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音乐剧是目前轰动全球的摩登艺术，而上海与音乐剧有着不解之缘。作为国内最早引进国外经典音乐剧、最早在音乐高校内建立音乐剧系的上海，近几年来，一直在发展音乐剧的道路上大步前进。日前，中国第一家中方控股、中外合资的以音乐剧为主营业务的公司——亚洲联创（上海）文化发展有限公司成立，中国内地第一个音乐剧剧团——高瞻音乐剧团成立，全国最新、规模最大的以演出音乐剧为主的专业剧场也将于不久后面世……上海的音乐剧产业正彰显着一种意气风发的姿态，与此同时，一批有志之士正进行着冷静思考以及不间断的探索。
金复载
虽然英美音乐剧不断被引进沪上，观剧群体逐渐形成，但本土原创音乐剧还是难成气候，到现在可以说没有一部中国音乐剧能真正演得开。
钱世锦
音乐剧最重要的是剧而不是音乐，众多国内原创音乐剧的失败，最大问题就是：第一，没有好剧本；第二，不知如何将好故事转换成音乐剧的语言。
滕俊杰
相信在不久的将来，依托华语文化消费市场的巨大潜力，上海有望成为继伦敦、纽约之后新的世界音乐剧中心，形成符合上海城市特点的文化产业新热点。
田水
上海是一个浪漫的都市，理念更新很快。音乐剧更能符合上海大都市海派文化的特点，是促进上海文化发展不可缺少的一部分。
音乐剧在上海的荣耀之旅
2002年，一贯是世界三大男高音、十大著名芭蕾舞团、世界顶级交响乐团、欧洲四大歌剧等“名人、名团、名剧”轮流登场的上海大剧院，忽然挂出了百老汇原版音乐剧《悲惨世界》中国首演的宣传海报。音乐剧是什么？高雅艺术殿堂居然要上演庸俗的“文化快餐”？不少质疑投掷而来。
与此同时，上海大剧院宣布《悲惨世界》连演21场这个“大手笔”也让许多业内人士为其“鲁莽”摇头叹息：要连演21场《悲惨世界》，上海大剧院可真要成“悲惨世界”了！
事实上，当时的上海大剧院表面镇静，内心还是有些惴惴不安的。多年后，上海大剧院艺术总监钱世锦向笔者透露，为了引进这部四大世界音乐剧之一的《悲惨世界》，大剧院需要“消化”一张惊人的菜单：全部道具由一架波音747-200货机专程由旧金山送至上海；承担在当时可谓“中国第一”的高难度技术任务；为该剧提供至少50名技术、设备及后勤服务人员；答应外方至少连演20场以上的要求等。当时已成立5年的上海大剧院的大剧场还没有连续演过10场以上。然而，即便承受着极大的风险，包括超过1000万元的投资，上海大剧院已经义无反顾。因为引进音乐剧《悲惨世界》这部世界艺术精品是上海大剧院在筹建初就怀揣着的心愿。
《悲惨世界》与《猫》《剧院魅影》《西贡小姐》并称为音乐剧中的四大名剧。从1987年百老汇首演至2002年，音乐剧《悲惨世界》已经在世界30多个国家200多个城市上演，剧本被翻译为20多种语言，观众超过5000万人次。为了把这部世界级艺术精品搬上中国的舞台，上海大剧院开始了长达6年的筹备、等待、谈判，终于2001年，就在911事件发生的当天英国时间的上午，与麦金托什有限公司正式签署了《悲惨世界》的合作意向书。为了确保中国首演成功，世界最著名的音乐剧制作人卡麦隆·麦金托什还特意自己掏钱，为这次中国之行请来了阔别《悲惨世界》长达8年的金牌“冉阿让”扮演者——科姆·威尔金森，并精心挑选了许多最好的演员。
演出前一两个月，上海大剧院通过电视平面、 定点宣讲、高架广告、报纸杂志等媒介开始了大规模密集型的宣传，但是票房却没有想象中那样理想，直到首演之日，依然有10余场的演出票没有售出。幸好，峰回路转，音乐剧《悲惨世界》在上海的首演一炮打响。当演员登台谢幕时，大剧院出现了少有的全场起立鼓掌的景象。许多观众眼中含着泪水，不停地鼓掌叫好。首演有力证明，艺术品质是票房的根本号召力。第二天，各大报纸纷纷出现对《悲惨世界》的赞美之声，而观众们的口碑成为最有力的宣传。之后，票房雪球开始滚动起来，短短一个多星期，21场票房一售而空。演出的最后一场，500元一张的演出票在“黄牛”手中卖到2500元。著名男高音歌唱家魏松先生当时曾很惊讶地表示，原本打算慢慢看，结果连台阶上的票都售罄了。
2002年《悲惨世界》的成功，更坚定了上海大剧院继续引进经典音乐剧的信心与决心。之后每年上海大剧院都会引进一部经典音乐剧，演出场次也不断创下纪录，2003年《猫》53场，2004年《音乐之声》35场，2005年《剧院魅影》100场，2006年《狮子王》101场，2007年《妈妈咪呀》34场，2008年《发胶星梦》20场，2009年《歌舞青春》24场……尤其是2003年，正当《猫》成功演出过半时，“非典”的阴影开始笼罩国内各大城市，在上海市政府支持以及英国方坦言台下只有一个观众也演下去的情况下，《猫》坚持上演。尽管困难重重，《猫》依然取得了平均86%的上座率，那一期间观众们都戴着口罩来观看演出。可见，上海已经培养出了一批音乐剧的铁杆观众群。在上海，曾有过一位观众自己买票，共看了五遍《猫》和九遍《剧院魅影》，这一现象在美国也少见。
除了不断引进国外经典音乐剧外，上海还在其他方面做出努力。2002年，上海音乐学院成立我国第一个音乐剧系，以满足本土化音乐剧人才的需求，因此2002年可谓是音乐剧在上海的“破冰之年”。2003年，上海戏剧学院也在表演系招收了音乐剧专业的学生。此外，有感于音乐剧的独特魅力，上海话剧艺术中心、上海歌剧院也纷纷在打造原创音乐剧方面做尝试。
2010年10月，上海音乐学院音乐剧系教授、著名作曲家金复载自投资金，与唱片业的新汇集团合作，成立了中国内地第一个音乐剧剧团——高瞻音乐剧团。
2010年11月，上海东方传媒集团有限公司、中国对外文化集团公司、韩国CJ集团，三大中外文化巨头在上海宣布，联合投资成立国内首家以现场娱乐为核心理念、以音乐剧和大型演唱会等为主营业务、以华语地区为目标市场的娱乐产业公司——亚洲联创（上海）文化发展有限公司，这标志着中国音乐剧产业化运作正式迈出重要一步。
今年夏天，作为上海文化标志之一的文化广场将以新的面貌与观众见面，新文化广场剧场拥有座位2010个，是世界上最大、最深、座位最多的地下剧场，这里也将成为全国第一家以演出音乐剧为主的专业剧场。
音乐剧之魅
音乐剧诞生于20世纪初，是工业社会的产物，至今一百多年的历史。音乐剧在全世界各地都有上演，以美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区最为频繁。目前，年轻的音乐剧已经成为轰动全球的摩登艺术，世界各地的观众为之着迷。那么，它究竟有着怎样的独特魅力呢？
1988年，时任交响乐团总经理的钱世锦赴美国考察，期间去大都会歌剧院、卡内基音乐厅、纽约爱乐乐团观赏了歌剧、芭蕾舞、交响乐等。陪同的美国朋友问他，怎么不去看音乐剧。音乐剧？在上海音乐学院小提琴演奏专业学了四年，期间念了两年西洋音乐史的钱世锦从来没有听说过“音乐剧”这个词。“为什么一定要看音乐剧？”钱世锦问。“到了纽约不看音乐剧就等于没有到过纽约。”朋友爽快地回答。有那么严重吗？钱世锦心生疑惑，但也引发了他极大的好奇：音乐剧究竟有怎样的魅力能让美国人那么津津乐道？钱世锦拿起了音乐剧目录翻看，一连串的演出剧目，让人眼花缭乱，最后他选中剧情比较熟悉的《悲惨世界》。不料，过了两天，朋友回来一摊手，说，票子买不到了，半年前票子就已经卖完了。这让钱世锦很惊讶，“大都会歌剧院当场也能买到票啊！”错过了纽约的上演，一周后钱世锦来到洛杉矶，这次陪同人员帮他找到了《悲惨世界》的票。钱世锦至今记得，他坐在三楼最后第二排。观赏完《悲惨世界》后，钱世锦受到了极大的震撼，“这样一个庞大的题材能在二小时内讲述出来，并且能够让不懂英文的人全部看懂，而且从头到尾看得目不转睛，太有魅力了！”激动之余，钱世锦又心生遗憾：不知道什么时候能在中国看到啊。这以后，钱世锦就一直想把这部音乐剧带到中国。1996年他调入上海大剧院后，为引进《悲惨世界》以及《猫》等经典音乐剧做了大量的工作。
1992年，同样在美国，又一位上海人与音乐剧发生了美丽的“邂逅”，并为之倾倒。他就是著名作曲家金复载。金复载长期从事电影音乐及电视音乐的创作，曾为百余部（集）影片和电视剧作曲并赢得广泛影响。1992年赴美国宾西法尼亚州立大学做访问学者时，金复载观看了音乐剧，随即迷上了这门新奇的艺术样式。回国后，金复载还念念不忘，索性自己创作。于是，2002年，他兴致勃勃地与著名导演吴贻弓、作曲董为杰一起改编制作了一部音乐剧《日出》，邀请廖昌永、陈佩斯等加盟演出。有感于音乐剧演员缺乏，又听说上海音乐学院设有音乐剧系，金复载就打电话过去借人，不料学院回复说，“这个专业刚刚招生，学生还没来呢。你如果有兴趣，就来参加工作！”当时正巧金复载在办退休，有了空暇的时间。于是，本想去上海音乐学院借演员的金复载结果反被邀请去当了老师，这一当就是十来年。
“我觉得音乐剧的形式很新奇，更符合现代人的审美情趣。比如节奏，我们国内有些戏剧节奏比较冗长，但是音乐剧的节奏很快，要制作吸引人的场景必须在5分钟内有一个surprise（意外），不管是音乐的意外、戏剧的意外还是舞蹈的意外，永远不会让人感到boring（厌烦）。而且音乐剧是综合艺术，没有一个固定的模式，表现形式很自由，有学者定义音乐剧：以戏剧为框架，以音乐为灵魂，以舞蹈为主要的表现手段。这讲的是音乐剧的总体框架，具体到各个剧也不全是这样，有些音乐元素多一些，有些戏剧元素多一些，从观众的欣赏角度来看也更有自由度。”金复载介绍道。
华丽的舞台、悦耳的歌声，很多人眼里音乐剧和歌剧混淆不清。在钱世锦看来，两者除了在表演形式上有一些类似外，还是有很大区别的，而这些区别也正显示了音乐剧的巨大魅力。“第一，音乐剧演员跟剧中人物形象、性格特别吻合，但歌剧则不一定。歌剧剧本中的人物也许是英俊小生或者窈窕淑女，但歌剧演员本身不一定要符合形象要求。比如《波西米亚人》里的鲁道夫是英俊诗人，200多斤重的帕瓦罗蒂在歌剧中可以胜任这个角色，但在音乐剧中则不可想象。音乐剧里英俊小生的扮演者一定要容貌出群。再比如，话剧可以让十几岁的孩子来扮演六岁的孩子，但音乐剧不行。《音乐之声》里七个孩子，最小的六岁，最大的十六岁，一定得找到同样年龄层次的孩子来演绎，从这个角度看，音乐剧更接近电影，其形象上一定要吻合，否则便不被认可。第二，音乐剧的历史不长，交响乐、芭蕾舞、歌剧等是文艺复兴时期产生的，是农业社会的产物，而音乐剧与电影一样是20世纪产生的，是工业社会的产物。音乐剧的节奏、叙事方式也更接近电影。歌剧可以在同一场景里唱半个小时，而音乐剧几乎三分钟就要有变化，如同电影，一个镜头一个镜头快速变换，更贴近现代人的生活节奏、审美节奏。这也是为何音乐剧受到现代人欢迎和喜爱的原因。”
中国原创音乐剧还在学步期
在国外经典音乐剧不断在上海掀起狂潮时，也有不少专家有着更深的忧思。中央音乐学院美籍专家刘键忧虑地指出：“引进外来文化的目的，是要通过借鉴来创造本土文化。如果我们的原创跟不上，光有引进的成功是不够的。”“虽然英美音乐剧不断被引进沪上，观剧群体逐渐形成，但本土原创音乐剧还是难成气候，到现在可以说没有一部中国音乐剧能真正演得开。”金复载坦言自己的心病。
近年来，无论是按商业化操作规范进行创作排演的《夜半歌魂》，还是王刚、成方圆自筹资金的《音乐之声》，文化部投资的西部题材的《香格里拉》，结果都是黯然收场。国内众多创作者在原创音乐剧的道路上“折戟沉沙”。
“我感觉我们国家开始重视起音乐剧来了，但是现在的关键是我们对这样的艺术形态没有经验。我们自己要有学习的过程，音乐剧是一门现代艺术，视野可以放开一点，我们要多吸收一些国外健康的审美价值高的音乐剧的成果，通过他们的成果学习他们的经验以及他们的美学追求。与此同时，既然是中国的音乐剧，也不能离开中国传统的戏剧、戏曲的美学原则和美学经验。这要花点功夫。”近日，中国著名戏剧教育家徐晓钟语重心长地告诉笔者。
金复载介绍，从狭义来讲，音乐剧是指从欧美发展过来的现代文艺形式。但是从更广义的角度来看，中国也有自己发展音乐戏剧的道路。根据时代的需要，国内已开创出了音乐戏剧的一些新的表演形式，其中有把中国戏曲和西洋歌剧的某些特点相结合的民族歌剧，如《江姐》《洪湖赤卫队》《白毛女》，比西洋歌剧更有群众基础；有中国人自己创作的很西洋化的歌剧；有在戏曲改革上进行一定创造的戏曲，比如《曹操与杨修》《成败萧何》；还有一部分就是中国人自己想搞的现代音乐剧，不少创作者尝试着把西方音乐剧与我国民族戏剧传统有效嫁接起来，产生中国式的本土音乐剧艺术，然而成功的很少。
金复载认为中国大部分的原创音乐剧遭遇“滑铁卢”的原因，首先在于观念上的模糊不清，由此导致创作上的不成熟，创作始终在左右摇摆，无法很好地把握借鉴和继承之间的关系。“比如题材问题，音乐剧应该是非常时尚的、和时代紧密接近的文艺形式，但是因为中国有着很好的文化传统，很多人就想在古老的题材里找音乐剧的题材，比如梁祝、白蛇传，这完全可以搞，但是没搞出新的点子来，和已有的戏曲形式没有太大的差别，观众一比觉得没有原来的好，就没有兴趣去观看。”
有人指出，中国已经有了优秀的传统戏曲，是否能代替音乐剧。金复载表明，这很难：“戏曲本质是地方方言，加上已经有一定的程式化，这些会阻碍对于新生活、时尚观念形式的表达，所以很难代替音乐剧。但是不能代替不等于中国音乐剧不能借用戏曲中很好的文化元素。而且要创作受中国观众欢迎的音乐剧，吸纳优秀的戏曲成分是必须的。因为中国观众的欣赏习惯里，戏曲的音乐、表演形式已经留下了深深的烙印。”金复载认为，业内人士现在可以做两方面的工作，“一方面让戏曲更多接受音乐剧的观念，比如今年的精品工程湖北花鼓戏《十二月等郎》，用了很多音乐剧的手法来表现现代的农村生活，很不错，这是一种方法，套用一句话，即‘以戏曲为体，以外来音乐剧为用’；另一方面是‘以外来音乐剧为体，以中国的文化元素为用’，这种‘用’，不是指内容，而是指戏曲的形式，音乐剧的内容当然更多的是反映现实生活。”
“国内很多人对音乐剧的理解并不清晰，思想不统一，很多人认为音乐剧就是唱几首歌、跳几段舞，拉一个明星冲票房就可以了。”钱世锦告诉笔者，但凡有人来跟他谈音乐剧合作，他总要先问一下对方，什么是音乐剧？就“音乐剧的本质和最重要的因素”这个问题，钱世锦曾问过英国著名音乐剧作曲家安德鲁·洛依德·韦伯，韦伯当时只回答了三个词：story（故事）、story（故事）、story（故事）。“音乐剧最重要的是剧而不是音乐，所以音乐剧拿托尼奖而非格莱美奖，托尼奖属于戏剧范畴。没有故事的音乐剧，就等于没有精髓。”钱世锦强调，在他看来，众多国内原创音乐剧的失败，最大问题就是：第一，没有好剧本；第二，不知如何将好故事转换成音乐剧的语言。
由于观念的不清，国内音乐剧也是杂病重生。音乐理论家居其宏曾为中国音乐剧诊断出了十大病症，并指出：“某些从业者和政府官员好像已经走火入魔，丧失理智，开始自觉不自觉地步入迷狂的境地。”“国内从一开始接触的就是最豪华、最成熟的经典剧目，以为音乐剧就应该是舞台华丽的大戏。这是完全错误的概念。”金复载进一步解释，“从实践上来看，制作越大亏得就越多。国外的经典音乐剧都是在有了很好的基础上才大制作的。而我们的创作人员对音乐剧组织、表现方法、制作模式等都不甚了解。音乐和戏剧也没有很好地融合，只是把所有的经费一味花在服装、舞美上。舞美很重要，但是不能脱离本体，就像小姑娘化妆，本身要漂亮，化妆了才更漂亮。凭现在中国音乐剧的原创能力还没有资格去做大制作。”事实上，百老汇大制作音乐剧其实就那么几部，大量的还是小成本音乐剧。制作方只有在市场上滚打了很长一段时间，并对市场有了十分的把握，才会追加投资重新编排。而且即便是音乐剧产业发展极其成熟的英美国家，音乐剧创作的成功率大约是1：5，即5部音乐剧中只有一部能够真正盈利。
钱世锦认为中国音乐剧要真正达到本土化还有很长的路要走。“音乐剧属于外来的艺术样式，是个舶来品。一个民族接受它，这需要过程。就像话剧、交响乐等为人所接受，都需要一段时间的考验。比如中国第一个交响乐团——上海交响乐团的成立是130年以前，历经了130年来几代人的普及、传播、思考、创作，才留下了经典的《梁祝》《黄河钢琴协奏曲》等，这都不是一天两天产生的。因此，我们原创音乐剧还早，也不用太着急，拔苗助长必定会导致失败。”基于这样的思考，上海大剧院采取了三步走的规划：引进、本土化、原创。这三步会根据实际情况交叉进行。事实上，长期以来，先引进经典培育市场，再描红制作中文版，直到最后实现原创，一直是京沪两地发展中国音乐剧的共识。
近日，亚洲联创（上海）文化发展有限公司有了大胆举措，率先推出了本土版的《妈妈咪呀！》。该剧将是第一部世界经典音乐剧的中文版。《妈妈咪呀！》在全球市场有着不俗的成绩单：共有13个语言版本；受众超过4200万人次；在超过240个主要城市连续上演12周年。而中文版将成为第14个语言版本。上海广播电视台副台长、亚洲联创（上海）文化发展有限公司董事长滕俊杰分析，从日语和韩语版的《妈妈咪呀》市场热度看，中国市场已发展到了适于接受中文版的阶段，同时，上海具有上演世界著名音乐剧，并得到高票房回报的经历，世界著名音乐剧在上海的“生根发芽”具有相当强的可行性。滕俊杰希望合资公司凭借中文版《妈妈咪呀！》的成功运作，将驻场演出这样的演出样式进一步扩张，形成独特的文化消费模式。据悉，今年7月，音乐剧《妈妈咪呀！》中文版将首演于上海大剧院，首站演出32场；10月转场至北京，计划连演88场；随后，将于年末抵达广州，演出32场。出品方预计，到2012年上半年，该剧完成首轮巡演时，总场次将接近200场。
音乐剧人才稀缺成难题
风靡世界的经典音乐剧《妈妈咪呀！》要推出中文版的消息振奋人心。然而演员招募却成为了率先碰到的一大难题。因为音乐剧在中国的起步较晚，相配套的人才极为有限，在中国要找一个能唱能跳还能演的全能型演员很难，尤其是中年妈妈的角色，堪称是大海捞针。
终于，经过层层选拔，4位主演在不久前举行的中文版《妈妈咪呀！》全国巡演启动仪式上登台亮相。其中饰演妈妈唐娜的是上海话剧艺术中心演员田水。田水是国家一级演员，曾捧走话剧界众多重要奖杯：佐临话剧艺术奖、曹禺戏剧奖表演奖、中国戏剧梅花奖等。然而，上海话剧界的知名实力派演员如何转战音乐剧了呢？田水笑着向笔者透露，其实还是制作方抛的橄榄枝。去年田水就得知《妈妈咪呀！》在招人，而且知道是伦敦西区原版导演团队人员在甄选，但考虑到很多人会去竞争，加上手头事情也多，没有应试的打算。不料，《妈妈咪呀！》剧组主动打电话过来邀请她去北京面试。因为当剧组正为妈妈这个角色头疼不已时，不少记者和专业人士告诉他们，到上海话剧艺术中心去找一个叫田水的人，她应该会合适。接到剧组这个邀请，田水欣然同意。“我平时就喜欢自娱自乐，唱唱卡拉ok什么的。同时呢，前几年开始我就参加了我们话剧中心搞的几部带有音乐剧元素的话剧演出。通过这些演出我也更了解音乐剧。我觉得话剧和音乐剧没有本质区别，都属于戏剧范畴，音乐剧更多是用音乐来表达，用歌声来传递情感。”虽然一直活跃在话剧舞台，但是更多地接触了音乐剧后，田水不得不承认音乐剧的魅力有时更甚于话剧，“音乐剧是丰富多彩的，可以靠很多的表现形式来展现人的内心情感，有时音乐的力量比语言的力量更大，所以音乐剧有时比话剧更能直接传递感情。动听的音乐，精美的舞台布置，跌宕起伏的情节，比较夸张的表现形式，这些都可能是观众在话剧舞台上看不到的，由此更能燃烧观众的激情。那种连唱带跳的歌舞场面一出现，不管什么样层次的观众，都能被带动，这就是音乐剧能吸引那么多观众走进剧场，能生存到现在还在不断发展的重要原因。”
在面试《妈妈咪呀！》的等待中，田水听到前面几位应试者几近天籁般的声音不禁有些崩溃，他们唱得比自己好多了，自己还有机会吗？幸运的是，最终剧组选中了田水。“我觉得我能被导演选上的一个主要原因是我有十几年的舞台经验，这个经验起到了决定性的作用。”田水自信地告诉笔者。事实上，舞台经验缺乏是国内音乐剧专业毕业的学生们的致命软肋。田水认为：“音乐剧演员需要能唱能跳又能演，对综合素质要求很高，现在音乐剧专业毕业的学生唱歌可以，但是演戏的经验不足。而演戏的经验是需要有大量的作品去培养练习的。对于这些音乐剧专业学生来说，他们面对的困难比话剧专业的学生要多。因为能给他们施展才华的音乐剧舞台太少了。目前来说，他们的生存状况还是蛮艰辛的，还好我们话剧中心每年会推出一些音乐剧，或者音乐元素多一点的话剧，他们只能先咬牙坚持住。”
据金复载介绍，上海音乐学院音乐剧系平均每年招生20人左右，以前是5年制，后来改为了4年制，现在一共已经毕业了8届，包括演员表演、理论研究、音乐作曲等各个方向。然而，因为音乐剧市场尚不成熟，这些专业毕业的年轻学生一半多因为没有音乐剧可演纷纷改行。眼看着精心培养的青年人才流失，金复载忧心忡忡，这也成为了他成立中国内地第一个音乐剧剧团——高瞻音乐剧团的初衷之一。但是因为剧团是公私合营，需要自筹资金，所以只能先录取10来位音乐剧专业的优秀毕业生，太多了负担不起。现在剧团面临的主要问题是剧场不固定、资金不够充裕。“如果我们每个月4、5万的基本人头费能解决，那么我们可以做得更好，还是希望有更多的政府补贴。”金复载感叹道。其实，在他眼里，更适合音乐剧发展的是剧场制。不同于话剧可以只演三四场，音乐剧的演出应该有固定的场子，然后在剧场里组织一个班子进行驻场演出。然而，在各方面条件都不成熟的情况下，金复载只能先采用剧团制的方式留住一部分人才，原创一些小制作的音乐剧。
目前，音乐剧的表演人才稀缺，不过让人欣喜的是，一批新芽正在茁状成长，无论是之前由上海音乐学院学生表演的《我为歌狂》，还是日前高瞻音乐剧团成立之即由青年音乐剧演员创排的原创音乐剧《箱子里的人》，尽管尚显青涩，却有很多可圈可点之处，引起不错的反响。同时在采访过程中，笔者也碰到了一些由于热爱而转投入音乐剧事业的年轻人。其中一位就是王晶超。2002年，王晶超正念高二，有机会观看了上海大剧院的《悲惨世界》，一下子就被吸引住了。之后就读于北京大学电子专业的她，找到了几位志同道合的音乐剧爱好者，并创立了北京大学音乐剧社。王晶超成为了剧社首任社长。在学校里她与同学一起开展了音乐剧的普及工作，并排了一部毕业小戏。怎奈校园生活短暂，很快面临毕业，王晶超回到上海，在四大会计事务所之一工作。然而，已经在艺术氛围中浸染了许久的王晶超无法忍受事务所单调的生活，她决定辞去这份很多人艳羡的高薪工作，再次追寻她的音乐剧之梦。于是，她成为了上海大剧院艺术教育部的艺术教育专员。
上海离世界音乐剧中心有多远？
几年前，英国《金融时报》的专栏作者在一篇《在上海看戏，没戏？》的文章中尖刻地指出爱赶时髦、耳根子又比较软的上海人，很容易受“国外时髦东西”的蛊惑，让音乐剧赚得个盆满钵满，让好端端一个上海大剧院几乎变成了“上海音乐剧大剧院”。还有人在音乐剧《猫》上演时讽刺，上海大剧院是演高雅艺术的，难道就只演《猫》了吗？那就改成“猫剧院”得了。
钱世锦指出，音乐剧是通俗艺术，不一定是非常高雅的，但也未必是不高雅的。如今的百老汇音乐剧早不再是依靠女人大腿或肉感红唇吸引观众的肤浅庸俗的“文化快餐”，而已发展成一种丰富的综合艺术：含有与人类密切相关的主题、动人的故事、震撼人心的情节、赏心悦目的歌舞、炫目的舞台效果等等。上海戏剧学院教授孙惠柱指出，百老汇音乐剧固然是商业戏剧的代表，也体现了戏剧专业化的最高水准，就像NBA之于篮球。
“大剧院在睁着眼睛看世界的过程中，发现音乐剧这种最具成功商业模式的现代戏剧形式，是一个国际大都市必不可少的艺术产品，如果不做引进工作，文化的多样性上就有缺失。”前上海大剧院艺术中心总裁、上海大剧院院长方世忠曾对“上海为何要引进音乐剧”这个问题做出如此诠释。
与此同时，在国内各大城市对音乐剧的热情不断高涨的情况下，上海的音乐剧发展也有着其他城市不可比拟的优势。
几年前，广州东莞宣传部曾提出口号，要把东莞打造成为音乐剧之都。当时参加东莞召开的座谈会的钱世锦讲了一个黑色幽默：“据我观察，世界著名音乐剧中心有个共同的特点：一定有一个证券交易所，如纽约、伦敦、东京等。因此，中国最有可能大力发展起音乐剧的地方应该是上海，因为上海有许多的证券交易所。”目前，上海演出市场相对比较规范，这已经成为共识，上海市民会自发地买票进剧院，而在北京则是团体票、赠票居多。钱世锦认为，这种不同与两座城市的历史有密切关系。“上海是金融比较发达的地方，上海人用金钱交换的意识也比较强，觉得自己买票看戏天经地义，而北京是一种大爷文化、皇城根文化、进贡文化，在北京有人送票才有面子。那么对于以市场为生命力的音乐剧而言，更需要出于喜爱而自发掏钱买票的观众。”
金复载认为，上海开放比较早，传递信息的渠道很多，信息量很大，同时接受外来事物很快，包容能力很强，是一个集经济、旅游等为一体的大都市，这些方面都奠定了上海做音乐剧的土壤。同时，音乐剧属于都市文化，节奏比较快，基本观众群是白领阶层和学生阶层，上海已经培育了一批音乐剧观众。“上海是一个浪漫的都市，理念更新很快。音乐剧更能符合上海大都市海派文化的特点，是促进上海文化发展不可缺少的一部分。”田水指出。
滕俊杰分析，就市场开放度和硬件设施等条件而言，上海的音乐剧市场容量颇具潜力。世博园区经过改造可以成为时尚的音乐剧演出场所，同时上海颇具口碑的“文化广场”也在新建剧场，这都是非常好的音乐剧驻场演出地。“相信在不久的将来，依托华语文化消费市场的巨大潜力，上海有望成为继伦敦、纽约之后新的世界音乐剧中心，形成符合上海城市特点的文化产业新热点。”滕俊杰信心满满地表示。但是与此同时，他也向笔者透露其担忧，上海要发展音乐剧要做的事情还有很多，伦敦西区、纽约百老汇每天要演出几十场音乐剧，但是目前上海像样的音乐剧太少了。
“上海每晚能有20多出中外剧目同时上演，才称得上音乐剧中心。”金复载也强调。在他看来，音乐剧市场不成熟是制约其发展的主要问题。
要发展音乐剧，不能忽视其商业化的特性。与芭蕾、歌剧等表演艺术不同，音乐剧是当下西方最具成功商业模式的戏剧形式，其商业模式非常成熟。一部成功的音乐剧甚至能数十年常演不衰，《泰坦尼克号》是历史上票房最高的电影，收入达10亿美元，而音乐剧《剧院幽灵》在1997年的票房收入就已经是它的2.7倍。从世界范围来看，音乐剧是一个潮流，音乐剧对演出产业的经济拉动效益达到1：7。而这也正是无数国人置身到音乐剧市场中的一大动力。
所以在中国的文化产业才刚起步的情况下，发展中国的音乐剧，要向西方学习、借鉴的有很多，不仅仅是创作问题，还包括专业化的演员梯队和舞台技术人员，强大的品牌推广能力，规范的制作模式，专业化剧院硬件，成功的商业模式。上海大学教授王晓明曾指出，对于我国演艺界来说，拿来西方文化产业的运作机制和商业模式，比引进一部票房火爆的剧目更加重要，那才是拿到了“真金白银”。
目前，在欧美，音乐剧产业与好莱坞电影业、唱片业并称为三大龙头产业。中国原创音乐剧要发展，必须先振兴音乐剧文化产业。而音乐剧的完全市场化操作，对于国内演艺界常存的一些恶习，无疑是极大的挑战。譬如，音乐剧的经营模式是低票价、长档期，一部剧目必须保证能够演出数百场乃至上千场，方有望收回投资进而赚取利润，于是就要求一个根本前提，即有高质量的剧目做保证。那么怎样才能做出高质量的剧目呢？必须先明白音乐剧的特性，音乐剧不是严肃艺术，更不是前卫艺术，它的通俗性和娱乐性决定创作者必须把观众的喜好放在首位，必须考虑人们所关注的现实。由此，那些以“高雅艺术”为挡箭牌的艺术家们，那些以政绩为目标而专搞大制作的院团、政府部门，必将受到市场的严酷惩罚。
期许不断前进的上海早日形成成熟的音乐剧市场，早日创作出经典的原创音乐剧，这对上海文化的发展和人民生活的丰富有着重要意义。
金复载
虽然英美音乐剧不断被引进沪上，观剧群体逐渐形成，但本土原创音乐剧还是难成气候，到现在可以说没有一部中国音乐剧能真正演得开。
钱世锦
音乐剧最重要的是剧而不是音乐，众多国内原创音乐剧的失败，最大问题就是：第一，没有好剧本；第二，不知如何将好故事转换成音乐剧的语言。
滕俊杰
相信在不久的将来，依托华语文化消费市场的巨大潜力，上海有望成为继伦敦、纽约之后新的世界音乐剧中心，形成符合上海城市特点的文化产业新热点。
田水
上海是一个浪漫的都市，理念更新很快。音乐剧更能符合上海大都市海派文化的特点，是促进上海文化发展不可缺少的一部分。
音乐剧在上海的荣耀之旅
2002年，一贯是世界三大男高音、十大著名芭蕾舞团、世界顶级交响乐团、欧洲四大歌剧等“名人、名团、名剧”轮流登场的上海大剧院，忽然挂出了百老汇原版音乐剧《悲惨世界》中国首演的宣传海报。音乐剧是什么？高雅艺术殿堂居然要上演庸俗的“文化快餐”？不少质疑投掷而来。
与此同时，上海大剧院宣布《悲惨世界》连演21场这个“大手笔”也让许多业内人士为其“鲁莽”摇头叹息：要连演21场《悲惨世界》，上海大剧院可真要成“悲惨世界”了！
事实上，当时的上海大剧院表面镇静，内心还是有些惴惴不安的。多年后，上海大剧院艺术总监钱世锦向笔者透露，为了引进这部四大世界音乐剧之一的《悲惨世界》，大剧院需要“消化”一张惊人的菜单：全部道具由一架波音747-200货机专程由旧金山送至上海；承担在当时可谓“中国第一”的高难度技术任务；为该剧提供至少50名技术、设备及后勤服务人员；答应外方至少连演20场以上的要求等。当时已成立5年的上海大剧院的大剧场还没有连续演过10场以上。然而，即便承受着极大的风险，包括超过1000万元的投资，上海大剧院已经义无反顾。因为引进音乐剧《悲惨世界》这部世界艺术精品是上海大剧院在筹建初就怀揣着的心愿。
《悲惨世界》与《猫》《剧院魅影》《西贡小姐》并称为音乐剧中的四大名剧。从1987年百老汇首演至2002年，音乐剧《悲惨世界》已经在世界30多个国家200多个城市上演，剧本被翻译为20多种语言，观众超过5000万人次。为了把这部世界级艺术精品搬上中国的舞台，上海大剧院开始了长达6年的筹备、等待、谈判，终于2001年，就在911事件发生的当天英国时间的上午，与麦金托什有限公司正式签署了《悲惨世界》的合作意向书。为了确保中国首演成功，世界最著名的音乐剧制作人卡麦隆·麦金托什还特意自己掏钱，为这次中国之行请来了阔别《悲惨世界》长达8年的金牌“冉阿让”扮演者——科姆·威尔金森，并精心挑选了许多最好的演员。
演出前一两个月，上海大剧院通过电视平面、 定点宣讲、高架广告、报纸杂志等媒介开始了大规模密集型的宣传，但是票房却没有想象中那样理想，直到首演之日，依然有10余场的演出票没有售出。幸好，峰回路转，音乐剧《悲惨世界》在上海的首演一炮打响。当演员登台谢幕时，大剧院出现了少有的全场起立鼓掌的景象。许多观众眼中含着泪水，不停地鼓掌叫好。首演有力证明，艺术品质是票房的根本号召力。第二天，各大报纸纷纷出现对《悲惨世界》的赞美之声，而观众们的口碑成为最有力的宣传。之后，票房雪球开始滚动起来，短短一个多星期，21场票房一售而空。演出的最后一场，500元一张的演出票在“黄牛”手中卖到2500元。著名男高音歌唱家魏松先生当时曾很惊讶地表示，原本打算慢慢看，结果连台阶上的票都售罄了。
2002年《悲惨世界》的成功，更坚定了上海大剧院继续引进经典音乐剧的信心与决心。之后每年上海大剧院都会引进一部经典音乐剧，演出场次也不断创下纪录，2003年《猫》53场，2004年《音乐之声》35场，2005年《剧院魅影》100场，2006年《狮子王》101场，2007年《妈妈咪呀》34场，2008年《发胶星梦》20场，2009年《歌舞青春》24场……尤其是2003年，正当《猫》成功演出过半时，“非典”的阴影开始笼罩国内各大城市，在上海市政府支持以及英国方坦言台下只有一个观众也演下去的情况下，《猫》坚持上演。尽管困难重重，《猫》依然取得了平均86%的上座率，那一期间观众们都戴着口罩来观看演出。可见，上海已经培养出了一批音乐剧的铁杆观众群。在上海，曾有过一位观众自己买票，共看了五遍《猫》和九遍《剧院魅影》，这一现象在美国也少见。
除了不断引进国外经典音乐剧外，上海还在其他方面做出努力。2002年，上海音乐学院成立我国第一个音乐剧系，以满足本土化音乐剧人才的需求，因此2002年可谓是音乐剧在上海的“破冰之年”。2003年，上海戏剧学院也在表演系招收了音乐剧专业的学生。此外，有感于音乐剧的独特魅力，上海话剧艺术中心、上海歌剧院也纷纷在打造原创音乐剧方面做尝试。
2010年10月，上海音乐学院音乐剧系教授、著名作曲家金复载自投资金，与唱片业的新汇集团合作，成立了中国内地第一个音乐剧剧团——高瞻音乐剧团。
2010年11月，上海东方传媒集团有限公司、中国对外文化集团公司、韩国CJ集团，三大中外文化巨头在上海宣布，联合投资成立国内首家以现场娱乐为核心理念、以音乐剧和大型演唱会等为主营业务、以华语地区为目标市场的娱乐产业公司——亚洲联创（上海）文化发展有限公司，这标志着中国音乐剧产业化运作正式迈出重要一步。
今年夏天，作为上海文化标志之一的文化广场将以新的面貌与观众见面，新文化广场剧场拥有座位2010个，是世界上最大、最深、座位最多的地下剧场，这里也将成为全国第一家以演出音乐剧为主的专业剧场。
音乐剧之魅
音乐剧诞生于20世纪初，是工业社会的产物，至今一百多年的历史。音乐剧在全世界各地都有上演，以美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区最为频繁。目前，年轻的音乐剧已经成为轰动全球的摩登艺术，世界各地的观众为之着迷。那么，它究竟有着怎样的独特魅力呢？
1988年，时任交响乐团总经理的钱世锦赴美国考察，期间去大都会歌剧院、卡内基音乐厅、纽约爱乐乐团观赏了歌剧、芭蕾舞、交响乐等。陪同的美国朋友问他，怎么不去看音乐剧。音乐剧？在上海音乐学院小提琴演奏专业学了四年，期间念了两年西洋音乐史的钱世锦从来没有听说过“音乐剧”这个词。“为什么一定要看音乐剧？”钱世锦问。“到了纽约不看音乐剧就等于没有到过纽约。”朋友爽快地回答。有那么严重吗？钱世锦心生疑惑，但也引发了他极大的好奇：音乐剧究竟有怎样的魅力能让美国人那么津津乐道？钱世锦拿起了音乐剧目录翻看，一连串的演出剧目，让人眼花缭乱，最后他选中剧情比较熟悉的《悲惨世界》。不料，过了两天，朋友回来一摊手，说，票子买不到了，半年前票子就已经卖完了。这让钱世锦很惊讶，“大都会歌剧院当场也能买到票啊！”错过了纽约的上演，一周后钱世锦来到洛杉矶，这次陪同人员帮他找到了《悲惨世界》的票。钱世锦至今记得，他坐在三楼最后第二排。观赏完《悲惨世界》后，钱世锦受到了极大的震撼，“这样一个庞大的题材能在二小时内讲述出来，并且能够让不懂英文的人全部看懂，而且从头到尾看得目不转睛，太有魅力了！”激动之余，钱世锦又心生遗憾：不知道什么时候能在中国看到啊。这以后，钱世锦就一直想把这部音乐剧带到中国。1996年他调入上海大剧院后，为引进《悲惨世界》以及《猫》等经典音乐剧做了大量的工作。
1992年，同样在美国，又一位上海人与音乐剧发生了美丽的“邂逅”，并为之倾倒。他就是著名作曲家金复载。金复载长期从事电影音乐及电视音乐的创作，曾为百余部（集）影片和电视剧作曲并赢得广泛影响。1992年赴美国宾西法尼亚州立大学做访问学者时，金复载观看了音乐剧，随即迷上了这门新奇的艺术样式。回国后，金复载还念念不忘，索性自己创作。于是，2002年，他兴致勃勃地与著名导演吴贻弓、作曲董为杰一起改编制作了一部音乐剧《日出》，邀请廖昌永、陈佩斯等加盟演出。有感于音乐剧演员缺乏，又听说上海音乐学院设有音乐剧系，金复载就打电话过去借人，不料学院回复说，“这个专业刚刚招生，学生还没来呢。你如果有兴趣，就来参加工作！”当时正巧金复载在办退休，有了空暇的时间。于是，本想去上海音乐学院借演员的金复载结果反被邀请去当了老师，这一当就是十来年。
“我觉得音乐剧的形式很新奇，更符合现代人的审美情趣。比如节奏，我们国内有些戏剧节奏比较冗长，但是音乐剧的节奏很快，要制作吸引人的场景必须在5分钟内有一个surprise（意外），不管是音乐的意外、戏剧的意外还是舞蹈的意外，永远不会让人感到boring（厌烦）。而且音乐剧是综合艺术，没有一个固定的模式，表现形式很自由，有学者定义音乐剧：以戏剧为框架，以音乐为灵魂，以舞蹈为主要的表现手段。这讲的是音乐剧的总体框架，具体到各个剧也不全是这样，有些音乐元素多一些，有些戏剧元素多一些，从观众的欣赏角度来看也更有自由度。”金复载介绍道。
华丽的舞台、悦耳的歌声，很多人眼里音乐剧和歌剧混淆不清。在钱世锦看来，两者除了在表演形式上有一些类似外，还是有很大区别的，而这些区别也正显示了音乐剧的巨大魅力。“第一，音乐剧演员跟剧中人物形象、性格特别吻合，但歌剧则不一定。歌剧剧本中的人物也许是英俊小生或者窈窕淑女，但歌剧演员本身不一定要符合形象要求。比如《波西米亚人》里的鲁道夫是英俊诗人，200多斤重的帕瓦罗蒂在歌剧中可以胜任这个角色，但在音乐剧中则不可想象。音乐剧里英俊小生的扮演者一定要容貌出群。再比如，话剧可以让十几岁的孩子来扮演六岁的孩子，但音乐剧不行。《音乐之声》里七个孩子，最小的六岁，最大的十六岁，一定得找到同样年龄层次的孩子来演绎，从这个角度看，音乐剧更接近电影，其形象上一定要吻合，否则便不被认可。第二，音乐剧的历史不长，交响乐、芭蕾舞、歌剧等是文艺复兴时期产生的，是农业社会的产物，而音乐剧与电影一样是20世纪产生的，是工业社会的产物。音乐剧的节奏、叙事方式也更接近电影。歌剧可以在同一场景里唱半个小时，而音乐剧几乎三分钟就要有变化，如同电影，一个镜头一个镜头快速变换，更贴近现代人的生活节奏、审美节奏。这也是为何音乐剧受到现代人欢迎和喜爱的原因。”
中国原创音乐剧还在学步期
在国外经典音乐剧不断在上海掀起狂潮时，也有不少专家有着更深的忧思。中央音乐学院美籍专家刘键忧虑地指出：“引进外来文化的目的，是要通过借鉴来创造本土文化。如果我们的原创跟不上，光有引进的成功是不够的。”“虽然英美音乐剧不断被引进沪上，观剧群体逐渐形成，但本土原创音乐剧还是难成气候，到现在可以说没有一部中国音乐剧能真正演得开。”金复载坦言自己的心病。
近年来，无论是按商业化操作规范进行创作排演的《夜半歌魂》，还是王刚、成方圆自筹资金的《音乐之声》，文化部投资的西部题材的《香格里拉》，结果都是黯然收场。国内众多创作者在原创音乐剧的道路上“折戟沉沙”。
“我感觉我们国家开始重视起音乐剧来了，但是现在的关键是我们对这样的艺术形态没有经验。我们自己要有学习的过程，音乐剧是一门现代艺术，视野可以放开一点，我们要多吸收一些国外健康的审美价值高的音乐剧的成果，通过他们的成果学习他们的经验以及他们的美学追求。与此同时，既然是中国的音乐剧，也不能离开中国传统的戏剧、戏曲的美学原则和美学经验。这要花点功夫。”近日，中国著名戏剧教育家徐晓钟语重心长地告诉笔者。
金复载介绍，从狭义来讲，音乐剧是指从欧美发展过来的现代文艺形式。但是从更广义的角度来看，中国也有自己发展音乐戏剧的道路。根据时代的需要，国内已开创出了音乐戏剧的一些新的表演形式，其中有把中国戏曲和西洋歌剧的某些特点相结合的民族歌剧，如《江姐》《洪湖赤卫队》《白毛女》，比西洋歌剧更有群众基础；有中国人自己创作的很西洋化的歌剧；有在戏曲改革上进行一定创造的戏曲，比如《曹操与杨修》《成败萧何》；还有一部分就是中国人自己想搞的现代音乐剧，不少创作者尝试着把西方音乐剧与我国民族戏剧传统有效嫁接起来，产生中国式的本土音乐剧艺术，然而成功的很少。
金复载认为中国大部分的原创音乐剧遭遇“滑铁卢”的原因，首先在于观念上的模糊不清，由此导致创作上的不成熟，创作始终在左右摇摆，无法很好地把握借鉴和继承之间的关系。“比如题材问题，音乐剧应该是非常时尚的、和时代紧密接近的文艺形式，但是因为中国有着很好的文化传统，很多人就想在古老的题材里找音乐剧的题材，比如梁祝、白蛇传，这完全可以搞，但是没搞出新的点子来，和已有的戏曲形式没有太大的差别，观众一比觉得没有原来的好，就没有兴趣去观看。”
有人指出，中国已经有了优秀的传统戏曲，是否能代替音乐剧。金复载表明，这很难：“戏曲本质是地方方言，加上已经有一定的程式化，这些会阻碍对于新生活、时尚观念形式的表达，所以很难代替音乐剧。但是不能代替不等于中国音乐剧不能借用戏曲中很好的文化元素。而且要创作受中国观众欢迎的音乐剧，吸纳优秀的戏曲成分是必须的。因为中国观众的欣赏习惯里，戏曲的音乐、表演形式已经留下了深深的烙印。”金复载认为，业内人士现在可以做两方面的工作，“一方面让戏曲更多接受音乐剧的观念，比如今年的精品工程湖北花鼓戏《十二月等郎》，用了很多音乐剧的手法来表现现代的农村生活，很不错，这是一种方法，套用一句话，即‘以戏曲为体，以外来音乐剧为用’；另一方面是‘以外来音乐剧为体，以中国的文化元素为用’，这种‘用’，不是指内容，而是指戏曲的形式，音乐剧的内容当然更多的是反映现实生活。”
“国内很多人对音乐剧的理解并不清晰，思想不统一，很多人认为音乐剧就是唱几首歌、跳几段舞，拉一个明星冲票房就可以了。”钱世锦告诉笔者，但凡有人来跟他谈音乐剧合作，他总要先问一下对方，什么是音乐剧？就“音乐剧的本质和最重要的因素”这个问题，钱世锦曾问过英国著名音乐剧作曲家安德鲁·洛依德·韦伯，韦伯当时只回答了三个词：story（故事）、story（故事）、story（故事）。“音乐剧最重要的是剧而不是音乐，所以音乐剧拿托尼奖而非格莱美奖，托尼奖属于戏剧范畴。没有故事的音乐剧，就等于没有精髓。”钱世锦强调，在他看来，众多国内原创音乐剧的失败，最大问题就是：第一，没有好剧本；第二，不知如何将好故事转换成音乐剧的语言。
由于观念的不清，国内音乐剧也是杂病重生。音乐理论家居其宏曾为中国音乐剧诊断出了十大病症，并指出：“某些从业者和政府官员好像已经走火入魔，丧失理智，开始自觉不自觉地步入迷狂的境地。”“国内从一开始接触的就是最豪华、最成熟的经典剧目，以为音乐剧就应该是舞台华丽的大戏。这是完全错误的概念。”金复载进一步解释，“从实践上来看，制作越大亏得就越多。国外的经典音乐剧都是在有了很好的基础上才大制作的。而我们的创作人员对音乐剧组织、表现方法、制作模式等都不甚了解。音乐和戏剧也没有很好地融合，只是把所有的经费一味花在服装、舞美上。舞美很重要，但是不能脱离本体，就像小姑娘化妆，本身要漂亮，化妆了才更漂亮。凭现在中国音乐剧的原创能力还没有资格去做大制作。”事实上，百老汇大制作音乐剧其实就那么几部，大量的还是小成本音乐剧。制作方只有在市场上滚打了很长一段时间，并对市场有了十分的把握，才会追加投资重新编排。而且即便是音乐剧产业发展极其成熟的英美国家，音乐剧创作的成功率大约是1：5，即5部音乐剧中只有一部能够真正盈利。
钱世锦认为中国音乐剧要真正达到本土化还有很长的路要走。“音乐剧属于外来的艺术样式，是个舶来品。一个民族接受它，这需要过程。就像话剧、交响乐等为人所接受，都需要一段时间的考验。比如中国第一个交响乐团——上海交响乐团的成立是130年以前，历经了130年来几代人的普及、传播、思考、创作，才留下了经典的《梁祝》《黄河钢琴协奏曲》等，这都不是一天两天产生的。因此，我们原创音乐剧还早，也不用太着急，拔苗助长必定会导致失败。”基于这样的思考，上海大剧院采取了三步走的规划：引进、本土化、原创。这三步会根据实际情况交叉进行。事实上，长期以来，先引进经典培育市场，再描红制作中文版，直到最后实现原创，一直是京沪两地发展中国音乐剧的共识。
近日，亚洲联创（上海）文化发展有限公司有了大胆举措，率先推出了本土版的《妈妈咪呀！》。该剧将是第一部世界经典音乐剧的中文版。《妈妈咪呀！》在全球市场有着不俗的成绩单：共有13个语言版本；受众超过4200万人次；在超过240个主要城市连续上演12周年。而中文版将成为第14个语言版本。上海广播电视台副台长、亚洲联创（上海）文化发展有限公司董事长滕俊杰分析，从日语和韩语版的《妈妈咪呀》市场热度看，中国市场已发展到了适于接受中文版的阶段，同时，上海具有上演世界著名音乐剧，并得到高票房回报的经历，世界著名音乐剧在上海的“生根发芽”具有相当强的可行性。滕俊杰希望合资公司凭借中文版《妈妈咪呀！》的成功运作，将驻场演出这样的演出样式进一步扩张，形成独特的文化消费模式。据悉，今年7月，音乐剧《妈妈咪呀！》中文版将首演于上海大剧院，首站演出32场；10月转场至北京，计划连演88场；随后，将于年末抵达广州，演出32场。出品方预计，到2012年上半年，该剧完成首轮巡演时，总场次将接近200场。
音乐剧人才稀缺成难题
风靡世界的经典音乐剧《妈妈咪呀！》要推出中文版的消息振奋人心。然而演员招募却成为了率先碰到的一大难题。因为音乐剧在中国的起步较晚，相配套的人才极为有限，在中国要找一个能唱能跳还能演的全能型演员很难，尤其是中年妈妈的角色，堪称是大海捞针。
终于，经过层层选拔，4位主演在不久前举行的中文版《妈妈咪呀！》全国巡演启动仪式上登台亮相。其中饰演妈妈唐娜的是上海话剧艺术中心演员田水。田水是国家一级演员，曾捧走话剧界众多重要奖杯：佐临话剧艺术奖、曹禺戏剧奖表演奖、中国戏剧梅花奖等。然而，上海话剧界的知名实力派演员如何转战音乐剧了呢？田水笑着向笔者透露，其实还是制作方抛的橄榄枝。去年田水就得知《妈妈咪呀！》在招人，而且知道是伦敦西区原版导演团队人员在甄选，但考虑到很多人会去竞争，加上手头事情也多，没有应试的打算。不料，《妈妈咪呀！》剧组主动打电话过来邀请她去北京面试。因为当剧组正为妈妈这个角色头疼不已时，不少记者和专业人士告诉他们，到上海话剧艺术中心去找一个叫田水的人，她应该会合适。接到剧组这个邀请，田水欣然同意。“我平时就喜欢自娱自乐，唱唱卡拉ok什么的。同时呢，前几年开始我就参加了我们话剧中心搞的几部带有音乐剧元素的话剧演出。通过这些演出我也更了解音乐剧。我觉得话剧和音乐剧没有本质区别，都属于戏剧范畴，音乐剧更多是用音乐来表达，用歌声来传递情感。”虽然一直活跃在话剧舞台，但是更多地接触了音乐剧后，田水不得不承认音乐剧的魅力有时更甚于话剧，“音乐剧是丰富多彩的，可以靠很多的表现形式来展现人的内心情感，有时音乐的力量比语言的力量更大，所以音乐剧有时比话剧更能直接传递感情。动听的音乐，精美的舞台布置，跌宕起伏的情节，比较夸张的表现形式，这些都可能是观众在话剧舞台上看不到的，由此更能燃烧观众的激情。那种连唱带跳的歌舞场面一出现，不管什么样层次的观众，都能被带动，这就是音乐剧能吸引那么多观众走进剧场，能生存到现在还在不断发展的重要原因。”
在面试《妈妈咪呀！》的等待中，田水听到前面几位应试者几近天籁般的声音不禁有些崩溃，他们唱得比自己好多了，自己还有机会吗？幸运的是，最终剧组选中了田水。“我觉得我能被导演选上的一个主要原因是我有十几年的舞台经验，这个经验起到了决定性的作用。”田水自信地告诉笔者。事实上，舞台经验缺乏是国内音乐剧专业毕业的学生们的致命软肋。田水认为：“音乐剧演员需要能唱能跳又能演，对综合素质要求很高，现在音乐剧专业毕业的学生唱歌可以，但是演戏的经验不足。而演戏的经验是需要有大量的作品去培养练习的。对于这些音乐剧专业学生来说，他们面对的困难比话剧专业的学生要多。因为能给他们施展才华的音乐剧舞台太少了。目前来说，他们的生存状况还是蛮艰辛的，还好我们话剧中心每年会推出一些音乐剧，或者音乐元素多一点的话剧，他们只能先咬牙坚持住。”
据金复载介绍，上海音乐学院音乐剧系平均每年招生20人左右，以前是5年制，后来改为了4年制，现在一共已经毕业了8届，包括演员表演、理论研究、音乐作曲等各个方向。然而，因为音乐剧市场尚不成熟，这些专业毕业的年轻学生一半多因为没有音乐剧可演纷纷改行。眼看着精心培养的青年人才流失，金复载忧心忡忡，这也成为了他成立中国内地第一个音乐剧剧团——高瞻音乐剧团的初衷之一。但是因为剧团是公私合营，需要自筹资金，所以只能先录取10来位音乐剧专业的优秀毕业生，太多了负担不起。现在剧团面临的主要问题是剧场不固定、资金不够充裕。“如果我们每个月4、5万的基本人头费能解决，那么我们可以做得更好，还是希望有更多的政府补贴。”金复载感叹道。其实，在他眼里，更适合音乐剧发展的是剧场制。不同于话剧可以只演三四场，音乐剧的演出应该有固定的场子，然后在剧场里组织一个班子进行驻场演出。然而，在各方面条件都不成熟的情况下，金复载只能先采用剧团制的方式留住一部分人才，原创一些小制作的音乐剧。
目前，音乐剧的表演人才稀缺，不过让人欣喜的是，一批新芽正在茁状成长，无论是之前由上海音乐学院学生表演的《我为歌狂》，还是日前高瞻音乐剧团成立之即由青年音乐剧演员创排的原创音乐剧《箱子里的人》，尽管尚显青涩，却有很多可圈可点之处，引起不错的反响。同时在采访过程中，笔者也碰到了一些由于热爱而转投入音乐剧事业的年轻人。其中一位就是王晶超。2002年，王晶超正念高二，有机会观看了上海大剧院的《悲惨世界》，一下子就被吸引住了。之后就读于北京大学电子专业的她，找到了几位志同道合的音乐剧爱好者，并创立了北京大学音乐剧社。王晶超成为了剧社首任社长。在学校里她与同学一起开展了音乐剧的普及工作，并排了一部毕业小戏。怎奈校园生活短暂，很快面临毕业，王晶超回到上海，在四大会计事务所之一工作。然而，已经在艺术氛围中浸染了许久的王晶超无法忍受事务所单调的生活，她决定辞去这份很多人艳羡的高薪工作，再次追寻她的音乐剧之梦。于是，她成为了上海大剧院艺术教育部的艺术教育专员。
上海离世界音乐剧中心有多远？
几年前，英国《金融时报》的专栏作者在一篇《在上海看戏，没戏？》的文章中尖刻地指出爱赶时髦、耳根子又比较软的上海人，很容易受“国外时髦东西”的蛊惑，让音乐剧赚得个盆满钵满，让好端端一个上海大剧院几乎变成了“上海音乐剧大剧院”。还有人在音乐剧《猫》上演时讽刺，上海大剧院是演高雅艺术的，难道就只演《猫》了吗？那就改成“猫剧院”得了。
钱世锦指出，音乐剧是通俗艺术，不一定是非常高雅的，但也未必是不高雅的。如今的百老汇音乐剧早不再是依靠女人大腿或肉感红唇吸引观众的肤浅庸俗的“文化快餐”，而已发展成一种丰富的综合艺术：含有与人类密切相关的主题、动人的故事、震撼人心的情节、赏心悦目的歌舞、炫目的舞台效果等等。上海戏剧学院教授孙惠柱指出，百老汇音乐剧固然是商业戏剧的代表，也体现了戏剧专业化的最高水准，就像NBA之于篮球。
“大剧院在睁着眼睛看世界的过程中，发现音乐剧这种最具成功商业模式的现代戏剧形式，是一个国际大都市必不可少的艺术产品，如果不做引进工作，文化的多样性上就有缺失。”前上海大剧院艺术中心总裁、上海大剧院院长方世忠曾对“上海为何要引进音乐剧”这个问题做出如此诠释。
与此同时，在国内各大城市对音乐剧的热情不断高涨的情况下，上海的音乐剧发展也有着其他城市不可比拟的优势。
几年前，广州东莞宣传部曾提出口号，要把东莞打造成为音乐剧之都。当时参加东莞召开的座谈会的钱世锦讲了一个黑色幽默：“据我观察，世界著名音乐剧中心有个共同的特点：一定有一个证券交易所，如纽约、伦敦、东京等。因此，中国最有可能大力发展起音乐剧的地方应该是上海，因为上海有许多的证券交易所。”目前，上海演出市场相对比较规范，这已经成为共识，上海市民会自发地买票进剧院，而在北京则是团体票、赠票居多。钱世锦认为，这种不同与两座城市的历史有密切关系。“上海是金融比较发达的地方，上海人用金钱交换的意识也比较强，觉得自己买票看戏天经地义，而北京是一种大爷文化、皇城根文化、进贡文化，在北京有人送票才有面子。那么对于以市场为生命力的音乐剧而言，更需要出于喜爱而自发掏钱买票的观众。”
金复载认为，上海开放比较早，传递信息的渠道很多，信息量很大，同时接受外来事物很快，包容能力很强，是一个集经济、旅游等为一体的大都市，这些方面都奠定了上海做音乐剧的土壤。同时，音乐剧属于都市文化，节奏比较快，基本观众群是白领阶层和学生阶层，上海已经培育了一批音乐剧观众。“上海是一个浪漫的都市，理念更新很快。音乐剧更能符合上海大都市海派文化的特点，是促进上海文化发展不可缺少的一部分。”田水指出。
滕俊杰分析，就市场开放度和硬件设施等条件而言，上海的音乐剧市场容量颇具潜力。世博园区经过改造可以成为时尚的音乐剧演出场所，同时上海颇具口碑的“文化广场”也在新建剧场，这都是非常好的音乐剧驻场演出地。“相信在不久的将来，依托华语文化消费市场的巨大潜力，上海有望成为继伦敦、纽约之后新的世界音乐剧中心，形成符合上海城市特点的文化产业新热点。”滕俊杰信心满满地表示。但是与此同时，他也向笔者透露其担忧，上海要发展音乐剧要做的事情还有很多，伦敦西区、纽约百老汇每天要演出几十场音乐剧，但是目前上海像样的音乐剧太少了。
“上海每晚能有20多出中外剧目同时上演，才称得上音乐剧中心。”金复载也强调。在他看来，音乐剧市场不成熟是制约其发展的主要问题。
要发展音乐剧，不能忽视其商业化的特性。与芭蕾、歌剧等表演艺术不同，音乐剧是当下西方最具成功商业模式的戏剧形式，其商业模式非常成熟。一部成功的音乐剧甚至能数十年常演不衰，《泰坦尼克号》是历史上票房最高的电影，收入达10亿美元，而音乐剧《剧院幽灵》在1997年的票房收入就已经是它的2.7倍。从世界范围来看，音乐剧是一个潮流，音乐剧对演出产业的经济拉动效益达到1：7。而这也正是无数国人置身到音乐剧市场中的一大动力。
所以在中国的文化产业才刚起步的情况下，发展中国的音乐剧，要向西方学习、借鉴的有很多，不仅仅是创作问题，还包括专业化的演员梯队和舞台技术人员，强大的品牌推广能力，规范的制作模式，专业化剧院硬件，成功的商业模式。上海大学教授王晓明曾指出，对于我国演艺界来说，拿来西方文化产业的运作机制和商业模式，比引进一部票房火爆的剧目更加重要，那才是拿到了“真金白银”。
目前，在欧美，音乐剧产业与好莱坞电影业、唱片业并称为三大龙头产业。中国原创音乐剧要发展，必须先振兴音乐剧文化产业。而音乐剧的完全市场化操作，对于国内演艺界常存的一些恶习，无疑是极大的挑战。譬如，音乐剧的经营模式是低票价、长档期，一部剧目必须保证能够演出数百场乃至上千场，方有望收回投资进而赚取利润，于是就要求一个根本前提，即有高质量的剧目做保证。那么怎样才能做出高质量的剧目呢？必须先明白音乐剧的特性，音乐剧不是严肃艺术，更不是前卫艺术，它的通俗性和娱乐性决定创作者必须把观众的喜好放在首位，必须考虑人们所关注的现实。由此，那些以“高雅艺术”为挡箭牌的艺术家们，那些以政绩为目标而专搞大制作的院团、政府部门，必将受到市场的严酷惩罚。
期许不断前进的上海早日形成成熟的音乐剧市场，早日创作出经典的原创音乐剧，这对上海文化的发展和人民生活的丰富有着重要意义。