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在侯庆的画室里我第一次见到他，跟我之前的想象大有不同。个子不高，体型消瘦，但尖锐的目光给我留下了深刻印象。画室里井然有序的排放着他的作品。说实话，如果你不了解他的画，在他的作品面前你所能做的只有不断的踱步、思谋、判断。他的作品是面镜子，镜外的人只能看到自己，看不到画的本身。这源于侯庆在创作时独有的逻辑性思维。要想了解侯庆的作品，要先从他的人开始。
之前听说过侯庆是一个对中国古典艺术研究颇深的画家。所以跟侯庆交流并不是一件容易的事。他对中国古典文学艺术的研究并不亚于当代各个名家学者。如果你没有点文学修养，便很难与他同处在一个屋檐下。
最早的北漂族之一
侯庆出生在湖北黄冈，从小热爱美术的他，在那个信息闭塞的环境下，度过了自己对艺术憧憬的童年时代。直到上高中后，他才知道有艺术类院校这样一个可以支撑自己艺术梦想的地方。从事艺术的学生时代是从85新学潮的结束开始，这也是侯庆大学时代的学习背景。那时的他完全沉浸在西方古典艺术的学习中。从普桑到安格尔，从卡拉瓦乔到伦勃朗，为其以后的艺术创作打下了坚实的造型基础。1989年，大学毕业的侯庆非常顺利地成为湖北美术学院的一名老师。然而，这条稳定的职业之路却在两年后被侯庆毅然辞去，孤身去了北京中央美术学院继续艺术的熏陶。并从此选择留在北京，成为众多北漂族中的一员。问起为何作此决定，他的回答简单而深刻。不想做鸡肋。
雅好的“流水观印”
当方力钧、岳敏君这些中国当代艺术名家在圆明园画家村热火朝天的搞观念艺术，波普艺术的时候，侯庆却随处在写，“座中泣下谁最多，江州司马青衫湿。”写了几年，数千遍。慢慢地，从这无意的行为中侯庆寻出了某种感动。他喜欢上了出世与入世间的徘徊，喜欢上了“心存无为而行有为”的境界，这种感觉一直延续到他创作的首个作品集“荷”。
侯庆一直都非常崇尚中国当代国画大师李可染的话：“用最大功力打进去，用最大勇气打出来。”既要深入一种文化，但又要能具有创新地走出来。从这句话里，他领悟到传统中国艺术家对艺术继承和创造。然而，侯庆在自省中发现，他在学习中恰恰犯了这样一个错误，无论是在大学的学习，还是在中央美院的进修，他都只注重西方艺术的学习，而几乎完全放弃了对中国绘画传统的研究。于是，他就将其重心转向了对中国古典艺术的研习之中。
从“传统的现代性转换”到“传统的转换性再造”这个新儒家思想观念，对侯庆那时期绘画创作起到了一个推动性作用。“荷”系列就在这样的思索中慢慢成型，并一发不可收拾地创作了10年。“荷”的题材，侯庆是从1994年开始画的。2004年，这个系列才得以在国内大型美术馆以侯庆第一次个展的形式展出，可谓十年磨一剑。2007年的《流水观印》是“荷”的进化，也是侯庆这一题材的第三个个展。至此侯庆将雅做到了极致，也第一次让大家为之眼前一亮。
在一片欢呼和追捧后。冷静下来的侯庆对其作品“荷”最终解释却是，传统古典的再造，是形式上有再造，但精神上却没有。而此时的他对人生和生命又有了更深层的领悟。那就是“欲念”。
俗态的“琵琶记”
《琵琶记》的创作原型来自于白居易的《琵琶行》，题材虽然悲凉但却是当下最流行的现实主义题材。举个例子“如果一个人走在路上被车撞死那并不是悲剧，那叫事故。真正的悲剧是明知道目标是错误，但还无法改变的走下去，这叫悲剧。这样的悲剧是不可避免的，每天有人在重复着上演着。《琵琶记》讲的就是这样的悲剧。”
侯庆在《琵琶记》系列中，有意识强调欲念的存在。他认为，在华丽的裘皮下是欲念，而在欲念的深处是惆怅。侯庆不愿意去强化对物欲过度追求的那种纵情、迷茫与憔悴。对于堕落的教化是不具有普遍性的。在现实生活中，那种真正敢于抛弃一切，而放纵的追求物质与感官享乐的人凤毛麟角，尤其对于成熟的人。
2008年5月在上海多伦美术馆举办的大型当代艺术家群展《都市症候群》上，这是艺术家对人在当代社会的生存处境、生命要求和人格倾向的一次人文关怀。侯庆的《琵琶记》系列作品是展览上颇为显眼和令人深思的一组作品。他从更直接、更具体、更深入的当下经验将人的本质通过艺术呈现出来。引起了更多的人热捧与效仿。由此，在圈内开始刮起了一阵“念俗”创作的风潮。
搞绘画欲速则不达
“最聪明的人未必到得了最后”，这是采访过程中侯庆强调的一句话。很多年轻时被看好的所谓天才艺术家，在其艺术之路上都没有坚持下来。这是种普遍性，绘画的成就最终取决于对生活中感悟的积累，源于一种对绘画热爱的执着。很少见到年轻的画家就有取得多大成就的，所以在我问道他你现在的成就是什么时，侯庆给我的答复很简单“厚重”。
“如果一个画面特别安静，平衡度特别高，次序性特别强，这个画者理性程度比较高。如果一个画面很动感，很喧闹，画面气氛很强，这个画者感性程度比较高。”他向我解读着如何看待绘画作品。他是画家、哲学家，还是社会学家？我一直在思索。作为一个画家，他是感性的。但对于创作，他又是那么的理性。通过哲学的思想为主线，跟进历史的脚步进行创作。艺术创作也需要与时俱进。
侯庆喜欢“心存无为而行有为”。因此，他说要展示真实的自我，一定要展示真实的两面性，因为任何人都是具有两面性的。只是大家看到的常常是一面的表达。因此，他对任何他所欣赏的艺术家的生存之道都极有兴趣。在现实中生存，在现实中创作，他知道让自己的绘画得以维持的艰难程度。
之前听说过侯庆是一个对中国古典艺术研究颇深的画家。所以跟侯庆交流并不是一件容易的事。他对中国古典文学艺术的研究并不亚于当代各个名家学者。如果你没有点文学修养，便很难与他同处在一个屋檐下。
最早的北漂族之一
侯庆出生在湖北黄冈，从小热爱美术的他，在那个信息闭塞的环境下，度过了自己对艺术憧憬的童年时代。直到上高中后，他才知道有艺术类院校这样一个可以支撑自己艺术梦想的地方。从事艺术的学生时代是从85新学潮的结束开始，这也是侯庆大学时代的学习背景。那时的他完全沉浸在西方古典艺术的学习中。从普桑到安格尔，从卡拉瓦乔到伦勃朗，为其以后的艺术创作打下了坚实的造型基础。1989年，大学毕业的侯庆非常顺利地成为湖北美术学院的一名老师。然而，这条稳定的职业之路却在两年后被侯庆毅然辞去，孤身去了北京中央美术学院继续艺术的熏陶。并从此选择留在北京，成为众多北漂族中的一员。问起为何作此决定，他的回答简单而深刻。不想做鸡肋。
雅好的“流水观印”
当方力钧、岳敏君这些中国当代艺术名家在圆明园画家村热火朝天的搞观念艺术，波普艺术的时候，侯庆却随处在写，“座中泣下谁最多，江州司马青衫湿。”写了几年，数千遍。慢慢地，从这无意的行为中侯庆寻出了某种感动。他喜欢上了出世与入世间的徘徊，喜欢上了“心存无为而行有为”的境界，这种感觉一直延续到他创作的首个作品集“荷”。
侯庆一直都非常崇尚中国当代国画大师李可染的话：“用最大功力打进去，用最大勇气打出来。”既要深入一种文化，但又要能具有创新地走出来。从这句话里，他领悟到传统中国艺术家对艺术继承和创造。然而，侯庆在自省中发现，他在学习中恰恰犯了这样一个错误，无论是在大学的学习，还是在中央美院的进修，他都只注重西方艺术的学习，而几乎完全放弃了对中国绘画传统的研究。于是，他就将其重心转向了对中国古典艺术的研习之中。
从“传统的现代性转换”到“传统的转换性再造”这个新儒家思想观念，对侯庆那时期绘画创作起到了一个推动性作用。“荷”系列就在这样的思索中慢慢成型，并一发不可收拾地创作了10年。“荷”的题材，侯庆是从1994年开始画的。2004年，这个系列才得以在国内大型美术馆以侯庆第一次个展的形式展出，可谓十年磨一剑。2007年的《流水观印》是“荷”的进化，也是侯庆这一题材的第三个个展。至此侯庆将雅做到了极致，也第一次让大家为之眼前一亮。
在一片欢呼和追捧后。冷静下来的侯庆对其作品“荷”最终解释却是，传统古典的再造，是形式上有再造，但精神上却没有。而此时的他对人生和生命又有了更深层的领悟。那就是“欲念”。
俗态的“琵琶记”
《琵琶记》的创作原型来自于白居易的《琵琶行》，题材虽然悲凉但却是当下最流行的现实主义题材。举个例子“如果一个人走在路上被车撞死那并不是悲剧，那叫事故。真正的悲剧是明知道目标是错误，但还无法改变的走下去，这叫悲剧。这样的悲剧是不可避免的，每天有人在重复着上演着。《琵琶记》讲的就是这样的悲剧。”
侯庆在《琵琶记》系列中，有意识强调欲念的存在。他认为，在华丽的裘皮下是欲念，而在欲念的深处是惆怅。侯庆不愿意去强化对物欲过度追求的那种纵情、迷茫与憔悴。对于堕落的教化是不具有普遍性的。在现实生活中，那种真正敢于抛弃一切，而放纵的追求物质与感官享乐的人凤毛麟角，尤其对于成熟的人。
2008年5月在上海多伦美术馆举办的大型当代艺术家群展《都市症候群》上，这是艺术家对人在当代社会的生存处境、生命要求和人格倾向的一次人文关怀。侯庆的《琵琶记》系列作品是展览上颇为显眼和令人深思的一组作品。他从更直接、更具体、更深入的当下经验将人的本质通过艺术呈现出来。引起了更多的人热捧与效仿。由此，在圈内开始刮起了一阵“念俗”创作的风潮。
搞绘画欲速则不达
“最聪明的人未必到得了最后”，这是采访过程中侯庆强调的一句话。很多年轻时被看好的所谓天才艺术家，在其艺术之路上都没有坚持下来。这是种普遍性，绘画的成就最终取决于对生活中感悟的积累，源于一种对绘画热爱的执着。很少见到年轻的画家就有取得多大成就的，所以在我问道他你现在的成就是什么时，侯庆给我的答复很简单“厚重”。
“如果一个画面特别安静，平衡度特别高，次序性特别强，这个画者理性程度比较高。如果一个画面很动感，很喧闹，画面气氛很强，这个画者感性程度比较高。”他向我解读着如何看待绘画作品。他是画家、哲学家，还是社会学家？我一直在思索。作为一个画家，他是感性的。但对于创作，他又是那么的理性。通过哲学的思想为主线，跟进历史的脚步进行创作。艺术创作也需要与时俱进。
侯庆喜欢“心存无为而行有为”。因此，他说要展示真实的自我，一定要展示真实的两面性，因为任何人都是具有两面性的。只是大家看到的常常是一面的表达。因此，他对任何他所欣赏的艺术家的生存之道都极有兴趣。在现实中生存，在现实中创作，他知道让自己的绘画得以维持的艰难程度。