与其他绘画方式不同，漫画采用多种绘画形式来进行故事讲解。漫画不仅要有扎实的素描的基本功，还得掌握故事镜头的运用，色彩的表现技巧，形体的塑造等专业知识。漫画，是绘画中的重要学科，是当今时代极具代表性的绘画方式之一。漫画展现出一种强烈的视觉冲击力，带来无限思索与联想，从而获取一种精神的升华，它能通过画面表扬真、善、美，也能抨击美、丑、恶，所以它具有很强的传达功能。漫画作为一种文化载体，在国内发展了二三十年，一定程度上已经深入很多读者的生活中。在一个漫画作品中，成熟的画面表现技法固然重要，但是故事漫画的核心目的是为了表现故事，所以，故事才是漫画成功的关键。一个能够让读者触发共鸣的情节必定有它潜在的吸引力，这种吸引力往往就是剧情的张力。剧情不等于情节，剧情是一个故事的戏剧和感情成分。例如，有的故事情节比较单一，但是剧情却很感人。没有剧情的支持，情节就是一个故事内部的骨架。理想的漫画剧情可以让读者产生三个阶段的心理曲线。从大致地翻看漫画的封面和内页开始，如果画面效果以及背景设定足以引起读者的好奇，那么读者就会产生继续阅读的兴趣;在读者继续阅读的过程中，如果故事中的角色冲突和悬念设置能够让读者看得心花怒放，表示读者对该故事已经欲罢不能了;再深一层，读者从角色的经历中看到自己内心深处的那份相似的情感，这个故事很可能已经扎入读者的内心。读者们可能会受角色地感染而在现实中付出行动;将故事中的角色精神当做自己的信仰;在现实中模仿角色的行为方式;并希望自己能够和角色一样实现伟大的目标。由此可见，设计富有张力的剧情对于一个漫画的成败是至关重要的。
　　一个富有张力的剧情可以让读者为之感动，为之着迷，甚至付出实际行动。当然，不同的读者，剧情所能产生的共鸣点也会不同，因为读者必须在自己的现实生活中体验过和角色类似的情绪才能够实现情绪共鸣。比如，一个没有体验过生活困境的富人是很难对角色所受的穷苦产生同情情绪的。在此提出几种营造张力剧情的方法。
　　漫画和电影都有表现故事的目的，但是漫画比电影更有优势的地方在于它能更简便、更直观地展现出一个富有创意的设定。所以，漫画作者应该着重漫画设定的创造。
　　需求和观念是构成角色性格的主要元素，也是角色戏剧性冲突的根源。角色的需求在环境的阻挠下形成了冲突，观念导致目标冲突时的选择和态度。事实上，角色需求的重点不在他要实现的目标上，而是体现在角色内心深处真正看重的东西。所以，寻找角色内心的欲望是设计环境阻力的根本方法。作者在进行角色设计的时候就必须明确角色价值观念体系，继而设计出触发价值观念的环境，使得角色产生强烈内心冲突并必须做出抉择。当角色想做一件事而环境却不允许这么做的时候，角色的内心就会形成冲突而爆发。我们可以设置在同一时间段内有两件对角色非常重要的事情要完成，但是只能选其一，此时角色会面临内心冲突但又必须做出抉择。
　　在读者接触一部新漫画时，只要简单地翻阅封面和二三十页漫画就能决定是否继续阅读，所以，一个富有创意的世界观是读者对新漫画产生兴趣的关键，也恰恰是大多数漫画存在的重要问题之一。通常，人们总会因为场合、尊严、道德等因素限制着自己的言行;所以，有些人有了内在冲突后并不会爆发外在冲突，而是选择隐忍和转移注意力来逃避冲突的发生。然而，避开外在冲突并不能真正的解决内在矛盾;所以，设计一个可以产生内在冲突却不适合爆发的情节会让剧情变得富有张力。现实题材的故事，更需要的是更巧妙的切入点。超现实题材的作品，需要更多的创意。推动故事进展的动力是冲突。然而，无论是角色还是环境的冲突，其根源都是角色内心的矛盾所产生的冲突。很多本土漫画作者没能抓住角色的内心冲突就直接推进故事的发展，让读者难以理解角色的客观行为。换句话说，角色所做的事情是作者的一厢情愿，并不是符合角色内心的欲望。事实上，作者自己都没有找到角色内心的情感禁区，所以无法对应的制造外在环境冲突。以某漫画为例，故事一开篇就为读者呈现主角执意要和boss战斗的情节，而他战斗的原因却是为了成为最强的男子汉。如此表面的原因就可以引发大型的战斗冲突，实在有时候会然让读者感到动机有点费解。真正具有灵魂的角色是会逐渐摆脱作者的束缚，反过来向作者诉说内心想要做的事情，有时候作者甚至对角色的走向无法控制。
　　强大的环境阻力可以在很大程度上提高剧情的张力，但是强大的环境并不一定是激烈的决斗，也不一定是角色之间的生死别离。一个环境，只要足以戳中角色内心的情感禁忌，使其产生纠结的情绪就足矣。比如某战斗漫画的主角从一开始就陷入激烈地战斗场面，但是如此浩瀚的情节却没能给读者带来明显的情绪变化，因为读者感受不到死亡和伤害对角色的重要程度。
　　漫画要避免浮光掠影，一览无余，在艺术手段上，画面集中概括，形象生动有趣。夸张和简繁，服从于主题。漫画的幽默是构思和技巧和谐一致，高度统一。近年来，不少漫画散见在报纸、杂志、书籍和展览会上，漫画园地中又开放出一丛鲜艳的花朵。许多是反映生活上的情趣，包括矛盾、悖理、错讹、意外…等等方面。
　　漫画的绘制是为了表现某些内容，有些漫画会配上少量文字，说明作者所要表达的意思。从这个意义上说，对漫画的审美并不是一个纯鉴赏意义上的审美，因为它并不是单纯为了形式美而存在的。所以在对漫画进行鉴赏审美时，知性一定会介入。即使是从前流行过的人物漫画，即没有故事和内容，只是对某个名人进行漫画化，夸张他的面部特征，也需要读者认识所描绘的人物，才能够体会这张漫画的优点在何处。
　　漫画的“分格"手法使其具有电视的镜头感。漫画分镜与电影的故事板接近，在剧本定型之后、绘制正稿之前所做的镜头设计草稿，是一个漫画的最初形态，也是整个创作过程中最重要的环节之一。分镜主要用于展示作者对情节以及画面的安排，包括分格比例、镜头剪辑、角色表演以及台词放置。每一格里的画面除了颜色以外，完全可说是绘画作品，任由你发挥，现在漫画的风格已经不能说像素描，工笔，白描，油画什么的，它不断地从各个画种汲取养分，已经自成一种漫画体。漫画是画界的小说，看它那恢宏的结构，精细的刻画，小说所能表达的，包括气氛，都能通过它特有的漫画语言表现出来，如效果线，网点的运用。当然，看漫画见仁见智，精微之处它不能表现得很好。漫画已经发展到和各种形式互通，常见漫画，动画，电视剧，小说，游戏的互相改编，不能不说漫画是其中枢。尤其是和动画，一般是改编成动画先播出，打开市场，然后人们知道原来有那么一部漫画再去买。反过来说，漫画受欢迎也会带动动画的发展。另外，在我们心中，那一页页发黄的纸页上另有一番天地，普通的线条在我们看来，都另有深意。比如我喜欢仙道，那么我就能从他的眼睛里看出那么一种温柔，一种海阔天空。不要说那只是线条，且不说我们，优秀的漫画作者也都在那里呕心沥血，可以为了一个眼神，一个气氛而画几十张草图，漫画已经渐渐走进我们中间，许多日本老漫画被翻出来（如金田一少年事件簿），这是趋势使然。海纳百川，有容乃大，漫画包容各个艺术形式，各种风格，内容更是没有界限，因此成就了它的辉煌。
　　故事的设计对应写作，又和文学挂钩。而把故事讲好，需要把控节奏，需要传达信息，需要考虑自己文化的读者的理解习惯甚至其他文化的思维方式。这些，又可以从社会学、历史和宗教方面加以分析。我们常用的视角分为主观视角和客观视角，主观视角即第一人称视角，摄影机和角色本人的视角相同，通常带有角色的个人情绪色彩;客观视角即第三人称视角，摄影机处在角色之外的位置，类似一个旁观者在审视着角色们的行动，通常作为阐述事实和表现环境。分镜的学习对应绘画，电影之类的，都需要考虑到观众对一连串画面的本能理解，和抓有代表性的画面。也需要平面设计。分镜相当于漫画的语法，你需要通过“遣词造句”来编辑你的想法从而将它们传达给读者们。如果分镜编排不当，便容易给读者造成阅读上的障碍，也会让读者对故事的理解产生偏差，所以作为漫画作者有必要熟练掌握分镜的创作技巧。比如分镜格的大小、形状、相对位置都会产生不同的视觉效果。现代漫画的历史要追溯到19世纪末，最开始的漫画没有“分镜”、“对话框”、“效果线”这些现代漫画才有的元素和形式。不管是欧美漫还是日本漫画，都从电影、摄影、平面美术等现代艺术中汲取养分，逐渐发展成现在我们所熟悉的漫画。漫画构图对应平面设计。比如如何汇聚视线，如何引导视线。黑白色彩如何运用，表达情感。一些图像心理学也有关。
　　结语：一部好的漫画不止让人看懂、看投入，不止讲好一个故事、一条道理，还能传达一整个世界观。这些角度又多又深，去欣赏一部作品，不需要面面俱到。挑最感兴趣、自身知识积累最丰富的角度切入。知道越多，就能看到越多價值。总的来说，漫画的审美不是一般意义上的审美过程，它的审美更像是综合了绘画、文学、戏剧、电影的方式。但就审美和鉴赏所获得的自由感这一层面上，漫画的欣赏无疑是与艺术欣赏一致的。