一方具象，一方抽象；一面是现实，一面如幻境；一面是火，一面是冰。热爱自然、钟情于色彩的摄影师——绍剑，用这种独特的方式展示了他的内心世界。
　　也许很多摄影人都有这样的经历：当你随着采风团行走在自然深处时，何尝没有发出过造化神秀之感慨？然而除了捕光捉影记录眼前的景象，你是否忽略了自己内心的悸动？面对着千人同景的画面，苦苦探索的摄影人，为何不试着换一种方式来表达自己心中的风景、色彩？也许换种方式，就可以让我们看到另一片天地。
　　
　　这个创意来自于什么？
　　这是在一次与老师和朋友的讨论中确定下的思路，在总结了拍摄和反复观片后的感受而进行最终的作品整合。
　　每组作品中的两部分完全取材于不同的景物，抽象的部分多是水和冰的影像，是用象征性的手法，来表现那些具体景物以及色彩是如何在我脑海里生成的。在后期“搭对”的时候进行了色彩调整。
　　
　　你认为自己的照片和别人的有什么区别？
　　我本身是一个对色彩敏感的人，比如在广阔的原野上我可以发现很远的一朵小花，从而感受到它的与众不同，再结合其他的元素为这个主体搭建舞台来表现我对画面的理解。整个图片的构图光线以及色彩的控制处理都来源于对景物的理解。
　　我拍的大多风景都在自家附近，这样我可以日复一日地观察和等待心中的影像出现。如果去拍摄地标性的风景，脑子里很难在短时间里排除前辈们成功影像的影响，这会对形成自己的想法产生障碍。
　　我相信，所谓的“艺术”一定是带有强烈的观念色彩的。今天的风光摄影更多的用在了生活装饰中，但也可以看到那些融入了强烈自我观念的风光作品也同样可以从自然原始的状态来激发人们对生活的认知。
　　
　　怎样才能形成自己的风格？
　　我从接触摄影开始就选择了拍摄风光，在美国的十余年里基本以拍风光为主。我的拍摄风格更多的受到了美国西海岸流派的影响：拍摄时比较注重技巧、构图、色彩、影调。
　　国内的风光照片看过不少，与国外的相比，我觉得真正的区别可能在于对自我风格上的独树一帜。一张作品让人看过后就知道是出自哪位摄影师之手，可能是这位摄影师的最大成就。所以，开阔的眼界和丰富的想象力是自我风格确立的必备基础条件。
　　
　　以前我认为挪掉现实景色中的东西是个不好的习惯。但现在我不再这样认知，在没有改变激发我拍摄冲动的景物的原始形态下，我不会介意淡化或隐去那些干扰读图者视觉的元素。任何元素都要为了自我表达的最高状态服务，艺术不同于记录。