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摘 要：从山水画的写生到山水画的创作，需要做好的前提准备就是写生，写生能更好地为创作打下良好坚实的基础，山水写生为创作积累经验与素材。我们从写生开始，感受自然，在大自然中搜寻美的形象，从而进行再创造，我们用我们自己独特的笔墨语言去表达我们对自然山水的敬畏，创作是对写生的一个综合的整理。本篇文章从自身的角度出发，对山水画从临摹开始的认识一直到写生，最后用创作的方式表达对山水的理解，循序渐进地将学到的和感受到的中国山水画进行整理。
关键词：临摹；传统；写生；创作
中国的传统绘画山水画，从魏晋南北朝至今已有一千五百年的历史了，不同朝代的画家所处的时代不同，他们对山川河流树木有着不同的感受，从而进行艺术创作，使山水画不断发展与变革着。先师古人，后师造化。山水画是传统的艺事，我们在学习山水画时候最初都是先临摹古人，熟悉掌握古人笔法与技法，扎实基础，最终化为己有，最后在创作中形成自己的风格，张大千先生曾说过：“临摹是学画的基础，临画如读书，所读之书绝非自己创造出来的，而是古人积累上百年甚或数千年的功夫造就出来。”山水画随着时代的变迁也在发生着变革，隋唐的青绿山水，到水墨山水，南北方的山水画派，宋代山水院体山水画，文人山水画等，一直发展至今。我们在临摹画作时候，可以轻而易举分析出他们画作的艺术特色。
一、临摹统山水的心得体会
在我所学习的过程中，首先，以清代以“四僧”开始。他们分别是弘仁、髡残、八大山人、石涛，四位活跃于明末清初的僧人画家，画史上合称他们为“四僧”。在中国的绘画史上清初四僧是一个非常重要的画派，他们借画表达他们对于自己的身世之感、抑郁苦闷之情以及对故国山河的眷恋，反映了文人画的强大精神，是中国文人画发展的高峰。在学习传统绘画的最初阶段老师让我临摹的是石涛的山水作品，在临摹石涛作品之前我先对石涛做了详细的生平了解，起初临摹我并不能理解石涛的笔墨，只是单纯照猫画虎，描摹于表面，描摹了一段时间，达到了一定的数量，我便开始研究起来石涛的笔墨，和他构图的章法。他将传统笔墨加以自己的理解与创造，从自然界吸收创作灵感，表现技法十分生动，他的用笔十分流畅，善于点苔，皴法也十分丰富，用墨讲究浓淡干湿相结合，墨色十分丰富，构图新奇，或全景式场面宏阔，或局部特写，景物突出，变幻无穷。画风新颖奇异，画面精心布局与编排，给后人无穷的想象空间。学习了石涛的山水画让我对中国传统水画有了更加深刻的理解与认识。为了更好地学习石涛的画面布局与编排，我开始用石涛的构图去从画古人，用现代人的思维将石涛的画作重新编排创作，为以后的创作做下良好的铺垫。石涛曾说过：“师古人之迹，不师古人之心，不能出人头地也，冤哉。”在临摹古人的画作的同时一定要了解古人的思想，不能只临摹笔墨上的皮毛，在我临摹这段时间的又一次的进步是学习临摹金陵八家之首龔贤山水画，龚贤以苍黑深厚、澄明虚静的艺术风格在清代画坛独树一帜。在临摹前首先读画，从早期的白龚发展到灰龚最后到黑龚的画风确立，龚贤用巧妙的黑白构造将画面布置最终形成自己的风格，他的用笔朴实浑厚，沉稳老辣，喜欢尖笔秃笔相结合使用，皴擦点苔十分有力，在用笔上他的艺术主张是“欲秀而老”，用笔有力简练而有变化，主张中锋用笔，让墨与笔达到充分的融合，这样画出来才饱满。龚贤在用墨上也十分讲究，喜欢用积墨的方法，一层层得积累墨迹，反复皴擦，点染，由浅入深，明暗处理的十分巧妙，山石树木在画面上相得益彰，画面饱满，同时也达到良好的意境。经过历代山水画家的多少年艺术实践，不论从技法上还是画面布置上，都使山水画得到了不断丰富与发展，艺术家们为我们后人留下了非常宝贵的遗产。
二、山水画的写生与创作
提到山水画的写生与创作，在处理它们二者的关系时候，一定要把它们作为一个有机的整体来看待，二者缺一不可，创作的同时离不开对景写生，写生是创作的最重要的一部分，如果我们想更好地表达自己的情感就应该对着实景，触景生情有感而发，才能创作出好的作品。我们借助山水画的语言形式，去表达自己内心的情感，在大自然中去寻找美的过程，而写生恰巧是我们去寻找美的过程中最关键的环节，通过对景写生，能够增强我们的创作意识，从大自然的真实景象挖掘出创作所想表达的情怀，我们在创作同时，对景物的筛选，画面的布局，以及笔墨与纸之间的相互融合，形成的最终效果与意境。写生与创作是相互转换的，若山水画缺少写生，那么，笔墨的完整性与发展自然会受到一定的制约，故写生和创作势必是紧密联系的。
（一）山水画写生的方式
山水画写生的方式有很多种，最常见的铅笔速写、水墨写生和默写。速写，顾名思义就是快速地勾勒出画面的内容和整体效果，当我们碰到了好的景色，用铅笔勾画出眼前的美景，用简练的概括的线条准确地对景物进行描画，速写需要有敏锐的洞察能力和删减能力，对景物进行编排，使画面在较短时间内表达出自然景物生动的一面。山水画写生过程中，水墨写生最为重要，用毛笔和墨水直接表现自然景物，水墨写生中最难的就是，驾驭笔和墨在宣纸上的表现力，墨色的浓淡干湿、笔与笔之间的墨色融合和水与墨色的偶然性，都使画面产生不同的效果与意境。经常进行山水画水墨写生，可以很好地为创作打下良好基础，我们用所学到的传统水墨，在自然中得到启示，从而形成自己独特的笔墨语言与创作风格。最后我们在创作的时候进行默写，把平时临摹或者看到的树木的长势、树叶的形状记下来，在创作中进行画面编排，所谓目识心记就是激发我们的创作灵感。默写的最大好处就是不必要对着景物一成不变地刻画，我们可以感性地对画面进行编排，也可以理性地进行分析，感性理性相结合，不受客观的景物与视觉的影响，构图新颖大胆地进行创作。
（二）山水画写生的步骤
山水画写生选景十分重要，不是所有美的景物都可以入画，也不是简陋古朴的地方入不了画，我们选择的地方要有艺术家所表达的气息，有想表达的内容。选定角度之后，不要着急着手画，要细心观察周围的一草一木，抓住重要景物表达，抓住景物的特色，让画面具有新鲜感，而不是一成不变像画照片一样。画和照片不一样，艺术价值更高，因为有艺术家的主观思想。在作画之前先定好整个画面气氛，是什么样的色调，如何用笔和用墨，如何处理好笔和墨，墨和水，水和笔三者之间关系，最后在画面布置上做好取舍。国画讲究气韵生动，使画面达到一个良好的效果，并不是看到什么画什么，要适当留白，也就是国画中最宝贵的地方。什么地方该画，什么地方空开，使画面看起来舒畅，既不堵死也不漏气，这就是山水写生的高明之处。最后进行画面的调整，该加重的地方，该用淡墨衬托的地方，达到最终的艺术家想表达的效果。
（三）山水画的创作
我的山水画创作是从太行山写生开始，初到太行，先了解了太行山的人文历史与地貌特征，对景写生，对景写生了一段时间能够充分了解太行山脉的山体特征，以及房屋的构造。太上山的房屋都是以瓦片构成，树木的品种比较多，大多高而挺拔，在进行创作同时，根据所看到的景色，找到适合自己的绘画语言来表达太行山的特色。在笔墨表现上，我大多用线勾勒的比较多，用水墨的面积较少，中锋用笔比较多，画面气氛显得拙气很重。在色彩运用上，我个人比较喜欢鲜艳的色彩来表达不同时间我所看到的太行，早中晚山体的颜色各不相同。在大幅创作时候，首先得进行画面构图，根据所看到的景色和照片等素材进行合理的画面安排，从而进行绘画创作。
山水画的创作过程也是我们对山水画意向生成的过程，意向是建立在我们对生活细心观察，对自然山水树木房屋的体会，从而有感而发。我们对山水感受的多少，与我们对山水情感的多少息息相关，所以在绘画创作的同时一定要多多体验生活，感受自然带给我们的美好。
参考文献：
[1]陈传席.中国山水画史[M].天津：天津美术出版社，2001.
作者单位：
内蒙古大学艺术学院美术系
关键词：临摹；传统；写生；创作
中国的传统绘画山水画，从魏晋南北朝至今已有一千五百年的历史了，不同朝代的画家所处的时代不同，他们对山川河流树木有着不同的感受，从而进行艺术创作，使山水画不断发展与变革着。先师古人，后师造化。山水画是传统的艺事，我们在学习山水画时候最初都是先临摹古人，熟悉掌握古人笔法与技法，扎实基础，最终化为己有，最后在创作中形成自己的风格，张大千先生曾说过：“临摹是学画的基础，临画如读书，所读之书绝非自己创造出来的，而是古人积累上百年甚或数千年的功夫造就出来。”山水画随着时代的变迁也在发生着变革，隋唐的青绿山水，到水墨山水，南北方的山水画派，宋代山水院体山水画，文人山水画等，一直发展至今。我们在临摹画作时候，可以轻而易举分析出他们画作的艺术特色。
一、临摹统山水的心得体会
在我所学习的过程中，首先，以清代以“四僧”开始。他们分别是弘仁、髡残、八大山人、石涛，四位活跃于明末清初的僧人画家，画史上合称他们为“四僧”。在中国的绘画史上清初四僧是一个非常重要的画派，他们借画表达他们对于自己的身世之感、抑郁苦闷之情以及对故国山河的眷恋，反映了文人画的强大精神，是中国文人画发展的高峰。在学习传统绘画的最初阶段老师让我临摹的是石涛的山水作品，在临摹石涛作品之前我先对石涛做了详细的生平了解，起初临摹我并不能理解石涛的笔墨，只是单纯照猫画虎，描摹于表面，描摹了一段时间，达到了一定的数量，我便开始研究起来石涛的笔墨，和他构图的章法。他将传统笔墨加以自己的理解与创造，从自然界吸收创作灵感，表现技法十分生动，他的用笔十分流畅，善于点苔，皴法也十分丰富，用墨讲究浓淡干湿相结合，墨色十分丰富，构图新奇，或全景式场面宏阔，或局部特写，景物突出，变幻无穷。画风新颖奇异，画面精心布局与编排，给后人无穷的想象空间。学习了石涛的山水画让我对中国传统水画有了更加深刻的理解与认识。为了更好地学习石涛的画面布局与编排，我开始用石涛的构图去从画古人，用现代人的思维将石涛的画作重新编排创作，为以后的创作做下良好的铺垫。石涛曾说过：“师古人之迹，不师古人之心，不能出人头地也，冤哉。”在临摹古人的画作的同时一定要了解古人的思想，不能只临摹笔墨上的皮毛，在我临摹这段时间的又一次的进步是学习临摹金陵八家之首龔贤山水画，龚贤以苍黑深厚、澄明虚静的艺术风格在清代画坛独树一帜。在临摹前首先读画，从早期的白龚发展到灰龚最后到黑龚的画风确立，龚贤用巧妙的黑白构造将画面布置最终形成自己的风格，他的用笔朴实浑厚，沉稳老辣，喜欢尖笔秃笔相结合使用，皴擦点苔十分有力，在用笔上他的艺术主张是“欲秀而老”，用笔有力简练而有变化，主张中锋用笔，让墨与笔达到充分的融合，这样画出来才饱满。龚贤在用墨上也十分讲究，喜欢用积墨的方法，一层层得积累墨迹，反复皴擦，点染，由浅入深，明暗处理的十分巧妙，山石树木在画面上相得益彰，画面饱满，同时也达到良好的意境。经过历代山水画家的多少年艺术实践，不论从技法上还是画面布置上，都使山水画得到了不断丰富与发展，艺术家们为我们后人留下了非常宝贵的遗产。
二、山水画的写生与创作
提到山水画的写生与创作，在处理它们二者的关系时候，一定要把它们作为一个有机的整体来看待，二者缺一不可，创作的同时离不开对景写生，写生是创作的最重要的一部分，如果我们想更好地表达自己的情感就应该对着实景，触景生情有感而发，才能创作出好的作品。我们借助山水画的语言形式，去表达自己内心的情感，在大自然中去寻找美的过程，而写生恰巧是我们去寻找美的过程中最关键的环节，通过对景写生，能够增强我们的创作意识，从大自然的真实景象挖掘出创作所想表达的情怀，我们在创作同时，对景物的筛选，画面的布局，以及笔墨与纸之间的相互融合，形成的最终效果与意境。写生与创作是相互转换的，若山水画缺少写生，那么，笔墨的完整性与发展自然会受到一定的制约，故写生和创作势必是紧密联系的。
（一）山水画写生的方式
山水画写生的方式有很多种，最常见的铅笔速写、水墨写生和默写。速写，顾名思义就是快速地勾勒出画面的内容和整体效果，当我们碰到了好的景色，用铅笔勾画出眼前的美景，用简练的概括的线条准确地对景物进行描画，速写需要有敏锐的洞察能力和删减能力，对景物进行编排，使画面在较短时间内表达出自然景物生动的一面。山水画写生过程中，水墨写生最为重要，用毛笔和墨水直接表现自然景物，水墨写生中最难的就是，驾驭笔和墨在宣纸上的表现力，墨色的浓淡干湿、笔与笔之间的墨色融合和水与墨色的偶然性，都使画面产生不同的效果与意境。经常进行山水画水墨写生，可以很好地为创作打下良好基础，我们用所学到的传统水墨，在自然中得到启示，从而形成自己独特的笔墨语言与创作风格。最后我们在创作的时候进行默写，把平时临摹或者看到的树木的长势、树叶的形状记下来，在创作中进行画面编排，所谓目识心记就是激发我们的创作灵感。默写的最大好处就是不必要对着景物一成不变地刻画，我们可以感性地对画面进行编排，也可以理性地进行分析，感性理性相结合，不受客观的景物与视觉的影响，构图新颖大胆地进行创作。
（二）山水画写生的步骤
山水画写生选景十分重要，不是所有美的景物都可以入画，也不是简陋古朴的地方入不了画，我们选择的地方要有艺术家所表达的气息，有想表达的内容。选定角度之后，不要着急着手画，要细心观察周围的一草一木，抓住重要景物表达，抓住景物的特色，让画面具有新鲜感，而不是一成不变像画照片一样。画和照片不一样，艺术价值更高，因为有艺术家的主观思想。在作画之前先定好整个画面气氛，是什么样的色调，如何用笔和用墨，如何处理好笔和墨，墨和水，水和笔三者之间关系，最后在画面布置上做好取舍。国画讲究气韵生动，使画面达到一个良好的效果，并不是看到什么画什么，要适当留白，也就是国画中最宝贵的地方。什么地方该画，什么地方空开，使画面看起来舒畅，既不堵死也不漏气，这就是山水写生的高明之处。最后进行画面的调整，该加重的地方，该用淡墨衬托的地方，达到最终的艺术家想表达的效果。
（三）山水画的创作
我的山水画创作是从太行山写生开始，初到太行，先了解了太行山的人文历史与地貌特征，对景写生，对景写生了一段时间能够充分了解太行山脉的山体特征，以及房屋的构造。太上山的房屋都是以瓦片构成，树木的品种比较多，大多高而挺拔，在进行创作同时，根据所看到的景色，找到适合自己的绘画语言来表达太行山的特色。在笔墨表现上，我大多用线勾勒的比较多，用水墨的面积较少，中锋用笔比较多，画面气氛显得拙气很重。在色彩运用上，我个人比较喜欢鲜艳的色彩来表达不同时间我所看到的太行，早中晚山体的颜色各不相同。在大幅创作时候，首先得进行画面构图，根据所看到的景色和照片等素材进行合理的画面安排，从而进行绘画创作。
山水画的创作过程也是我们对山水画意向生成的过程，意向是建立在我们对生活细心观察，对自然山水树木房屋的体会，从而有感而发。我们对山水感受的多少，与我们对山水情感的多少息息相关，所以在绘画创作的同时一定要多多体验生活，感受自然带给我们的美好。
参考文献：
[1]陈传席.中国山水画史[M].天津：天津美术出版社，2001.
作者单位：
内蒙古大学艺术学院美术系