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摘要：中国画中的“似与不似”已成为当今艺术美学界的重要研究课题。它是说：似是以自然为师，尊重客观事实。不似则是强调画者的主观能动性，发挥画者的主观意象，融合画者的情感。画者不同则其主观意不同，所表现的情感则不同。不似则有千变万化，不拘泥于物的外在形象，应该抓住物象所特有的内在本质，发挥艺术想象力，突出或夸张，但反对不切实际的空想。我们要正确掌握和了解这一原则才能推进中国画的发展。
关键词：客观事实；主观意向；本质；突出；夸张
中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2014）09-0030-01
本文意在以“似与不似”这一艺术审美原则为研究课题，通过对倪瓒、黄宾虹、齐白石等艺术大师的作品进行赏析，阐述了“似与不似”这一原则的审美价值。使我们对中国画的寓情于景、不似之似等艺术原则有了深入的了解。同时更进一步的证实了研究这一课题具有重要的艺术价值。
一、“似与不似”，这是中国艺术的一条美学原则
“似与不似”，这是中国艺术的一条美学原则，尤其是在绘画作品中。意思是说我们的绘画作品不能够不逼真，画什么东西不能不像什么东西，但是却又不能拘泥于物象的外在形象和形式，而应该去抓住物象特有的内在本质特点，充分发挥艺术的想象力，或者对某一点突出和夸张，把作者对事物的感情和思考融入到自己的作品中，作品所体现出与其他事物所不同的独有的特点。在这一物象又不完全只是这一物象间给人宽阔的想象空间。
我国古代绘画大师石涛曾说过：“明暗、高低、远近，不似之似的似。”这句话中的“不似之似”是在总结了前人对于形神关系的美学基础上做出了进一步的明确，从而成为中国画家普遍遵循的法则。中国画不只单单有形，而且包含有意“象中有意，意中有象”“立象尽意”，象只是在对物象的写实，而追求“不似之似为似之”为意象。我们所说的“不似”只是一种手段，而其目的是在于“似”。欧阳询曾在诗中说过：“古画画意不画形，梅诗咏物无隐情；忘形得意知者寡，不知见诗如见画。”苏轼也曾说过：“画写物外形，要物形不改。”这里面所提到的“离形”、“不画形”、“忘形”、“物外形”其实都是指的同一个道理，即是掌握住形似之后的一种“意象变形”，这种变形的意义在于抒情和表现人生，而且的则是“得似”、“神似”、“得意”、“传情”。
二、“似”是把大自然的万物当做老师，尊重客观规律和客观现实
“似”是把大自然的万物当做老师，尊重客观规律和客观现实。“不似”是在强调表现画者的主观能动性，充分发挥画者的主观意象，融入画者丰富的情感。对于不同的画者，他们的主观意象也不相同。因而有不似，则千变万化，更能体现画者的风格。对于“似与不似”真正从理论上进行阐述的是苏轼。他虽然没有专门的绘画专著，但是在他的题跋中，却可以看出他对中国画的“似与不似” 的观点。他认为，士人画和画工画的本质区别是：前者重“意气”，后者拘泥于形似。后者显然是不可取的。苏东坡曾题诗 “论画以形似，见于儿童邻。赋诗必此诗，足知非诗人。”他认为画的像于不像的观点，未评价一幅画的好坏，是非常幼稚的。对画的品评应当如同对诗文的品评一样，应该是自然含蓄的意境，所以提倡“不似”的观点。文人画既然不讲究形似，那么是不是它就没有了自己的规矩了呢？它的意境在哪里呢？苏东坡认为“常理”是隐藏在变化无穷的自然景观后面的“常理”，也就是绘画本身的艺术规律。苏东坡的美学思想深受老子的哲学的影响，提倡“绚烂之极，复归于平淡”，可见他对中国画“似与不似”的深刻理解和超前大胆的思想。
“不似之似”的观点之所以能够为大多数画家所认可，除了出于画家个人主观情感表达的需要之外，而且与中国画特有的笔墨表现技法也是有着密切联系的，由于客观写实的表现，对于笔墨的限制是非常的大之外，尤其是借用书法用笔的笔墨用之于写实几乎格格不入，而用之于不求形似的写意，则能充分表现出它的节奏和韵律。随着笔墨的功能被越来越强调，“不似之似”的观点也得以越来越推广，成为中国画的一个重要造型观念。
中国画家把“似与不似”“不似之似”发挥的淋漓尽致。作者们把他们在现实中看到的具象的东西，在头脑中经过变形、加工变成可以表达自己内心的感受形状；来寄托自己的情意，从而也是作品的诞生。以形写神的花鸟画中，客观对象的表现后于作者主观的感受，而主观情感则渗透于客观现象的神，而是作者主观为神。元憎觉隐说：“吾常以喜气写兰，怨气写竹。”倪云林自称其画竹不管似芦似麻，只是抒发胸中逸气。无论自然之兰竹，似芦似兰已不重要了。可以说：不论是重客观形神的花鸟，还是重主观抒情的写意画，都包含着来自自然的现象和来自作者自身的这两种审美信息的背后，作者所要表达的思想意境。同时把自己的人格和生命融入其中，达到既超越此物也超越于我的妙悟自然，物我两忘的境界。
“妙在似与不似之间”，“不似欺世，太似则媚俗。”——齐白石。
我们从齐白石这句看似简单的话语中读出画之外的自然和人生之理。就是这句简单的“妙在似与不似”指出了艺术创作的基本问题。在齐白石的眼中“太相似则媚俗”，我们不是去绘制一张“标本”更不是去“拍照”，如果这样做艺术家就会变成自然的奴隶了，放弃对大自然和生活的探索，是对艺术创作的不负责任的表现。而太不似就是欺骗，因为艺术家本身源于自然，是对客观自然的一种反映。太不似则就是不尊重客观事物，是对客观世界的一种扭曲，也同样是对艺术的不负责任。如果失去了艺术创作中“真”的根本点。是不会从根本上使观赏者达到共鸣。艺术家创作的根源是大自然，是基于对自然和生活的细微观察及热爱，是以极为平凡的生活中，大自然中提炼出的深刻美学理念及情趣。一颗极为普通的“白菜”通过齐白石的处理成为了菜中之王。他把白菜画的肥厚丰满，而且赋予它“清白”的寓意。一群在普通不过的虾通过他的笔墨处理，结果变得晶莹透亮、生动可人。他在八十二岁的题画诗写道：“塘无鱼虾自奇也从叶底戏东西，写生我懒求形似，不厌名声到老纸。”后两句说明他画虾不同于平常，他追求的不是形似，而是神似。这是高度的提炼，具实又具美。咋一看觉得相似，仔细那么一看又不那么相似，再看又觉的有点相似……，就在那似与不似之间才值得去寻味！创造要基于现实，超于现实，来源于现实又要高于生活。把画的意境放到第一位，形象表现为次之，二者兼容则会成为妙品。
画有三：“一，绝似物象者，此欺世盗名之画；二，绝不似物象者，往往托名写意，亦欺世盗名之画；三，惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画也。”
这段话用于评价全部画史的不同造型观念，其偏颇是不言而喻的。“绝似物象者”如宋画，形神兼备。如何是“欺世盗名之画”？只有那些形极似而神气索然的画，才是欺世盗名之画。“绝不似物象者”如八大山人的花鸟形不似而神似，只有那些形神具不似的画才是“托名写意”，亦欺世盗名之画。而所谓“绝似又绝不似于物象者”的“真画”，实际上也正是指形绝不似于物象而神绝似于物象者，这就是所谓“神似”。
中国画对形象的塑造是为了作者的抒情达境。所以中国画家敢于舍弃对象外在的形态，敢于为了强化作者感情的表达而进行一些恰到好处的夸张，善于抓住对象本质特征及神情，中国画以自己独特的艺术语言灵活的表现物象。
对于中国画的“似与不似”的审美价值的肯定，是千年美术史上变革和发展的必然结果！
结语
通过对“似与不似”这一中国艺术美学原则的分析，使我们更深刻的了解到中国画“妙在似与不似之间”。中国画不仅有形而且含意。掌握“形似之中寓神似”对于我们研究中国画的发展至关重要。
参考文献：
[1]徐建融 《中国绘画》 上海外语教育出版社 1999年8月出版。
[2]李霖灿《中国美术史稿》云南人民出版社 2002年10月出版。
关键词：客观事实；主观意向；本质；突出；夸张
中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2014）09-0030-01
本文意在以“似与不似”这一艺术审美原则为研究课题，通过对倪瓒、黄宾虹、齐白石等艺术大师的作品进行赏析，阐述了“似与不似”这一原则的审美价值。使我们对中国画的寓情于景、不似之似等艺术原则有了深入的了解。同时更进一步的证实了研究这一课题具有重要的艺术价值。
一、“似与不似”，这是中国艺术的一条美学原则
“似与不似”，这是中国艺术的一条美学原则，尤其是在绘画作品中。意思是说我们的绘画作品不能够不逼真，画什么东西不能不像什么东西，但是却又不能拘泥于物象的外在形象和形式，而应该去抓住物象特有的内在本质特点，充分发挥艺术的想象力，或者对某一点突出和夸张，把作者对事物的感情和思考融入到自己的作品中，作品所体现出与其他事物所不同的独有的特点。在这一物象又不完全只是这一物象间给人宽阔的想象空间。
我国古代绘画大师石涛曾说过：“明暗、高低、远近，不似之似的似。”这句话中的“不似之似”是在总结了前人对于形神关系的美学基础上做出了进一步的明确，从而成为中国画家普遍遵循的法则。中国画不只单单有形，而且包含有意“象中有意，意中有象”“立象尽意”，象只是在对物象的写实，而追求“不似之似为似之”为意象。我们所说的“不似”只是一种手段，而其目的是在于“似”。欧阳询曾在诗中说过：“古画画意不画形，梅诗咏物无隐情；忘形得意知者寡，不知见诗如见画。”苏轼也曾说过：“画写物外形，要物形不改。”这里面所提到的“离形”、“不画形”、“忘形”、“物外形”其实都是指的同一个道理，即是掌握住形似之后的一种“意象变形”，这种变形的意义在于抒情和表现人生，而且的则是“得似”、“神似”、“得意”、“传情”。
二、“似”是把大自然的万物当做老师，尊重客观规律和客观现实
“似”是把大自然的万物当做老师，尊重客观规律和客观现实。“不似”是在强调表现画者的主观能动性，充分发挥画者的主观意象，融入画者丰富的情感。对于不同的画者，他们的主观意象也不相同。因而有不似，则千变万化，更能体现画者的风格。对于“似与不似”真正从理论上进行阐述的是苏轼。他虽然没有专门的绘画专著，但是在他的题跋中，却可以看出他对中国画的“似与不似” 的观点。他认为，士人画和画工画的本质区别是：前者重“意气”，后者拘泥于形似。后者显然是不可取的。苏东坡曾题诗 “论画以形似，见于儿童邻。赋诗必此诗，足知非诗人。”他认为画的像于不像的观点，未评价一幅画的好坏，是非常幼稚的。对画的品评应当如同对诗文的品评一样，应该是自然含蓄的意境，所以提倡“不似”的观点。文人画既然不讲究形似，那么是不是它就没有了自己的规矩了呢？它的意境在哪里呢？苏东坡认为“常理”是隐藏在变化无穷的自然景观后面的“常理”，也就是绘画本身的艺术规律。苏东坡的美学思想深受老子的哲学的影响，提倡“绚烂之极，复归于平淡”，可见他对中国画“似与不似”的深刻理解和超前大胆的思想。
“不似之似”的观点之所以能够为大多数画家所认可，除了出于画家个人主观情感表达的需要之外，而且与中国画特有的笔墨表现技法也是有着密切联系的，由于客观写实的表现，对于笔墨的限制是非常的大之外，尤其是借用书法用笔的笔墨用之于写实几乎格格不入，而用之于不求形似的写意，则能充分表现出它的节奏和韵律。随着笔墨的功能被越来越强调，“不似之似”的观点也得以越来越推广，成为中国画的一个重要造型观念。
中国画家把“似与不似”“不似之似”发挥的淋漓尽致。作者们把他们在现实中看到的具象的东西，在头脑中经过变形、加工变成可以表达自己内心的感受形状；来寄托自己的情意，从而也是作品的诞生。以形写神的花鸟画中，客观对象的表现后于作者主观的感受，而主观情感则渗透于客观现象的神，而是作者主观为神。元憎觉隐说：“吾常以喜气写兰，怨气写竹。”倪云林自称其画竹不管似芦似麻，只是抒发胸中逸气。无论自然之兰竹，似芦似兰已不重要了。可以说：不论是重客观形神的花鸟，还是重主观抒情的写意画，都包含着来自自然的现象和来自作者自身的这两种审美信息的背后，作者所要表达的思想意境。同时把自己的人格和生命融入其中，达到既超越此物也超越于我的妙悟自然，物我两忘的境界。
“妙在似与不似之间”，“不似欺世，太似则媚俗。”——齐白石。
我们从齐白石这句看似简单的话语中读出画之外的自然和人生之理。就是这句简单的“妙在似与不似”指出了艺术创作的基本问题。在齐白石的眼中“太相似则媚俗”，我们不是去绘制一张“标本”更不是去“拍照”，如果这样做艺术家就会变成自然的奴隶了，放弃对大自然和生活的探索，是对艺术创作的不负责任的表现。而太不似就是欺骗，因为艺术家本身源于自然，是对客观自然的一种反映。太不似则就是不尊重客观事物，是对客观世界的一种扭曲，也同样是对艺术的不负责任。如果失去了艺术创作中“真”的根本点。是不会从根本上使观赏者达到共鸣。艺术家创作的根源是大自然，是基于对自然和生活的细微观察及热爱，是以极为平凡的生活中，大自然中提炼出的深刻美学理念及情趣。一颗极为普通的“白菜”通过齐白石的处理成为了菜中之王。他把白菜画的肥厚丰满，而且赋予它“清白”的寓意。一群在普通不过的虾通过他的笔墨处理，结果变得晶莹透亮、生动可人。他在八十二岁的题画诗写道：“塘无鱼虾自奇也从叶底戏东西，写生我懒求形似，不厌名声到老纸。”后两句说明他画虾不同于平常，他追求的不是形似，而是神似。这是高度的提炼，具实又具美。咋一看觉得相似，仔细那么一看又不那么相似，再看又觉的有点相似……，就在那似与不似之间才值得去寻味！创造要基于现实，超于现实，来源于现实又要高于生活。把画的意境放到第一位，形象表现为次之，二者兼容则会成为妙品。
画有三：“一，绝似物象者，此欺世盗名之画；二，绝不似物象者，往往托名写意，亦欺世盗名之画；三，惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画也。”
这段话用于评价全部画史的不同造型观念，其偏颇是不言而喻的。“绝似物象者”如宋画，形神兼备。如何是“欺世盗名之画”？只有那些形极似而神气索然的画，才是欺世盗名之画。“绝不似物象者”如八大山人的花鸟形不似而神似，只有那些形神具不似的画才是“托名写意”，亦欺世盗名之画。而所谓“绝似又绝不似于物象者”的“真画”，实际上也正是指形绝不似于物象而神绝似于物象者，这就是所谓“神似”。
中国画对形象的塑造是为了作者的抒情达境。所以中国画家敢于舍弃对象外在的形态，敢于为了强化作者感情的表达而进行一些恰到好处的夸张，善于抓住对象本质特征及神情，中国画以自己独特的艺术语言灵活的表现物象。
对于中国画的“似与不似”的审美价值的肯定，是千年美术史上变革和发展的必然结果！
结语
通过对“似与不似”这一中国艺术美学原则的分析，使我们更深刻的了解到中国画“妙在似与不似之间”。中国画不仅有形而且含意。掌握“形似之中寓神似”对于我们研究中国画的发展至关重要。
参考文献：
[1]徐建融 《中国绘画》 上海外语教育出版社 1999年8月出版。
[2]李霖灿《中国美术史稿》云南人民出版社 2002年10月出版。