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随着艺术设计、电脑平面设计等专业在职业院校的普遍开设，素描作为其专业基础课，起着举足轻重的作用。同时素描课不同于其他专业课，有其自身的特殊性和规律性。就素描教学中容易出现的问题进行分析、探讨，并在素描教学的过程中总结出一些教学经验及方法。
素描是一种用单色来感知和把握物象的方式，一个以单色为特点的画种，它是一切造型艺术的基础。通常将它与“彩画”相区别，彩画作品中表现的是彩色物象，而素描却是要将彩色物象描绘成一种单色物象。素描，是艺术设计专业中的一个基础科目，绝大部分学习美术的学生，都是从学习素描开始的。
早期的素描教学，是在古代的一些绘画作坊里，师傅教徒弟如何把握对象在形态方面的特征。这个时期的素描是以线为主的，不太追求厚实的体积感。文艺复兴时期的西方出现了促进艺术交流的“美术家协会”、展示美术作品的“艺术沙龙”和培养美术人才的“美术学院”，素描的教学体系也日臻成熟，并或多或少地延续至今。我国的素描教学起步较晚，是由以徐悲鸿、刘海粟为代表的美术先驱们引进并发展起来的。
从绘画风格方面来讲，素描分为写实素描和写意素描。写实素描尊重客观实体的特征。写意素描则强调画家本人的主观感受和想法。从表现手法方面讲，素描分为以结构为主的素描和以明暗为主的素描。
素描是绘画艺术造型语言的基础，除了色彩方面的内容外，素描包含了绘画造型艺术的一切基本法则、规律和要素。因而，对造型的基础训练来讲，素描可提供认识论和方法论的研究内容。素描是绘画领域中一种独立的表现手段和艺术样式，是一个独立的画种。写实素描帮助解决造型艺术中诸多最为基本的问题，告诉人们如何画出所看到的东西，也可告诉人们如何去表现自己想要表现的感人的画面。
如何使没有素描基础的学生在短时间内掌握素描的基本造型技能并具备一定的形象思维能力和创造力，这是职业院校素描教师要面对的主要问题。素描的教学体系在几百年前就已成熟，以达芬奇、米开朗基罗为代表的大批画家在十几岁的时候就能画出非常好的素描来。但当代的学生在学习素描的同时，还承担着繁重的文化课压力，不能全力以赴；许多学校处于偏远的乡镇，学生很难看到一些好的美术作品。因此，找到一套适合学生特点的教学方法，已成为美术教师的当务之急。
作为艺术设计专业的素描课，其教学的路线很明确：我们培养的不是“画家”，而是具备一定造型能力与艺术鉴赏力的设计人员。在短短的一两个学期教学中，很难培养出高素质的绘画人才。因此在练习的安排上，一般都是从结构素描到明暗素描，中间穿插一些专项训练，以加强学生在某些方面的造型意识；课程的设置应循序渐进，一般都是从石膏几何体到静物，再到石膏人像和人像。为了加强学生对造型原理和规律的理解，许多教师会对这些教学项目做一些反复性的安排。当学生的素描技能达到一定的层次时，有些学校还会开设设计素描，完成由写实素描向创意素描的拓展。就素描训练的形式而言，主要有教师的讲授、示范、提问和讨论，学生的临摹、写生和默写等。
每次上课时，教师应先讲课，再做示范，接着让学生练习，然后讲评作业，结束练习时作出总结。
笔者在长期的素描教学实践中，总结了教学中容易出现的几个问题。
1）课程设置过于呆板，缺乏反复或穿插。长时间地练习同一类课题，学生对被描绘对象丧失新鲜感，学习热情受到影响。造成这种现象的原因是教师过于“坚守”循序渐进的原则，总以为学生必须过了某一关才能进入后面的课题。
2）缺乏较为严肃的课堂秩序。素描教学不同于文化基础课，不是集中在教室有秩序地上课，而是在画室分组围绕课题进行练习，或集中进行讲评。授课教师也大都认为练习的过程不应该过于压抑和约束。其实学生还只是一些孩子（中职或高职刚入学的新生），缺乏主动学习的自觉性，并对教师有较强的依赖性，因此需要教师有效地进行约束。
3）学生学习素描缺乏足够的热情。其主要原因有：一部分学习学习素描不是出于浓厚的兴趣，而是为了完成学业，找一份体面的工作；一部分学生对美术的兴趣来自卡通画或水墨画，而教师却让他们长期画几何体、静物、石膏等，这使得他们的兴致全无，不能把精力集中到课题上；沉重的文化课负担还可能使学生产生厌学情绪。
4）不能持续、长期坚持练习。职业院校开设的素描课不连贯，往往每周3次课，每次1.5小时，开设一至二个学期，不能集中时间、长时间练习，知识积累零散，长期作业较难展开。
如何克服以上问题，并卓有成效地提高教学质量？
1）调整心态，积极教学。教师应将素描教学当成学生发掘自我潜能、展望艺术人生的过程。对素描学习而言，大家在学好书本知识的同时，应该更注重自己的综合能力的提升，要能拿出一些实实在在的东西来证明自己的能力。所以，教师和学生要调整好教、学时的心态，脚踏实地、不骄不躁地走好每一步。
2）按照“规律”进行教学。这里的“规律”是指学习素描的步骤及要求。学生在看教师作示范时，重点要看他如何安排画面布局，如何把握作画步骤，物体安排在画面什么位置，如何分割画面，如何确定比例与轮廓线，先画什么、后画什么，什么时候可以画明暗关系，什么时候可以全面深入，如何调整统一画面关系等。学生练习时也要按照一定的方法及步骤进行，这样才能取得事半功倍的效果。
3）刻苦练习。如果说学习素描时，开始和结束需要天分，那中间过程就需要埋头苦干。学习素描应先有量的积累，才会有质的飞跃。否则，学生会连一些基本的造型规律都无从掌握，教师在课堂上的讲授无法接受，更不要谈绘画的经验了。对于一些起步较晚、没有接触过素描的学生来说，练习的强度要加大一些，不断地临摹、写生和默写。
4）拓展“视野”。这里的“视野”主要是指认识的高度和宽度，必须在欣赏、揣摩他人作品的基础上加以理性的分析才能得到。一般来说，学生能理解了多少就能“看”到多少，也就能画出多少。有的学生不注意这一点，不管是写生还是临摹，总是在麻木地抄袭对象身上的线和颜色，既没有比较、分析和揣摩的过程，也没有主动寻找画面中的结构、明暗关系。“拓展视野”是要多找一些专业书籍认真阅读，找一些好的作品进行认真分析、临摹，取人之长，补已之短。这对处于基础练习阶段的学生来说是非常必要的，它能打破头脑中那些定性思维的局限，以汲取新的养料，拥有更深远的视野。
参考文献
[1]张永年.对设计专业素描教学改革的研究[J].南京艺术学院学报：美术与设计版，2003（3）：75-76.
[2]张会元.设计素描教学[M].南昌：江西美术出版社，1999.
（作者单位：德州职业技术学院）
素描是一种用单色来感知和把握物象的方式，一个以单色为特点的画种，它是一切造型艺术的基础。通常将它与“彩画”相区别，彩画作品中表现的是彩色物象，而素描却是要将彩色物象描绘成一种单色物象。素描，是艺术设计专业中的一个基础科目，绝大部分学习美术的学生，都是从学习素描开始的。
早期的素描教学，是在古代的一些绘画作坊里，师傅教徒弟如何把握对象在形态方面的特征。这个时期的素描是以线为主的，不太追求厚实的体积感。文艺复兴时期的西方出现了促进艺术交流的“美术家协会”、展示美术作品的“艺术沙龙”和培养美术人才的“美术学院”，素描的教学体系也日臻成熟，并或多或少地延续至今。我国的素描教学起步较晚，是由以徐悲鸿、刘海粟为代表的美术先驱们引进并发展起来的。
从绘画风格方面来讲，素描分为写实素描和写意素描。写实素描尊重客观实体的特征。写意素描则强调画家本人的主观感受和想法。从表现手法方面讲，素描分为以结构为主的素描和以明暗为主的素描。
素描是绘画艺术造型语言的基础，除了色彩方面的内容外，素描包含了绘画造型艺术的一切基本法则、规律和要素。因而，对造型的基础训练来讲，素描可提供认识论和方法论的研究内容。素描是绘画领域中一种独立的表现手段和艺术样式，是一个独立的画种。写实素描帮助解决造型艺术中诸多最为基本的问题，告诉人们如何画出所看到的东西，也可告诉人们如何去表现自己想要表现的感人的画面。
如何使没有素描基础的学生在短时间内掌握素描的基本造型技能并具备一定的形象思维能力和创造力，这是职业院校素描教师要面对的主要问题。素描的教学体系在几百年前就已成熟，以达芬奇、米开朗基罗为代表的大批画家在十几岁的时候就能画出非常好的素描来。但当代的学生在学习素描的同时，还承担着繁重的文化课压力，不能全力以赴；许多学校处于偏远的乡镇，学生很难看到一些好的美术作品。因此，找到一套适合学生特点的教学方法，已成为美术教师的当务之急。
作为艺术设计专业的素描课，其教学的路线很明确：我们培养的不是“画家”，而是具备一定造型能力与艺术鉴赏力的设计人员。在短短的一两个学期教学中，很难培养出高素质的绘画人才。因此在练习的安排上，一般都是从结构素描到明暗素描，中间穿插一些专项训练，以加强学生在某些方面的造型意识；课程的设置应循序渐进，一般都是从石膏几何体到静物，再到石膏人像和人像。为了加强学生对造型原理和规律的理解，许多教师会对这些教学项目做一些反复性的安排。当学生的素描技能达到一定的层次时，有些学校还会开设设计素描，完成由写实素描向创意素描的拓展。就素描训练的形式而言，主要有教师的讲授、示范、提问和讨论，学生的临摹、写生和默写等。
每次上课时，教师应先讲课，再做示范，接着让学生练习，然后讲评作业，结束练习时作出总结。
笔者在长期的素描教学实践中，总结了教学中容易出现的几个问题。
1）课程设置过于呆板，缺乏反复或穿插。长时间地练习同一类课题，学生对被描绘对象丧失新鲜感，学习热情受到影响。造成这种现象的原因是教师过于“坚守”循序渐进的原则，总以为学生必须过了某一关才能进入后面的课题。
2）缺乏较为严肃的课堂秩序。素描教学不同于文化基础课，不是集中在教室有秩序地上课，而是在画室分组围绕课题进行练习，或集中进行讲评。授课教师也大都认为练习的过程不应该过于压抑和约束。其实学生还只是一些孩子（中职或高职刚入学的新生），缺乏主动学习的自觉性，并对教师有较强的依赖性，因此需要教师有效地进行约束。
3）学生学习素描缺乏足够的热情。其主要原因有：一部分学习学习素描不是出于浓厚的兴趣，而是为了完成学业，找一份体面的工作；一部分学生对美术的兴趣来自卡通画或水墨画，而教师却让他们长期画几何体、静物、石膏等，这使得他们的兴致全无，不能把精力集中到课题上；沉重的文化课负担还可能使学生产生厌学情绪。
4）不能持续、长期坚持练习。职业院校开设的素描课不连贯，往往每周3次课，每次1.5小时，开设一至二个学期，不能集中时间、长时间练习，知识积累零散，长期作业较难展开。
如何克服以上问题，并卓有成效地提高教学质量？
1）调整心态，积极教学。教师应将素描教学当成学生发掘自我潜能、展望艺术人生的过程。对素描学习而言，大家在学好书本知识的同时，应该更注重自己的综合能力的提升，要能拿出一些实实在在的东西来证明自己的能力。所以，教师和学生要调整好教、学时的心态，脚踏实地、不骄不躁地走好每一步。
2）按照“规律”进行教学。这里的“规律”是指学习素描的步骤及要求。学生在看教师作示范时，重点要看他如何安排画面布局，如何把握作画步骤，物体安排在画面什么位置，如何分割画面，如何确定比例与轮廓线，先画什么、后画什么，什么时候可以画明暗关系，什么时候可以全面深入，如何调整统一画面关系等。学生练习时也要按照一定的方法及步骤进行，这样才能取得事半功倍的效果。
3）刻苦练习。如果说学习素描时，开始和结束需要天分，那中间过程就需要埋头苦干。学习素描应先有量的积累，才会有质的飞跃。否则，学生会连一些基本的造型规律都无从掌握，教师在课堂上的讲授无法接受，更不要谈绘画的经验了。对于一些起步较晚、没有接触过素描的学生来说，练习的强度要加大一些，不断地临摹、写生和默写。
4）拓展“视野”。这里的“视野”主要是指认识的高度和宽度，必须在欣赏、揣摩他人作品的基础上加以理性的分析才能得到。一般来说，学生能理解了多少就能“看”到多少，也就能画出多少。有的学生不注意这一点，不管是写生还是临摹，总是在麻木地抄袭对象身上的线和颜色，既没有比较、分析和揣摩的过程，也没有主动寻找画面中的结构、明暗关系。“拓展视野”是要多找一些专业书籍认真阅读，找一些好的作品进行认真分析、临摹，取人之长，补已之短。这对处于基础练习阶段的学生来说是非常必要的，它能打破头脑中那些定性思维的局限，以汲取新的养料，拥有更深远的视野。
参考文献
[1]张永年.对设计专业素描教学改革的研究[J].南京艺术学院学报：美术与设计版，2003（3）：75-76.
[2]张会元.设计素描教学[M].南昌：江西美术出版社，1999.
（作者单位：德州职业技术学院）