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随着高校的继续扩招和发展，除音乐学院外，不少高校都成立了音乐学院或者音乐系，因而每年音乐专业的考试也如火如荼。而除了主、副专业外，视唱练耳考试也越来越受到各高校的普遍重视。绝大多数高校的考试均有视唱练耳，且大多数都记入总分，尤其是音乐学（音乐教育方向）；只有部分专业对此要求较低，但也要求及格或者达到一定的分数比值，如音乐表演专业等等。故此，视唱练耳练习是让大部分参加音乐高考的学生感到最头疼的事情。
随着参加艺考的学生的不断增多，在八年的教学中，我发现两个问题：一、多数学生对视唱练耳和乐理不够重视，平常也不注意加强自身训练。还有的甚至错误地认为，只要集中花两、三个月时间就能学会。二、认为视唱只要能唱出来就可以了，而不会注意视唱的技巧和艺术性，更不用说练耳了！综合历年来湖南省音乐联考和其他院校的考试内容以及学生成绩来看，多数学生失败就在于视唱练耳没有学好。
下面我就视唱学习谈几点不成熟的个人看法，供大家讨论。
大部分学生在有钢琴伴奏的情况下，能把音准等基本上唱好，而一旦脱离了钢琴伴奏却总是掉音，稍好一点的掉半个音；跑调的也不少。甚至有部分声乐学生也是这样，容易掉音。还有的高音音不准，要大叫才能唱上去（有的破音），或者根本唱不上去，从而影响发音效果，导致掉音或“跑调”。也有低音唱不准、唱不下去的。究其原因主要有：发音方法，气息控制，音准感受，等等。可以从以下三个方面去解决。
第一，发音方法、气息控制的训练。发音方法不对，会影响音准，容易破音，也能导致“跑调”。解决起来其实也很简单，只是大家平常没有注意到罢了：大家都知道，我们说话时，一般能讲很久而不觉得累。为什么？因为你处于放松状态，颈部、面部肌肉等没有受到过分的力量控制，也没有长期处于紧张状态，故说话时间比较久。而我们大部分学生一旦在唱视唱时就会下意识地发力，人为地造成肌肉紧张，下巴紧、伸脖子、压喉咙，把音大部分都吞进去了，这样的情况下发音就会很紧。怎么能很有效地唱准音？在视唱训练中（与声乐训练相比在发声方面没有那么多要求），首先要做的就是放松，做到像说话般自如的状态；再加上适当的调节、控制气息，你的发音就会感觉轻松多了。因为说话不需要过多的气息，所以视唱也不需要用力去叫喊着唱，除了适当运用一些气息（只需用三分力，绝不用四分力），在中高音时切换“假声”唱法，就能较轻松地唱出高音，也不必用力叫喊或担心破音而唱不上去。还有，就是怎样把音唱得较为好听又容易发音，与嘴型和发音位置有关。在实践中，我觉得嘴型和咬字是否得当能影响发音效果（这点相信练过声的教师、学生都知道）。比如do，我们一般唱得比较靠近口腔中后部，如果把发音位置向前移动，放在牙齿与嘴唇处发音（略带鼻音），会轻松很多，简单地说就是用牙齿和嘴唇去唱。再如re音，可以在后面加“i”母音的发音rei，有点像rai，保持音的位置靠前。mi音也可以把嘴角提起，保持微笑的感觉，让发音向上腭靠拢。fa音可以借用mi音的发音状态，把上口盖打开些。sol音可在fa音基础上保持发音状态，也可像do音的发音。la音同fa音状态，si音同mi音状态。注意一定要保持轻松状态，提起嘴角、保持音向上走的趋势；但不能太用力，这样才能较好的保持音准，把音唱得比较清晰。
第二，音高、音准方面的训练。我们在唱视唱时，一般都是用钢琴（或电子琴）作为辅助手段。而钢琴（或电子琴）采用的是十二平均律制调音，即每个半音之间是等距离的，目的是为了便于移调、转调。而对我们中国人来说，发声感觉是采用的五度相生律（就是由纯五度而产生的音），在音高上与十二平均律有些许差别，有些音比十二平均律的音偏高。具体体现在：大三度、大二度的音比平均律偏大，而小二度、小三度比平均律小。在演唱中，上行时没有提上去，而下行却习惯性往下自然偏低，这就是导致我们在发音方面掉音的主要原因，所以“跑调”也就不稀奇了。人声是可以调节音高的，能根据需要随便移动。解决办法是：比如在C大调中，唱名re音应比钢琴上的实际音高要略高，唱名mi音也要相应提高一点；而半音mi－fa则相应作距离缩小调整，半音mi－fa的距离比钢琴上的半音要小了，mi音可以靠近fa到接近fa音，但是fa音不能提高。这样，C(do)－D(re)－E(mi)－F(fa)的距离没有变，但是发声符合五度相生律的规律了。同理，G(sol)－A(la)－B(si)－C(do)也相应的提高la音和si音。扩大到任何自然大调里，用首调唱名法的话，只要稍微提高re、mi、la、si音即可；如果出现升降记号，则与靠近的小二度音靠拢。不管是首调唱名还是固定调唱名方法一样，在实际演唱中（不管是美声、民族唱法等还是视唱均适应），可以较好地解决音准不够好或者掉音的问题了。其实，视唱和声乐差不多，也讲求内听觉和外听觉。内听觉能让我们控制音准，想到、唱到；外听觉可以帮助我们去综合处理乐曲的表现力。
第三，视唱的艺术性训练。不管是视唱好的还是其他学生，视唱时一般只注重如何把曲子唱出来，能注意到音准、节奏、速度和完整性就已经不错了，而从不注意乐曲该怎样唱才能更好地让人感觉到音乐的魅力。当然，除了学生平常不注意加强自身训练外，部分视唱练耳教师在教学过程中，也不会去刻意强调让学生如何在视唱中渗透艺术性的问题，而只是片面地追求完成任务，基本上只是为了应付考试而教学，结果训练出来的学生不是很理想。我们在视唱练耳教学中，首要的当然是音准、节奏和完整性，但是视唱的艺术性也不容忽视；我们不能只片面地追求完成任务，也应该注重让学生如何把一条视唱曲目唱出来具有感染力。就像声乐、器乐、舞蹈等一样，一首曲子能不能打动人，技巧是一个方面，最重要的还是乐曲的表现力，充满感情的乐曲才能让人感动！有人会说视唱练耳没有必要搞得那么庄重吧？又不是表演什么的，只不过是为音乐服务罢了。再说了，考试就那么点时间，又是没有唱过的旋律，还紧张呢。能唱完整、唱准音就不错了，哪有时间顾得上艺术性的问题。当然了，对于多数人来说能做到这点，确属不易，更不用说表现力了。但我们反过来想想：不正是因为平常没有注意到关于音乐内涵方面的培养，才导致对音和音乐的不理解，没有感情，所以看到不认识的旋律就紧张，怕了。心里没有音、没有音乐的人，是不能以从容不迫的心态去面对音符的，又怎能更好地表现自己的水平？在考试中不能拿高分或者失败也就不奇怪了。我们的目的最终应该为音乐服务，努力去表现音乐的内涵，而不能只是为了考试去培养没有生命力的“机器人”。为了考试而去培养所谓的“人才”，这是我们音乐教育的误区。
其实我们的多数音乐教师在培养学生的演唱或者演奏技能的同时，都非常注重学生对音乐的理解、乐曲内涵的表现等方面的培养，是很不错的。而为什么视唱却不能要求学生有表现力呢？难道不能更好地为音乐服务么？我想说的是，视唱练耳正是为音乐服务的。我们的教学所选视唱曲目基本上都是选自中外名曲中部分优美的旋律，既然是为之服务的，我们当然要在强调基本技能的前提下，把乐曲的内涵尽可能丰富地表现出来。因而，我认为在教学过程中，除了让学生掌握基本的视唱技能，达到一定要求后，还应该适当引导学生，让他们知道乐曲的基本内涵，该如何去更好地视唱曲目（可以做基本介绍或处理，也可以让学生根据自身感觉去学会处理）。比如乐曲的表情、力度、速度记号，旋律的强弱对比，换气技巧（包括弱起），乐句关系和乐曲风格的处理，表现的思想内容和背景、人物简介，等等。有例为证：
《单声部视唱教程》（上册，上海音乐学院视唱练耳教研组、上海音乐出版社）中，第28页第100条，奥斯特洛夫斯基作曲。
在视唱中，我们根据实际情况，首先可以两个小节换一次气息。全曲28小节，第1－12小节为A乐段，第1、2小节的二八节奏可以采用跳音形式，第3小节的上行音阶则可以采用渐强，第4小节下行则渐弱（在音阶形式的旋律走向中，我们一般采用上行渐强，下行渐弱的形式；也可以上行渐弱，下行渐强），然后迅速抢换半口气，接5、6小节。第13－20小节为B乐段，与A部分对比一下，采用稍微舒缓一点的速度。13－16小节如果稍强，则17－20小节稍弱；反之也可。第20小节还可以采用渐慢，稍作停顿、换气，还原速接唱第21小节。第21－28为A乐段的不完全再现，可以与A乐段稍有区别，也可以相同处理。这样，虽然不够完美，但至少还有一定的变化和对比，比片面的只有音准、完整性而没有艺术性还是好得多。而且也让学生学到了一些基本的音乐处理技巧，以便于以后的运用和发挥，增强音乐修养。Allegro是快板的意思，速度在每分钟120拍到132拍间，但对于视唱来说可以不要求这么快，适当放慢到每分钟80拍左右还是可以的。
当然，最重要的是学生自己要多加强自身练习。教师把前三个要求让学生慢慢掌握，剩下的就靠学生自己把教师教给的知识进行消化、吸收。如果你把教师的方法较好地运用或者发挥，且保持每天都有适当的练习（每天三十分钟即可，可以充分利用下课时间或专门抽时间），那么你就会得心应手了。方法固然重要，但较好的练习也很重要。那些指望在考试前两三个月能唱好的可能性不是每个人都能完成的。
随着参加艺考的学生的不断增多，在八年的教学中，我发现两个问题：一、多数学生对视唱练耳和乐理不够重视，平常也不注意加强自身训练。还有的甚至错误地认为，只要集中花两、三个月时间就能学会。二、认为视唱只要能唱出来就可以了，而不会注意视唱的技巧和艺术性，更不用说练耳了！综合历年来湖南省音乐联考和其他院校的考试内容以及学生成绩来看，多数学生失败就在于视唱练耳没有学好。
下面我就视唱学习谈几点不成熟的个人看法，供大家讨论。
大部分学生在有钢琴伴奏的情况下，能把音准等基本上唱好，而一旦脱离了钢琴伴奏却总是掉音，稍好一点的掉半个音；跑调的也不少。甚至有部分声乐学生也是这样，容易掉音。还有的高音音不准，要大叫才能唱上去（有的破音），或者根本唱不上去，从而影响发音效果，导致掉音或“跑调”。也有低音唱不准、唱不下去的。究其原因主要有：发音方法，气息控制，音准感受，等等。可以从以下三个方面去解决。
第一，发音方法、气息控制的训练。发音方法不对，会影响音准，容易破音，也能导致“跑调”。解决起来其实也很简单，只是大家平常没有注意到罢了：大家都知道，我们说话时，一般能讲很久而不觉得累。为什么？因为你处于放松状态，颈部、面部肌肉等没有受到过分的力量控制，也没有长期处于紧张状态，故说话时间比较久。而我们大部分学生一旦在唱视唱时就会下意识地发力，人为地造成肌肉紧张，下巴紧、伸脖子、压喉咙，把音大部分都吞进去了，这样的情况下发音就会很紧。怎么能很有效地唱准音？在视唱训练中（与声乐训练相比在发声方面没有那么多要求），首先要做的就是放松，做到像说话般自如的状态；再加上适当的调节、控制气息，你的发音就会感觉轻松多了。因为说话不需要过多的气息，所以视唱也不需要用力去叫喊着唱，除了适当运用一些气息（只需用三分力，绝不用四分力），在中高音时切换“假声”唱法，就能较轻松地唱出高音，也不必用力叫喊或担心破音而唱不上去。还有，就是怎样把音唱得较为好听又容易发音，与嘴型和发音位置有关。在实践中，我觉得嘴型和咬字是否得当能影响发音效果（这点相信练过声的教师、学生都知道）。比如do，我们一般唱得比较靠近口腔中后部，如果把发音位置向前移动，放在牙齿与嘴唇处发音（略带鼻音），会轻松很多，简单地说就是用牙齿和嘴唇去唱。再如re音，可以在后面加“i”母音的发音rei，有点像rai，保持音的位置靠前。mi音也可以把嘴角提起，保持微笑的感觉，让发音向上腭靠拢。fa音可以借用mi音的发音状态，把上口盖打开些。sol音可在fa音基础上保持发音状态，也可像do音的发音。la音同fa音状态，si音同mi音状态。注意一定要保持轻松状态，提起嘴角、保持音向上走的趋势；但不能太用力，这样才能较好的保持音准，把音唱得比较清晰。
第二，音高、音准方面的训练。我们在唱视唱时，一般都是用钢琴（或电子琴）作为辅助手段。而钢琴（或电子琴）采用的是十二平均律制调音，即每个半音之间是等距离的，目的是为了便于移调、转调。而对我们中国人来说，发声感觉是采用的五度相生律（就是由纯五度而产生的音），在音高上与十二平均律有些许差别，有些音比十二平均律的音偏高。具体体现在：大三度、大二度的音比平均律偏大，而小二度、小三度比平均律小。在演唱中，上行时没有提上去，而下行却习惯性往下自然偏低，这就是导致我们在发音方面掉音的主要原因，所以“跑调”也就不稀奇了。人声是可以调节音高的，能根据需要随便移动。解决办法是：比如在C大调中，唱名re音应比钢琴上的实际音高要略高，唱名mi音也要相应提高一点；而半音mi－fa则相应作距离缩小调整，半音mi－fa的距离比钢琴上的半音要小了，mi音可以靠近fa到接近fa音，但是fa音不能提高。这样，C(do)－D(re)－E(mi)－F(fa)的距离没有变，但是发声符合五度相生律的规律了。同理，G(sol)－A(la)－B(si)－C(do)也相应的提高la音和si音。扩大到任何自然大调里，用首调唱名法的话，只要稍微提高re、mi、la、si音即可；如果出现升降记号，则与靠近的小二度音靠拢。不管是首调唱名还是固定调唱名方法一样，在实际演唱中（不管是美声、民族唱法等还是视唱均适应），可以较好地解决音准不够好或者掉音的问题了。其实，视唱和声乐差不多，也讲求内听觉和外听觉。内听觉能让我们控制音准，想到、唱到；外听觉可以帮助我们去综合处理乐曲的表现力。
第三，视唱的艺术性训练。不管是视唱好的还是其他学生，视唱时一般只注重如何把曲子唱出来，能注意到音准、节奏、速度和完整性就已经不错了，而从不注意乐曲该怎样唱才能更好地让人感觉到音乐的魅力。当然，除了学生平常不注意加强自身训练外，部分视唱练耳教师在教学过程中，也不会去刻意强调让学生如何在视唱中渗透艺术性的问题，而只是片面地追求完成任务，基本上只是为了应付考试而教学，结果训练出来的学生不是很理想。我们在视唱练耳教学中，首要的当然是音准、节奏和完整性，但是视唱的艺术性也不容忽视；我们不能只片面地追求完成任务，也应该注重让学生如何把一条视唱曲目唱出来具有感染力。就像声乐、器乐、舞蹈等一样，一首曲子能不能打动人，技巧是一个方面，最重要的还是乐曲的表现力，充满感情的乐曲才能让人感动！有人会说视唱练耳没有必要搞得那么庄重吧？又不是表演什么的，只不过是为音乐服务罢了。再说了，考试就那么点时间，又是没有唱过的旋律，还紧张呢。能唱完整、唱准音就不错了，哪有时间顾得上艺术性的问题。当然了，对于多数人来说能做到这点，确属不易，更不用说表现力了。但我们反过来想想：不正是因为平常没有注意到关于音乐内涵方面的培养，才导致对音和音乐的不理解，没有感情，所以看到不认识的旋律就紧张，怕了。心里没有音、没有音乐的人，是不能以从容不迫的心态去面对音符的，又怎能更好地表现自己的水平？在考试中不能拿高分或者失败也就不奇怪了。我们的目的最终应该为音乐服务，努力去表现音乐的内涵，而不能只是为了考试去培养没有生命力的“机器人”。为了考试而去培养所谓的“人才”，这是我们音乐教育的误区。
其实我们的多数音乐教师在培养学生的演唱或者演奏技能的同时，都非常注重学生对音乐的理解、乐曲内涵的表现等方面的培养，是很不错的。而为什么视唱却不能要求学生有表现力呢？难道不能更好地为音乐服务么？我想说的是，视唱练耳正是为音乐服务的。我们的教学所选视唱曲目基本上都是选自中外名曲中部分优美的旋律，既然是为之服务的，我们当然要在强调基本技能的前提下，把乐曲的内涵尽可能丰富地表现出来。因而，我认为在教学过程中，除了让学生掌握基本的视唱技能，达到一定要求后，还应该适当引导学生，让他们知道乐曲的基本内涵，该如何去更好地视唱曲目（可以做基本介绍或处理，也可以让学生根据自身感觉去学会处理）。比如乐曲的表情、力度、速度记号，旋律的强弱对比，换气技巧（包括弱起），乐句关系和乐曲风格的处理，表现的思想内容和背景、人物简介，等等。有例为证：
《单声部视唱教程》（上册，上海音乐学院视唱练耳教研组、上海音乐出版社）中，第28页第100条，奥斯特洛夫斯基作曲。
在视唱中，我们根据实际情况，首先可以两个小节换一次气息。全曲28小节，第1－12小节为A乐段，第1、2小节的二八节奏可以采用跳音形式，第3小节的上行音阶则可以采用渐强，第4小节下行则渐弱（在音阶形式的旋律走向中，我们一般采用上行渐强，下行渐弱的形式；也可以上行渐弱，下行渐强），然后迅速抢换半口气，接5、6小节。第13－20小节为B乐段，与A部分对比一下，采用稍微舒缓一点的速度。13－16小节如果稍强，则17－20小节稍弱；反之也可。第20小节还可以采用渐慢，稍作停顿、换气，还原速接唱第21小节。第21－28为A乐段的不完全再现，可以与A乐段稍有区别，也可以相同处理。这样，虽然不够完美，但至少还有一定的变化和对比，比片面的只有音准、完整性而没有艺术性还是好得多。而且也让学生学到了一些基本的音乐处理技巧，以便于以后的运用和发挥，增强音乐修养。Allegro是快板的意思，速度在每分钟120拍到132拍间，但对于视唱来说可以不要求这么快，适当放慢到每分钟80拍左右还是可以的。
当然，最重要的是学生自己要多加强自身练习。教师把前三个要求让学生慢慢掌握，剩下的就靠学生自己把教师教给的知识进行消化、吸收。如果你把教师的方法较好地运用或者发挥，且保持每天都有适当的练习（每天三十分钟即可，可以充分利用下课时间或专门抽时间），那么你就会得心应手了。方法固然重要，但较好的练习也很重要。那些指望在考试前两三个月能唱好的可能性不是每个人都能完成的。