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每天晚上，城中演出四处开花：戏曲、话剧、舞蹈、摇滚、相声、杂技??即使您没有时间亲临现场，也总有一些摄影师会拍下演出盛况，艺人风采??下面，跟三位摄影师来学学舞台摄影吧。
『从舞台到舞台摄影』
杨少铎
陕西西安人，中国戏曲学院毕业，少铎摄影工作室创始人。
Q_您是如何从舞台艺术转入摄影的？
A_1971年我进入陕西省京剧院，当了5年学员3年演员，然后到中国戏曲学院上学，毕业之后当戏曲编导。2001年，我退休了，才44岁，我觉得还能做点事情。当时正好有朋友从海外回来，带回来很多相机，我特别喜欢，就借了他的一台相机开始了摄影。我虽然是摄影的票友，但可以说是京剧的行家，所以由此开始我的戏曲摄影。
我认为舞台摄影是难度很大的，舞台上的光线是瞬息万变。我自己的长处是熟悉舞台。舞台剧照必须了解舞台，了解戏。如果你准备去拍，最好先做一些功课：了解这是一出文戏还是武戏，旦角儿为主还是武生为主，传统戏还是现代戏。
不久前的画册《青衣张火丁》您也参与了拍摄，这个画册的拍摄有什么特点？
张火丁的画册从策划到制作完成，历时4年。最开始是跟踪张火丁演出拍摄，但是发现没有多少好片子，后来就跟火丁商量，在剧院里专门为画册的拍摄组织一次演出，那是2008年奥运会期间，我们在剧场里拍了六七天，张火丁演了十几出戏，五六个摄影师随意拍摄。
其他几个摄影师多是来自报道摄影领域，我是学戏出身，我懂舞台，所以拍摄之前火丁就要求这个团队必须得有我，得有一个懂戏的。所以那次张火丁的拍摄是我在安排布光和舞台效果。
Q_拍摄京剧与其他舞台艺术有什么区别？
A_拍摄舞蹈演出，更集中于人物的动作，因为舞蹈的主要表现力在演员的肢体语言和灯光效果。京剧舞台，尤其是现代京剧，背景和光效也是重要的表意成分，是戏的一部分，所以景别可以大一些，将整个舞台都带入进去，包括有意识地把舞台上方的光源拍入画面中，可以说我展示的是京剧这种舞台艺术的整体感觉。
Q_传统京剧和现代京剧的拍摄有什么区别？
A_传统戏光线是固定的，白平衡和感光度就可以基本固定；现代戏或是新编传统戏的照明效果设计都是现代舞台戏的思路，所以变化更多，拍起来难度更高。
『整体的舞台艺术美感』
我还是懂戏的，最开始我都是仅仅拍演员，影友就更可能只拍演员了，其实应该把戏曲舞台的表演当成一个完整的艺术品来拍摄。我现在拍摄时，从演员特写、表演动作，到整个舞台效果，我都拍摄，全面地呈现这个戏的美感。原来我很讨厌把舞台灯源拍入画面，我现在反而觉得把灯光纳入画面很有意思，有独特的味道。我现在也在写剧本，也在导戏，我也开始从更宏观的角度去审视戏曲艺术，这也作用在我的摄影创作上。
『拍摄最美的动作过程』
很多影友喜欢拍京剧演员亮相，其实亮相很容易拍，但摄影的技术性不高，美感也不强，更像是画片儿，摄影捕捉舞台艺术，魅力在展示其动作的美感，戏剧的故事性也在动作之中，而不是在亮相上。比如青衣的一个缓缓的转身，这过程中就有个最美的姿态。能捕捉到这个点，就是拍摄的成功。我即使是在影棚里拍演员，也不让他们静止，我让他们带着表情和动作。
『抓取动作，未必用连拍』
戏曲的跳跃，根据我的经验，不能靠连拍，而是根据戏曲的节奏，演员的动作和拍摄的捕捉。我曾经是武生，我对演员的动作过程烂熟于心。用连拍这种动作是省事儿了，但实际上动作的最高点用连拍未必能捕捉到。最好是在摄影师了解舞台动作的基础上，再利用抓拍来捕捉。这是我对抓拍动作的理解和经验。可能适用于我，但如果你不太熟悉戏，要练习这个手感，可以用文戏来尝试
观众席的什么位置适合拍摄？
拍摄舞台，机位要稍微高于舞台一些，很多台上演员的功夫都在脚上，高一点才能把演员拍完整。一般说来，楼下座位的最后一排是最好的。由于空间限制，三脚架在座位前面不能完全打开，就尽量开到能开的角度，同时用腿夹着三脚架。
『感光度和白平衡设置』
在拍摄现场可以把感光度适当提高一些，因为舞台上照度总体上还是比较低，比较新的单反相机，可以用到ISO800甚至更高。不能用自动白平衡，因为这样不能准确还原舞台上的色彩。
『曝光控制』
舞台摄影曝光控制方面，我习惯全手动曝光。舞台上的光线随时在变，所以按照主要的底子光照度进行测光。在其基础上，我习惯曝光偏暗一点，这和日常的拍摄是不一样的。我们习惯是稍过一点，保暗部，但因为舞台的画面暗部比较多，亮部比较少，而且一般最亮的部分是在演员这里，所以一定不要曝光过度，可以稍微欠一点，如果是自动曝光，总体上要做一些减曝光补偿，才会比较安全。
『不要用闪光灯』
北京这些以戏曲为主的剧院基本上都允许拍摄，当然前提是不能使用闪光灯。使用闪光灯拍戏曲演出不仅破坏了舞台的灯光气氛，也影响了演员的情绪。
『关于器材』
拍摄要考虑到演员的近景，也要考虑到舞台的整体。改变景别靠更换镜头，镜头是24－70mm和70－200mm，机身我现在用尼康D700。使用24－70mm镜头可以拍摄到全景，用70－200mm可以拍演员全身，如果想要拍特写画面，就需要使用增距镜。
『给国家大剧院拍剧照的摄影师』
王小京
中国情景喜剧开山之作《我爱我家》的总摄像，著名影视制片人，舞台摄影师，网名“排空”，在网上拥有众多粉丝。
Q_《我爱我家》那张全家福合影就是您拍的？
A_对，当时我是《我爱我家》总摄像师，现在管这个职位都叫摄影指导，就是在后面看监视器指挥几个摄影师。当时我是业余时间自己玩儿摄影，更主要的是玩相机，自己攒了很多相机，现在彻底转行到摄影了。
Q_怎样完成这个转换过程的？
A_我的第一台数码单反是佳能EOS D30，从那开始使用数码相机，很快发现了用数码相机拍摄创作的乐趣。当时我就想，拍什么啊？风光？纪实？我还是从我最感兴趣的舞台艺术开始，舞台上的表演是活的，是不断变化的，同一个戏每一次演都不同，这都是有意思的地方。
我用了两年时间让这个市场认可我的照片，最开始是自己花钱到演出现场拍照片，按说人家是不让拍的，所以我有时候还得求人家，后来我的作品得到了认可，有演出的时候剧院或剧团就会通知我，还会请我去给他们拍摄。现在我拍舞蹈有五年了，北京几乎所有重要的演出我都会去拍。
各个剧团和剧院找我拍照，有两个用途，首先是他们要留下演出的资料，另外一个是也要做广告，因为我的博客上有非常多的演出摄影作品，每天很多人来看，照片发到我博客上，就会吸引很多朋友来看演出。
Q_这个工作和纯粹的爱好有什么不同？
A_我工作中，演出的上半场，我得完成媒体需求的发稿任务，把“规定动作”都完成，比如这场的舞台效果、灯光效果以及最重要的：台上的主要演员，或者说明星演员，腕儿。之后我很快在现场就把这些照片上传到工作用的邮箱，下半场就可以留给自己，拍一些艺术性比较强的照片。当然，也有不少作品后来提供给剧团用作宣传用途。
Q_古典音乐您也拍？
A_我本人的兴趣首先在舞蹈，其次是在古典音乐。拍古典音乐的指挥家或者演奏家，拍的是大师，他的动态不像舞蹈那么多，拍的相当于是这些大师的肖像，是他的性格，他对音乐的理解和阐释在表情和肢体动作上的展示，是另外一种门道。
『随时改变拍摄设置』
舞蹈的拍摄，首先是演员的动作很多，幅度也大，舞台光线的亮度和色调变化也很大，这是要把握好的点。这牵扯到测光、聚焦、ISO和白平衡设置这几个方面。其实在拍的时候，可以说这几个项目我是随时都在变化。
『白平衡』
白平衡我是演出前根据舞台的灯光色温定下来，比如国家大剧院有四个舞台，因为随着时间，它的色温在逐渐变化，所以它其实是有四个色温的，这是在拍摄中积累的经验。固定了相机的白平衡之后，一些营造气氛的各种舞台光线条件都能得到符合人眼视觉的，比较正确的还原。
『舞台动作的焦点控制』
焦点，单点对焦，跟踪对焦，伺服自动对焦……这些方式，我在拍摄中没有一定之规，是随时根据我的画面设想去控制的。
每种舞台艺术都有一些基本的动作模式，比如芭蕾舞，演员退到舞台的一个角落，那你就知道他准备有大的跳跃了，此时就要准备好相机。一般他会跳三四次，这几次你都有可能拍到。第一下跳跃你可以确定焦曝光和确定跟踪的焦点，之后这几下就可以来确定构图和动作的捕捉了。这些拍摄的构想和操作都是在几秒钟的时间内完成的，双手操作相机的动作要熟练到无意识，才能很快的做出反应，拍到你想要的画面。这需要很多的拍摄和练习。
『哪些演出可以拍？哪些不能拍？』
国外的剧院是有一套比较严格的规定，比如多大的相机和镜头可以带进去拍。以北京为例，国家大剧院和保利剧院是不能带相机进去的，其他场地则要视演出而定。原则上说，剧院内的演出大都不允许拍摄，但是户外演出是没问题的。另外，一些节奏比较快、现场比较热烈的，比如民族舞、爵士乐等演出，有的时候剧院是允许影友拍摄的，但是一些比较严肃的演出，比如古典音乐，那是肯定不能拍摄的。
『不能光懂摄影』
各种舞台演出有不同的门道，拍出来也有不同的美感，我觉得搞摄影的人不能光玩儿摄影，还是得懂其他各类艺术：音乐、舞蹈、戏剧，各类舞台艺术，你得懂得这个东西，懂得每种艺术的门道，才能真正拍好。
『关于器材』
总体上看来，现代舞的舞台很暗，运动又多，拍摄难度很高，好的器材是必要条件。我现在用顶级的数码单反相机和恒定大光圈的镜头，我一直用佳能单反相机，现在用1系列。不过用大孔径定焦镜头也有麻烦，一般正经演出的时候，使用定焦镜头不容易改变景别，我就采用换机身的方式，全画幅机身可以拍全景，要拍特写，换上非全画幅机身，这样相当于提升了镜头焦段，就能拍得更“紧”。
『用衣服包住相机静音』
拍演出，首先要注意的，也是最重要的，是尊重这个演出，包括台上的艺术家和你周围的观众。你的相机声音不能影响周围观众。为了不影响观众，我想了各种静音的办法，比如用保暖的罩子把相机包起来，让快门声音更小。影友可以用自己的衣服盖住相机，露出镜头，也可以起到静音的作用。
『带着感情拍演出』
柴东新
著名的摇滚现场摄影师，奥美广告创意总监，如果像你常在北京看演出的话，那位梳着辫子长得象哪吒的摄影师就是他。
Q_广告公司工作都很忙，你哪来这么多时间，重要演出几乎场场不落的拍？
A_很多人说我有点不务正业，其实基本上我真是挤时间，我可以说是没有周末的。周末重要的演出多，我不是在加班就是在拍演出。拍照不是我的工作，我喜欢摇滚乐，现场演出是摇滚乐最重要的部分，照片对我来说是对摇滚乐的支持。现在我手机里90%以上是这些音乐人，剩下的才是工作上的伙伴。但是我对广告很有热情，工作是工作，爱好是爱好，拍摇滚乐现场也算是我唯一的业余爱好了。
Q_你拍的张悬在迷笛音乐节上演出的一张照片，豆瓣上跟贴翻了好几页，大家逗闷子“LZ这是带着感情在拍啊！”
A_这是没错，我觉得拍所有演出都是带着感情去拍的，不过这感情更重要的是对音乐的感情，你得进入音乐，才能拍好。每只乐队，每种音乐类型，曲风和台风都不同，这里面的区别你得知道。比如张悬，每次唱“嫁祸进行时”时她的那个甩头动作，都是很规律，她不太爱正对着台下，这就需要找到个更合适的角度，我在台口附近找到了个合适的位置，这位置正好。
Q_有没有记录这个时代音乐人的计划？
A_你说的这个是可遇不可求的，其实现在我回头想我拍的这些年，挺后悔在三里屯南街的“河”酒吧时代我没拍，当时这批音乐人的演出状态和现在不同。随着时间过去，音乐人、观众都在变，我的拍摄方式在变，以前是以比较躁的演出拍得多，后来比较躁的演出可以拍，比较安静的演出也能拍，拍摄手法也在变化，和听音乐是一样的。万晓利、小河、周云蓬他们以前演出我就在拍，现在他们演出不像以前那么多了，不过我也还在拍。这么多年过去，这些人也都“奔四”了，我也不知道我的照片能不能起到记录这个时代这批音乐人的作用。
『关于技术』
拍摇滚乐现场和其他演出类拍摄共同之处在于你必须要了解音乐，了解乐手的表演习惯，了解每场演出不同的气氛和节奏。关于后期制作，很多朋友问我，你后期做不做，我肯定有后期制作的成分，把刚拍完的片子拿出来看的话很少有特精彩片子，但是你拍到了你需要的东西，后期的制作就有了空间。
『闪光灯的使用』
有时候演出气氛好了就顾不了那么多了，但我建议带着相机来看演出，拍演出的朋友，一定不要影响演出，闪光灯尽量少用，如果出于效果用的话，也不要直接冲着台上的乐手闪，这样不仅闪光效果不好看，还会影响乐手的演出，闪光灯向着侧面闪，也有可能把旁边观众的眼睛闪花了，这是个作为观众的素质问题。最好冲天花板或侧面的墙壁闪光。如果直冲着舞台上闪光，也可以把指数调低一些。
『现场灯光的表现』
摇滚乐现场灯色比较复杂，但每一场都有一个基本的调子，这是和音乐有关的。刚开始拍的时候对我现场灯光色温数值不太清楚，我当时都拿个小本儿记下来，北京几乎所有摇滚乐演出场地的灯光色温我都有，有的时候场地新来个灯光师我还能给他提醒，后来拍的越来越多，这个东西就了然于胸。比如“两个好朋友”的灯光环境是偏冷的，“MAO”的灯光是偏暖，这与灯光和场地环境都有关。
『关于器材』
如果是大型演出，比如户外音乐节，场地和舞台都面积很大，需要在现场的不同位置拍，我至少带5只镜头，12－24mm，鱼眼，50mm，85mm，24－70mm，70－200mm，100－400mm便宜镜头 我不是工作 所以都是自己买的 没有特贵的长焦镜头，闪光灯我用佳能 580 II。
小场地的演出就带4只镜头，以短焦的镜头为主，但需要一些细节的时候也还是需要中焦镜头。我喜欢用定焦镜头，它的成像质感和魅力我觉得是变焦镜头没法比的，但是也有个问题，定焦镜头光圈开大了之后景深很浅，焦点锁不准的话很容易失焦，这就需要手感了，锁定焦点之后马上拍摄，或是能很好地固定好机位。如果是短平快的记录性质，那么可能用变焦镜头；如果有一场民谣演出，现场气氛相对安静，那么我还是坚持用定焦镜头。
『从舞台到舞台摄影』
杨少铎
陕西西安人，中国戏曲学院毕业，少铎摄影工作室创始人。
Q_您是如何从舞台艺术转入摄影的？
A_1971年我进入陕西省京剧院，当了5年学员3年演员，然后到中国戏曲学院上学，毕业之后当戏曲编导。2001年，我退休了，才44岁，我觉得还能做点事情。当时正好有朋友从海外回来，带回来很多相机，我特别喜欢，就借了他的一台相机开始了摄影。我虽然是摄影的票友，但可以说是京剧的行家，所以由此开始我的戏曲摄影。
我认为舞台摄影是难度很大的，舞台上的光线是瞬息万变。我自己的长处是熟悉舞台。舞台剧照必须了解舞台，了解戏。如果你准备去拍，最好先做一些功课：了解这是一出文戏还是武戏，旦角儿为主还是武生为主，传统戏还是现代戏。
不久前的画册《青衣张火丁》您也参与了拍摄，这个画册的拍摄有什么特点？
张火丁的画册从策划到制作完成，历时4年。最开始是跟踪张火丁演出拍摄，但是发现没有多少好片子，后来就跟火丁商量，在剧院里专门为画册的拍摄组织一次演出，那是2008年奥运会期间，我们在剧场里拍了六七天，张火丁演了十几出戏，五六个摄影师随意拍摄。
其他几个摄影师多是来自报道摄影领域，我是学戏出身，我懂舞台，所以拍摄之前火丁就要求这个团队必须得有我，得有一个懂戏的。所以那次张火丁的拍摄是我在安排布光和舞台效果。
Q_拍摄京剧与其他舞台艺术有什么区别？
A_拍摄舞蹈演出，更集中于人物的动作，因为舞蹈的主要表现力在演员的肢体语言和灯光效果。京剧舞台，尤其是现代京剧，背景和光效也是重要的表意成分，是戏的一部分，所以景别可以大一些，将整个舞台都带入进去，包括有意识地把舞台上方的光源拍入画面中，可以说我展示的是京剧这种舞台艺术的整体感觉。
Q_传统京剧和现代京剧的拍摄有什么区别？
A_传统戏光线是固定的，白平衡和感光度就可以基本固定；现代戏或是新编传统戏的照明效果设计都是现代舞台戏的思路，所以变化更多，拍起来难度更高。
『整体的舞台艺术美感』
我还是懂戏的，最开始我都是仅仅拍演员，影友就更可能只拍演员了，其实应该把戏曲舞台的表演当成一个完整的艺术品来拍摄。我现在拍摄时，从演员特写、表演动作，到整个舞台效果，我都拍摄，全面地呈现这个戏的美感。原来我很讨厌把舞台灯源拍入画面，我现在反而觉得把灯光纳入画面很有意思，有独特的味道。我现在也在写剧本，也在导戏，我也开始从更宏观的角度去审视戏曲艺术，这也作用在我的摄影创作上。
『拍摄最美的动作过程』
很多影友喜欢拍京剧演员亮相，其实亮相很容易拍，但摄影的技术性不高，美感也不强，更像是画片儿，摄影捕捉舞台艺术，魅力在展示其动作的美感，戏剧的故事性也在动作之中，而不是在亮相上。比如青衣的一个缓缓的转身，这过程中就有个最美的姿态。能捕捉到这个点，就是拍摄的成功。我即使是在影棚里拍演员，也不让他们静止，我让他们带着表情和动作。
『抓取动作，未必用连拍』
戏曲的跳跃，根据我的经验，不能靠连拍，而是根据戏曲的节奏，演员的动作和拍摄的捕捉。我曾经是武生，我对演员的动作过程烂熟于心。用连拍这种动作是省事儿了，但实际上动作的最高点用连拍未必能捕捉到。最好是在摄影师了解舞台动作的基础上，再利用抓拍来捕捉。这是我对抓拍动作的理解和经验。可能适用于我，但如果你不太熟悉戏，要练习这个手感，可以用文戏来尝试
观众席的什么位置适合拍摄？
拍摄舞台，机位要稍微高于舞台一些，很多台上演员的功夫都在脚上，高一点才能把演员拍完整。一般说来，楼下座位的最后一排是最好的。由于空间限制，三脚架在座位前面不能完全打开，就尽量开到能开的角度，同时用腿夹着三脚架。
『感光度和白平衡设置』
在拍摄现场可以把感光度适当提高一些，因为舞台上照度总体上还是比较低，比较新的单反相机，可以用到ISO800甚至更高。不能用自动白平衡，因为这样不能准确还原舞台上的色彩。
『曝光控制』
舞台摄影曝光控制方面，我习惯全手动曝光。舞台上的光线随时在变，所以按照主要的底子光照度进行测光。在其基础上，我习惯曝光偏暗一点，这和日常的拍摄是不一样的。我们习惯是稍过一点，保暗部，但因为舞台的画面暗部比较多，亮部比较少，而且一般最亮的部分是在演员这里，所以一定不要曝光过度，可以稍微欠一点，如果是自动曝光，总体上要做一些减曝光补偿，才会比较安全。
『不要用闪光灯』
北京这些以戏曲为主的剧院基本上都允许拍摄，当然前提是不能使用闪光灯。使用闪光灯拍戏曲演出不仅破坏了舞台的灯光气氛，也影响了演员的情绪。
『关于器材』
拍摄要考虑到演员的近景，也要考虑到舞台的整体。改变景别靠更换镜头，镜头是24－70mm和70－200mm，机身我现在用尼康D700。使用24－70mm镜头可以拍摄到全景，用70－200mm可以拍演员全身，如果想要拍特写画面，就需要使用增距镜。
『给国家大剧院拍剧照的摄影师』
王小京
中国情景喜剧开山之作《我爱我家》的总摄像，著名影视制片人，舞台摄影师，网名“排空”，在网上拥有众多粉丝。
Q_《我爱我家》那张全家福合影就是您拍的？
A_对，当时我是《我爱我家》总摄像师，现在管这个职位都叫摄影指导，就是在后面看监视器指挥几个摄影师。当时我是业余时间自己玩儿摄影，更主要的是玩相机，自己攒了很多相机，现在彻底转行到摄影了。
Q_怎样完成这个转换过程的？
A_我的第一台数码单反是佳能EOS D30，从那开始使用数码相机，很快发现了用数码相机拍摄创作的乐趣。当时我就想，拍什么啊？风光？纪实？我还是从我最感兴趣的舞台艺术开始，舞台上的表演是活的，是不断变化的，同一个戏每一次演都不同，这都是有意思的地方。
我用了两年时间让这个市场认可我的照片，最开始是自己花钱到演出现场拍照片，按说人家是不让拍的，所以我有时候还得求人家，后来我的作品得到了认可，有演出的时候剧院或剧团就会通知我，还会请我去给他们拍摄。现在我拍舞蹈有五年了，北京几乎所有重要的演出我都会去拍。
各个剧团和剧院找我拍照，有两个用途，首先是他们要留下演出的资料，另外一个是也要做广告，因为我的博客上有非常多的演出摄影作品，每天很多人来看，照片发到我博客上，就会吸引很多朋友来看演出。
Q_这个工作和纯粹的爱好有什么不同？
A_我工作中，演出的上半场，我得完成媒体需求的发稿任务，把“规定动作”都完成，比如这场的舞台效果、灯光效果以及最重要的：台上的主要演员，或者说明星演员，腕儿。之后我很快在现场就把这些照片上传到工作用的邮箱，下半场就可以留给自己，拍一些艺术性比较强的照片。当然，也有不少作品后来提供给剧团用作宣传用途。
Q_古典音乐您也拍？
A_我本人的兴趣首先在舞蹈，其次是在古典音乐。拍古典音乐的指挥家或者演奏家，拍的是大师，他的动态不像舞蹈那么多，拍的相当于是这些大师的肖像，是他的性格，他对音乐的理解和阐释在表情和肢体动作上的展示，是另外一种门道。
『随时改变拍摄设置』
舞蹈的拍摄，首先是演员的动作很多，幅度也大，舞台光线的亮度和色调变化也很大，这是要把握好的点。这牵扯到测光、聚焦、ISO和白平衡设置这几个方面。其实在拍的时候，可以说这几个项目我是随时都在变化。
『白平衡』
白平衡我是演出前根据舞台的灯光色温定下来，比如国家大剧院有四个舞台，因为随着时间，它的色温在逐渐变化，所以它其实是有四个色温的，这是在拍摄中积累的经验。固定了相机的白平衡之后，一些营造气氛的各种舞台光线条件都能得到符合人眼视觉的，比较正确的还原。
『舞台动作的焦点控制』
焦点，单点对焦，跟踪对焦，伺服自动对焦……这些方式，我在拍摄中没有一定之规，是随时根据我的画面设想去控制的。
每种舞台艺术都有一些基本的动作模式，比如芭蕾舞，演员退到舞台的一个角落，那你就知道他准备有大的跳跃了，此时就要准备好相机。一般他会跳三四次，这几次你都有可能拍到。第一下跳跃你可以确定焦曝光和确定跟踪的焦点，之后这几下就可以来确定构图和动作的捕捉了。这些拍摄的构想和操作都是在几秒钟的时间内完成的，双手操作相机的动作要熟练到无意识，才能很快的做出反应，拍到你想要的画面。这需要很多的拍摄和练习。
『哪些演出可以拍？哪些不能拍？』
国外的剧院是有一套比较严格的规定，比如多大的相机和镜头可以带进去拍。以北京为例，国家大剧院和保利剧院是不能带相机进去的，其他场地则要视演出而定。原则上说，剧院内的演出大都不允许拍摄，但是户外演出是没问题的。另外，一些节奏比较快、现场比较热烈的，比如民族舞、爵士乐等演出，有的时候剧院是允许影友拍摄的，但是一些比较严肃的演出，比如古典音乐，那是肯定不能拍摄的。
『不能光懂摄影』
各种舞台演出有不同的门道，拍出来也有不同的美感，我觉得搞摄影的人不能光玩儿摄影，还是得懂其他各类艺术：音乐、舞蹈、戏剧，各类舞台艺术，你得懂得这个东西，懂得每种艺术的门道，才能真正拍好。
『关于器材』
总体上看来，现代舞的舞台很暗，运动又多，拍摄难度很高，好的器材是必要条件。我现在用顶级的数码单反相机和恒定大光圈的镜头，我一直用佳能单反相机，现在用1系列。不过用大孔径定焦镜头也有麻烦，一般正经演出的时候，使用定焦镜头不容易改变景别，我就采用换机身的方式，全画幅机身可以拍全景，要拍特写，换上非全画幅机身，这样相当于提升了镜头焦段，就能拍得更“紧”。
『用衣服包住相机静音』
拍演出，首先要注意的，也是最重要的，是尊重这个演出，包括台上的艺术家和你周围的观众。你的相机声音不能影响周围观众。为了不影响观众，我想了各种静音的办法，比如用保暖的罩子把相机包起来，让快门声音更小。影友可以用自己的衣服盖住相机，露出镜头，也可以起到静音的作用。
『带着感情拍演出』
柴东新
著名的摇滚现场摄影师，奥美广告创意总监，如果像你常在北京看演出的话，那位梳着辫子长得象哪吒的摄影师就是他。
Q_广告公司工作都很忙，你哪来这么多时间，重要演出几乎场场不落的拍？
A_很多人说我有点不务正业，其实基本上我真是挤时间，我可以说是没有周末的。周末重要的演出多，我不是在加班就是在拍演出。拍照不是我的工作，我喜欢摇滚乐，现场演出是摇滚乐最重要的部分，照片对我来说是对摇滚乐的支持。现在我手机里90%以上是这些音乐人，剩下的才是工作上的伙伴。但是我对广告很有热情，工作是工作，爱好是爱好，拍摇滚乐现场也算是我唯一的业余爱好了。
Q_你拍的张悬在迷笛音乐节上演出的一张照片，豆瓣上跟贴翻了好几页，大家逗闷子“LZ这是带着感情在拍啊！”
A_这是没错，我觉得拍所有演出都是带着感情去拍的，不过这感情更重要的是对音乐的感情，你得进入音乐，才能拍好。每只乐队，每种音乐类型，曲风和台风都不同，这里面的区别你得知道。比如张悬，每次唱“嫁祸进行时”时她的那个甩头动作，都是很规律，她不太爱正对着台下，这就需要找到个更合适的角度，我在台口附近找到了个合适的位置，这位置正好。
Q_有没有记录这个时代音乐人的计划？
A_你说的这个是可遇不可求的，其实现在我回头想我拍的这些年，挺后悔在三里屯南街的“河”酒吧时代我没拍，当时这批音乐人的演出状态和现在不同。随着时间过去，音乐人、观众都在变，我的拍摄方式在变，以前是以比较躁的演出拍得多，后来比较躁的演出可以拍，比较安静的演出也能拍，拍摄手法也在变化，和听音乐是一样的。万晓利、小河、周云蓬他们以前演出我就在拍，现在他们演出不像以前那么多了，不过我也还在拍。这么多年过去，这些人也都“奔四”了，我也不知道我的照片能不能起到记录这个时代这批音乐人的作用。
『关于技术』
拍摇滚乐现场和其他演出类拍摄共同之处在于你必须要了解音乐，了解乐手的表演习惯，了解每场演出不同的气氛和节奏。关于后期制作，很多朋友问我，你后期做不做，我肯定有后期制作的成分，把刚拍完的片子拿出来看的话很少有特精彩片子，但是你拍到了你需要的东西，后期的制作就有了空间。
『闪光灯的使用』
有时候演出气氛好了就顾不了那么多了，但我建议带着相机来看演出，拍演出的朋友，一定不要影响演出，闪光灯尽量少用，如果出于效果用的话，也不要直接冲着台上的乐手闪，这样不仅闪光效果不好看，还会影响乐手的演出，闪光灯向着侧面闪，也有可能把旁边观众的眼睛闪花了，这是个作为观众的素质问题。最好冲天花板或侧面的墙壁闪光。如果直冲着舞台上闪光，也可以把指数调低一些。
『现场灯光的表现』
摇滚乐现场灯色比较复杂，但每一场都有一个基本的调子，这是和音乐有关的。刚开始拍的时候对我现场灯光色温数值不太清楚，我当时都拿个小本儿记下来，北京几乎所有摇滚乐演出场地的灯光色温我都有，有的时候场地新来个灯光师我还能给他提醒，后来拍的越来越多，这个东西就了然于胸。比如“两个好朋友”的灯光环境是偏冷的，“MAO”的灯光是偏暖，这与灯光和场地环境都有关。
『关于器材』
如果是大型演出，比如户外音乐节，场地和舞台都面积很大，需要在现场的不同位置拍，我至少带5只镜头，12－24mm，鱼眼，50mm，85mm，24－70mm，70－200mm，100－400mm便宜镜头 我不是工作 所以都是自己买的 没有特贵的长焦镜头，闪光灯我用佳能 580 II。
小场地的演出就带4只镜头，以短焦的镜头为主，但需要一些细节的时候也还是需要中焦镜头。我喜欢用定焦镜头，它的成像质感和魅力我觉得是变焦镜头没法比的，但是也有个问题，定焦镜头光圈开大了之后景深很浅，焦点锁不准的话很容易失焦，这就需要手感了，锁定焦点之后马上拍摄，或是能很好地固定好机位。如果是短平快的记录性质，那么可能用变焦镜头；如果有一场民谣演出，现场气氛相对安静，那么我还是坚持用定焦镜头。