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摘要：肖邦是浪漫主义时代最具独创性的艺术家之一。肖邦的钢琴作品涉及众多体材，本文仅以"离别"练习曲为例阐述了此曲的创作背景、曲式结构等内容，并结合演奏实践论述了在学习这首练习曲时需要注意的几个问题。
关键词：层次 歌唱性旋律 触键控制 双音技术 练习曲
一、肖邦音乐的风格
19世纪30～40年代的肖邦音乐受到民族主义思潮的影响，表现出浓厚的波兰民族风格。对待民族民间音乐认真、严肃的他反对猎奇，还不被它所束缚，一直坚持不懈的深入体会其特质完美的进行再创造。在他的努力下，民间音乐体裁的艺术水平得到了非常大的提高，还保持了其纯净的风格，从不丧失它鲜明的民族民间特色。这就是为欧洲音乐历史发展做出杰出贡献的独特而又新颖的“肖邦风格”。
二、乐曲的体裁和情感
1.练习曲题材的发展
练习曲是为了训练钢琴作品的弹奏技术而产生的。在练习曲的创作方面能集技术性与艺术性一身的，当首推巴赫，他的前奏曲实现了将技术练习与艺术性的完美结合，但巴赫称那些练习曲称为《前奏曲》。肖邦是在他之后又一位杰出的代表。以“练习曲”作为曲名，而且还是非常适合音乐会演奏的练习曲，肖邦是第一位。他许多的练习曲都被加上各种各样的标题，比如说作品Op.25Nr.12，便用琶音营造“海阔凭鱼跃，天高任鸟飞”的海阔天空的景象，所以被称之为《大海》，作品Op.10Nr.5，“光彩夺目，美丽无比”因右手全部在黑键上弹奏故得名《黑键练习曲》，还有著名的《革命练习曲》、《蝴蝶练习曲》等，除了这些有标题的，还有许多都具有很高的艺术价值，可以说肖邦的每首练习曲都是音乐与技术的完美结合。
2.肖邦作品的情感特质
肖邦的音乐作品，用“悲”来形容是再恰当不过的了。他丰富的音乐内容，有的是开朗的、有的是明快的、有的是幽默的、还有的是热烈的等等都是对于生活体验的表现，给人一种幸福感。但也有的人认为肖邦的音乐是沙龙式的，为了迎合上层的社会，特别是为女性而写。这种说法也不是没有道理，因为肖邦的音乐受环境的影响确实存在着这种因素。但这绝不是肖邦作品的全部，也只是少数而已，其主流音乐还是带有“悲情色彩”的内容，当然最值得欣赏的也是肖邦的这部分音乐，更能深入人心。
三、乐曲中涉及的主要技术问题及其演奏
1、手指连奏技术及其演奏
连奏是这首练习曲最重要的奏法，正确地连奏不是每个弹琴的人都能够做到的。它的含义主要包括呼吸的控制、声音的传递、手指的连接等诸多的方面，不是简单的把手指连起来就可以。
2.手指伸张技术及其演奏
作者情绪在音乐进入B段后激动起来，音乐起伏和对比也更加强烈，到了21小节，pecopiuanimato意为生动起来，波浪起伏不定就象是作者内心的暗涌，对于六度双音技术，可以适当的调整手腕，多运用转手腕的方法弹奏。32小节开头的重音符号好似一声叹息，贯穿这个乐句，2个为一组的十六分音符用“落滚”的方法弹奏，双音技术中的难点在这个乐句中都有体现，既要把双音弹奏整齐，又要突出旋律音，此段还是作者内心感情的一个升华，要力求把旋律歌唱地弹奏出来，音断意连，气息宽广，一气呵成。此曲的46-53小节是对伸张技术很好的一个针对练习，弹奏此段要求肩部放下，用臂重来形成源源不断的力量，推动音乐渐强，用转手腕的方法来获得准确的音响效果，右手的旋律音也是练习的重点，手掌重心放在5指上。此段对手指伸张很有用，特别是手小的练习者，可以经常练习。
3.踏板的合理运用
不能想象肖邦的音乐离开了踏板会是什么样？浪漫主义时期的音乐大量运用了踏板，如何合理的运用踏板对于表达一首乐曲来说非常重要，是音乐的基本要素之一，在肖邦音乐中，大致使用了以下踏板：1.长踏板：肖邦的长踏板把基础织体中，相隔很宽的和弦音连起来，使音响丰满，色彩感很强，有时把不协调或不谐和的和弦外音甚至两个不同的和弦用长踏板复合在一起使上方泛音饱满宏亮，用谐和或不谐和的和声音响烘托旋律，这是肖邦踏板独到之处。2.旋律踏板（也称“切分踏板”或“音后踏板”）当旋律在中低音区徘徊，难以从同在中低音区律动的多声部伴奏织体中凸现出来时，作者就要求以每个旋律音为单位，频繁更换踏板。以整个乐句为单位或以和弦变换为界限更换踏板，这样就会使旋律线条更加清晰丰满，优美动人。此外，我认为在演奏肖邦作品时使用踏板时不必把踏板踩下太深、踩得太死以免使声音混沌不清。
四、乐曲的音乐处理及其表现方式
1.歌唱性的演奏旋律
纵观整个钢琴演奏史，曾出现过多种类型的弹奏方式。但在现代钢琴演奏中所运用的主要有四种：指力弹奏，手力弹奏，臂重弹奏，全臂弹奏。这四种方式是按照手，手臂和肩部肌肉在弹奏过程中向指尖传递力量的不同方式来区分的。无论采用哪种触键方式都应注意手指的触键姿势及触键部位，当手指略微向前伸展时（指腹触键）较适宜发出“歌唱性旋律”所要求的音色，同时也受到全臂触键的极好控制。到了再现部出现作曲家注明legatissimo（极连奏），就要求每个音都要和下一个音瞬间混合，形成片状的连续效果。肖邦的作品中的那些绝美的旋律就是用指腹及其连贯的完成的，它更能表现出音乐的深沉，细腻。总的来说，由于肖邦抒情性旋律“声乐性”的特点，弹奏时不能只限于古典时期多用手指弹奏的演奏方法，而要求演奏者从手指到大臂始终保持一种‘通感’，即手、手腕、手臂的放松协调。力量是水，手臂是渠，手指是水之出口。唯有渠通，水方能顺流直下。简单的自然定理，也就是对这种方法的最直观诠释了。此曲中，作者的情绪变化非常多，先开始是回忆，用优美的田园牧歌一般的音乐勾勒出故乡美好的景色。此时的强弱起伏对比就不明显比较平稳。慢慢地，作者想到家园的战乱，朋友家人的离散，情绪变的激动，强弱对比明显起来。B段中情绪到达最高点，通过不断的渐强、转调来表达此种情绪。最后54小节与前面情绪形成对比，用P和sf的力度变化来表现作者哀怨，绝望的心理，回到A段，内心逐渐平静，渐渐消逝。只有注重‘起点—发展—高潮—起点’的乐句阐释过程，把握好整个曲子的情绪，才能更好地体现歌唱性。 2.分句与呼吸
①分句也是理解音乐的一个重要因素，只有正确的分句才能正确的呼吸，才能保证音乐的连贯进行。乐句的长短通常是不规则的，此曲开头一段共有四句话，第一句是1至5小节，6至8小节是第二句（句子稍短一点儿），9至13小节为第三句，14至21小节是最后一句。不论乐句的长短，我们都要保持气息的连贯，尽量做到一个乐句一气呵成，中间不要随意断开，那样就破坏了呼吸和乐句。最容易断开的就是句子中的长音，所以，在练习时长音有一种内心的感觉，这种感觉可以使发音更有后劲并始终保持向前传递的动力，而不是在这个音上凝固了，缺少了流动性。②表情术语的正确理解。此曲开头的标记Lentomanontroppo（不过分的慢速），有时会听到一些不太好的演奏，比如开头的速度过慢，很拖沓；或第21小节（pocopiuanimato）速度突然会加快等等。其实我们要抓住术语里的关键词，慢速和不过分。有一种现象就是慢的乐句会演奏得更慢，快的乐句会更快。对速度标记的理解不能仅仅停留在加快或减慢这种表面现象，无论多慢的速度都要往前走，要流动起来。到了第21小节开始了第二个段落，提示有pocopiuanimato（更活跃一点儿）的，“更”字表示音乐情绪稍有变化，要比前面更流动更活泼。但即使速度稍有加快，也应该是从前面的乐句自然地过渡而来，而不是毫无关联地突然加快。还有stretto这个词在第7小节、第15小节、第51小节等处出现，原意为加紧、紧缩。我们要注意弹出音乐情绪上的激动、紧迫或不安的感觉，而不是单单是速度上的提升。总之，对于表情术语的提示，我们需要体会出表面字符背后的内容，同时还要照顾到音乐前后的相互关联，使音乐既富于变化又合情合理。
3.音乐的线条与层次
本曲为三部曲式，织体为四声部进行具有复调性，所以对多声部不同音色和控制就尤为重要。由于钢琴不像管弦乐队每件乐器通常只需要奏出一个声部，而有时就要完成乐队的整个效果，能胜任多声部，所以，演奏时要有多声部，多层次的概念，把不同声部作为不同乐器的音响来对待。此曲中要想在多层次中弹出不一样的音色，要做到以下几点：①旋律声部清晰，歌唱，手指准确，力量合适。②根据音乐的需要，分配好个织体间的力度，如旋律，中声部，低音③注意伴奏声部中的复调因素，对隐伏旋律要与主旋律形成音色明暗对比。（如53-59小节左手低音3连音的隐伏旋律）。一首乐曲的每个声部以恰当的层次，突出主要的声部，次要的因素放到从属位置，此曲中所遇到的此类难题有更普遍的意义，正确分辨手部肌肉的两个明显不一样的部分，每个部分负责不同强度的音。对这种多声部技术的练习要遵循一条明确的原则就是即手的分量应当侧重于弹奏主要旋律部分的手指上，而弹奏次要部分的手指则应当放松和保持柔软。开始弹可以有些辅助练习，增强弱指的独立性，还可以分声部练习，把主要声部旋律反复训练，不断增旋律音的支撑，对突出主要音乐层次会起到良好的作用。A段共21小节（1-21小节），在切分音的低音上，高音部弹出复音旋律，有着纯朴的和声音型如远方故乡的风笛，这也是此曲中的主题音调。B段（22-61小节）到来后，情绪开始变化为“生气勃勃地”，连续着活力充沛的乐句。通过一系列较难的技术，力度和和弦的转换营造出充满不安的情绪，把乐曲引向焦虑，激动，最后情感迸发。到了再现部（62-77小节）情绪渐渐稳定，可以明显的看出，这里不是对A段的完全重复，而是压缩的旋律精华，用同样的音符来回顾开始的旋律，延续那绵绵的“离别”之情。结尾在叹息般下行旋律中不断模进。出现富有特征的降六级和声大调，进一步加深了乐曲哀婉惆怅的情绪。
结语
通过对肖邦练习曲《Op.25Nr.3（离别）》的分析，使整个曲子的结构和内容更加清晰，可以更深切的体会音乐和技巧上的问题，这在以后对肖邦其他作品的学习上会有所帮助。这首作品的意蕴深厚，技术训练的针对性很强，不管是单作为技术的训练，或者用来培养音乐的表现力上都有相当高的价值，是位钢琴学习者都该研习的经典之作。经过努力学习和不断的艺术积累，一定能在对肖邦作品的演奏、赏析方面得以长足的发展，以至受用终身。
参考文献：
[1][美]格劳特，帕利斯卡.西方音乐史[M].汪启璋，吴佩华，顾连理译.北京：人民音乐出版社，2013.
[2]于润洋.悲情肖邦——肖邦音乐中的悲情内涵阐释[M].上海：上海音乐学院出版社，2008.
[3][美]保罗·亨利·朗着.西方音乐文明中的音乐[M].顾连理，张洪岛，杨燕迪，汤亚汀译.贵阳：贵州人民出版社，2009.
[4][波]杨·艾凯尔.《肖邦钢琴全集》—练习曲分卷[M].上海：上海音乐出版社，2006.
[5][俄]A·索洛甫磋夫着.肖邦的创作[M].中央音乐学院编译室译，北京：人民音乐出版社，2013.
关键词：层次 歌唱性旋律 触键控制 双音技术 练习曲
一、肖邦音乐的风格
19世纪30～40年代的肖邦音乐受到民族主义思潮的影响，表现出浓厚的波兰民族风格。对待民族民间音乐认真、严肃的他反对猎奇，还不被它所束缚，一直坚持不懈的深入体会其特质完美的进行再创造。在他的努力下，民间音乐体裁的艺术水平得到了非常大的提高，还保持了其纯净的风格，从不丧失它鲜明的民族民间特色。这就是为欧洲音乐历史发展做出杰出贡献的独特而又新颖的“肖邦风格”。
二、乐曲的体裁和情感
1.练习曲题材的发展
练习曲是为了训练钢琴作品的弹奏技术而产生的。在练习曲的创作方面能集技术性与艺术性一身的，当首推巴赫，他的前奏曲实现了将技术练习与艺术性的完美结合，但巴赫称那些练习曲称为《前奏曲》。肖邦是在他之后又一位杰出的代表。以“练习曲”作为曲名，而且还是非常适合音乐会演奏的练习曲，肖邦是第一位。他许多的练习曲都被加上各种各样的标题，比如说作品Op.25Nr.12，便用琶音营造“海阔凭鱼跃，天高任鸟飞”的海阔天空的景象，所以被称之为《大海》，作品Op.10Nr.5，“光彩夺目，美丽无比”因右手全部在黑键上弹奏故得名《黑键练习曲》，还有著名的《革命练习曲》、《蝴蝶练习曲》等，除了这些有标题的，还有许多都具有很高的艺术价值，可以说肖邦的每首练习曲都是音乐与技术的完美结合。
2.肖邦作品的情感特质
肖邦的音乐作品，用“悲”来形容是再恰当不过的了。他丰富的音乐内容，有的是开朗的、有的是明快的、有的是幽默的、还有的是热烈的等等都是对于生活体验的表现，给人一种幸福感。但也有的人认为肖邦的音乐是沙龙式的，为了迎合上层的社会，特别是为女性而写。这种说法也不是没有道理，因为肖邦的音乐受环境的影响确实存在着这种因素。但这绝不是肖邦作品的全部，也只是少数而已，其主流音乐还是带有“悲情色彩”的内容，当然最值得欣赏的也是肖邦的这部分音乐，更能深入人心。
三、乐曲中涉及的主要技术问题及其演奏
1、手指连奏技术及其演奏
连奏是这首练习曲最重要的奏法，正确地连奏不是每个弹琴的人都能够做到的。它的含义主要包括呼吸的控制、声音的传递、手指的连接等诸多的方面，不是简单的把手指连起来就可以。
2.手指伸张技术及其演奏
作者情绪在音乐进入B段后激动起来，音乐起伏和对比也更加强烈，到了21小节，pecopiuanimato意为生动起来，波浪起伏不定就象是作者内心的暗涌，对于六度双音技术，可以适当的调整手腕，多运用转手腕的方法弹奏。32小节开头的重音符号好似一声叹息，贯穿这个乐句，2个为一组的十六分音符用“落滚”的方法弹奏，双音技术中的难点在这个乐句中都有体现，既要把双音弹奏整齐，又要突出旋律音，此段还是作者内心感情的一个升华，要力求把旋律歌唱地弹奏出来，音断意连，气息宽广，一气呵成。此曲的46-53小节是对伸张技术很好的一个针对练习，弹奏此段要求肩部放下，用臂重来形成源源不断的力量，推动音乐渐强，用转手腕的方法来获得准确的音响效果，右手的旋律音也是练习的重点，手掌重心放在5指上。此段对手指伸张很有用，特别是手小的练习者，可以经常练习。
3.踏板的合理运用
不能想象肖邦的音乐离开了踏板会是什么样？浪漫主义时期的音乐大量运用了踏板，如何合理的运用踏板对于表达一首乐曲来说非常重要，是音乐的基本要素之一，在肖邦音乐中，大致使用了以下踏板：1.长踏板：肖邦的长踏板把基础织体中，相隔很宽的和弦音连起来，使音响丰满，色彩感很强，有时把不协调或不谐和的和弦外音甚至两个不同的和弦用长踏板复合在一起使上方泛音饱满宏亮，用谐和或不谐和的和声音响烘托旋律，这是肖邦踏板独到之处。2.旋律踏板（也称“切分踏板”或“音后踏板”）当旋律在中低音区徘徊，难以从同在中低音区律动的多声部伴奏织体中凸现出来时，作者就要求以每个旋律音为单位，频繁更换踏板。以整个乐句为单位或以和弦变换为界限更换踏板，这样就会使旋律线条更加清晰丰满，优美动人。此外，我认为在演奏肖邦作品时使用踏板时不必把踏板踩下太深、踩得太死以免使声音混沌不清。
四、乐曲的音乐处理及其表现方式
1.歌唱性的演奏旋律
纵观整个钢琴演奏史，曾出现过多种类型的弹奏方式。但在现代钢琴演奏中所运用的主要有四种：指力弹奏，手力弹奏，臂重弹奏，全臂弹奏。这四种方式是按照手，手臂和肩部肌肉在弹奏过程中向指尖传递力量的不同方式来区分的。无论采用哪种触键方式都应注意手指的触键姿势及触键部位，当手指略微向前伸展时（指腹触键）较适宜发出“歌唱性旋律”所要求的音色，同时也受到全臂触键的极好控制。到了再现部出现作曲家注明legatissimo（极连奏），就要求每个音都要和下一个音瞬间混合，形成片状的连续效果。肖邦的作品中的那些绝美的旋律就是用指腹及其连贯的完成的，它更能表现出音乐的深沉，细腻。总的来说，由于肖邦抒情性旋律“声乐性”的特点，弹奏时不能只限于古典时期多用手指弹奏的演奏方法，而要求演奏者从手指到大臂始终保持一种‘通感’，即手、手腕、手臂的放松协调。力量是水，手臂是渠，手指是水之出口。唯有渠通，水方能顺流直下。简单的自然定理，也就是对这种方法的最直观诠释了。此曲中，作者的情绪变化非常多，先开始是回忆，用优美的田园牧歌一般的音乐勾勒出故乡美好的景色。此时的强弱起伏对比就不明显比较平稳。慢慢地，作者想到家园的战乱，朋友家人的离散，情绪变的激动，强弱对比明显起来。B段中情绪到达最高点，通过不断的渐强、转调来表达此种情绪。最后54小节与前面情绪形成对比，用P和sf的力度变化来表现作者哀怨，绝望的心理，回到A段，内心逐渐平静，渐渐消逝。只有注重‘起点—发展—高潮—起点’的乐句阐释过程，把握好整个曲子的情绪，才能更好地体现歌唱性。 2.分句与呼吸
①分句也是理解音乐的一个重要因素，只有正确的分句才能正确的呼吸，才能保证音乐的连贯进行。乐句的长短通常是不规则的，此曲开头一段共有四句话，第一句是1至5小节，6至8小节是第二句（句子稍短一点儿），9至13小节为第三句，14至21小节是最后一句。不论乐句的长短，我们都要保持气息的连贯，尽量做到一个乐句一气呵成，中间不要随意断开，那样就破坏了呼吸和乐句。最容易断开的就是句子中的长音，所以，在练习时长音有一种内心的感觉，这种感觉可以使发音更有后劲并始终保持向前传递的动力，而不是在这个音上凝固了，缺少了流动性。②表情术语的正确理解。此曲开头的标记Lentomanontroppo（不过分的慢速），有时会听到一些不太好的演奏，比如开头的速度过慢，很拖沓；或第21小节（pocopiuanimato）速度突然会加快等等。其实我们要抓住术语里的关键词，慢速和不过分。有一种现象就是慢的乐句会演奏得更慢，快的乐句会更快。对速度标记的理解不能仅仅停留在加快或减慢这种表面现象，无论多慢的速度都要往前走，要流动起来。到了第21小节开始了第二个段落，提示有pocopiuanimato（更活跃一点儿）的，“更”字表示音乐情绪稍有变化，要比前面更流动更活泼。但即使速度稍有加快，也应该是从前面的乐句自然地过渡而来，而不是毫无关联地突然加快。还有stretto这个词在第7小节、第15小节、第51小节等处出现，原意为加紧、紧缩。我们要注意弹出音乐情绪上的激动、紧迫或不安的感觉，而不是单单是速度上的提升。总之，对于表情术语的提示，我们需要体会出表面字符背后的内容，同时还要照顾到音乐前后的相互关联，使音乐既富于变化又合情合理。
3.音乐的线条与层次
本曲为三部曲式，织体为四声部进行具有复调性，所以对多声部不同音色和控制就尤为重要。由于钢琴不像管弦乐队每件乐器通常只需要奏出一个声部，而有时就要完成乐队的整个效果，能胜任多声部，所以，演奏时要有多声部，多层次的概念，把不同声部作为不同乐器的音响来对待。此曲中要想在多层次中弹出不一样的音色，要做到以下几点：①旋律声部清晰，歌唱，手指准确，力量合适。②根据音乐的需要，分配好个织体间的力度，如旋律，中声部，低音③注意伴奏声部中的复调因素，对隐伏旋律要与主旋律形成音色明暗对比。（如53-59小节左手低音3连音的隐伏旋律）。一首乐曲的每个声部以恰当的层次，突出主要的声部，次要的因素放到从属位置，此曲中所遇到的此类难题有更普遍的意义，正确分辨手部肌肉的两个明显不一样的部分，每个部分负责不同强度的音。对这种多声部技术的练习要遵循一条明确的原则就是即手的分量应当侧重于弹奏主要旋律部分的手指上，而弹奏次要部分的手指则应当放松和保持柔软。开始弹可以有些辅助练习，增强弱指的独立性，还可以分声部练习，把主要声部旋律反复训练，不断增旋律音的支撑，对突出主要音乐层次会起到良好的作用。A段共21小节（1-21小节），在切分音的低音上，高音部弹出复音旋律，有着纯朴的和声音型如远方故乡的风笛，这也是此曲中的主题音调。B段（22-61小节）到来后，情绪开始变化为“生气勃勃地”，连续着活力充沛的乐句。通过一系列较难的技术，力度和和弦的转换营造出充满不安的情绪，把乐曲引向焦虑，激动，最后情感迸发。到了再现部（62-77小节）情绪渐渐稳定，可以明显的看出，这里不是对A段的完全重复，而是压缩的旋律精华，用同样的音符来回顾开始的旋律，延续那绵绵的“离别”之情。结尾在叹息般下行旋律中不断模进。出现富有特征的降六级和声大调，进一步加深了乐曲哀婉惆怅的情绪。
结语
通过对肖邦练习曲《Op.25Nr.3（离别）》的分析，使整个曲子的结构和内容更加清晰，可以更深切的体会音乐和技巧上的问题，这在以后对肖邦其他作品的学习上会有所帮助。这首作品的意蕴深厚，技术训练的针对性很强，不管是单作为技术的训练，或者用来培养音乐的表现力上都有相当高的价值，是位钢琴学习者都该研习的经典之作。经过努力学习和不断的艺术积累，一定能在对肖邦作品的演奏、赏析方面得以长足的发展，以至受用终身。
参考文献：
[1][美]格劳特，帕利斯卡.西方音乐史[M].汪启璋，吴佩华，顾连理译.北京：人民音乐出版社，2013.
[2]于润洋.悲情肖邦——肖邦音乐中的悲情内涵阐释[M].上海：上海音乐学院出版社，2008.
[3][美]保罗·亨利·朗着.西方音乐文明中的音乐[M].顾连理，张洪岛，杨燕迪，汤亚汀译.贵阳：贵州人民出版社，2009.
[4][波]杨·艾凯尔.《肖邦钢琴全集》—练习曲分卷[M].上海：上海音乐出版社，2006.
[5][俄]A·索洛甫磋夫着.肖邦的创作[M].中央音乐学院编译室译，北京：人民音乐出版社，2013.