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摘要：德国伟大的音乐家路德维希·凡·贝多芬一生创作了很多优秀的作品，其中第九交响曲是他晚年的巅峰之作。每当我们聆听那耳熟能详的第四乐章《欢乐颂》时，依然深深地被它那气势恢宏的旋律打动，同时也臣服于音乐中所透露出的崇尚人性自由的道德观，这也是他宗教音乐作品中最为著名的一部。本文以贝多芬第九交响曲《欢乐颂》进行作品的演唱分析。
关键词：贝多芬 《欢乐颂》 演唱分析
一、引言
《欢乐颂》来自贝多芬第九交响曲的最后篇章。可谓是贝多芬最得意的作品，为此贝多芬几乎用了大半生的时间来做此章节。在完成了《庄严弥撒》之后，贝多芬才开始了他的惊世之作《欢乐颂》。最早版本的《欢乐颂》是一首诗歌，由德国文人席勒所作，语言温婉而精辟，气势恢宏。而此时的席勒是贝多芬的偶像，这首诗歌版也是他的最爱，是展示对自由的渴望和对美好生活的向往，这也是贝多芬内心深处所追求的。他在接受采访的时候说过：“这20年来我一直没有忘记的理想，就是把席勒的《欢乐颂》谱成歌曲。”18世纪的欧洲是古典音乐的过渡阶段和转换期。贝多芬以他独特的音乐风格成为古典主义音乐的代表人物之一，创作出许多作品风靡世界。作品风格曲式严谨、语言规范，主题崇尚理性，艺术手法干练、简洁，与旧式的作品风格有明显的差异，他不会去附庸贵族阶级的品味，正如他我行我素的性格一样。
二、正確的谱面学习
好的开始是成功的一半。一件事情若想完成得完美无瑕，就必须有一个好的开头。在音乐创作方面也是如此，从谱面开始就要全方位地考虑，找准目标，有方向地找音响资料。通常我们会先学习旋律，然后加入歌词。对于歌词的记忆也只是对表面文字的理解，这是相当不可取的。我们对所唱歌词的理解不能只是照搬谱面，而是尽可能地去理解更深的层次。经典作品本身就是一种充满智慧的艺术形式，它能充分展现人性美好的深层次的东西。我们要对唱段中歌词的内涵反复深层次地理解。只有站在作曲者的角度来看作品，才能更好地诠释作品。要想学会并唱好一首作品就要做到以下几个方面：（1）详细地查出作品的创作背景及歌词大意；（2）拿到谱子后要仔细读谱，特别注意把一些特殊点做上标记；（3）学习作品中歌词的发音规则，反复进行拼读练习。
三、对旋律线条的把握
《欢乐颂》是贝多芬的代表作品之一，它的经典之处就是音乐旋律的连贯性和流畅感。那么，怎样才能达到柔和、灵巧、顺畅的境界呢？这就需要运用连音的唱法，也就是要有良好的气息支持，首先要解决的问题就是气息的稳定，只有在气息和发声结合好的状态下，再用气息作为支撑稳定发声，加上不断的练习，问题就会迎刃而解。
四、歌唱中呼吸的运用
呼吸是歌唱的原动力。正确的歌唱呼吸是歌唱艺术中重要的基础。《欢乐颂》是一部时长达17分钟的作品，气息控制的好坏直接决定了演唱者是否能从头到尾进行完美的演唱。在演唱过程中，呼吸要自然放松，不能僵硬，不能大口地换气。唱歌是在说话的基础上，却又高于说话，均匀的呼吸配合轻盈的咬字，有助于乐句的流畅性。为了正确运用呼吸，笔者提供以下几个方法：（1）要注意句子的结构，切记不可以随意换气，要根据谱面的要求换气，以免破坏句子的构架；（2）元音相连有助于加强气息的连贯性；（3）找到横膈膜的力量，找到头腔的高位置，提高气息的频率；（4）呼吸的状态要积极，需要提前做好准备，不能僵硬；（5）在音乐中的均匀呼吸把呼吸变成音乐，就是指呼吸要有流动性，让旋律中的每一个音符都能像珠子一样向前滚动；（6）背谱演唱。
五、歌唱中音色的重要性
音色是音乐重要的表现手段之一。每个人共鸣腔内的共鸣效果都有不同的特色，所唱出来的音色各不相同。音色的变化取决于歌词所指示的内心活动。每一种音色都有着特殊的意味，怎样做才能有好的音色，为了解决这个问题，笔者推荐以下几个办法：（1）声区连贯统一，打开鼻腔，并强调头声；（2）把喉咙打开，俗称做“打哈欠”的动作，运用气息再配合上哼鸣练习，充分打开头腔共鸣和面罩共鸣，得到明亮而圆润的音色；（3）音色要统一，不能随意改变，元音延长，辅音不占时值。
六、结语
贝多芬的作品永远值得人们学习和研究，这不是因为他是维也纳古典乐派的代表人物，而是因为他代表着一个时期的音乐。《欢乐颂》是他宗教音乐作品中最为著名的一部，欧洲联盟之所以把《欢乐颂》作为盟歌，是因为跟贝多芬一样向往自由、平等。学习和演唱这部作品不仅可以提高演唱技术，还能提高音乐素养，使我们在整体音乐技能上都得到很大的提升。
参考文献：
[1]廖乃雄.试析贝多芬第九交响曲的音乐内容和思想倾向[J].人民音乐，1979（Z1）.
[2]陆晓燕.贝多芬《欢乐颂》研究[D].重庆：西南师范大学，2003.
[3]沈旋，谷文娴，陶辛.西方音乐史简编[M].上海：上海音乐出版社，1999.
[4]徐卓.贝多芬第九交响曲之《欢乐颂》分析[J].科教文汇（上旬刊），2008（06）.
（作者简介：邓锰，男，硕士，海口经济学院，副教授，研究方向：声乐）（责任编辑 刘冬杨）
关键词：贝多芬 《欢乐颂》 演唱分析
一、引言
《欢乐颂》来自贝多芬第九交响曲的最后篇章。可谓是贝多芬最得意的作品，为此贝多芬几乎用了大半生的时间来做此章节。在完成了《庄严弥撒》之后，贝多芬才开始了他的惊世之作《欢乐颂》。最早版本的《欢乐颂》是一首诗歌，由德国文人席勒所作，语言温婉而精辟，气势恢宏。而此时的席勒是贝多芬的偶像，这首诗歌版也是他的最爱，是展示对自由的渴望和对美好生活的向往，这也是贝多芬内心深处所追求的。他在接受采访的时候说过：“这20年来我一直没有忘记的理想，就是把席勒的《欢乐颂》谱成歌曲。”18世纪的欧洲是古典音乐的过渡阶段和转换期。贝多芬以他独特的音乐风格成为古典主义音乐的代表人物之一，创作出许多作品风靡世界。作品风格曲式严谨、语言规范，主题崇尚理性，艺术手法干练、简洁，与旧式的作品风格有明显的差异，他不会去附庸贵族阶级的品味，正如他我行我素的性格一样。
二、正確的谱面学习
好的开始是成功的一半。一件事情若想完成得完美无瑕，就必须有一个好的开头。在音乐创作方面也是如此，从谱面开始就要全方位地考虑，找准目标，有方向地找音响资料。通常我们会先学习旋律，然后加入歌词。对于歌词的记忆也只是对表面文字的理解，这是相当不可取的。我们对所唱歌词的理解不能只是照搬谱面，而是尽可能地去理解更深的层次。经典作品本身就是一种充满智慧的艺术形式，它能充分展现人性美好的深层次的东西。我们要对唱段中歌词的内涵反复深层次地理解。只有站在作曲者的角度来看作品，才能更好地诠释作品。要想学会并唱好一首作品就要做到以下几个方面：（1）详细地查出作品的创作背景及歌词大意；（2）拿到谱子后要仔细读谱，特别注意把一些特殊点做上标记；（3）学习作品中歌词的发音规则，反复进行拼读练习。
三、对旋律线条的把握
《欢乐颂》是贝多芬的代表作品之一，它的经典之处就是音乐旋律的连贯性和流畅感。那么，怎样才能达到柔和、灵巧、顺畅的境界呢？这就需要运用连音的唱法，也就是要有良好的气息支持，首先要解决的问题就是气息的稳定，只有在气息和发声结合好的状态下，再用气息作为支撑稳定发声，加上不断的练习，问题就会迎刃而解。
四、歌唱中呼吸的运用
呼吸是歌唱的原动力。正确的歌唱呼吸是歌唱艺术中重要的基础。《欢乐颂》是一部时长达17分钟的作品，气息控制的好坏直接决定了演唱者是否能从头到尾进行完美的演唱。在演唱过程中，呼吸要自然放松，不能僵硬，不能大口地换气。唱歌是在说话的基础上，却又高于说话，均匀的呼吸配合轻盈的咬字，有助于乐句的流畅性。为了正确运用呼吸，笔者提供以下几个方法：（1）要注意句子的结构，切记不可以随意换气，要根据谱面的要求换气，以免破坏句子的构架；（2）元音相连有助于加强气息的连贯性；（3）找到横膈膜的力量，找到头腔的高位置，提高气息的频率；（4）呼吸的状态要积极，需要提前做好准备，不能僵硬；（5）在音乐中的均匀呼吸把呼吸变成音乐，就是指呼吸要有流动性，让旋律中的每一个音符都能像珠子一样向前滚动；（6）背谱演唱。
五、歌唱中音色的重要性
音色是音乐重要的表现手段之一。每个人共鸣腔内的共鸣效果都有不同的特色，所唱出来的音色各不相同。音色的变化取决于歌词所指示的内心活动。每一种音色都有着特殊的意味，怎样做才能有好的音色，为了解决这个问题，笔者推荐以下几个办法：（1）声区连贯统一，打开鼻腔，并强调头声；（2）把喉咙打开，俗称做“打哈欠”的动作，运用气息再配合上哼鸣练习，充分打开头腔共鸣和面罩共鸣，得到明亮而圆润的音色；（3）音色要统一，不能随意改变，元音延长，辅音不占时值。
六、结语
贝多芬的作品永远值得人们学习和研究，这不是因为他是维也纳古典乐派的代表人物，而是因为他代表着一个时期的音乐。《欢乐颂》是他宗教音乐作品中最为著名的一部，欧洲联盟之所以把《欢乐颂》作为盟歌，是因为跟贝多芬一样向往自由、平等。学习和演唱这部作品不仅可以提高演唱技术，还能提高音乐素养，使我们在整体音乐技能上都得到很大的提升。
参考文献：
[1]廖乃雄.试析贝多芬第九交响曲的音乐内容和思想倾向[J].人民音乐，1979（Z1）.
[2]陆晓燕.贝多芬《欢乐颂》研究[D].重庆：西南师范大学，2003.
[3]沈旋，谷文娴，陶辛.西方音乐史简编[M].上海：上海音乐出版社，1999.
[4]徐卓.贝多芬第九交响曲之《欢乐颂》分析[J].科教文汇（上旬刊），2008（06）.
（作者简介：邓锰，男，硕士，海口经济学院，副教授，研究方向：声乐）（责任编辑 刘冬杨）