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2012年9月在美国纽约现代艺术博物馆（MoMA）开幕的展览——“表演历史I”（Performing Histories I）将在今年8月落下帷幕。展览展出的7位艺术家的9件作品，都在近期成为纽约现代艺术博物馆馆藏，从个人史和社会史的角度，以不同形式探索了文本历史和口述史。这些作品既有真实的记录，也有基于事实的虚构呈现出多样化的创作背景，其中有关西方势力和殖民社会的关系、政治叙事的重构、个人和公共历史的角色，以及现代主义留给后人的遗产等多种思考。艺术家在检视自己的文化、社会和个人史的同时，也提出值得深思的问题：历史如何构建，又如何鉴古明今。
这7位艺术家包括罗马尼亚艺术家艾恩·格林格瑞修（Ion Grigorescu，1945年生）、阿尔及利亚裔法国艺术家卡代尔·阿提亚（Kader Attia，1970年生），美国艺术家安德烈·弗雷泽（Andrea Fraser， 1965年生）、莎伦·海耶斯（Sharon Hayes，1970年生）和玛莎·罗斯勒（Martha Rosler，1943年生），奥地利艺术家多莉特·玛格瑞特（Dorit Margreiter，1967年生）以及立陶宛艺术家德曼塔斯·纳尔科维休斯（Deimantas Narkeviius，1964年生）。
艾恩·格林格瑞修是罗马尼亚最早的观念艺术家之一，主张将艺术活动与日常生活紧密地结合在一起。由于20世纪70年代的罗马尼亚被严格的意识形态所控制，格林格瑞修的绝大多数影片，都是由他独自一人在公寓里拍摄。作品《拳击》（Boxing，1977年）运用了二次曝光技术。片中，赤身裸体的艺术家在凌乱的居室里疯狂地与自己的影子搏斗。这种双重和分裂也体现在《与齐奥塞斯库对话》（Dialogue With Ceausescu，1978年）中：格林格瑞修和由他本人扮演的罗马尼亚前总统、独裁者尼古拉·齐奥塞斯库进行了一段假想的对话。为了弥补没有声音的缺憾，格林格瑞修将对话者的对白叠加在他们的身体上，让他们看似囚禁在自己的话语中。
立陶宛艺术家德曼塔斯·纳尔科维休斯最初接受的是雕塑训练，主要创作叙事性的作品。《曾经在20世纪》（Once in the XX Century， 2004年）以1991年立陶宛移除列宁雕像事件为基础，呈现了一尊列宁雕像被拆除和移走的过程，同时还记录了在一旁观看的欢乐雀跃的人群。20世纪末，东欧社会主义体制的消亡导致了许多类似的纪念性建筑物被移除，而举手致意的列宁雕像被悬吊在人群之上的图像，成为苏联解体和共产主义失败的象征。艺术家有意将图像编辑为看似群众正在为庆祝雕塑的安放做准备，暗喻了历史上的政权更替，以及国民对新旧政治、经济体系的期盼和否认态度。
相比纳尔科维休斯的警世寓言般的录像作品，维也纳艺术家多莉特·玛格瑞特的多媒体装置Zentrum（2004年～至今），则在赋予沦为过去的现代主义理想新的生命。作品用模糊的16毫米黑白胶片，记录了她的工作人员在一座现代主义建筑上，将具有反光性的箔片贴在用废弃的霓虹灯拼成的单词“Brhlzentrum”之上，重新制造出已经消失的现代主义乌托邦的光晕。“Brhlzentrum”是20世纪60年代在东德莱比锡城实施的社会主义住房建造计划，这个过去曾是集居住和购物于一体的建筑典范，如今已沦为废墟。而连同录像一并展出的3幅海报，则呈现了玛格瑞特的“zentrum”字体，这种字体受到20世纪20年代的新排版运动的启发，让人想起现代主义的乌托邦式的目标和理想。
创作录像、装置、照片文字和表演艺术的玛莎·罗斯勒，是美国著名的政治艺术家，关注日常生活和公共领域，作品通常着眼于女性的生活经验。《她每天都看到一个新的自己》（She Sees in Herself a New Woman Every Day， 1976年）拍摄了12幅她穿着不同鞋子的脚的彩色照片，用栅格的方式排列在地板上，同时还配有一段17分钟长的录音独白，记录了罗斯勒以鞋为主题展开的一段与母亲的假想谈话。这件作品通过重新审视自己的复杂过去——年轻的犹太成年女人与母亲的关系，思考了性别认同。她以历数童年时羡慕的母亲的“好鞋”为开始，回忆起难以忘怀、不堪回首的往事：她的母亲总让她穿尺码过大的红色雨靴，或在发现她抽烟时就用鞋子打她的头。这件作品的叙事性结构，捕捉和体现了两代犹太女人就女性应当如何思与行而产生的复杂隔阂。
美国多媒体艺术家莎伦·海耶斯的挑衅传统观念的媒体装置作品，使她在当代艺术界中获得重要地位。此次在展览中呈现的录像作品《讲解员项目》（The Interpreter Project，2001年），显示在4台显示器上。海耶斯站在著名美国女性人物——克拉拉·巴顿、玛丽·麦克劳德·白求恩、埃莉诺·罗斯福、玛吉·沃克的故居外，用平淡单一的声调复述她从耳机中听到的有关这些女性的生活和贡献的“解说词”，以此讨论“女性化”的历史叙述的构成，及其在重述中所产生的改变。
阿尔及利亚裔法国艺术家卡代尔·阿提亚和美国制度性批判艺术家安德烈·弗雷泽的作品则思考了殖民主义、西方美学和博物馆结构。卡代尔·阿提亚创作的双屏幕幻灯片《睁开你的双眼》（Open Your Eyes，2010年），一边是将因战争毁容的人接受整形前后的照片，一边是收藏在西方博物馆中的经过修复的非洲面具、雕像和物品。阿提亚在作品中，变身为历史学家、考古学家和民族学者，思考“修复”这个概念：非洲社会从破旧中创新，而西方则试图“让万物复归其位”，以达尽善尽美。
以批评制度的作品而闻名安德烈·弗雷泽，其双轨影像作品《女战士》（Soldadera，1998年/2001年）讨论了拉丁美洲艺术家和他们的西方赞助人之间的复杂关系；布置在此次展览的媒体和行为艺术展厅入口处的《艺术的公众生活：博物馆》（The Public Life of Art： The Museum，1988～1989年），则着重关注了政治和博物馆。该作拍摄于大都会艺术博物馆和现代艺术博物馆，是弗雷泽首次为录像作品进行的表演，讨论了艺术博物馆的社会历史，涵盖了从赞助人到经济社会政策等内容。她从该作开始明确表现艺术博物馆的社会史、艺术赞助和经济社会政策，以及它们的形成和影响影响制度变更的方式。
此次展览没有既定的参观路线，观众可以在展厅交错曲折的陈列中，欣赏一系列风格迥异的装置作品。“表演历史I”结束后将开幕的第二部分——“表演历史II”，为观众带来埃及艺术家韦尔·肖凯（Wael Shawky，1971年生）和中国艺术家陈劭雄（1962年生）的作品，展期将于今年10月结束。
这7位艺术家包括罗马尼亚艺术家艾恩·格林格瑞修（Ion Grigorescu，1945年生）、阿尔及利亚裔法国艺术家卡代尔·阿提亚（Kader Attia，1970年生），美国艺术家安德烈·弗雷泽（Andrea Fraser， 1965年生）、莎伦·海耶斯（Sharon Hayes，1970年生）和玛莎·罗斯勒（Martha Rosler，1943年生），奥地利艺术家多莉特·玛格瑞特（Dorit Margreiter，1967年生）以及立陶宛艺术家德曼塔斯·纳尔科维休斯（Deimantas Narkeviius，1964年生）。
艾恩·格林格瑞修是罗马尼亚最早的观念艺术家之一，主张将艺术活动与日常生活紧密地结合在一起。由于20世纪70年代的罗马尼亚被严格的意识形态所控制，格林格瑞修的绝大多数影片，都是由他独自一人在公寓里拍摄。作品《拳击》（Boxing，1977年）运用了二次曝光技术。片中，赤身裸体的艺术家在凌乱的居室里疯狂地与自己的影子搏斗。这种双重和分裂也体现在《与齐奥塞斯库对话》（Dialogue With Ceausescu，1978年）中：格林格瑞修和由他本人扮演的罗马尼亚前总统、独裁者尼古拉·齐奥塞斯库进行了一段假想的对话。为了弥补没有声音的缺憾，格林格瑞修将对话者的对白叠加在他们的身体上，让他们看似囚禁在自己的话语中。
立陶宛艺术家德曼塔斯·纳尔科维休斯最初接受的是雕塑训练，主要创作叙事性的作品。《曾经在20世纪》（Once in the XX Century， 2004年）以1991年立陶宛移除列宁雕像事件为基础，呈现了一尊列宁雕像被拆除和移走的过程，同时还记录了在一旁观看的欢乐雀跃的人群。20世纪末，东欧社会主义体制的消亡导致了许多类似的纪念性建筑物被移除，而举手致意的列宁雕像被悬吊在人群之上的图像，成为苏联解体和共产主义失败的象征。艺术家有意将图像编辑为看似群众正在为庆祝雕塑的安放做准备，暗喻了历史上的政权更替，以及国民对新旧政治、经济体系的期盼和否认态度。
相比纳尔科维休斯的警世寓言般的录像作品，维也纳艺术家多莉特·玛格瑞特的多媒体装置Zentrum（2004年～至今），则在赋予沦为过去的现代主义理想新的生命。作品用模糊的16毫米黑白胶片，记录了她的工作人员在一座现代主义建筑上，将具有反光性的箔片贴在用废弃的霓虹灯拼成的单词“Brhlzentrum”之上，重新制造出已经消失的现代主义乌托邦的光晕。“Brhlzentrum”是20世纪60年代在东德莱比锡城实施的社会主义住房建造计划，这个过去曾是集居住和购物于一体的建筑典范，如今已沦为废墟。而连同录像一并展出的3幅海报，则呈现了玛格瑞特的“zentrum”字体，这种字体受到20世纪20年代的新排版运动的启发，让人想起现代主义的乌托邦式的目标和理想。
创作录像、装置、照片文字和表演艺术的玛莎·罗斯勒，是美国著名的政治艺术家，关注日常生活和公共领域，作品通常着眼于女性的生活经验。《她每天都看到一个新的自己》（She Sees in Herself a New Woman Every Day， 1976年）拍摄了12幅她穿着不同鞋子的脚的彩色照片，用栅格的方式排列在地板上，同时还配有一段17分钟长的录音独白，记录了罗斯勒以鞋为主题展开的一段与母亲的假想谈话。这件作品通过重新审视自己的复杂过去——年轻的犹太成年女人与母亲的关系，思考了性别认同。她以历数童年时羡慕的母亲的“好鞋”为开始，回忆起难以忘怀、不堪回首的往事：她的母亲总让她穿尺码过大的红色雨靴，或在发现她抽烟时就用鞋子打她的头。这件作品的叙事性结构，捕捉和体现了两代犹太女人就女性应当如何思与行而产生的复杂隔阂。
美国多媒体艺术家莎伦·海耶斯的挑衅传统观念的媒体装置作品，使她在当代艺术界中获得重要地位。此次在展览中呈现的录像作品《讲解员项目》（The Interpreter Project，2001年），显示在4台显示器上。海耶斯站在著名美国女性人物——克拉拉·巴顿、玛丽·麦克劳德·白求恩、埃莉诺·罗斯福、玛吉·沃克的故居外，用平淡单一的声调复述她从耳机中听到的有关这些女性的生活和贡献的“解说词”，以此讨论“女性化”的历史叙述的构成，及其在重述中所产生的改变。
阿尔及利亚裔法国艺术家卡代尔·阿提亚和美国制度性批判艺术家安德烈·弗雷泽的作品则思考了殖民主义、西方美学和博物馆结构。卡代尔·阿提亚创作的双屏幕幻灯片《睁开你的双眼》（Open Your Eyes，2010年），一边是将因战争毁容的人接受整形前后的照片，一边是收藏在西方博物馆中的经过修复的非洲面具、雕像和物品。阿提亚在作品中，变身为历史学家、考古学家和民族学者，思考“修复”这个概念：非洲社会从破旧中创新，而西方则试图“让万物复归其位”，以达尽善尽美。
以批评制度的作品而闻名安德烈·弗雷泽，其双轨影像作品《女战士》（Soldadera，1998年/2001年）讨论了拉丁美洲艺术家和他们的西方赞助人之间的复杂关系；布置在此次展览的媒体和行为艺术展厅入口处的《艺术的公众生活：博物馆》（The Public Life of Art： The Museum，1988～1989年），则着重关注了政治和博物馆。该作拍摄于大都会艺术博物馆和现代艺术博物馆，是弗雷泽首次为录像作品进行的表演，讨论了艺术博物馆的社会历史，涵盖了从赞助人到经济社会政策等内容。她从该作开始明确表现艺术博物馆的社会史、艺术赞助和经济社会政策，以及它们的形成和影响影响制度变更的方式。
此次展览没有既定的参观路线，观众可以在展厅交错曲折的陈列中，欣赏一系列风格迥异的装置作品。“表演历史I”结束后将开幕的第二部分——“表演历史II”，为观众带来埃及艺术家韦尔·肖凯（Wael Shawky，1971年生）和中国艺术家陈劭雄（1962年生）的作品，展期将于今年10月结束。