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摘要：繪画艺术总有种惊奇的神秘感，老一辈绘画大师们的艺术结晶总让人觉得震撼，令后来者倍感着迷而心神往之，这就是绘画艺术的魅力所在。本文将从绘画艺术的宗旨、意义及中西方绘画艺术对比入手，简要分析绘画艺术的内涵。
关键词：绘画创作 中国画 西方绘画
一、外师造化，中得心源
绘画艺术是我国传统文化之一，当翻开一页页经典画册，总有一种道不尽说不清的愉悦，那长短粗细的优美线条，那纵横交错的笔触肌理，那丰富多彩的高级颜色，沉浸下去，俨然觉得艺无止境。绘画就像“爬不完的山丘”，在循环往复中不断积累能量，厚积而薄发。中国有句学画画的经典古语，即“外师造化，中得心源”，以古典大师们的作品作为学习的榜样，是外师造化；以大自然为师，也是外师造化。向大师学习，向大自然学习，从中切身得到感悟，把它凝结于心，用笔表露于纸，就是绘画艺术创作的真情流露。艺术创作需要积淀，不管是理论知识还是技法水平，都需要反复推陈出新，这个过程证明了“为什么以前的作品没现在的耐看”。人画俱老不无道理，一个阶段有一个阶段气质，一个阶段有一个阶段的收获。
二、中国绘画和西方绘画的艺术特点
众所周知，学习绘画是一个漫长而又艰辛的过程。从零开始学习到能够自己创作，是非常困难的。就像绕着圈圈往上走一样，循环往复地做着脑力和体力的劳动，每个技法点都要经过重复的练习才能有自己真正的体会，为后面的创作所用。画画是一条小道，但它又能通向大道，一个点、一条线、一个面都是在不断地练习中赋予它生命的意义。起初的一笔很简单，在后面的创作中，一笔就是精华，集合了前期训练过程中的能量。从临摹、写生到创作是整个绘画艺术的学习过程，只有经过这样三个阶段的严格训练，画画水平才会水到渠成。这里把绘画的艺术分为东方中国画和西方油画两种艺术形式来讲，它们各有其艺术魅力，创作方式也有异曲同工之妙。
（一）中国画的艺术特点
中国画是东方艺术的瑰宝，千年的文化传承使它成为独树一帜的特有符号，而且源远流长。历朝历代的文人艺术家们，将这种特殊的运用毛笔和墨汁表现语言形式的技法把玩得淋漓尽致，游刃有余。这种以书入画的技法和诗意化的意境追求，恰如其分地将诗、书、画完美合合而为一。中国画是天人合一的哲学境界，将中国固有的“儒、释、道”精髓融化在画中，又结合大自然的灵气升华于创作中。作为中国画的学者都知道“临摹—写生—创作”是学习中国画的三大必修课程。临摹是学习古典大师的经典之作，体会传统笔墨的基本技法；写生是在临摹的基础上走到大自然中去，向大自然学习。既要用传统的笔墨语言，又要根据自己的积累、体会画出真情实感，成功的写生就是创作。而创作是所学艺术结晶的灵感迸发，就在一刹那间，突然抓住了触碰自己心灵的那根弦，用所学的扎实基本功表现在宣纸上。这三者是承接关系，各有其学问，因此，要学好中国画缺一不可。现将在临摹和写生的基础上，漫谈中国画的创作技法。
人物画、山水画、花鸟画是中国画的三大科目，都有着各自的艺术语言和创作思路，想要有好的创作都不容易。就拿山水画来说，假如是主题创作，只有一张白色的宣纸，要创作出和主题相关的国画作品，必须有自己的一套方法。一般是以一首诗或者一句锦言作为创作主题，然后分析诗句大意，将其中所出现的事物提炼出来，在脑海中构思出一幅有意境的画；接着是打草稿，按照创作用纸尺幅的比例，在小的白色纸上用铅笔勾勒出草图，草图必须是按照后面要出现的水墨效果来描绘，构图、布白、用色等都要考虑进去，工笔画要做工细些，写意画可以适当放松些。按照草图进入正式的创作经营阶段，工具就是传统的“狼毫毛笔”。所谓创作就要体现个人风格，不管是工笔画还是写意画都是建立在传统技法基础上的创新，画面个性的体现很重要，所以要确立一种风格。笔墨技巧能展现时代气息的水墨语言。在下第一笔时就要开始控制画的部分和整体画面的关系。谢赫六法中讲到“经营位置”就是画面局部与整体的协调关系，对画面效果的控制非常重要，画者基本是以个人经验来处理画面的，因此需要加强对艺术标准的审美修养，平时不仅要画得多，还要看得多，这样画面才有内容可看。一般先表现的是主体物，这是实处理，要求运用传统的笔法和墨法并能够体现出古典绘画的基本技法。画面需要拉层次，尤其是山水画，需要把近景、中景和远景分出空间感来，使人感觉自己身临其境。意境的处理要做到气韵生动，这是画面气息的高标准，也是很难做到的部分，因此后面收尾的虚处理就显得很精妙。画实容易画虚难，画面的虚处理能烘托出前面实的部分，形成对比而又融为一体。一幅作品在创作完成之后，必需将其悬挂起来进行调整，细节不够的要加内容；四边、四角要进行疏密关系的调整等。总之，要创作出一幅好的国画作品需要时间与精力的投入，现在有的艺术家用一到两年的时间才创作出一幅作品来参加展览，可想而知，其投入的功夫不是一朝一夕的。
（二）西方绘画的艺术特点
西方的绘画艺术中，许多典型的油画作品是从现实生活中获取的。油画分为静物画、人物画和风景画，文艺复兴时期的古典大师的作品很多是由写生而来，并非是凭空创作；后来发展到很多独立的艺术家创立了新的画派，如莫奈代表的“印象派”，马蒂斯代表的“野兽派”，梵高代表的“后印象主义”，毕加索代表的“立体主义”等。作为艺术家，想象力是很重要的，这些画家都是通过自己的感受用自己独特的绘画表现语言创作拥有个性品位的经典作品。如何创作西画艺术在书目上虽然没有详细的技法体系记录，但通过对大师作品的品读，还是能总结出一些共性的方法。西画的创作也要确立一个主题，在一张空白的画布上进行设计。构成关系的分割能够使复杂的物体组合简单化，把画面分成大小不等的不规则几何图形，在这些几何图形中安排所需要绘制的内容，就会很合理地把所要表现的事物结构出来，这是平面分割法。接着根据自己所要表现的事物，或勾线，或塑造，或创意色彩，围绕主题摆放物体。这里用叠加的方法来表现空间关系，当一个物体阻挡了另一个物体，它们之间就有了前后的距离感，叠得越多，景深感就越强，层层推进。构图的主次关系很重要，主体物考虑设计中多放置物体，距离紧密；相配合的部分放置较少，距离较远，如此，画面就有了轻重对比。其表现手法有两种，要么勾线、平涂色彩构成作品；要么结合古典的写实手法塑造画面，画出超现实主义的空间美感来。当主题内容不够多的时候，可以用“重复”物体的方法来使画中内容丰富有序列感。最后，整体画面“黑、白、灰”的控制必须有协调感，使画面像天籁般的音乐一样富有变化的节奏感。
三、结语
王伯敏先生有句名言：法尽理无尽，理尽法又生。画法原无限，至关天地情。艺术可以海纳百川，容纳世间万物，不管是中画还是西画，虽表现的形式多样，但艺术的道理相通。它不仅仅是技法的综合，还可以上升到“道”的层面，它可以作为人生的信仰而存在。绘画的创作是艺术家本真的感情流露，不管是哪种艺术门类都需要娴熟的技法和广博的见识。经典作品能经过大浪淘沙流传下来不是偶然的，这些是先辈艺术家们呕心沥血的结晶，能够成为历史传承的标准。现代艺术家也要追随前辈们的足迹，苦练基本功，在创作的道路上勇攀高峰。
（作者简介：吴晔峰，男，无锡工艺职业技术学院，讲师，研究方向：绘画艺术）（责任编辑 葛星星）
关键词：绘画创作 中国画 西方绘画
一、外师造化，中得心源
绘画艺术是我国传统文化之一，当翻开一页页经典画册，总有一种道不尽说不清的愉悦，那长短粗细的优美线条，那纵横交错的笔触肌理，那丰富多彩的高级颜色，沉浸下去，俨然觉得艺无止境。绘画就像“爬不完的山丘”，在循环往复中不断积累能量，厚积而薄发。中国有句学画画的经典古语，即“外师造化，中得心源”，以古典大师们的作品作为学习的榜样，是外师造化；以大自然为师，也是外师造化。向大师学习，向大自然学习，从中切身得到感悟，把它凝结于心，用笔表露于纸，就是绘画艺术创作的真情流露。艺术创作需要积淀，不管是理论知识还是技法水平，都需要反复推陈出新，这个过程证明了“为什么以前的作品没现在的耐看”。人画俱老不无道理，一个阶段有一个阶段气质，一个阶段有一个阶段的收获。
二、中国绘画和西方绘画的艺术特点
众所周知，学习绘画是一个漫长而又艰辛的过程。从零开始学习到能够自己创作，是非常困难的。就像绕着圈圈往上走一样，循环往复地做着脑力和体力的劳动，每个技法点都要经过重复的练习才能有自己真正的体会，为后面的创作所用。画画是一条小道，但它又能通向大道，一个点、一条线、一个面都是在不断地练习中赋予它生命的意义。起初的一笔很简单，在后面的创作中，一笔就是精华，集合了前期训练过程中的能量。从临摹、写生到创作是整个绘画艺术的学习过程，只有经过这样三个阶段的严格训练，画画水平才会水到渠成。这里把绘画的艺术分为东方中国画和西方油画两种艺术形式来讲，它们各有其艺术魅力，创作方式也有异曲同工之妙。
（一）中国画的艺术特点
中国画是东方艺术的瑰宝，千年的文化传承使它成为独树一帜的特有符号，而且源远流长。历朝历代的文人艺术家们，将这种特殊的运用毛笔和墨汁表现语言形式的技法把玩得淋漓尽致，游刃有余。这种以书入画的技法和诗意化的意境追求，恰如其分地将诗、书、画完美合合而为一。中国画是天人合一的哲学境界，将中国固有的“儒、释、道”精髓融化在画中，又结合大自然的灵气升华于创作中。作为中国画的学者都知道“临摹—写生—创作”是学习中国画的三大必修课程。临摹是学习古典大师的经典之作，体会传统笔墨的基本技法；写生是在临摹的基础上走到大自然中去，向大自然学习。既要用传统的笔墨语言，又要根据自己的积累、体会画出真情实感，成功的写生就是创作。而创作是所学艺术结晶的灵感迸发，就在一刹那间，突然抓住了触碰自己心灵的那根弦，用所学的扎实基本功表现在宣纸上。这三者是承接关系，各有其学问，因此，要学好中国画缺一不可。现将在临摹和写生的基础上，漫谈中国画的创作技法。
人物画、山水画、花鸟画是中国画的三大科目，都有着各自的艺术语言和创作思路，想要有好的创作都不容易。就拿山水画来说，假如是主题创作，只有一张白色的宣纸，要创作出和主题相关的国画作品，必须有自己的一套方法。一般是以一首诗或者一句锦言作为创作主题，然后分析诗句大意，将其中所出现的事物提炼出来，在脑海中构思出一幅有意境的画；接着是打草稿，按照创作用纸尺幅的比例，在小的白色纸上用铅笔勾勒出草图，草图必须是按照后面要出现的水墨效果来描绘，构图、布白、用色等都要考虑进去，工笔画要做工细些，写意画可以适当放松些。按照草图进入正式的创作经营阶段，工具就是传统的“狼毫毛笔”。所谓创作就要体现个人风格，不管是工笔画还是写意画都是建立在传统技法基础上的创新，画面个性的体现很重要，所以要确立一种风格。笔墨技巧能展现时代气息的水墨语言。在下第一笔时就要开始控制画的部分和整体画面的关系。谢赫六法中讲到“经营位置”就是画面局部与整体的协调关系，对画面效果的控制非常重要，画者基本是以个人经验来处理画面的，因此需要加强对艺术标准的审美修养，平时不仅要画得多，还要看得多，这样画面才有内容可看。一般先表现的是主体物，这是实处理，要求运用传统的笔法和墨法并能够体现出古典绘画的基本技法。画面需要拉层次，尤其是山水画，需要把近景、中景和远景分出空间感来，使人感觉自己身临其境。意境的处理要做到气韵生动，这是画面气息的高标准，也是很难做到的部分，因此后面收尾的虚处理就显得很精妙。画实容易画虚难，画面的虚处理能烘托出前面实的部分，形成对比而又融为一体。一幅作品在创作完成之后，必需将其悬挂起来进行调整，细节不够的要加内容；四边、四角要进行疏密关系的调整等。总之，要创作出一幅好的国画作品需要时间与精力的投入，现在有的艺术家用一到两年的时间才创作出一幅作品来参加展览，可想而知，其投入的功夫不是一朝一夕的。
（二）西方绘画的艺术特点
西方的绘画艺术中，许多典型的油画作品是从现实生活中获取的。油画分为静物画、人物画和风景画，文艺复兴时期的古典大师的作品很多是由写生而来，并非是凭空创作；后来发展到很多独立的艺术家创立了新的画派，如莫奈代表的“印象派”，马蒂斯代表的“野兽派”，梵高代表的“后印象主义”，毕加索代表的“立体主义”等。作为艺术家，想象力是很重要的，这些画家都是通过自己的感受用自己独特的绘画表现语言创作拥有个性品位的经典作品。如何创作西画艺术在书目上虽然没有详细的技法体系记录，但通过对大师作品的品读，还是能总结出一些共性的方法。西画的创作也要确立一个主题，在一张空白的画布上进行设计。构成关系的分割能够使复杂的物体组合简单化，把画面分成大小不等的不规则几何图形，在这些几何图形中安排所需要绘制的内容，就会很合理地把所要表现的事物结构出来，这是平面分割法。接着根据自己所要表现的事物，或勾线，或塑造，或创意色彩，围绕主题摆放物体。这里用叠加的方法来表现空间关系，当一个物体阻挡了另一个物体，它们之间就有了前后的距离感，叠得越多，景深感就越强，层层推进。构图的主次关系很重要，主体物考虑设计中多放置物体，距离紧密；相配合的部分放置较少，距离较远，如此，画面就有了轻重对比。其表现手法有两种，要么勾线、平涂色彩构成作品；要么结合古典的写实手法塑造画面，画出超现实主义的空间美感来。当主题内容不够多的时候，可以用“重复”物体的方法来使画中内容丰富有序列感。最后，整体画面“黑、白、灰”的控制必须有协调感，使画面像天籁般的音乐一样富有变化的节奏感。
三、结语
王伯敏先生有句名言：法尽理无尽，理尽法又生。画法原无限，至关天地情。艺术可以海纳百川，容纳世间万物，不管是中画还是西画，虽表现的形式多样，但艺术的道理相通。它不仅仅是技法的综合，还可以上升到“道”的层面，它可以作为人生的信仰而存在。绘画的创作是艺术家本真的感情流露，不管是哪种艺术门类都需要娴熟的技法和广博的见识。经典作品能经过大浪淘沙流传下来不是偶然的，这些是先辈艺术家们呕心沥血的结晶，能够成为历史传承的标准。现代艺术家也要追随前辈们的足迹，苦练基本功，在创作的道路上勇攀高峰。
（作者简介：吴晔峰，男，无锡工艺职业技术学院，讲师，研究方向：绘画艺术）（责任编辑 葛星星）