论文部分内容阅读
摘 要：20世纪的音乐，对于大部分人也包括笔者来说，其实是有些许陌生的，在老师课堂上，或在电影配乐中，20世纪给笔者的听觉印象是奇特的，若与经典的巴洛克、古典或浪漫时期的音乐作品比较的话，能让人说出来的最直观的感受是音色的最大不同。本文是以库斯特卡所著的《20世纪音乐的素材与技法》一书中第12章《音色与织体：电子音乐》为主要阐释内容，依据章节写作顺序进行了知识点的精细整理与解读。在文章最后，对电子音乐发表了笔者自己的感想。
关键词：20世纪音乐；电子音乐；库斯特卡
在《20世纪音乐的素材与技法》一书的引言中作者就说了，音色是20世纪音乐最重要的发展。允许使用任何能被想象得到或能用声学术语表示的任何声音。要说，电子音乐的应用呢？在商业音乐中，它的影响更大，如摇滚乐、电影音乐、广告配音等等。若要了解电子音乐的产生，必须了解它的大致历史，电子音乐的开始至少可以追溯到1906年卡希尔在纽约市的电子大厅安装了200吨重的电风琴，也就是哈蒙德电风琴的先驱。但电子音乐的现代历史真正开始于1948年～1949年法国的皮埃尔·舒费尔和皮埃尔·亨利的首次研究以及磁带录音机的发展。作者是位很有心的学者，在对电子音乐一窍不通的读者面前，作者在讲解电子音乐之前，对与音乐声学有关的名词作了介绍，并且很形象明了。
在音乐声学基础知识这一节中，作者介绍了音高、音量、包络线以及音色的概念，在涉及这些概念的同时，也注入其他知识的讲解，如泛音列。对这几个基本概念的讲解，并不是枯燥地定义，而是真实介绍它是一个什么东西，很具象的描述。例如，声音其实是我们的耳鼓对空气压力的反应，空气压力的变化是有规律的间隔，变化的频率在一个确定的范围内，我们称为音高。作者用不同的曲线图来表示声音的各种概念，直观明了。音乐声音最复杂的特征就是音色，所以引申出泛音列的概念。泛音列对音色具有决定性作用。在下面的行文中，作者就正式介绍20世纪的电子音乐了，根据电子音乐中主要声音资源的不同，划分出两种，一种是具体音乐，另一种是电子合成音乐。
具体音乐就是使用自然声音作为声音资源的电子音乐。包括乐器、人声、蒸汽引擎、滴下的水声、燃烧的木炭声等等。具体音乐一般通过操纵录有声音的磁带这种方式的处理来创作。过程包括录音、复录、混合几个阶段。有五种不同的方式来处理：第一，改变磁带的速度；第二，改变磁带的方向；第三，磁带圈；第四，剪裁和拼接；第五，磁带延迟。笔者听了用磁带圈处理方式创作的作品：史蒂夫·莱西的《涌出》（come out）。可能在当时这种处理方式相当有创造力，然而笔者实觉有些无聊，单纯的词语“come out show out”的重复，一直以不同方式重复，并且没有旋律性，倒挺像现如今hip-hop曲风的。
电子合成音乐。首个电子合成音乐工作室建立于1951年，位于西德的科洛哥。作者有把握地说道，历史的趋势更倾向于用电子合成声音而较少用具体声音。事实证明这种预言是对的。21世纪的电子音乐大多是电子合成音乐。电子工作室的大部分设备可分为四种，笔者制成表格，方便理解。（见表1）
接下来，作者谈到计算机与电子音乐发展的紧密联系、使用计算机进行声音合成的传统方法和计算机关于声音性质的研究。传统方法是作曲家必须将所需要声音的细节向计算机详细说明，包括它的频率、泛音结构、包络线等等，所有这些都能在设计中随时改变。现在，许多制造商提供了相当高级的硬件装置和软件程序，使得任何計算机都能被用来做声音合成。最有意义的当属计算机驱动数字合成器的发展，它能够记忆任何所要求的拼接，能用纯数字形式储存被收集的作品，更加有效率和方便。
此章最后，作者谈及电子音乐的记谱，电子音乐没有标准的记谱法。作者举出一谱例，是达维多夫斯基的《同步曲第3号》，该作品是为大提琴和两个频道的磁带而作的。此总谱指示了操作磁带录音机的人什么时候开始和什么时候停止这一磁带。提供帮助大提琴家与磁带声音配合的暗示，但它并不包含录下的音乐的完整记谱。
电子音乐的发展脉络可以从运用手段归纳为从具体音乐发展到电子合成、计算机合成和计算机控制数字合成器。电子音乐的独特音色，自然界不能形成的声音，却可以被制造出来，这种人为的创造力是人类音乐发展的巨大进步。在音色基本饱和的情况下，人们的耳朵被发展几个世纪的经典乐器给剥去新鲜感时，在社会的经济科技政治等等环境的变异影响下，电子音乐日益展现它的重要性，这也具有社会发展的必然性。电子音乐在当今音乐发展中几乎是必不可少的了，就连传统器乐也和电子音乐相结合，使得音乐鲜活有现代感，这让笔者想到女子十二乐坊的巨大成功。电子音乐和传统音乐很好地结合，是传统音乐得以继续有活力地发展的一条有前景的道路。如今的技术越发高级，VR技术运用以及数字化技术运用在音乐表演中，这是现今国内正在尝试的一个具有创新性的实验性活动。前景很被大众看好，但关键还是看能否被大众所接受。
参考文献：
[1] 库斯特卡（美）. 20世纪音乐的素材与技法[M].宋瑾，译.北京：人民音乐出版社，2002.
关键词：20世纪音乐；电子音乐；库斯特卡
在《20世纪音乐的素材与技法》一书的引言中作者就说了，音色是20世纪音乐最重要的发展。允许使用任何能被想象得到或能用声学术语表示的任何声音。要说，电子音乐的应用呢？在商业音乐中，它的影响更大，如摇滚乐、电影音乐、广告配音等等。若要了解电子音乐的产生，必须了解它的大致历史，电子音乐的开始至少可以追溯到1906年卡希尔在纽约市的电子大厅安装了200吨重的电风琴，也就是哈蒙德电风琴的先驱。但电子音乐的现代历史真正开始于1948年～1949年法国的皮埃尔·舒费尔和皮埃尔·亨利的首次研究以及磁带录音机的发展。作者是位很有心的学者，在对电子音乐一窍不通的读者面前，作者在讲解电子音乐之前，对与音乐声学有关的名词作了介绍，并且很形象明了。
在音乐声学基础知识这一节中，作者介绍了音高、音量、包络线以及音色的概念，在涉及这些概念的同时，也注入其他知识的讲解，如泛音列。对这几个基本概念的讲解，并不是枯燥地定义，而是真实介绍它是一个什么东西，很具象的描述。例如，声音其实是我们的耳鼓对空气压力的反应，空气压力的变化是有规律的间隔，变化的频率在一个确定的范围内，我们称为音高。作者用不同的曲线图来表示声音的各种概念，直观明了。音乐声音最复杂的特征就是音色，所以引申出泛音列的概念。泛音列对音色具有决定性作用。在下面的行文中，作者就正式介绍20世纪的电子音乐了，根据电子音乐中主要声音资源的不同，划分出两种，一种是具体音乐，另一种是电子合成音乐。
具体音乐就是使用自然声音作为声音资源的电子音乐。包括乐器、人声、蒸汽引擎、滴下的水声、燃烧的木炭声等等。具体音乐一般通过操纵录有声音的磁带这种方式的处理来创作。过程包括录音、复录、混合几个阶段。有五种不同的方式来处理：第一，改变磁带的速度；第二，改变磁带的方向；第三，磁带圈；第四，剪裁和拼接；第五，磁带延迟。笔者听了用磁带圈处理方式创作的作品：史蒂夫·莱西的《涌出》（come out）。可能在当时这种处理方式相当有创造力，然而笔者实觉有些无聊，单纯的词语“come out show out”的重复，一直以不同方式重复，并且没有旋律性，倒挺像现如今hip-hop曲风的。
电子合成音乐。首个电子合成音乐工作室建立于1951年，位于西德的科洛哥。作者有把握地说道，历史的趋势更倾向于用电子合成声音而较少用具体声音。事实证明这种预言是对的。21世纪的电子音乐大多是电子合成音乐。电子工作室的大部分设备可分为四种，笔者制成表格，方便理解。（见表1）
接下来，作者谈到计算机与电子音乐发展的紧密联系、使用计算机进行声音合成的传统方法和计算机关于声音性质的研究。传统方法是作曲家必须将所需要声音的细节向计算机详细说明，包括它的频率、泛音结构、包络线等等，所有这些都能在设计中随时改变。现在，许多制造商提供了相当高级的硬件装置和软件程序，使得任何計算机都能被用来做声音合成。最有意义的当属计算机驱动数字合成器的发展，它能够记忆任何所要求的拼接，能用纯数字形式储存被收集的作品，更加有效率和方便。
此章最后，作者谈及电子音乐的记谱，电子音乐没有标准的记谱法。作者举出一谱例，是达维多夫斯基的《同步曲第3号》，该作品是为大提琴和两个频道的磁带而作的。此总谱指示了操作磁带录音机的人什么时候开始和什么时候停止这一磁带。提供帮助大提琴家与磁带声音配合的暗示，但它并不包含录下的音乐的完整记谱。
电子音乐的发展脉络可以从运用手段归纳为从具体音乐发展到电子合成、计算机合成和计算机控制数字合成器。电子音乐的独特音色，自然界不能形成的声音，却可以被制造出来，这种人为的创造力是人类音乐发展的巨大进步。在音色基本饱和的情况下，人们的耳朵被发展几个世纪的经典乐器给剥去新鲜感时，在社会的经济科技政治等等环境的变异影响下，电子音乐日益展现它的重要性，这也具有社会发展的必然性。电子音乐在当今音乐发展中几乎是必不可少的了，就连传统器乐也和电子音乐相结合，使得音乐鲜活有现代感，这让笔者想到女子十二乐坊的巨大成功。电子音乐和传统音乐很好地结合，是传统音乐得以继续有活力地发展的一条有前景的道路。如今的技术越发高级，VR技术运用以及数字化技术运用在音乐表演中，这是现今国内正在尝试的一个具有创新性的实验性活动。前景很被大众看好，但关键还是看能否被大众所接受。
参考文献：
[1] 库斯特卡（美）. 20世纪音乐的素材与技法[M].宋瑾，译.北京：人民音乐出版社，2002.