碍总体的印象，它毁坏所有的感觉。只有正确懂得明暗层次和正确的色彩笔触才能产生素描。眼睛不要凝视于一点，却应顾到一切事物，同时观察着色彩给它们周围所产生的反映。”从毕沙罗对色彩观念的理解和作画的方式中我们可以感受到，表现色彩已经不是仅仅从明暗一方面入手，而是观察着周围色彩的相互关系。表现绘画的色彩关系己经不是一种固定的光色关系，而是跳跃性的色彩关系。
三、表现与抽象色彩—动态色彩的进一步发展时期
随着时代的发展，艺术家开始反思自己的内心世界，“人”的世界在与日俱增，更加注重艺术家自身的情感，当这种情感与色彩联系在一起时，色彩就不再是单纯的表现自然，而是带有强烈的主观感情。
在浪漫主义和印象主义大师们的色彩感情启蒙及感觉色彩敏锐之上，梵·高、高更把现代性的感情色彩本质呈现和转换为个性色彩形式。情感色彩被他们在自由精神状态下毫不犹豫的呈现在画面上，用色彩表现对象，通过色彩的单纯化给予绘画更宏伟的风格。于是他们引导现代西方色彩艺术家对新的色彩的认知增加了时代性色彩表现的精神内涵。由此，色彩开始进入到一个表现性的阶段，而这种表现又与情感有着不可分割的联系。
后印象主义画家对感情色彩本质的表现，促使二十世纪初法国野兽派、德国表现主义艺术家更有意识的大胆使用情感色彩语言，进一步促进了色彩的表现性。马蒂斯首先在野兽派的绘画中展开无拘无束的感情色彩的色彩实验。情感推动了色彩的主观运用，作为一个艺术家，情感又与其想象有着密不可分的关系，因而在情感色彩表现的基础上，又出现了展示色彩想象力的抽象艺术家。康定斯基是现代艺术家中较充分的展示色彩想象力的抽象艺术家。他从音乐艺术中借助感情和想象的流畅，用想象色彩的无限性转化色彩艺术的形式。在绘画中自觉引进节奏、旋律、调性，试图在色彩创造过程中呈现音乐性的情感和想象色彩活动。这种带有想象性的色彩表现方式拓展了艺术思维的空间，以至于影响了当代色彩的运用并出现了门类繁多的色彩艺术形式。
因此，从静态色彩到动态色彩，再到抽象与表现色彩，我们可以看出西方色彩观是沿着一条模仿“神”的自然逐渐走向色彩表达人的内心世界这一方向发展的。色彩虽然没有完全脱离造型而独立存在，但其在发展过程中的作用却由依附真实的自然发展成为以色彩情感表现艺术家内心世界。
【参考文献】
[1][英]惠特福德,林鹤译.印象画派史[M].北京:生活·读书·新知三联书社,2001
[2][俄]瓦西里·康定斯基,论艺术的精神[M].北京:中国社会科学出版社,1987