【摘要】在水彩画教学中，常出现这样的一些现象：有人不重视基本功的训练，一味地玩“水”，有“水”而无“色”；有人机械地模仿他人，临其“型”而不领悟其“神”；有人一味地强调水彩画一定要水淋淋的，唯恐不湿。这些现象对于中职美术学校水彩画教学来说是无益的。本文阐述了应如何重视基础、敢于创新，提高中职美术学校水彩画教学的质量。
　　【关键词】水彩画美术设计 “水” “形” “色” 模仿
　　作为一个独立画种的水彩画具有悠久的历史，它起源于中世纪的欧洲，真正使水彩画发展为独立画种应到十八世纪。几个世纪以来，水彩画经过许多画家的探索和努力，其表现力有很大的发展，技法也日益丰富。水彩画是一个具有世界性的画种，传到我国有一百多年的历史。在东方文化这块土壤的滋润下，经过老、中、青三代水彩画家的努力，国人以自身的理解、审美，画出了具有民族特点的水彩画，形势是喜人的。
　　水彩画的语言特质主要表现有两个方面：1、从广义上来看，它在审美观念和哲学理念上属西方绘画造型体系，在构图、色彩、造型等方面与油画基本相同，通常以客观明暗去观察、研究和表现空间的物体。2、以水溶性颜料和水作为绘画媒介，在视觉效果上表现最多的是透明、流畅、滋润等艺术情趣。这两方面的结合，构成了水彩画自身现存的审美观念和表现体系。
　　中国的水彩画经历了几代人的努力，虽取得了喜人的成果，但这些年来也有着许多不理想的状况，它需要我们去探索、去追求、去改变。沿着前人走过的路再走一次是一种重复，重复不是发展的目标，我们不应提倡。在水彩画教学中，我们应重视基础，敢于创新。
　　一、“形”与“色”是水彩画教学的核心元素
　　一些画水彩画者的自身修养不够好，基本功不太扎实。在高等美术院校、中等美术学校的高低年级学生中都有这样的倾向：在透视、色彩、构图、造型等方面的艺术语言表现不够规范、不够严谨或没深度，表面化、图解化，大都满足一点逸笔趣味，有的倾心于玩“水”，把“水”放在最高位置而无色可言，有的造型疲软，缺乏应有的造型功底。
　　绘画是一种综合性的社会现象，与历史现状、未来发展及艺术家本身的修养、知识的积累、人品的高低、对生活的洞察能力等因素是分不开的。作者要有打动人的好作品，首先要有扎实的基本功、饱满的热情、广博的知识。
　　水彩画以色彩作为造型手段，在“形”、“色”、“水”等要素上做文章。造型和色彩是感人的第一要素，水彩画和其他色彩画一样，形体明暗关系已经转化为色彩关系。因此，对色彩的物理性心理因素、社会属性的研究是很重要的。进行大量的色彩写生、变调练习、理论研究是画水彩者的必修课。素描、速写的训练是提高造型能力的重要途径。造型能力包括捕捉对象的能力和处理形象的能力，对造型的研究，有利于提高作品的品位。在中等工艺美术学校的基础课水彩画教学中，学校的培养目标和高等美术院校不同，主要是培养中等的美术设计或制作工作者，所以中等工艺美术学校的水彩画教学应重视基础，服务于美术专业设计教学。在教学中，应把设计的核心要素——“形”、“色”作为训练的重要元素，强调以“色”造型，重视基础，而不是一味地玩水。在写生中，要教会学生怎样理解色彩、处理画面，而不是机械地照搬造型、照搬色彩。有的造型、色彩，为服务画面的需要，必须重新处理，从而使画面在构图上、色彩上更加理想化。特别应该把写生色彩与装饰的设计色彩的知识联系起来开展教学。在装饰设计色彩教学中，应强调主观性的归纳，甚至夸张地处理色彩。如：物象色彩很丰富、变化很多，画时要教会学生根据画面的需要用色块进行提取概括。写生色彩的教学，同样要把装饰设计色彩的教学方法融合进去，在重视客观色彩的同时，要教会学生用装饰设计的手法、眼光来观察表现色彩。水彩画教学要为专业设计教学服务。
　　二、教学中不提倡简单的模仿
　　在现实中大家不难发现，在各种展览及各种艺术交流活动中，在教学的课堂上，在学习、创作的画室里，表现手法画面效果类同，象似同一人画出来的东西太多了，这是模仿的结果。当一种画法被承认之后，每当某一名人的画风被推崇之后，随之而来的就是一群模仿者。我想，这种现象会妨碍学习者的成长，会妨碍水彩画的发展。
　　画坛巨匠凡高说过：“模仿别人的结果，是自己的缺点再加上别人的缺点。”学习别人的东西，采取批评、研究、吸收的态度与采用简单的拿来主义是两种不同的学习态度。在学习上，学习研究别人成功经验可以提高自己，这是学画者的必经之路，但与简单的模仿、抄袭、重复别人的东西是不同的。塞尚是毕沙罗的学生，他没有照搬毕氏的画风，而是创造了非同凡响的新风格；德拉克洛瓦很崇拜席里柯，一生的艺术实践受其影响极大，但没有延续其画风，结果其艺术成就远远超过了席里柯；凡高曾倾心于日本浮世绘的临摹、研究，但吸取的是平面的装饰效果，短而颤抖的笔触、燃烧的色彩才表达他自己的内心世界。前人成功的经验不能不使我们深思。图片效果图解式的作品在展览及课堂上、画室里不乏其人，还有依样画葫芦，完全对景写生模仿的。这样的作品拿到展览上是没有说服力的，在水彩画教学中也没有意义，对艺术的探索研究更没有多大意思。人不是照相机，也不能像照相机那样机械地对物对事，我们提倡创新，提倡有感而发，在师承的基础上有创新、有突破。我在多年的教学中常发现这样的问题：有不少学生对某人的作品一味地临摹、模仿，乐此不倦。其实，我不赞成这种学习方法：临摹是教学、学习的一种常用方法，临摹不应简单地照抄模仿人家的用笔、用色、用水等，重复别人的东西。我主张临其“神”而不临其“型”。“神”是作者在画面的构思经营，是画的灵魂，以至笔、色、水等在画面运用的理解。通过理解其“神”，能提高审美观，有利于学习。而“型”是画者基本功的体现。不同画者经历不同，对同一对象“型”的理解不一样，因而“型”是表象的东西，临而益少。更有甚者，在色彩风景写生中，有的人中热衷于拿照相机照几幅风景照，后以此依样画葫芦画之。这是一种简单的模仿，益处甚少。如果绘画是照搬照抄，那么就用照相机取而代之即可，不用重复。色彩风景写生更应强调灵活主观处理，这样对画者创造性思维和审美观的提高才有益处，对美术专业设计学习才有益处。
　　三、表现形式的创新是水彩画发展的要求
　　在水彩画论坛中，著者皆认为水彩画艺术特性为水淋淋的、湿的、透明的，都在谈“水”的问题，多以湿作为水彩画的依据。我们经常会听到这样评论水彩画的一些话：这画不像水彩画，像粉画、像油画，这画不透明、太厚、太干等等。出现这样的情况，难道不值得引起我们的重视和沉思吗？如果学生在没有通过水彩画学习之前提出这样的问题，我想情有可原；如果通过水彩画正规的学习后出现这样的情况，那就是教学的失败。这样培养出来的学生必然是思维单一、眼光有限，难以具备美术设计所应具有的创造性思维。水彩画湿的画法与中国彩墨画很相似，一些人很自然地将两者联系起来，好像这样才能找到水彩画的出路。从油画的历史我们可得到借鉴，自文艺复兴时期到20世纪，油画经历了由具像到抽象的各个不同的历史阶段，艺术风貌大相径庭，但没有谁担心油画会变成另一种形式。以某种形态笼统的概括一个艺术门类，恐怕是片面的、不足的。即使在19世纪以前的英伦三岛，水彩画不仅有湿画法，有些很精彩的作品（如《南方村舍》、《斯威的庭院》等）并不是水淋淋的，倒像油画那样厚重、深入。当今新科技为我们画水彩画提供了良好的物质基础，为我们探索、创新提供了更有利的条件。国家对艺术界提倡百家争鸣、百花齐放，这样才有利于艺术的发展，才能使艺术文化与世界接轨，才能融入于世界博大精深的文化氛围。水彩画不应是单一的一个“湿”字，现在和将来的水彩画不应是同一面貌，发展才是硬道理，清一色的说法、清一色的表现形式是不适合发展的。
　　几百年来，油画家们倾注毕生精力于探索、实践、进取、寻求艺术创造发展，使油画艺术得到空前发展。我们要在水彩画艺术中扫除单一的、苍白无力的习气，在艺术表现和艺术创造上要有深度和广度，必须解放思想，甩掉一切条条框框，勇于创新、勇于进取。对水彩画艺术语言规范得越具体、越多，就会使其越狭窄、越带片面性，最终走向程式化、公式化，以致艺术面貌千篇一律。对水彩画和对其它画种也是一样，不管采用什么方法、什么手法，只要对艺术表现做有效的、大胆的探索，这样的画就是好画。画无定法，一代大师王肇民先生提倡“干裂秋风，润如春雨”，水彩画的表现形式应是千姿百态的。在教学中，我们应大胆地鼓励学生进行大胆的各种表现形式的尝试，开拓学生的思路、视野，干的、湿的、厚的、薄的、抽象的，各种形式都可尝试。这对学生创造性思维的训练及开拓眼界、提高审美观是大有益处的，这对学生将来学习或从事设计是受益终生的。如果只是教会学生画湿淋淋的水彩画，那么这样的学生在学习或从事设计上思路永远是单一的，不会有好的作品出现。
　　总之，为了水彩画的辉煌、发展，为了我们的工艺美术教育，我们要拓宽艺术视野，深化艺术语言，勇敢有效地进行探索、研究。