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[摘要]歌唱性的演奏效果，是钢琴演奏的目标之一，更是高质量演奏的具体表现。因此在钢琴训练中，不能仅追求技术和速度，而是要将如歌的演奏视为重要的追求。鉴于此，本文从钢琴演奏歌唱性效果的含义谈起，就具体的训练途径进行了分析，以期获得更加深刻的认识。
[关键词]钢琴演奏；歌唱性效果；训练途径
中图分类号：J624文献标志码：A文章编号：1007-2233（2016）06-0051-02
一、钢琴演奏歌唱性效果的含义
中国古典文艺著述《毛诗序》说：“情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故咏歌之。”这里的“咏歌”就是指的歌唱，即歌唱是人们抒发情感的一种自觉主动的行为。同时，魏晋时代，《世说新语》又有“丝不如竹，竹不如肉”的说法。通俗地说就是在音乐表现力方面，弦乐器不如管乐器，而管乐器又不如人的歌喉。通过以上两个观点可以看出，人的歌喉是最精妙的情感表现工具，歌唱也是最自然的情感抒发方式。而且在人类的音乐发展历史中，很长一段时期内都是以声乐艺术为主，随着物质生产的发展，才逐渐出现了器乐。器乐从本质上来说，乃是用技术手段对人类在歌唱中的音乐思维、情绪和情感的深化和多样化。所以包含钢琴在内的多种乐器，都将如歌的表现效果视为一个重要的追求，利用琴键来表现出歌唱时那种情态、美感和韵味。
二、钢琴演奏中歌唱性效果的获得途径
1.全面的作品分析
钢琴演奏是一种二度创作，作为演奏者来说，要想演奏好作品并获得如歌的演奏效果，则必须要以对作品的全面分析为前提。如果连作品的基本风格、主要内容都不熟悉的话，歌唱性的表现作品也就成为了空谈。具体来说，这种全面分析包含以下几个环节。首先是文案分析。包含作品的时代背景、作者的个人信息、作品的主要风格等，由此获得对作品最初的认识。其次是技术分析。即从曲式、和声、节奏、旋律等角度，对作品进行由表及里的全面把握。再次是演唱作品。要想弹出歌唱性的效果，自然要先演唱作品。在具体的演唱中，对演唱技术方面并不作要求，假声、哼鸣均可，但是一定是投入的、有感情的演唱，为后续的演奏打下良好的基础。最后是尝试演奏。在对作品初步了解基础上，带着自己的认识和感悟试着演奏作品，感受实际的演奏效果与自己的预想效果有怎样的差距，并进行有针对性的调整。以门德尔松的无词歌为例。门德尔松是浪漫主义时期的音乐家，因为家境优越，使他不必向其他音乐家一样为生计而发愁，所以他的作品普遍呈现出了自然、轻松、温暖的特点。无词歌是门德尔松独创的一种钢琴体裁，属于钢琴小品的范畴，其篇幅短小，技法凝练，情感充沛。特别是“无词歌”这个名字，顾名思义就是没有歌词的歌，表明了门德尔松是将钢琴曲当做声乐曲来创作的，体现出了浪漫主义音乐所推崇的器乐声乐化追求。从技术角度来看，在旋律方面，音域普遍在人声歌唱范围内，且有着精致的伴奏。在曲式方面，多使用单三部曲式，并根据具体的表现需要进行了灵活的创新。在和声方面，主要表现为古典主义和浪漫主义两种色彩兼具。有的作品的和声使用，严格按照大小调体系的传统功能性进行。有的作品则根据器乐人声化的需要进行了革新。比如其经常使用背景式和声，既使背景氛围得到了营造，又使得歌唱性得到了突出。通过这一系列的分析之后，演奏者也就对作品有了全面而细致的把握，并初步形成了如何表现歌唱性的方案。
2.扎实的演奏技术
钢琴演奏是一门艺术，同时也是一门技术。而有针对性的技术训练，同样也是获得歌唱性效果的重要保障。具体来说，主要应该加强以下几个方面的技术训练。首先是掌关节的支撑训练。要想使声音饱满圆润并富含穿透力，必须要加强对掌关节的训练，特别是手指、手腕、手臂、肩膀的协调，掌握好紧张和放松的关系。其次是手腕的弹性训练。手腕是连接手掌和手臂的一座桥梁，起着重要的调节功能。在具体训练中，要注重手腕对手指交替过程中连接的辅助，在力量的输送和收敛方面起到扬、抑的作用。再次是重量弹奏法的训练。在歌唱性效果表现方面，重量弹奏法是十分适宜的，其能够获得具有共鸣的音色。在该种方法的具体训练中，第一要重点体会从肩膀到手臂自然下垂的重量，使重量能够顺畅的传递到指尖。第二要确保指关节能足够坚强，能够承受住传来的力量。第三是根据实际的表现需要，不断调整手指、手掌、手臂各部位的关系和位置，保证重量畅通无阻地到达琴键。最后是连奏的训练。连奏是歌唱性旋律中使用最多的演奏方法，对此应该予以着重训练。要求运用力量转移的方法，使手臂重量通过富有弹性的手腕调节，以及手腕和掌关节的缓冲控制落在指尖上，并把力量从一个指尖自然转移到另一个指尖，保证声音的流畅自如。通过有针对性的技术训练，使歌唱性效果的获得有最为坚实的保障。
3.良好的听觉能力
俄罗斯钢琴学派的著名导师戈登·维泽曾对富含歌唱性效果的演奏做出过形象的比喻，并强调了演奏者听觉能力的重要性。他认为钢琴演奏就像是转述一个故事，讲述者先听别人讲，然后再讲给更多的人听。对应到钢琴演奏中歌唱性效果方面，就是要求演奏者要多听，先听一些名师名家的演奏，学习演奏方法，感受演奏效果，然后以此作为自己演奏的标准，并在一次次训练中不断的提高。所以良好的内心听觉能力训练是尤为必要的。具体来说，首先是就是要多听。在聆听名师名家的演奏过程中，要一边听一般跟着哼唱，慢慢的熟悉作品，思考自己心中的理想效果是怎样的，名家名师的演奏是怎样的，两者之间又怎样的差异，如何看待这种差异等。虽然自己在短时间内难以达到这种水平，但是却通过不断的聆听和内心听觉的形成，在心中形成了一个较高的标准，并自觉按照这个标准而努力。其次是将内心听觉予以及时的记录。很多演奏者认为内心听觉具有较强的感性色彩，有一种只可意会不可言传的感觉。其实这是一种误区，越是难以形容和描述的，越应该予以及时和详尽的记录，使之成为重要的参考资料。在经过一段时期的训练之后，可以进行对比，每一次对比都是一次丰富和提高的过程。
4.丰厚的文化修养
近年来，伴随着钢琴艺术的普及和钢琴教育的发展，各个年龄段、各种程度的演奏者，都在演奏技术方面有了一定的提升。但是也正是这种对技术的过于强调，使得钢琴教育者和学习者，都忽略了文化修养对钢琴演奏的重要意义。因为钢琴并不是一种孤立的艺术，而是一个文化集合体，与历史、文学、美学、美术等多种学科都有着十分密切的关系，追求歌唱性的演奏效果，其实就是一种美学追求，只有具有一定艺术修养的演奏者，才能够真正体会到其中价值和意义，并形成自己个性化的认识和展示方式。所以应该树立起一种终身学习的理念，除了音乐本体知识以外，更要主动学习和音乐相关的一切文化知识，不断积累和提升自身的文化修养，这种文化上的积淀，将会对个人演奏质量的提升有着不可估量的影响。
综上所述，近年来，我国的钢琴事业取得了长足的进步，在钢琴创作、演奏和教学方面都获得了令世界瞩目的成就。越是在这一良好的势头下，越应该冷静下来对存在的一些问题进行全面的审视。通过分析可以看出，受到多种因素的影响，在钢琴演奏训练中，不少演奏者都存在着“求快”的错误认识，甚至有一些“炫技”的倾向，殊不知歌唱性效果的获得，才是高质量演奏效果的体现。诚如钢琴诗人肖邦所言：“钢琴演奏要让每一个音符都歌唱起来，方能触动人们的心弦。”所以在今后的钢琴演奏和教学中，无论是具有较高水平的演奏者还是初学者，都应该对歌唱性效果有充分的认识，把握好这一点，将会使自己的演奏获得质的飞跃和提升。
[参 考 文 献]
[1]苏娅.浅析钢琴演奏的歌唱性[J]. 通俗歌曲，2015（12）.
[2]杨洁.浅谈钢琴演奏中的歌唱性思维[J]. 黄河之声，2015（05）.
（责任编辑：魏琳琳）
[关键词]钢琴演奏；歌唱性效果；训练途径
中图分类号：J624文献标志码：A文章编号：1007-2233（2016）06-0051-02
一、钢琴演奏歌唱性效果的含义
中国古典文艺著述《毛诗序》说：“情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故咏歌之。”这里的“咏歌”就是指的歌唱，即歌唱是人们抒发情感的一种自觉主动的行为。同时，魏晋时代，《世说新语》又有“丝不如竹，竹不如肉”的说法。通俗地说就是在音乐表现力方面，弦乐器不如管乐器，而管乐器又不如人的歌喉。通过以上两个观点可以看出，人的歌喉是最精妙的情感表现工具，歌唱也是最自然的情感抒发方式。而且在人类的音乐发展历史中，很长一段时期内都是以声乐艺术为主，随着物质生产的发展，才逐渐出现了器乐。器乐从本质上来说，乃是用技术手段对人类在歌唱中的音乐思维、情绪和情感的深化和多样化。所以包含钢琴在内的多种乐器，都将如歌的表现效果视为一个重要的追求，利用琴键来表现出歌唱时那种情态、美感和韵味。
二、钢琴演奏中歌唱性效果的获得途径
1.全面的作品分析
钢琴演奏是一种二度创作，作为演奏者来说，要想演奏好作品并获得如歌的演奏效果，则必须要以对作品的全面分析为前提。如果连作品的基本风格、主要内容都不熟悉的话，歌唱性的表现作品也就成为了空谈。具体来说，这种全面分析包含以下几个环节。首先是文案分析。包含作品的时代背景、作者的个人信息、作品的主要风格等，由此获得对作品最初的认识。其次是技术分析。即从曲式、和声、节奏、旋律等角度，对作品进行由表及里的全面把握。再次是演唱作品。要想弹出歌唱性的效果，自然要先演唱作品。在具体的演唱中，对演唱技术方面并不作要求，假声、哼鸣均可，但是一定是投入的、有感情的演唱，为后续的演奏打下良好的基础。最后是尝试演奏。在对作品初步了解基础上，带着自己的认识和感悟试着演奏作品，感受实际的演奏效果与自己的预想效果有怎样的差距，并进行有针对性的调整。以门德尔松的无词歌为例。门德尔松是浪漫主义时期的音乐家，因为家境优越，使他不必向其他音乐家一样为生计而发愁，所以他的作品普遍呈现出了自然、轻松、温暖的特点。无词歌是门德尔松独创的一种钢琴体裁，属于钢琴小品的范畴，其篇幅短小，技法凝练，情感充沛。特别是“无词歌”这个名字，顾名思义就是没有歌词的歌，表明了门德尔松是将钢琴曲当做声乐曲来创作的，体现出了浪漫主义音乐所推崇的器乐声乐化追求。从技术角度来看，在旋律方面，音域普遍在人声歌唱范围内，且有着精致的伴奏。在曲式方面，多使用单三部曲式，并根据具体的表现需要进行了灵活的创新。在和声方面，主要表现为古典主义和浪漫主义两种色彩兼具。有的作品的和声使用，严格按照大小调体系的传统功能性进行。有的作品则根据器乐人声化的需要进行了革新。比如其经常使用背景式和声，既使背景氛围得到了营造，又使得歌唱性得到了突出。通过这一系列的分析之后，演奏者也就对作品有了全面而细致的把握，并初步形成了如何表现歌唱性的方案。
2.扎实的演奏技术
钢琴演奏是一门艺术，同时也是一门技术。而有针对性的技术训练，同样也是获得歌唱性效果的重要保障。具体来说，主要应该加强以下几个方面的技术训练。首先是掌关节的支撑训练。要想使声音饱满圆润并富含穿透力，必须要加强对掌关节的训练，特别是手指、手腕、手臂、肩膀的协调，掌握好紧张和放松的关系。其次是手腕的弹性训练。手腕是连接手掌和手臂的一座桥梁，起着重要的调节功能。在具体训练中，要注重手腕对手指交替过程中连接的辅助，在力量的输送和收敛方面起到扬、抑的作用。再次是重量弹奏法的训练。在歌唱性效果表现方面，重量弹奏法是十分适宜的，其能够获得具有共鸣的音色。在该种方法的具体训练中，第一要重点体会从肩膀到手臂自然下垂的重量，使重量能够顺畅的传递到指尖。第二要确保指关节能足够坚强，能够承受住传来的力量。第三是根据实际的表现需要，不断调整手指、手掌、手臂各部位的关系和位置，保证重量畅通无阻地到达琴键。最后是连奏的训练。连奏是歌唱性旋律中使用最多的演奏方法，对此应该予以着重训练。要求运用力量转移的方法，使手臂重量通过富有弹性的手腕调节，以及手腕和掌关节的缓冲控制落在指尖上，并把力量从一个指尖自然转移到另一个指尖，保证声音的流畅自如。通过有针对性的技术训练，使歌唱性效果的获得有最为坚实的保障。
3.良好的听觉能力
俄罗斯钢琴学派的著名导师戈登·维泽曾对富含歌唱性效果的演奏做出过形象的比喻，并强调了演奏者听觉能力的重要性。他认为钢琴演奏就像是转述一个故事，讲述者先听别人讲，然后再讲给更多的人听。对应到钢琴演奏中歌唱性效果方面，就是要求演奏者要多听，先听一些名师名家的演奏，学习演奏方法，感受演奏效果，然后以此作为自己演奏的标准，并在一次次训练中不断的提高。所以良好的内心听觉能力训练是尤为必要的。具体来说，首先是就是要多听。在聆听名师名家的演奏过程中，要一边听一般跟着哼唱，慢慢的熟悉作品，思考自己心中的理想效果是怎样的，名家名师的演奏是怎样的，两者之间又怎样的差异，如何看待这种差异等。虽然自己在短时间内难以达到这种水平，但是却通过不断的聆听和内心听觉的形成，在心中形成了一个较高的标准，并自觉按照这个标准而努力。其次是将内心听觉予以及时的记录。很多演奏者认为内心听觉具有较强的感性色彩，有一种只可意会不可言传的感觉。其实这是一种误区，越是难以形容和描述的，越应该予以及时和详尽的记录，使之成为重要的参考资料。在经过一段时期的训练之后，可以进行对比，每一次对比都是一次丰富和提高的过程。
4.丰厚的文化修养
近年来，伴随着钢琴艺术的普及和钢琴教育的发展，各个年龄段、各种程度的演奏者，都在演奏技术方面有了一定的提升。但是也正是这种对技术的过于强调，使得钢琴教育者和学习者，都忽略了文化修养对钢琴演奏的重要意义。因为钢琴并不是一种孤立的艺术，而是一个文化集合体，与历史、文学、美学、美术等多种学科都有着十分密切的关系，追求歌唱性的演奏效果，其实就是一种美学追求，只有具有一定艺术修养的演奏者，才能够真正体会到其中价值和意义，并形成自己个性化的认识和展示方式。所以应该树立起一种终身学习的理念，除了音乐本体知识以外，更要主动学习和音乐相关的一切文化知识，不断积累和提升自身的文化修养，这种文化上的积淀，将会对个人演奏质量的提升有着不可估量的影响。
综上所述，近年来，我国的钢琴事业取得了长足的进步，在钢琴创作、演奏和教学方面都获得了令世界瞩目的成就。越是在这一良好的势头下，越应该冷静下来对存在的一些问题进行全面的审视。通过分析可以看出，受到多种因素的影响，在钢琴演奏训练中，不少演奏者都存在着“求快”的错误认识，甚至有一些“炫技”的倾向，殊不知歌唱性效果的获得，才是高质量演奏效果的体现。诚如钢琴诗人肖邦所言：“钢琴演奏要让每一个音符都歌唱起来，方能触动人们的心弦。”所以在今后的钢琴演奏和教学中，无论是具有较高水平的演奏者还是初学者，都应该对歌唱性效果有充分的认识，把握好这一点，将会使自己的演奏获得质的飞跃和提升。
[参 考 文 献]
[1]苏娅.浅析钢琴演奏的歌唱性[J]. 通俗歌曲，2015（12）.
[2]杨洁.浅谈钢琴演奏中的歌唱性思维[J]. 黄河之声，2015（05）.
（责任编辑：魏琳琳）