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超现实主义是人类的一种纯粹的精神无意识活动。人们可以用无论是口头、书面还是其他方式来表达思想的这—真实过程——在不受理性的任何控制、又没有任何美学和道德的成见时思想之自由活动。
超现实主义摄影作品并不是现实经验的记录，而是超现实主义艺术家用来挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”的表达。
10位超现实主义大师
在这里，我们将为你展示超现实主义摄影大师的作品，解析他们的创作思路和拍摄历程，解读他们在创作作品时遇到的困境，解读大师的内心世界。
26件你必须知道的超现实作品
超现实主义摄影作品出现之前，已经有很多超现实主义的作绘画和文学，都为超现实主义摄影作品提供7参考。
7位Photoshop研发人员在你每次开启Photoshop的时候，有没有对开启页面的那一连串名字而感到好奇呢？我们为您介绍Photoshop重要的7位研发成员。
6个Photoshop快捷键
玩转Photoshop，快捷键是必须的。为你介绍16个你在使用Photoshop时最常用到的几个快捷键，让你在处理照片的时候手速如风。
2个图层最重要功能
图层是Phtoshop最重要的功麓，混合模式和蒙版是图层最重要的两个功能，若想真正用好图层，就必须要学会使用混合模式与蒙版。
8款超现实主义滤镜
滤镜插件的作用实际上属于Photoshop动作的集合，而这些插件的出现能够大大减少摄影师处理图片的时间，让想象力插上翅膀。
5种相机自带滤镜
超现实主义摄影发展到今天，随着技术的进步。相机自带的滤镜有的时候也能拍摄出很好的效果，这里就为你介绍5种数码相机自带滤境。
6个超酷效果APP手机摄影渐渐成为人们生活中一个重要的组成部分。这里为你介绍6款菲常出色的超现实主义效果APP，让你用手机也可以轻松玩转超现实。“超现实主义”全解析
什么是超现实主义？
超现实主义（Surrealism）源于达达主义，从文学入手逐渐延伸到视觉艺术乃至对各个艺术领域都产生了深远的影响。超现实主义的产生反映了第一次世界大战后欧洲资产阶级青年一代对现实的恐惧心理和狂乱不安的精神状态。他们提出了自己的艺术宣言、创作方法、创作目的等问题。超现实主义者自称他们在进行的是一场“精神革命”。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。它也常被称为超现实主义运动，或简称为超现实。
什么是超现实主义摄影？
超现实主义摄影是兴起于20世纪30年代的一种形式主义的摄影流派。超现实主义摄影作品并不是现实经验的记录，而是超现实主义艺术家用来挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”的表达。他们刻意表现的对象是人类的下意识活动，偶然的灵感，心理的变态和梦幻，从早期以剪贴、暗房技术等手段，到如今电脑数字后期合成，艺术家们在作品画面上将影像加以堆砌、夸张、变形，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。随着电脑数字技术提高，越来越多的超现实主义摄影手段和后期技术被人们知晓，而对真正的超现实主义摄影作品的思维门槛要求也越来越高。
超现实主义摄影的表现手法
摄影通常被誉为是真实的记录，但无论从拍摄者选取的画面、拍摄的角度、或是对画面的瞬间控制，都让摄影不可能再成为对现实毫无修饰的完全重现。我们通常见到的超现实主义摄影，主要从两个方面来表达艺术家对现实世界的重现解码与编排。其一是，直接拍摄，从瞬间角度、事物本身等传统摄影因素来形成现实世界已发生事件的选择性截取，构成画面的趣味点，从而形成与传统纪实照片不同的感受。其二，是通过对摄影元素的解构来组织其个新的、具有幻想的、不容易在现实世界中发生的画面。但无论如何，超现实主义均以“表达”为中心，无论是对内心情绪的抒发，对梦境的描绘，都是通过影像艺术家作为主体，来进行经过思考的、非客观性记录的创作方式。这和传统摄影中，事件作为第一位，摄影师作为记录者不参与事件（景物）的新闻报道摄影师、摄影爱好者等有着本质的区别。摄影也因此成为了艺术家表达个人想法的一个重要的手段，这也基本构成了“作为艺术的摄影”这一观点的基本论证。在超现实主义摄影中，任何手段都可能产生超现实意味，也有很多摄影家通过几种方法共同使用来完成超现实摄影作品，下面就几种简单方法进行介绍。
1 中途曝光
指在传统感光材料（相纸）在放大制作过程中二次曝光、从而产生了一种离奇的效果，这种手法可以导致画面暗部影调产生反相，并在亮部与暗部之间留下了一条中色线条，产生了超现实的质感。
2 蒙太奇拼贴
在达达主义时期，便有了很多艺术家开始对现成品的加工，而在影像艺术中，很多艺术家开始通过对杂志现成照片进行剪裁，并将这些影像重新粘贴成一张充满趣味的作品，形成超现实影像。
3 负影像
传统影像中，底片感光所产生的影像是负向，并经过转印产生正像照片，然而，超现实摄影中，常将转印工艺省略。中国艺术家史国瑞的装置影像《长城》、《珠峰》，曼雷的“物影照片”都在这方面有着十分杰出的表现。
4 导演式拍摄或称编导式摄影，是指艺术家通过搭建场景、模拟剧情等方式来进行拍摄，摄影家格里高利克鲁逊的导演式影像、杜安麦克斯的编导影像，中国青年艺术家和威通搭建的登陆月球的场景影像都是很具有超现实意味的作品。
5 直接性截取
传统摄影家通过对事件瞬间的截取，对画面关系的摆布形成了在传统视觉上具有突破性的影像，例如新闻摄影师亨利卡蒂埃布列松的瞬间性捕捉，比尔布兰特的变形摄影，都是通过传统摄影进行超现实创作的例子。
6 多重曝光
通过对感光材料的多重曝光处理，形成在同一个感光材料中的多重影像叠加，日本摄影家北野谦对同一人物的连续拍摄，中国摄影家马康对建筑的多重曝光都是这一类型最直接的表现形式。 7 暗房处理
传统暗房的漂洗技术，多重曝光，甚至上述提到的中途曝光法，都需在暗房中得以实现，在数字暗房中，后期对影像的处理手段更是多样。利用Photoshop、3Dmax等综合手段完成的影像作品充满了超现实主义的风格。
超现实影像大师的多重表达
杰里·尤斯曼
底片时代的暗房炼金术
郎静山
笔墨书写影像气息
史国威
西方美学祥式的再编码
卢彦鹏
书画合璧映像现实
玛姬·条勒
当“爱丽丝”坠入仙境
朱莉安妮·寇斯特
用“设计”去“摄影”
塞瑟莉亚·韦伯
两种原始的表达
张巍
回归本源的表达
让·弗兰西索斯
劳泽尔
在平面中构建空间
杨泳梁
废墟中诞生的中国山水
底片时代的暗房炼金术
合成梦境
杰里·尤斯曼擅长于暗房特技制作，并在胶片时代形成了别具一格的唯美细腻的超现实影像作品。他常通过多架放大机将不同底片上的影像叠合在一张画面上。在杰里-尤斯曼的创作中，直接拍摄成为了他获取创作素材的手段，那些看似不成样子的照片往往是尤斯曼精心拍摄的一个局部素材，他再通过对素材的编排，将所需元素汇集到最终的作品中，在其作品中，岩石、树、人像和支离破碎的风景十分常见，这些元素最终形成了象征、变形、夸张、抽象的荒诞效果，以此来折射现代生活内在的本质。他那异想天开的创造力赢得了人们的瞩目，并于1967年获得古根海姆奖金，1972年获国家艺术基金会捐赠。尤斯曼的摄影风格正如他在自白中所说：“尽管暗房可以切断我和外面世界的联系，但是我在暗房中的活动，又和外面的宇宙万物有着千丝万缕的牵连。在暗房里，我可以静下心来，进行内心的对话，把我在外面拍到的影像和我内心的思绪结合起来。”尤斯曼以这样的态度来创作作品，将直接的拍摄转化成影像的构建，并在暗房中尝试着与自己的梦境进行对话。
笔翠书写影像气息
投影东方情怀
东方的浪漫主义，是身处世外桃源，静享高山流水的仙境。在郎静山生活的那个年代，时间依旧在轨道上缓慢地前行，空气中依旧能嗅到丝丝诗书香气，他放不下心中的东方浪漫情节，因此将情感寄托在影像实践之中，创造性的制作出多底合成的“集锦摄影”。他将摄影与中国传统国画相结合，以中国画为内核，运用水墨中黑白灰的微妙关系，散点透视的画面布局，在心中事先构架好画面，并通过利用暗房药液的减薄技术来营造出雾气缠绕的中国式风景，最终达到画面意蕴、神韵融为一体。他不仅善于营造中国书画样式的影像，更善于将摄影的媒材发挥到极致，他根据西方摄影大师曼·雷的“物影照片”方式进行东方意味的影像创作，他不经过相机拍摄，而是将日常所见的树叶、昆虫等物直接放置在相纸上曝光，形成物体本身的投影。但无论他以何种方式创作，其作品一直是以东方精神作为创作的根本。在他的作品中，老翁、仙鹤、云雾、孤松与远山都成为了画面主要构成元素，中国传统国画中体现出的清净优雅，与世无争的隐士态度在画面中显露无遗，摄影与中国传统绘画真正达到了相互渗透、互相补充的效果。
两方美学样式的再编码
手工色彩解构经典
史国威学习中国工笔画出身，并曾留学德国学习现代艺术，最终他选择的摄影这一呈现方式来完成他的作品，他采用古老的手工着色工艺，从前期精心的布景拍摄，到后期在黑白相纸上进行的手工二次上色，每一步均是作者内心思考许久的结果。当颜料在相纸上平滑地润开自己迷幻的光彩，这也昭示了一种全新的制图方式，基于对影像素材的延续与再创造，又区别于绘画的传统体系。他的影像，以西方经典名作为基础，并通过个人对历史的观看和解读，来摆布一个崭新的画面，这些画面与西方的图像样式有着密切的联系，却呈现了当下人的价值观。在他创作的每一个环节，都竭尽全力地把控画面的展示效果，以求得能把更多的个人情感融入进其作品之中，使其变得独一无二。观看这些作品时，我们会被史国威幻化出的意境吸引进去，走入其设定好的视觉乌托邦。当理想与幻像、模仿与迷恋、传统与当代、人性与挣扎等等情节错综交织在一起时，演绎出一种浪漫的超现实主义效果。在这里，时间的痕迹被最大化模糊，“已经发生”与“正在进行”被矛盾地并置在一起，给人一种全新的视觉、思维解读方式。
书画合璧映像现实
升华温度新风景
卢彦鹏的作品有着非常细腻的连续性，他早期的作品《石头的记忆》通过铅笔画与摄影媒材相互结合，营造出如诗歌一般的片段式影像，卢彦鹏曾谈起，这组作品的灵感来源自他夫人饶凌华绘制的一幅3米长的画卷，那是关于身体与石头关系的一幅长卷，画给了卢彦鹏关于底片处理的灵感，他希望通过这些影像来表达自己关于摄影本身可能性的看法，他开始摒弃那些光鲜的影像，将画面中偶然形成的质感作为诉说的直接语言，他更将传统的放大技术进行个人式的改造，长达数十分钟的放大时间，再加上不符合常理的低温显影，这些不符合常理的方式反而给了他更大的创作空间，他将双手放置在显影盘中，通过手掌的温度，在画面中形成了斑驳的影像，这些技术手段并没有成为卢彦鹏创作的束缚，而是让他的影像更具有不同维度上的深层解读，不同的技术手段实际上是他作品承载的综合语境，卢彦鹏认为他的影像并不像摄影、也不会是绘画，他希望那是一首诗，看似没有意义，却无不抒发着自己对于世界的感悟。
简单尝试内心的悸动
当“爱丽丝”坠入仙境
Maggle Taybr的一生都与一个人息息相关一杰里·尤斯曼。无论是生活还是艺术创作，这两个人都仿佛绑在一起。1987年MaggieTayior在佛罗里达大学获得美术硕士学位，在读期间，她专著拍摄黑白风景、肖像以及彩色静物照片。她经常使用一部旧的4×5相机在自然光下拍摄—些零碎的旧玩具、破瓶子、动物和花园。在上世纪90年代初，Dhotoshop并没有像现在这样被广为流传，功能也非常简单。MaggieTaylor放弃了传统的影像制作手段，把从古董市场和网上搜罗的一些老照片、玩具和老物件等——扫描输入电脑，在每一幅作品中将古董暗含的故事以及生活的零散瞬间拼接起来。 迷恋小女孩梦境的，似乎永远不是小女孩。1862年，牛津大学的数学家刘易斯·卡罗尔还是个年轻的男子，那年夏天，他在泰晤士河畔上创作了《爱丽丝漫游奇境记》。2008年，《爱丽丝漫游奇境记》新插图本推出，其中色彩鲜艳、旨趣丰富的插图将人们引入了视觉化的爱丽丝奇妙仙境。Maggie Taylor用数码技术将小女孩的梦境从抽象的文字世界中抽离出来，拓宽了人们对爱丽丝梦境想象的疆界。在Maggie Taylor营造的爱丽丝梦境中，故事发生时的维多利亚浪漫风格被——消解，反而充满了诡异不安的哥特感。新版插图里，纯真可爱的小女孩爱丽丝总是一副怅然若失的表情，疯狂茶会上的睡鼠靠在兔子先生的肩上……对现实的不合逻辑呈现，人们第一反应是疑问：究竟在讲什么？接着，人们会开始为匪夷所思的作品构想故事发生的时间、地点以及经过。她的作品充满了魔力，它们潜入你心底，让你思考。奇美的色彩、影像以及原有的故事线索让人每次思考都感受不同。这就是伟大艺术作品的能量—包围你、融化你、挑逗你。
创作思路
这个蒙太奇世界基于Maggie Taylor自身的成长经历，源于她的童年记忆、欲望以及对电视消费文化的理解，数码技术则让Maggie Taylor创作的视觉谜语具有原创性，“我的创作是将那些能引起共鸣的影像素材与叙事文本联系起来。每幅作品不存在单独的意义，它们本身就是谜语，存在开放性的结局，任由观者自己揣测。
一切多么好玩，多么挑逗。”
创作手段
Maggie Taylor用数码手段再现的爱丽丝梦境：运用了维多利亚时期小女孩的照片、动物的图画、旧货市场的小物件等等元素，创作出了一个超现实主义的迷你剧场。在这个剧场下，可以创作出各种梦幻仙境般的场景。之后，将拍好的胶片实景与各种符号素材通过Photoshop结合起来，再使用一些简单的色彩调节工具进行处理。而到了今天，MaggieTaylor的创作手法则更为丰富，不再受到任何技术的限制，而处理出来的画面也更为逼真和神秘。
超现一的先行者
用“设计”去“摄影”
在过去的20年，Julieanne创造了纹理和风景的素材库，用扫描的形式制作琉璃画和木炭画。她最常遇到的问题是，每个素材必须引起创作上的情绪反应。这样的反应可能是积极的或消极的，安慰的或是反抗的。实际上，在创作阶段，这些对她来讲并不重要，因为素材将会被使用在何处是尚不明确的。Julieanne最开始的工作是要去捕捉一个个决定性的时刻，也就是传统摄影中最弥足珍贵的那一套。而现在，她更像是把时间压缩来利用画面去讲述一个故事。她利用创造出的形象和虚构的场景将这些分层的元素结合在一起，这个画面是不会受到物理和时间的限制。通过选择，这些不同空间、时间下的影像共同形成一个有凝聚力的信息，她能够创造出更为复杂的画面表达。
选择和组合图像的过程，是一个最具挑战性的和发人深省的探索过程。虽然最终的整体图像可能会显得非常平静，但是创造作品的行为却绝对不是被动的。当她从脑海中萌生出一个概念，甚至可以叫做“灵感”的时候，她发现每个图像都有其自己的生命，她经常让自己探索其他的方向，有时发现最终处理的图像，只是依稀类似最初时的想象。从技术角度来看，Julieanne认为电脑技术不仅可以让摄影变得更快捷，更能够让媒介变得更快捷，可以为她的深索提供更多选项。这种艺术形式是知道什么时候停止和什么时候开始，去说想要说的话。她觉得从摄影师的角度就是让他们可以有这样的能力——随时随地做—些处理。不像以前就是在暗房里面—个温度，—次的摄影，—张胶片。现在有了CameraRaw基本上对摄影师来讲，就有无限的可能性和灵活性。它可以不具任何破坏性而去做各种各样的处理，也拥有很大的灵活性。另外，对于原来的原始图像可以重新界定，重新来进行处理和诠释。
创作思路
Julieanne Kost最初的尝试往往不带有任何目的，从上世纪末Photoshop X.0的时代开始，源于对多个影像重叠与模糊的方式一直萦绕在她的脑海里。她将这种重构解读为对自己梦境的重构也是为了实现长久以来的愿望。艺术往往如此，摄影师的灵感和通感往往是自己创作
最重要的原动力。
创作手段
当Photoshop进入到“图层”时代之后，对摄影师的影响是空前的。Julileanne Kost在此之前就建立了素材库，这个巨大的素材库包含“天空、闪电、飓风”等自然元素，也包含了“划痕、螺旋、网格”等抽象图案。而图层功能出现了之后，Julieanne Kost开始利用图层的叠加以及蒙版的使用，将作品一层一层地叠加起来，最后成为一个重构梦境的画面来。而在此时，超现实主义摄影也由漫无目的的无主题摄影逐渐进入到有主题摄影的阶段。
百花齐放的勇敢表现
两种原始的表现
Cecelia Webber出生于美国新罕布什尔州一个只有1500人的小镇，这里有一个邮局、一座图书馆、一支消防队、—个普通的超市和—所小学。她的朋友中没有—个人在小镇上班，大部分小镇居民都开车去其他乡镇工作。对大自然热爱至极的她，从小就喜欢在田野里追逐橙色的火蜥蜴。她是一个有点社交恐惧症的害羞小女孩，喜欢阅读，其他时间则是在废弃的小木屋和坍塌的石墙中寻找自然界的小精灵。长大以后，她发现世界越变越奇怪，她开始思考这个问题，为什么在西方国家以至全世界，人们都羞于面对裸体呢？身体不是美丽、神圣的、值得称颂的口马？一次偶然的机会，她发现自己给自己拍的一张后背照看起来像一片花瓣。从那之后，就开始练习用裸体人像来创作精美的花卉和蝴蝶，从此一发不可收拾。至于摄影，她从来没有真正选择过学习摄影，但是她一直在从事艺术创作。到目前为止，她将裸体人像组合成玫瑰、向日葵、樱花、喇叭花、蒲公英等等花卉，以及毛毛虫、蝴蝶、孔雀等动物。
这是一份需要极大的想象力和耐心的工作，一幅画从构思到最终完成需要两个月时间。她享受创造这些艺术品的过程，因为它包含了所有不同的步骤。这个过程是有机的，且能根据她捕捉到的照片有所改变。她感兴趣的是用这种方式拍摄裸体摄影来改变人们对肖像的理解。这是—种探究人类的优点和弱点的精神媒介。她感到展现真实具有瑕疵的身体是非常重要的，特别是出现照片处理手段之后，人们对他们身体原有样子有了不切实际的期待。在未来，她将争一直拍摄更多的真实的裸体人像。她认为，要让人们对于自己的外形有个健康的认识，客观展现普通人的裸体是非常重要的。 创作思路
首先她需要自己摆出造型给模特当示范，对她来说保持住姿势是一件具有挑战性的体力活；其次，概念化每一张单幅作品也是件复杂的脑力活。Ceceia Webber在大自然中长大，大自然极大地影响着她。“灵感和兴奋比辛勤工作和耐
力更重要”也是她的座右铭。
创作手段首先，她需要手绘出花卉的草图：然后指导模特摆出她需要的造型，有时要拍50多张照片才能找到最准确的姿势；接着，花费数百个小时坐在电脑前，给拍好的照片着色、放大或缩小、旋转、裁剪、组合，直至完成这些令人惊艳的图片。Cecelia Webben说：“最终的图片可能有700多个图层。最困难的部分，是把不同的裸体姿势协调起来，然后在大脑中把人体这种三维结构转换成二维平面，再组合成一个形状。”然而最终呈现出的图片具有一定的开放性，并实验
出她未曾预料到的形式。
回归本源的表达
当张巍获得“2013年度色影无忌新锐摄影师”称号的时候，外界对他的争论和质疑就一刻没有停歇过。最主要的原因是他的“造像”作品中使用了一系列政治人物的形象，包含萨达姆、希特勒等。有人认为，这些政治形象的杂乱选择表明张巍价值观混乱，这当中既有独裁者、暴力者，也有民主国家领导人。在连州摄影展策展人段煜婷看来，这种“混乱”正是张巍高明之处，“他没有集中在正面的或负面的符号上，而是更加广泛地呈现出世界面貌，让观众自己判断。”实际上，当我们将作品聚焦在“超现实主义”甚至是“超现实主义暗房”这个范围的时候，这种争议就会烟消云散。
亚里斯多德曾说：“艺术的目的不是要去表现事物的外貌，而是要去表现事物的内在意义。”张巍想让他的作品看上去有一种无从说起的不安。想通过健康装扮下透露出的病态，无表情中透着的无奈、恐惧和焦虑。许多的不和谐自然的组合在一起，通过这种被篡改和处理后的面无表情的形象告诫人们，其实每一个人在社会中都在扮演着各自的角色。但终归都是表面的、临时的，甚至可能是无意义的。在这些被景观化处理了的肖像中，暗含着一种当代中国人的病态表征。这病态并非在现实中能够轻易发觉，它隐藏于整个人类的精神深处。“造像”作品属于“人工剧团”的一部分，开始于2007年，他收集拍摄了300多个中国普通人的素材用电脑将这些人物的五官拆分成小部件，然后再把这些五官随机互换，制造出一张虚拟的面孔，来表现和展示着这个社会中各个阶层、各种职业人群的一种的生存状态。
2008年，张巍看到一款日本的电脑游戏《人工少女3》，玩家可以透过编辑器设计自己心目中的少女。包括少女的眼睛、发型、鼻子、嘴唇、胸部、肤色等都可以具体地设定，并有30种性格喜好可供选择，这样每个创造出来的“人工少女”都是独一无二的。这个游戏让他萌生了一个想法，是否可以用素材去虚拟一个不存在的人，于是他开始尝试《人工少女》作品系列。《人工少女》系列以后，张巍再次尝试用电脑虚拟的方式去实验。他开始在网络上搜索一些人物肖像，找到了很多，包括希特勒、杰克逊，还有一些古典绘画的图片。他利用《临时演员》中人的五官和电脑虚拟的手法来还原一个具体的形象，他想最终使作品里的人物进入一种小剧团的角色当中去，使得这个大家所熟悉的人不再是精神和灵魂的载体。他对这些虚拟选择是不带价值观倾向的，无论是政治人物还是娱乐明星，都只是一些文化符号。只是想让其有一种物化的变异感，把这种身份虚拟化放大到作品里，试图去探索真理与虚构、真实与虚拟的意义，虽然只是一种假设，但却是一种艺术的真实体验。
创作思路
很少有人能想到，张巍“造像”的这组作品思路的来源竟然是日本的电脑游戏。实际上越来越多的当代艺术家和新锐摄影师会渐渐地从一些现代网络和科技产品中获得灵感，这是一件非常好的事情。张巍利用电脑游戏中通过五官等各种素材来创造人物这个方法想到了自己“人工剧团”中拍摄了大量的人物素材，也可以用这样的方法来创造出属于自己的肖像来。
创作手段
想要“造像”，当然需要有大量的素材。这些素材采集的过程看上去枯燥但是很有意义。在过去的6年里，张巍不停地给一些陌生人拍摄，包括他们的肖像，甚至五官单独的特写。通过这6年的时间，他已经收集了大量的面孔和五官特写，建造了一个自己的脸部素材库。之后，他会收集一些名人的肖像，再分析这些名人的五官局部，再从自己的素材库中挑选接近的素材进行叠加。利用Photoshop中的自由变换以及蒙版，创造出一个个栩栩如生的新形象。
在平面中构建空间
结合了艺术、摄影以及最新的数码合成科技，法国艺术家Jean Francols Rauzier创造了这些让人叹为观止的超精细数码摄影作品。每一幅作品都是由600张到3400张以上的近距离图像所组成，每张照片都是Rauzier一张一张拍下来之后，再利用Dhotoshop一张一张运用高超的功力以及惊人的耐心衔接起来。作为"b专业的摄影师，近40年来，Jean旅行世界各地，探索城市，文明和文化的遗产，在他的不懈追求—种新的媒介表达过程中，最终数字摄影打动了他，由此建立起自己的摄影乌托邦。Jean将众多照片拼合在—起，组成一幅巨大而异常精细的作品，他将这种艺术形式称为“hyperphoto”（超级照片），灵感来自于他认为—部电影可以吸引观众看几个小时，而—张图片往往只能被关注几眼。Jean的超级照片可以被不断放大，直到你注意到背景中窗户里的某个人或书架上的一本书名，他的—幅作品曾被印制在20米宽的平面上，细节仍然保持清晰。这种事情发生在传统的胶片时代几乎是想都不敢想的，但是随着技术和工具的不停发展，这似乎不再有任何难度。很多人都会质疑技术推动艺术的论断，认为艺术应该是永恒的、不可替代的。唯物论和辩证法告诉了我们，“事物是不断变化发展的”。包括艺术也是—样。早在摄影术刚刚诞生的时期，很多人也极为震惊，认为这是一个可以颠覆以往任何艺术形式的一种艺术。 从他的图片上看来，感觉大多数像是安德烈亚斯·古尔斯基式的迭代形式照片与一些著名建筑的混合，弥漫着电影《盗梦空间》式的科幻氛围。最初的照片集中在农田、沙漠、水景等自然景观，还有宗教题材的反复出现，蛇、苹果、玫瑰、神秘符号和潜意识中的形象构成的蒙太奇画面，一些荒诞离奇、巴洛克或者未来幻想的场景。有时候是公开的忧郁表达。大部分时候，Jean FrancoisRauzier采用具有古典美的对称构图法则，凡尔赛宫的《橘园》就是很好的例子。儒勒-阿尔杜安·芒萨尔在1684年间建造的这幢建筑物是冬天用来存放树木的，包括一条150米长、线条纯粹的穹顶长廊。Jean FrancoisRauzier把穹顶长廊顶部做了切割，变成莲花花瓣一般顶部尖尖的线条，这些美丽的“花瓣”被富有韵律地重复排列，并用一池碧水造成镜像效果。按照他本人的解释，他希望在图像中实现存在于巴赫音乐中的对称性，同一个主题的对称排列，对称之中又有一点转换。从作者的初衷来说，“Hyperphoto”的命名是指他的照片与超现实主义（Hyper-realist）绘画之间的关联，而不是强调它的维度。但是像《迷宫》这样的图像，因为多重视点的并置和虚拟的深度，确实让人产生三维的错觉。
创作思路
在数码时代，艺术家们可以想前人之未想，为前人之未为。尤其是超现实主义摄影，完全给摄影师们提供了一个自由创作的舞台。而摄影技术的进步和数码技术的进步都无疑推动了超现实主义的发展。Jean Francois Rauzier利用现代手段将照片无限度放大，最终达到欣赏者可以驻足观看每一个细节，观看一张照片就要
花费半个小时以上的效果。
创作手段
Jean Francois Rauzier说：“为了实现全景图像，最初尝试用全景相机和广角镜头，就像用广角取景器的电影导演一样，但是180度取景器已经很失真了。我对不能实现真正的全景效果感到沮丧，就尝试先拍4到10张照片，然后把它们拼接在一起。在掌握了整个过程之后，细节照片的数量不断增加直到几千张。”他回忆说，“没有什么相机的镜头可以在一张照片中实现这样的清晰度，在30cm2的方寸中我可以拼接500张照片。细节确实存在，隐藏在图片中，就像它们隐藏在现实中一样。”这就是数码时代带来的魅力。也许在当下，很多人已经觉得全景接片没有什么难度，甚至很多数码相机也推出了“全景拍摄”的功能，但是Jean FrancosRauzier利用了现代非常普及的技术，却完成了
常人不曾见过的匪夷所思的画面来。
废墟中诞生的中国山水
身为“80后”的多媒体艺术家，杨泳梁身上的传统文化情结却浓厚得化不开，十年修习书法、水墨、篆刻，让他在精神层面上更接近于年长于己的上一辈人，因此从他的中国山水的作品中，能够品味他对传统的珍惜与对现实的批判。“我常常与‘年轻人’争辩传统文化的去留到底有没有必要。”他口中所谓的“年轻人”，不过就是和他年龄差不了几岁，却已经失去传统情结的那一群人。眼睁睁地看着从小玩耍的嘉定老街被改造成影视城里的“假古董”，杨泳梁有着本不属于他这个年纪的愤怒和惋惜，“既要做隐士，也必须表达不满。”杨泳梁的《蜃市山水》系列是以电脑绘画技术的成就，假冒文人山水画的审美意境，而实际却是反意境、反审美的。细看作品，那些山水之间的图章落款，用的竟然都是马路上的窨井盖。那些表面生机盎然，内里危机四伏的宽幅卷轴中，塞满了如此之多的现代生活、现代城市的细节。乱立的电线杆子取代了郁郁葱葱的树木，高楼广厦取代了飞檐亭阁，锃亮的汽车取代了盘旋山间小路的驴马，招摇扎眼的广告牌取代了飘扬在树梢、路旁的酒家招幌，大放光芒、令昼夜倒流的电灯取代了明灭于林间的幽暗烛火。杨泳梁的作品对于变迁的社会反映出了某些未来气质。杨泳梁认为，自己绘制的是头脑中的山水，如同在画笔涂抹之下渐渐呼之欲出的形象，杨泳梁所谓的摄影只是用摄影的元素——电子，合成绘制出了自己头脑中的山水。当摄影退化为素材的工具，本该包含的或多或少的客观性与在场感，完全消弭于这些虚构的山水氤氲间。“对我来说，更重要的是表达什么，每一次创作我都是在脑子里想好了需要什么样的形式才端着相机去一路寻找。”一件作品元素的捕捉，前前后后的电脑修图，差不多要花费半年的时间。
“我不是在影射任何的民族性，我只是表现中国文化的断层和遗失，让大家能够觉察到事件的严重性。我们的城市天天在生长，可我们的身份唯一性又到哪里去寻找？”杨泳梁说。杨泳梁的内心在两个极端间摇摆，一个是有如文人般的宁静致远，另一个则充满华丽与力量，最终使绚丽和残酷共存。《蜃市山水》系列作品很多人第一眼看到时会认为它们全都是中国水墨画，但细看之下你就会发现这水墨中不仅有着山水的景色，还有零落的人类建筑以及充满未来主义色彩的城市都市缩影，这些垃圾以及工地无疑都是对生活的讽刺。它们体现出一种分散的特征。而他的作品最终希望传递的还是对失去控制的工业化和城市化进程所带来的灾难性影响的描述。
创作思路
将古代的中国山水与现代的工地建筑看似毫无关联的结合在一起，形成一幅幅美轮美奂的画卷，实际上达到的是一种“反义”的美，引起人们对现代社会建筑的快速产生与自身价值矛盾的探讨，去追寻自我在现代快速发展的社会中所存在的意义。
创作手段
杨泳梁前前后后去往多个省市地区专门拍摄废墟、工地、垃圾站等几乎被现代人以往的角落。之后利用娴熟的后期技巧与中国水墨山水结合
在一起，达到极致美感的境界。
你必须知道的26件超现实艺术作品
绘画
超现实主义画家以“自动的活动、无意识的自动作用和梦幻世界的采求”展开创作。分为以达利、马格利特等为代表，精细描绘细部的“自然超现实主义”；以米罗为代表，追求作画过程的无意识性的“有机超现实主义”。 文学
超现实主义文学否定现实主义和传统小说，敌视一切道德传统，认为它是平庸、仇恨的根源。强调潜意识和梦幻，提倡写“事物的巧合”，倡导“自动写作法”。布勒东1928年发表的小说《娜嘉》是现实主义文学的代表作。
电影
超现实主义电影把文学上的超现实主义的创作方法运用于电影创作。强调无理性行为的真实性、梦境的重要意义、不协调的形象对立的情绪力量和对个人快感的执着追求。杜拉克、布努艾尔是其代表人物。
摄影
超现实主义摄影不以记录现实为己任，其作品中的实物也不是它们原本在客观世界中的原意，每一物体都是作为一种视觉图像符号而出现的，超现实主义摄影家用这些符号作词汇来造“影像甸子”。代表人物曼·雷等。第一次指明了超现实主义的方向
《第二种疯癫：字的炼金术》
Arthur Rimbaud
超现实主义是兰波文学主张的直接继承。他在《第二种疯癫：字的炼金术》倡导“凭着幻觉、错觉来写诗”，可以说是第一次指明了超现实主义的方向。“超现实”—词的灵感来源《椅前维特巴斯克的景色》
Marc Chagall
夏加尔，超现实主义画家之一。“超现实主义”一词据说是阿波利奈尔为形容夏加尔的作品而创造出来的。这幅作品现由圣彼得堡的戈德叶夫收藏。描绘从夏加尔住处的窗外眺望出去的景色。一启蒙超现实画家的画作
《一条街道的神秘与忧郁》
Giorgio de Chirico
基里科，意大利超现实画派大师。在这幅画中，一个小女孩推着铁圈穿过废弃的城镇，不祥的阴影在向她逼近。这幅画影响了恩斯特、马格利特等画家。
在绘画中应用弗洛伊德心理学的典范《孩子的头脑》
Giorgio de Chirico
这幅画中，基里科把儿童心目中两个权威人物：父亲与童话中的英雄^物，重叠为一个形象，使超现实主义者大为崇拜。
超现实主义的四个阶段
准备时期
1916年-1924年超现实主义的前身是达达主义，而马歇尔·杜尚是达达主义的先驱。1920年，查拉来巴黎组建了法国的达达主义集团，并邀请重要艺术家布勒东、苏波、阿拉贡三人加入，2年后解散。
宣言时期
1924年-1929年1924年布勒东发表第一篇《超现实主义宣言》。以布勒东为首的艺术家形成声势浩大的潮流。同年，布勒东还在巴黎格勒奈尔街15号，建立了常设机构“超现实主义研究办公室”。
鼎盛时期
1929年-1941年1929年布勒东发表《第二次超现实主义宣言》，超现实主义成为文化界的焦点，举办了十余个国际超现实主义展览会。但很快，第二次世界大战的来临，导致了超现实主义发展的暂时停滞。
战后时期
1946年-1969年1947年布勒东召集众多超现实主义艺术家重振旗鼓，随后超现实主义运动延伸到各个领域和专业，但1966年布勒东去世，使得超现实主义集中性发展陷入困境，并在1969年宣布解散。
“超现实主义”名词的起源
《蒂雷西亚的乳房》
Guillaume Apollinaire
阿波利奈尔，法国诗人，剧作家，艺术评论家。其诗歌和戏剧在表达形式上多有创新，被认为超现实主义的先驱之一。《蒂雷西亚的乳房》是阿波利奈尔创作于1917年的一部超现实主义戏剧。“超现实主义”名词即源于它。该剧内容启发于古希腊的盲人预言家蒂雷西亚的故事。
首次尝试具有超现实主义倾向的作品《被夜莺吓着了的两个孩子》
Max Erns
布勒东1925年举办了首次超现实主义画展，参加者有毕加索等人，他们显然都不是真正意义上的超现实主义画家，只有恩斯特在他的达达主义的拼贴中首次尝试了具有超现实主义倾向的作品。一代表超现实主义的另一种风格：有机的超现实主义
《人投鸟一石子》
Joan Miro
米罗的作品是令人愉快的。其画面洋溢着自由天真的气息，往往人见人爱。画面看上去很简单：蓝和黄把画面分割开来，画的右前方立着由软绵绵的曲线构成的形状奇特的人，左后方则是一只鸟，石子在画面留下了它运动的轨迹。黄色沙滩隐喻了乳房和性器官，这是画家对情欲——生命原动力的幽默赞美。马克斯-恩斯特早期作品透露出超现实主义《人们将不知其然》
Marc Erns
恩斯特被誉为“超现实主义的达·芬奇”，在达达运动和超现实主义艺术中，均居于丰导地位。
第一幅超现实主义图画《哈里昆的狂欢》
Joan Miro
米罗是超现实主义绘画的伟大天才之一。《哈里昆的狂欢》，这幅画标志着米罗艺术风格的最终形成，具有奇特的空间感和梦幻般的魅力。这也是第一幅真正意义上的超现实主义的杰作。1925年米罗在巴黎皮埃尔画廊举办了一个展览，米罗一夜之间成为了巴黎画坛最引人瞩目的画家。《哈里昆的狂欢》是画展中最引人瞩目的作品之一。在一个房间里，窗户开着，窗外是夜空，一个狂热的舞会正在进行着，各种动物蜂拥嬉闹，十分快活。而其中的那个人却好像有些悲哀，他留着颇为风趣的胡须，叼着长柄烟斗，默默注视着周围的一切。人们很难确切理解画家想表达的主题，但却不难感受到画家呈现的辉煌的梦幻气氛。
马格利特第一幅超现实主义绘画
《迷失的骑师》
Rene Magritte
马格利特，比利时的超现实主义画家，画风带有明显的符号语言，影响了今日许多插画风格。
1926年，马格利特开始全职绘画，并于同年画成《迷失的骑师》，这是他的第一幅超现实主义作品。并在1927年在布鲁塞尔举行首次个人画展，但遭到大量侮辱性的批评。这次失败使他感到郁闷，于是他移居巴黎。在超现实主义阶段中，对马格利特所创作的作品最为贴切地表述是：如梦境般，把玩着置换、转化与理性主义的主题。经常被用来解释超现实主义的画作《形象的叛逆》 Rene Magritte
这是马格利特最为代表性的超现实主义画作，画中写着你看到的不是烟斗的烟斗。此画经常被用来解释超现实主义的观点，并用于书籍和教学上。法国先锋派超现实主义电影的代表作《一条安达鲁狗》
Luis Bunuel
影片无任何情节，只有一组组无逻辑无理性的镜头，以及奇特怪诞形象的不谐调接合。影片的画面是对梦幻的模仿，具有象征意义。
影响最深远的超现实主义文学作品《娜嘉》
Andre Breton
布勒东是法国超现实主义的理论领袖，《娜嘉》这本文字结合影像的超现实主义文学作品于1g28年在法国出版后，被视为影响最深远的超现实主义文学作品。达利早期超现实主义画风的典型代表《记忆的永恒》
Salvador Dali达利而为了寻找这种超现实的幻觉，他曾去精神病院了解患病人的意识，他们的言论和行动通常是一种潜意识世界最真诚的反映。超现实版画大师的代表作
《手画手》
M.C.Escher
这幅画是埃舍尔的代表性作品之一。画面中的两只手都被画得精确而写实，充满了立体感。可是就在这样一幅画上，荒谬和真实、可能与不可能交织在一起，使画面充满了思辨的意味。埃舍尔对这些造成错觉而又令人迷惑的空间构成情有独钟。
圆点女王的超现实《无限的爱》
Yayoi Kusama这位日本的波点怪婆婆，有很多标签，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术、波普艺术和抽象表现主义等。但她真正的声名鹊起是由于《无限的爱》，使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，超现实意味十足。这组装置也在2013年在上海当代艺术馆展出。著名的超现实裸女画
《The Great Sirens》
Paul Delvaux
德尔沃，以其超现实主义风格的裸女画著名。德尔沃偏爱蓝色的长裙，紫色的领结，植物的花冠，金色的卷发，画中女子面孔体态相似。常有黑衣道貌岸然的男子，似乎在偷窥。德尔沃的画最接近于诗，那是诗与梦的结合。
曼·雷最负盛名的代表作《一个女郎和她五颗眼泪》
Man Ray
这是张摆拍的照片，曼·雷使用了五颗玻璃珠来代替真实的眼泪以制造气氛。他成功了，不真实带来最真实的艺术效果，这是曼·雷的天赋。第一部超现实主义影片
《贝克与僧侣》
Germain Dulac
本片以超现实的手法刻画一个迷上将军妻子的牧师，身负神圣的职责却挣扎于对性的欲望，而产生奇异的幻想。因有损神职形象和反宗教崇拜倾向，被禁止公映。
超现实主义与达达主义之间的对比《我的保姆》
Meret Oppenheim
梅勒特·奥本海姆的《我的保姆》和杜尚的《泉》那样的现成品比较，奥本海姆的超现实主义物品公开坚持他的心理内容。而达达的现成品则静静地等待我们自己去理解。
梅勒特·奥本海姆可谓是“贫穷艺术”的溯源。在这个装置《我的保姆》中，用材都是非常平常的材料。将保姆的鞋子用绳子捆绑起来，放在一个厨师帽里，以此来传达一种女性经验。这种很平凡的材料其实是非常考验艺术家的智慧的。
毕加索超现实主义时期的代表作《雕塑家》
Pablo Picasso
20世纪20年代中期至30年代初，是毕加索创作的超现实主义时期，其创作特点是将生与死，梦境与现实统一起来，具有神秘、恐怖、怪诞的气氛。
贾科梅蒂在超现实阶段最著名的雕塑《手捧空虚》
Alberto Gizacometti
这是一个按埃及古代法老像的风格雕刻的比例细长的石雕像。作品的风格依旧是贾科梅蒂早期的金属几何人体。但不同的是，这次的人体较为明晰可辨；坐于椅中的女子看着自己空无一物的双手，一脸若有所思的惘然。这是贾科梅蒂作为超现实主义流派一员的最后一件作品。是一件具有转折性的作品。不仅是因为它的风格，同时，也因为它表现着贾科梅蒂在此之后，关于“存在与虚无”的思考。
西方超现实主义绘画的代表作《内战的预感》
Salvador Dali
这幅作品是一幅控诉罪恶战争的杰作，是西方超现实主义绘画的代表作。达利运用超现实主义的手法，以一个巨大的残缺的人体，象征受难的群众。蔚蓝的天空，布满了乌云，大地上撇满了土豆，象征着西班牙荒芜的土地。画中的主体形象是人体经拆散后重新组合起来的荒诞而又恐怖的形象。形似人的内脏的物体堆满了地面。这一切都以写实的手法画出来的，具有逼真的效果。这显然不是现实的世界，而是人做噩梦时所呈现的离奇而又恐怖的情景。这是当时笼罩在西班牙国土上的内战的预兆在画家头脑中的反映的产物。
超现实摄影经典之作《马可·宾的自画像》
Mark Penn
将超现实主义摄影真正完成的是马克·宾，他在自己的创作中，把超现实的“虚”和现实中的“实”揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。他在1946年创作的《马可·宾的自画像》，是运用四次曝光的手法拍摄出来的——次正面，两次侧面和一次一只眼睛。
达利为参加电影制片人举办的比赛而创作的作品《圣安东尼的诱惑》
Salvador Dali
美国的电影制作人亚培尔·雷文曾制作一部改编自法国文豪莫泊桑的小说《贝拉米》的电影。为了塑造年轻主角豪放不羁、沉溺肉欲的形象，他特地举办了一个绘画比赛，达利的这幅画就是为了这个比赛而制作的。超现实主义摄影语言发挥的极致
《原子的达利》
Phillipe Halsman这张照片是哈尔斯曼的代表作品，也是哈尔斯曼为达利拍摄的最有名的一幅照片。画面里一切全都“飘浮”在空中，这荒谬而又怪诞的形式让人觉得这一切似乎都在梦中。此作品的伟大之处在于这种超现实主义的风格恰恰符合了达利的超现实主义画家的身份，极主观又极客观地反映了被摄主题。 从梦境回归现实
启动页面的肆意狂想
Pinoco
向绘画致敬的启动画面？可能在Photoshop2 5问世的时候，很多人都还没有接触到这样一个日后定会强大的软件。很多发烧友肯定会问“为什么选择从Photoshop2.5开始说起？”因为这个版本是WIndows平台的第一代。这一代是撞色最为鲜明的一个版本，主要色彩由红色与蓝色的撞色组成。至于为什么会出现一个调色板，这或许是因为在2.5这个版本里加入了调色板与过滤器这两个功能，奈何过滤器无法直观地通过视觉表现出来，最后也许还是调色板最具有生活气息，也更容易被人所接受。总之在Winaows系统上第一代的启动页面画风还是稍稍简单一些，不过十分具有亲和力，色彩醒目。页面与功能—样中规中矩？4.0时代的启动页面是历代带有眼睛的启动页面中最为中规中矩的一代，只有一只眼睛与画框在页面中。在启动画面上来说，这可能是Photoshop有设计感的启动页面中最容易让人忽略并忘记的一代。画面上没有过多的色彩搭配与元素的组合。很多用过这一代产品的用户会觉得在功能上Photoshop4.0也许看来并无太大突破。但值得一提的是，随着Adobe业务范围的扩大，为了兼容使用，第四版PS开始采用其他Adobe产品同样的操作界面，程序使用流程也有所改变。一些老用户刚开始对此比较敏感，但是后来发现整合用户界面后能节省很多时间。此外，4.0中首次应用了调整图层功能和宏命令工具。
那台皮腔相机是什么型号？来到Photoshop3.0时代，让所有人没有想到的是这一代的启动页面上出现了一台老式的皮腔相机。当然很难看出它的型号，如果你有兴趣，也有使用皮腔相机的经验，可以尝试探寻它的型号。页面中还有的元素就是在上一代页面中就已经出现过的调色板，只不过这一代的色板是没有任何颜色的，完全将一个全新的调色板放置在启动页面中，整体色调偏黄、偏暗。特别值得一提的是一只醒目的眼睛，它出现在35mm胶片上，有意思的是这只眼睛并不是看着正前方的，而是看向右侧，这只醒目的眼睛究竟在看什么，随你如何猜想。
伴随功能图标也要“色”起来Photoshop5.0的启动界面是眼睛色彩最为鲜明的，采用的是近似于无限透明的蓝。这样的颜色会在第一时间吸引使用者的视觉。为了不让画面显得左重右轻，还特意加入了滤镜元素，让几只鸽子从滤镜中飞出。这样的设计其实十分有意思，首先，滤镜上只能看出Professional72mm的字样，我们可以看出来的就是它是一块当时普遍口径的滤镜，但在最前我们还可以看到隐约还有字样，似乎是滤镜的品牌，可惜的是它被高光所打得过亮，无法看出。有兴趣可以探寻一下滤镜品牌。
矢量为主导的启动页面？
当所有人已经习惯了启动页面上欧美人眼睛的时候，Photoshop6.0却没有按照常理出牌。在第6代的启动页面上，出现了一只看上去很像东方人的细长的眼睛，但是如果你仔细观察就会发现这只眼睛似曾相识。这样的眼睛很多出现在古埃及的壁画上，这只眼睛严谨地按照丹麦考古学家提出的“正面律”的特点，即所有形象都要正面面对观者，没有丝毫的歪斜。为什么第6代中会出现这样一直严谨的眼睛？也许是跟在PS6.0中引入矢量图形有很大的关系，除了启动页面上的眼睛之外，还有正五角星型的海星，都和矢量图形有着看似千丝万缕的联系。虽然这个版本的启动页面中没有了习惯了的人眼，取而代之的是这样一个细长的单眼皮眼睛，但是在启动页面整体设计上采用了棕黄色的色调，让整个启动页面保持着暖色系，让使用者能在第一时间注意到这只凝视前方的眼睛。整体设计简洁，而且色彩有渐变，虽然大面积采用棕黄色填充，但不会觉得突兀。
高端大气的启动页面？
Phacoshop8.0以后有了个全新的新名字一PhotoshopCS系列。9.0的版本号则变成了CS2、10.0的版本号则变成CS3、11.0的版本则变成CS4。总的来说，Photoshop作为一款具有划时代意义的图像编辑软件对互联网媒体的发展作出了非常大的贡献。从启动页面上来说页面上使用了羽毛的LOGO，这与Photoshop的羽毛笔工具不谋而合。值得一提的是，进入CS时代，在启动页面上羽毛笔的质感也制作得特别细致，羽毛的纹路脉络也被精细制作；在颜色选择上，也采用的是多种颜色组合的渐变色彩。除了羽毛的设计之外，整体的页面采用白色底，再配以经典的研发团队成员名单，启动画面更加简洁清爽。自CS时代的开始，更多的使用者都会更好地适应启动页面的改变，毕竟羽毛要比眼睛更具有亲和力，也会更容易让更多的人接受。能画出你的自定义？
来到2002年，PS已经推出第七个版本。重大的突破在于开放用户创建自定义的画笔，以及更加实用的文本工具提供拼写检查、查找借代等其他功能。在启动页面上你是否能看出左上角在海中漂着的帆船，如果你喜欢，也更执着，完全可以使用PS完成这样一幅绘画作品。使用者熟悉的那只眼睛，较之前几代产品来说，看得更歪了，但不同的是它看得更远了，也更高了，让这样一直远眺的眼睛，结束了Photoshop启动页面上眼睛的时代，下—代就进入了“羽毛”时代。
色彩最好的版本
其实在Photoshop5.0时代中，更好看的启动页面是PS5.5这个版本，与之前的5.0版本相比，不同的是眼睛的虹膜呈现出各种丰富的色彩。这是这个版本里最为好看的启动页面，寓意也许是是加入了色彩控制功能的Photoshop第五代可以让使用者的双眼看到更为丰富准确的色彩。Photoshop5.5版本也是带有眼睛元素的启动页面中色彩最为丰富的一代产品，彩色虹膜的眼睛直视前方，让所有的使用者印象深刻。
探索PS背后你熟悉的名字 Pinoco
1 Thomas Knoll
将爱好变为职业的设计者这个名字可谓是Pholoshop历史上被提起最多的名字，是他创造的Pholoshop，也许他也没有想到这款软件可以获得如此的成功。最初他将这个软件命名为Display，软件的成功让他有动力开发更多图片处理功能，这就是Photoshop的原型。但他却称制作Photoshop只是爱好。如果你足够细心会发现他的名字出现在每一代的Photoshop启动页面上，但是在3.0时代他和几个主创的名字是被加粗的，这是唯一的一代创作团队成员的名字被加粗，至于这是为什么？很难有人知道了。 2 John Knoll
鼓励将梦想实现的推动者
John是Thomas Knoll的哥哥，就职于好莱坞特效公司工业光魔，是一个专业的电影人。他建议Thomas将自己的“个人爱好”投入商业化运作，没有他就没有Photoshop的今天。有趣的是，这位软件联合创始人的名字极少出现在Photoshop的启动页面上，只有在Photoshop 1.0.7和2.0.1中能找到他的名字。虽然他还是热衷于《星球大战》这样的电影，但是John也创造了一些Photoshop的功能，如镜头光晕等滤镜。
3 Russell Brown
将软件推向世界的发现者
他是Adobe艺术总监，也正是他将Photoshop带到了Adobe公司。在Photoshop 1-0.7软件的开始界面，只有4个名字：Thomas Kn00、John Kn00、Steve Guttman和Russell Brown。他的名字一直默默地出现在多代PS的启动页面上，随着开发团队的壮大，人员的不断增多。主创的名字一直在页面的前列，但是渐渐地Russell Brown的名字作为收尾的名字出现在开发团队的最后，对于这个PS的先驱，我们真的应该记住他。
4 Seetha Naravanan
让视窗用户感受Ps的分享者来到了Photoshop4.0时代的启动页面，你会在画面上看到这样一个奇怪的名字——SeethaNarayanan，自此往后的每一代都有他的名字。他的贡献也许只有Windows用户能看到，1992年前的PS是仅支持苹果系统的，Seelha Narayanan的功劳就是让Windows用户用上了这款软件。他还将Liqhtroom移植到了Windows系统，也许他真的是视窗系统的忠实粉丝。
5 Jeff Chein
着力让画面更神奇的欺骗者这个看起来是亚洲面孔的男人，也算是PS的元老人物了，他的名字第一次出现是在Photoshop4.0版本上，看名字很像是一个中国人的名字。他是Adobe负责修复画笔效果的首席科学家，专门研究如何“骗过”你的眼睛，让修复效果更加自然。在他学习的年代里还是一台多人共用的电脑，每个人的使用时间是有限的。在这种环境里学习，最终让现在的他同时就职于Adobe与Apple两家公司。
6 Sarah Kong
细腻情怀的功能奉献者
Sarah Kong的名字是出现在PS第五代的产品中，看这个名字再也无法与华裔脱开关系了。作为团队中的女性成员，也许付出的心血要更多，也更加细腻。加入开发团队之后，Photoshop便成为她最得意的作品。她目前致力于诸如镜头矫正中的镜头配置文件共享等“交流”功能的开发。
7 Russell Williams
让使用者更聪慧的指引者
如果你细心，你会在PS5.0中看到他的名字，也许你看惯了出现在最后的Russell Brown，Williams的出现会让你眼前一惊，这么小众的名字会在同样一个软件开发团队中出现？他们两个人是亲戚吗？显然不是的，Williams的主要工作适合工程师、科学家一起决定PS的未来发展方向。现在，他的主要工作是图像鉴定，使人们更容易发现照片的修改之处。
全体制作团队全展现
很多人都会知道双击启动Photoshop之后会在启动页面上看到这个版本开发团队的人员名单，但是如果电脑启动速度很快，你是来不及看到所有人的，而我们的梳理体例也是有限的，无法将团队中的每一个幕后英雄做——介绍。如果你对他们感兴趣，可以在进入PS之后点击帮助—关于Photoshop，你会看到启动页面出现在界面中，不同的是，右边的名单开始滚动，你会有惊喜！
成为PS钢琴家
你要知道的常用功能
在了解快捷键之前，你最需要知道的就是，在PS中哪些功能是最常用的，之后针对功能记住快捷键。了解常用功能后，才可以有针对性地开始默背下快捷键。别对自己太有自信，妄图记住所有的键位。记下常用的功能就足矣在旁人面前“露一手”了，而且这些快捷键里也有十分相似的，很容易搞错。记下这些功能快捷键，让你高人一等，快人一步。首先要记住的是苹果键盘的Command就是Ctrl。
TOP1
复制图层—Ctrl J
这是展现PS设计上最强的技术——图层。一切修改都基于图层的复制。这也是开始PS照片的第一步操作，只是一上来快捷键默认的距离就比较远，让很多手小的使用者感觉开始后期的第一步就无法耍帅了。如果单手的话建议使用左手小拇指配合大拇指按下。
TOP2
曲线—Ctrl M
调整曲线来增加照片的对比度与曝光值，默认快捷键的设置与复制图层相似，两个按键的距离也有一定的跨度，如果算直线距离要比复制图层的距离更远。单手操作需要左手小拇指按住Ctrl，大拇指按下M。这个时候就会发现苹果键盘的距离会近点。
TOP3
调整色阶工具—Ctrl L
如果是Windows系统那么在键盘上的距离也是需要很费劲才能单手操作的，很抱歉，这次Windows用户还不能单手耍帅，还是老老实实地左右开弓，分别按下Ctrl与L键吧。呼叫出界面来再进行进一步调节吧，但是如果是Mac系统的键盘，单手操作更行云流水。
TOP4
魔棒工具—W
魔棒会方便地选出色彩相似的部分，是最简单的抠图方式。这次的快捷键终于轮到了一个按键了，如果保持左手小指放在左边Ctrl键上，那么选择魔棒工具最舒服的手指就是左手中指，虽然魔棒工具只需要一个W键就可以完成，但反选却由Ctrl Shift l键组成。
TOP5 仿制图章—S
仿制图章也是另外一个神奇的按键。可以按涂抹的范围复制全部或者部分到一个新的图像中。如果一直保持着左手小指自然放在Ctrl按键上，那么按仿制图章的快捷键就很自然地会是左手中指或者食指。按下图章就可以对不满意的地方做出修改了。
TOP6
向下合并图层—Ctrl E
这个功能可理解为“给不自信者”的，这个功能可以完成向下合成一个新的图层。之所以说是向下合并图层是面向不自信的人是因为，通过每一步细心地检测完成前后两步的合并。这个键位会是最为舒服的快捷键，左手小指的Ctrl与食指的E，绝对十分潇洒。
TOP7
盖印图层
——Ctrl Alt Shift E
这个功能是很保险的，让之前所有的操作有了一个全新的样子。这个功能可以让所有调整过的图层合并独立生成一个全新的合成图层。但按键需要动用的手指分别是左手小指、无名指、食指与大拇指。
TOP8
去色—Ctrl Shift U
一秒变黑白照片，这一组按键是立竿见影中最明显的。无论是再绚丽的色彩，通过去色工具就可以直接抽离所有的色彩。在按键上又是需要双手按下去的，左手小指无名指按住，右手点一下U键即可瞬间在画面上看出直观地抽色效果。
TOP9
画笔放大与缩小—[]
很多时候为了精细地调整出，图章的大小与画笔的粗细，需要更为直观地调整方式。在键盘右侧的“[”与“]”，就可以帮助调整大小与粗细。单次按下可以分级别大小调节，按住[]两个按键可以更为迅速地放大或者缩小。
TOP10
退出PS—Ctrl Q
常用的PS安键第十名给予这个组合键，没有倒可可以比这个组合键更为强力。如果使用PS完成后期遇到困难，又不想用鼠标点击右上角的关闭按键。那么左手单手操作即可完成，小拇指按住Ctrl，中指按下Q键即可完成整个程序的退出。
TOP11
橡皮擦—E
橡皮擦是我们经常用的东西，有错误就需要修改。我们需要记得的是快捷键E，有任何画错描错的笔触可以直接按下E键，不必再通过鼠标点击选择橡皮擦。可能很多人会习惯使用撤销摁键，但是如果在使用PS手绘任何图形出现错误的话，左手摁下E键最为方便。
TOP12
临时抓手工具—Speace
该功能是最方便摁下的快捷键，但是基于使用的次数而言，只能排在Top10以外了。临时抓手工具只需要按住空格键，右手配合鼠标的拖拽即可实现。在实际操作中，也许只有左手拇指按住空格键会最为自然也会最为帅气，当然如果你习惯别的手指也可尝试。
TOP13
保存图像—Ctrl S
这一组快捷键已经成为了所有电脑用户最为喜欢的组合了，但是由于它不仅局限于PS，也更不算内容操作组合，只能说是使用者操作之余的一种自娱自乐。在完成了多步骤操作之后的“自我安慰”，快速保存下来，确保自己之前的操作不会“付诸东流”。
TOP14
新建图形文件—Ctrl N
这组快捷键虽然不像保存图像那样常用，但会像记住英文那样方便，因为N这个字母就代表着“新”的意思，可以根据这样的记忆方式记住这组快捷键的作用。如果在软件中需要制作两个不同的工程文件，可以使用这个组合，但一只手操作似乎很难完成了。
TOP15
另存为—Ctrl Shift S
一旦在制作过程中，通过PS制作的文件要经过几次修改，而每一次操作的版本都要独
立存在电脑里时，另存为就成为了最好的快捷键。这三个按键虽然感觉上按下会很帅但
是你会发现Ctrl与Shift上下排列多少会有些别扭，最佳组合是小指无名指与食指按下。
TOP16
打印—Ctrl P
当所有的工作全部完成之后，面对这显示器上自己的摄影作品或者制图作品。如果陷入了深深的自我满足，那么Ctrl与P键的组合将会是把梦想变为现实的直接出口。它会将最后的成品打印出来，但这一切的前提却在于，你的电脑一定要首先链接上打印机。
让想象力插上翅膀
图层与超现实主义
图层在超现实主义中的历史
早在胶片时代，摄影师们开始在以传统暗房的制作技巧，通过多架放大机，将不同底片上影响叠合，制作成“纯手工蒙太奇”，他们通过用小刷子慢慢扫胶片上的银盐，改变底片上的图像，这就是最早的图层表现。一直到今天，Photoshop中的图层依然延续着“多张底片叠加”的工作原理。
图层是什么
简单来说，Photoshop中的“图层”就是把一幅幅透明的图像依次叠放在一起，在叠放的过程中可以使用图层蒙版来隐藏和显现画面，同时可以用各种图层样式和调整样式来实现各式各样的效果。
图层在编辑时可以让不同的图像或元素分类管理，彼此各司其职。图层最大的特点就是可以在不破坏原图层的基础上进行编辑，即“非破坏性编辑方式”，还可重复进行编辑调整。就是这样的工作方式可以让超现实主义艺术家把一张张看似不相干的照片组合在一起，形成一个全新的画面。现在Photoshop中的图层运用非常简单快捷，图层让超现实主义艺术家能更加游刃有余地创作作品。
一张超现实作品的图层构成
混合模式
点击一个图层，选择下拉菜单中的任意混合模式，可让当前图层与下方图层产生关系，在下拉菜单中有许多混合选项，可以实现意想不到的效果。混合模式在超现实主义图像中起着重要的调整图片作用。使用键盘上的上下箭头或鼠标滚动在不同混合模式间切换，可以立刻看见不同的效果。 图层名称
双击图层名称可以对图层进行重命名，我们可以根据图层内容作用命名。在制作庞大的超现实作品时，实时为图层命名是一个好习惯。我们还可以使用不同颜色的色彩标注图层。
眼球图标
图层的显示标志，按住Alt键单击图层，可隐藏除当前选定图层之外的所有图层。在制作多图层的超现实作品中可以随时检查。
链接图层
图层缩略图与图层蒙版之间的锁链图标表示它们被连接在一起，也就是说当我们使用移动工具改变其中之一位置的时候另外一部分也会随之移动。
图层分类管理
Photoshop CC的新功能，可以分类显示图层中的图像层、调整图层、文字图层等，非常方便快捷。
不透明滑块
拉动滑块可以调节图层的不透明度，让叠加的图层在自己的掌控中，制造不同的效果。
图层组
创建图层组管理图层。在超现实画面中，有许多需要整合的分类，这时我们需要使用分组，才能高效率地管理好你的图层。
调整图层
调整图层中的众多调整样式可以快速修改图片的色彩与明度。这与菜单栏中的图像一调整的功能相同，是以图层形式进行编辑，不伤害原图层。
图层蒙版
蒙版能帮我们控制图层画面原始的局部隐现，是使用Photoshop制作超现实主义作品最重要的工具。
图层样式
具有许多样式可选，可为当前选定图层添加外发光、投影效果。每种图层样式都提供了丰富的选项供我们尝试。
高效管理图层
在制作超现实主义作品中我们往往不断尝试，使用许多蒙版与调整图层、不停实验混合模式，这让制作过程很有趣，但产生的大量图层会导致软件变慢。更重要的是，要及时管理图层。为图层署名、明确分组、删除无用图层等，都能让你在制作过程中效率更高。
蒙版创造新世界
不可替代的抠图工具
在胶片时代，超现实主义艺术家用小刷子扫去胶片上的杂物，叠加到另外—胶片上，以此得到神奇的融合效果。Photoshop完美地保留了这独具创造力的功能——连小刷子的形象都保留了下来。今天我们只需要在Photoshop中点击添加图层蒙版添加按钮，就可以通过画笔工具的涂抹选择是否保留画面上的图像。调节画笔的大小和柔和边缘，可以方便地让边缘柔和，让上下图层完美融合。更重要的是，通过黑白的前景色与背景色，可以安全地返回已经抹掉的图像。通过一层一层的蒙版叠加，可以让超现实主义艺术家在不改变原图的情况下将各个元素天衣无缝地混合在一起。
不透明度掌控蒙版
图层蒙版的作用是帮助我们控制图层的局部显现。在用画笔工具进行边缘涂抹时，可以调整画笔的不透明度，控制图像的边缘，让其过渡更自然。另外还可以调整蒙版本身的不透明度调节画面效果，当过渡自然的多层蒙版相互叠加，就能创造出超现实的新世界。这张超现实主义作品由8张图片的组成，他们大多以蒙版的形式存在，通过不同的抠图方式、不同的透明度混合最终完成。
图层蒙版与橡皮擦的区别
蒙版是运用画笔工具对显现与隐藏进行控制，用画笔的黑白两色进行调节。同样的图层，使用橡皮擦工具同样能擦出画面多余的部分，效果一样，但是，是直接在图层上擦去，并无法恢复。
混合模式让想象无边
实色混合
将画面中颜色信息压缩为8种色彩，常用于对画面进行锐化操作的过程中。
颜色减淡
通过降低“对比度”使底色的颜色变亮来反映绘图色，和黑色混合没有变化。
划分
通过通道逐一分析颜色，用背景色分割混合图层中的颜色。
叠加
上图的颜色被叠加到底色上，但保留底色的高光和阴影部分。
变暗
取两个颜色中的暗色作为最终色。亮于底色的被替换，暗于底色的保持不变。
颜色加深
查看通道的颜色信息，通过增加“对比度”使底色的颜色变暗来反映绘图色。
深色
效果与变暗类似，但在混合时会选择散射通道中最低的通道值。
正片叠底将混合图层与下方图层中的内容混在一起，得到更暗的颜色。
27种混合模式各显神威
更改图层的混合模式，就随之改变了当前国层内容对下方画面的影响方式。也就是说在混合模式的帮助下，图层不再是单纯的一层一层地叠放在一起，而是通过不同的方式进行混合，得到更富创意的效果。Photoshop一共提供了27种图层混合模式，庞大的数量看似让人无从下手，但再多实验几次后就能发现规律。许多超现实主义艺术家都有惯用的混合模式，它的选择没有绝对性，更多的是取决于我们使用的照片组合以及期待达到的画面效果。在制作超现实主义作品时，使用不同元素与纹理的混合让人充满想象力，为了达到理想的效果，有必要多多进行尝试，往往会在尝试中发现惊喜。
混合模式好兄弟
无论是与图片本身、其他图片图层或颜色图层进行叠加，混合模式都会产生不同的效果。但除此之外，混合模式还能与国层蒙版进行混用，让混合模式效果作用于局部。还可以与用不透明度调整混用，调整混合模式效果的轻重，就可以让混合模式完全跟随自己的想象进行调整。
玩转炫酷效果
1
Knoll LightFactory
Knoll Light Factory从名字上就能看出是一款光效插件，而这款插件的效果几乎无所不能。
2
AV Bros Puzzle
制作拼图效果是这款插件唯一的功能，而这款插件的拼图效果也是丰富多彩，绝对让你百玩不厌。
超现实主义摄影作品并不是现实经验的记录，而是超现实主义艺术家用来挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”的表达。
10位超现实主义大师
在这里，我们将为你展示超现实主义摄影大师的作品，解析他们的创作思路和拍摄历程，解读他们在创作作品时遇到的困境，解读大师的内心世界。
26件你必须知道的超现实作品
超现实主义摄影作品出现之前，已经有很多超现实主义的作绘画和文学，都为超现实主义摄影作品提供7参考。
7位Photoshop研发人员在你每次开启Photoshop的时候，有没有对开启页面的那一连串名字而感到好奇呢？我们为您介绍Photoshop重要的7位研发成员。
6个Photoshop快捷键
玩转Photoshop，快捷键是必须的。为你介绍16个你在使用Photoshop时最常用到的几个快捷键，让你在处理照片的时候手速如风。
2个图层最重要功能
图层是Phtoshop最重要的功麓，混合模式和蒙版是图层最重要的两个功能，若想真正用好图层，就必须要学会使用混合模式与蒙版。
8款超现实主义滤镜
滤镜插件的作用实际上属于Photoshop动作的集合，而这些插件的出现能够大大减少摄影师处理图片的时间，让想象力插上翅膀。
5种相机自带滤镜
超现实主义摄影发展到今天，随着技术的进步。相机自带的滤镜有的时候也能拍摄出很好的效果，这里就为你介绍5种数码相机自带滤境。
6个超酷效果APP手机摄影渐渐成为人们生活中一个重要的组成部分。这里为你介绍6款菲常出色的超现实主义效果APP，让你用手机也可以轻松玩转超现实。“超现实主义”全解析
什么是超现实主义？
超现实主义（Surrealism）源于达达主义，从文学入手逐渐延伸到视觉艺术乃至对各个艺术领域都产生了深远的影响。超现实主义的产生反映了第一次世界大战后欧洲资产阶级青年一代对现实的恐惧心理和狂乱不安的精神状态。他们提出了自己的艺术宣言、创作方法、创作目的等问题。超现实主义者自称他们在进行的是一场“精神革命”。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。它也常被称为超现实主义运动，或简称为超现实。
什么是超现实主义摄影？
超现实主义摄影是兴起于20世纪30年代的一种形式主义的摄影流派。超现实主义摄影作品并不是现实经验的记录，而是超现实主义艺术家用来挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”的表达。他们刻意表现的对象是人类的下意识活动，偶然的灵感，心理的变态和梦幻，从早期以剪贴、暗房技术等手段，到如今电脑数字后期合成，艺术家们在作品画面上将影像加以堆砌、夸张、变形，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。随着电脑数字技术提高，越来越多的超现实主义摄影手段和后期技术被人们知晓，而对真正的超现实主义摄影作品的思维门槛要求也越来越高。
超现实主义摄影的表现手法
摄影通常被誉为是真实的记录，但无论从拍摄者选取的画面、拍摄的角度、或是对画面的瞬间控制，都让摄影不可能再成为对现实毫无修饰的完全重现。我们通常见到的超现实主义摄影，主要从两个方面来表达艺术家对现实世界的重现解码与编排。其一是，直接拍摄，从瞬间角度、事物本身等传统摄影因素来形成现实世界已发生事件的选择性截取，构成画面的趣味点，从而形成与传统纪实照片不同的感受。其二，是通过对摄影元素的解构来组织其个新的、具有幻想的、不容易在现实世界中发生的画面。但无论如何，超现实主义均以“表达”为中心，无论是对内心情绪的抒发，对梦境的描绘，都是通过影像艺术家作为主体，来进行经过思考的、非客观性记录的创作方式。这和传统摄影中，事件作为第一位，摄影师作为记录者不参与事件（景物）的新闻报道摄影师、摄影爱好者等有着本质的区别。摄影也因此成为了艺术家表达个人想法的一个重要的手段，这也基本构成了“作为艺术的摄影”这一观点的基本论证。在超现实主义摄影中，任何手段都可能产生超现实意味，也有很多摄影家通过几种方法共同使用来完成超现实摄影作品，下面就几种简单方法进行介绍。
1 中途曝光
指在传统感光材料（相纸）在放大制作过程中二次曝光、从而产生了一种离奇的效果，这种手法可以导致画面暗部影调产生反相，并在亮部与暗部之间留下了一条中色线条，产生了超现实的质感。
2 蒙太奇拼贴
在达达主义时期，便有了很多艺术家开始对现成品的加工，而在影像艺术中，很多艺术家开始通过对杂志现成照片进行剪裁，并将这些影像重新粘贴成一张充满趣味的作品，形成超现实影像。
3 负影像
传统影像中，底片感光所产生的影像是负向，并经过转印产生正像照片，然而，超现实摄影中，常将转印工艺省略。中国艺术家史国瑞的装置影像《长城》、《珠峰》，曼雷的“物影照片”都在这方面有着十分杰出的表现。
4 导演式拍摄或称编导式摄影，是指艺术家通过搭建场景、模拟剧情等方式来进行拍摄，摄影家格里高利克鲁逊的导演式影像、杜安麦克斯的编导影像，中国青年艺术家和威通搭建的登陆月球的场景影像都是很具有超现实意味的作品。
5 直接性截取
传统摄影家通过对事件瞬间的截取，对画面关系的摆布形成了在传统视觉上具有突破性的影像，例如新闻摄影师亨利卡蒂埃布列松的瞬间性捕捉，比尔布兰特的变形摄影，都是通过传统摄影进行超现实创作的例子。
6 多重曝光
通过对感光材料的多重曝光处理，形成在同一个感光材料中的多重影像叠加，日本摄影家北野谦对同一人物的连续拍摄，中国摄影家马康对建筑的多重曝光都是这一类型最直接的表现形式。 7 暗房处理
传统暗房的漂洗技术，多重曝光，甚至上述提到的中途曝光法，都需在暗房中得以实现，在数字暗房中，后期对影像的处理手段更是多样。利用Photoshop、3Dmax等综合手段完成的影像作品充满了超现实主义的风格。
超现实影像大师的多重表达
杰里·尤斯曼
底片时代的暗房炼金术
郎静山
笔墨书写影像气息
史国威
西方美学祥式的再编码
卢彦鹏
书画合璧映像现实
玛姬·条勒
当“爱丽丝”坠入仙境
朱莉安妮·寇斯特
用“设计”去“摄影”
塞瑟莉亚·韦伯
两种原始的表达
张巍
回归本源的表达
让·弗兰西索斯
劳泽尔
在平面中构建空间
杨泳梁
废墟中诞生的中国山水
底片时代的暗房炼金术
合成梦境
杰里·尤斯曼擅长于暗房特技制作，并在胶片时代形成了别具一格的唯美细腻的超现实影像作品。他常通过多架放大机将不同底片上的影像叠合在一张画面上。在杰里-尤斯曼的创作中，直接拍摄成为了他获取创作素材的手段，那些看似不成样子的照片往往是尤斯曼精心拍摄的一个局部素材，他再通过对素材的编排，将所需元素汇集到最终的作品中，在其作品中，岩石、树、人像和支离破碎的风景十分常见，这些元素最终形成了象征、变形、夸张、抽象的荒诞效果，以此来折射现代生活内在的本质。他那异想天开的创造力赢得了人们的瞩目，并于1967年获得古根海姆奖金，1972年获国家艺术基金会捐赠。尤斯曼的摄影风格正如他在自白中所说：“尽管暗房可以切断我和外面世界的联系，但是我在暗房中的活动，又和外面的宇宙万物有着千丝万缕的牵连。在暗房里，我可以静下心来，进行内心的对话，把我在外面拍到的影像和我内心的思绪结合起来。”尤斯曼以这样的态度来创作作品，将直接的拍摄转化成影像的构建，并在暗房中尝试着与自己的梦境进行对话。
笔翠书写影像气息
投影东方情怀
东方的浪漫主义，是身处世外桃源，静享高山流水的仙境。在郎静山生活的那个年代，时间依旧在轨道上缓慢地前行，空气中依旧能嗅到丝丝诗书香气，他放不下心中的东方浪漫情节，因此将情感寄托在影像实践之中，创造性的制作出多底合成的“集锦摄影”。他将摄影与中国传统国画相结合，以中国画为内核，运用水墨中黑白灰的微妙关系，散点透视的画面布局，在心中事先构架好画面，并通过利用暗房药液的减薄技术来营造出雾气缠绕的中国式风景，最终达到画面意蕴、神韵融为一体。他不仅善于营造中国书画样式的影像，更善于将摄影的媒材发挥到极致，他根据西方摄影大师曼·雷的“物影照片”方式进行东方意味的影像创作，他不经过相机拍摄，而是将日常所见的树叶、昆虫等物直接放置在相纸上曝光，形成物体本身的投影。但无论他以何种方式创作，其作品一直是以东方精神作为创作的根本。在他的作品中，老翁、仙鹤、云雾、孤松与远山都成为了画面主要构成元素，中国传统国画中体现出的清净优雅，与世无争的隐士态度在画面中显露无遗，摄影与中国传统绘画真正达到了相互渗透、互相补充的效果。
两方美学样式的再编码
手工色彩解构经典
史国威学习中国工笔画出身，并曾留学德国学习现代艺术，最终他选择的摄影这一呈现方式来完成他的作品，他采用古老的手工着色工艺，从前期精心的布景拍摄，到后期在黑白相纸上进行的手工二次上色，每一步均是作者内心思考许久的结果。当颜料在相纸上平滑地润开自己迷幻的光彩，这也昭示了一种全新的制图方式，基于对影像素材的延续与再创造，又区别于绘画的传统体系。他的影像，以西方经典名作为基础，并通过个人对历史的观看和解读，来摆布一个崭新的画面，这些画面与西方的图像样式有着密切的联系，却呈现了当下人的价值观。在他创作的每一个环节，都竭尽全力地把控画面的展示效果，以求得能把更多的个人情感融入进其作品之中，使其变得独一无二。观看这些作品时，我们会被史国威幻化出的意境吸引进去，走入其设定好的视觉乌托邦。当理想与幻像、模仿与迷恋、传统与当代、人性与挣扎等等情节错综交织在一起时，演绎出一种浪漫的超现实主义效果。在这里，时间的痕迹被最大化模糊，“已经发生”与“正在进行”被矛盾地并置在一起，给人一种全新的视觉、思维解读方式。
书画合璧映像现实
升华温度新风景
卢彦鹏的作品有着非常细腻的连续性，他早期的作品《石头的记忆》通过铅笔画与摄影媒材相互结合，营造出如诗歌一般的片段式影像，卢彦鹏曾谈起，这组作品的灵感来源自他夫人饶凌华绘制的一幅3米长的画卷，那是关于身体与石头关系的一幅长卷，画给了卢彦鹏关于底片处理的灵感，他希望通过这些影像来表达自己关于摄影本身可能性的看法，他开始摒弃那些光鲜的影像，将画面中偶然形成的质感作为诉说的直接语言，他更将传统的放大技术进行个人式的改造，长达数十分钟的放大时间，再加上不符合常理的低温显影，这些不符合常理的方式反而给了他更大的创作空间，他将双手放置在显影盘中，通过手掌的温度，在画面中形成了斑驳的影像，这些技术手段并没有成为卢彦鹏创作的束缚，而是让他的影像更具有不同维度上的深层解读，不同的技术手段实际上是他作品承载的综合语境，卢彦鹏认为他的影像并不像摄影、也不会是绘画，他希望那是一首诗，看似没有意义，却无不抒发着自己对于世界的感悟。
简单尝试内心的悸动
当“爱丽丝”坠入仙境
Maggle Taybr的一生都与一个人息息相关一杰里·尤斯曼。无论是生活还是艺术创作，这两个人都仿佛绑在一起。1987年MaggieTayior在佛罗里达大学获得美术硕士学位，在读期间，她专著拍摄黑白风景、肖像以及彩色静物照片。她经常使用一部旧的4×5相机在自然光下拍摄—些零碎的旧玩具、破瓶子、动物和花园。在上世纪90年代初，Dhotoshop并没有像现在这样被广为流传，功能也非常简单。MaggieTaylor放弃了传统的影像制作手段，把从古董市场和网上搜罗的一些老照片、玩具和老物件等——扫描输入电脑，在每一幅作品中将古董暗含的故事以及生活的零散瞬间拼接起来。 迷恋小女孩梦境的，似乎永远不是小女孩。1862年，牛津大学的数学家刘易斯·卡罗尔还是个年轻的男子，那年夏天，他在泰晤士河畔上创作了《爱丽丝漫游奇境记》。2008年，《爱丽丝漫游奇境记》新插图本推出，其中色彩鲜艳、旨趣丰富的插图将人们引入了视觉化的爱丽丝奇妙仙境。Maggie Taylor用数码技术将小女孩的梦境从抽象的文字世界中抽离出来，拓宽了人们对爱丽丝梦境想象的疆界。在Maggie Taylor营造的爱丽丝梦境中，故事发生时的维多利亚浪漫风格被——消解，反而充满了诡异不安的哥特感。新版插图里，纯真可爱的小女孩爱丽丝总是一副怅然若失的表情，疯狂茶会上的睡鼠靠在兔子先生的肩上……对现实的不合逻辑呈现，人们第一反应是疑问：究竟在讲什么？接着，人们会开始为匪夷所思的作品构想故事发生的时间、地点以及经过。她的作品充满了魔力，它们潜入你心底，让你思考。奇美的色彩、影像以及原有的故事线索让人每次思考都感受不同。这就是伟大艺术作品的能量—包围你、融化你、挑逗你。
创作思路
这个蒙太奇世界基于Maggie Taylor自身的成长经历，源于她的童年记忆、欲望以及对电视消费文化的理解，数码技术则让Maggie Taylor创作的视觉谜语具有原创性，“我的创作是将那些能引起共鸣的影像素材与叙事文本联系起来。每幅作品不存在单独的意义，它们本身就是谜语，存在开放性的结局，任由观者自己揣测。
一切多么好玩，多么挑逗。”
创作手段
Maggie Taylor用数码手段再现的爱丽丝梦境：运用了维多利亚时期小女孩的照片、动物的图画、旧货市场的小物件等等元素，创作出了一个超现实主义的迷你剧场。在这个剧场下，可以创作出各种梦幻仙境般的场景。之后，将拍好的胶片实景与各种符号素材通过Photoshop结合起来，再使用一些简单的色彩调节工具进行处理。而到了今天，MaggieTaylor的创作手法则更为丰富，不再受到任何技术的限制，而处理出来的画面也更为逼真和神秘。
超现一的先行者
用“设计”去“摄影”
在过去的20年，Julieanne创造了纹理和风景的素材库，用扫描的形式制作琉璃画和木炭画。她最常遇到的问题是，每个素材必须引起创作上的情绪反应。这样的反应可能是积极的或消极的，安慰的或是反抗的。实际上，在创作阶段，这些对她来讲并不重要，因为素材将会被使用在何处是尚不明确的。Julieanne最开始的工作是要去捕捉一个个决定性的时刻，也就是传统摄影中最弥足珍贵的那一套。而现在，她更像是把时间压缩来利用画面去讲述一个故事。她利用创造出的形象和虚构的场景将这些分层的元素结合在一起，这个画面是不会受到物理和时间的限制。通过选择，这些不同空间、时间下的影像共同形成一个有凝聚力的信息，她能够创造出更为复杂的画面表达。
选择和组合图像的过程，是一个最具挑战性的和发人深省的探索过程。虽然最终的整体图像可能会显得非常平静，但是创造作品的行为却绝对不是被动的。当她从脑海中萌生出一个概念，甚至可以叫做“灵感”的时候，她发现每个图像都有其自己的生命，她经常让自己探索其他的方向，有时发现最终处理的图像，只是依稀类似最初时的想象。从技术角度来看，Julieanne认为电脑技术不仅可以让摄影变得更快捷，更能够让媒介变得更快捷，可以为她的深索提供更多选项。这种艺术形式是知道什么时候停止和什么时候开始，去说想要说的话。她觉得从摄影师的角度就是让他们可以有这样的能力——随时随地做—些处理。不像以前就是在暗房里面—个温度，—次的摄影，—张胶片。现在有了CameraRaw基本上对摄影师来讲，就有无限的可能性和灵活性。它可以不具任何破坏性而去做各种各样的处理，也拥有很大的灵活性。另外，对于原来的原始图像可以重新界定，重新来进行处理和诠释。
创作思路
Julieanne Kost最初的尝试往往不带有任何目的，从上世纪末Photoshop X.0的时代开始，源于对多个影像重叠与模糊的方式一直萦绕在她的脑海里。她将这种重构解读为对自己梦境的重构也是为了实现长久以来的愿望。艺术往往如此，摄影师的灵感和通感往往是自己创作
最重要的原动力。
创作手段
当Photoshop进入到“图层”时代之后，对摄影师的影响是空前的。Julileanne Kost在此之前就建立了素材库，这个巨大的素材库包含“天空、闪电、飓风”等自然元素，也包含了“划痕、螺旋、网格”等抽象图案。而图层功能出现了之后，Julieanne Kost开始利用图层的叠加以及蒙版的使用，将作品一层一层地叠加起来，最后成为一个重构梦境的画面来。而在此时，超现实主义摄影也由漫无目的的无主题摄影逐渐进入到有主题摄影的阶段。
百花齐放的勇敢表现
两种原始的表现
Cecelia Webber出生于美国新罕布什尔州一个只有1500人的小镇，这里有一个邮局、一座图书馆、一支消防队、—个普通的超市和—所小学。她的朋友中没有—个人在小镇上班，大部分小镇居民都开车去其他乡镇工作。对大自然热爱至极的她，从小就喜欢在田野里追逐橙色的火蜥蜴。她是一个有点社交恐惧症的害羞小女孩，喜欢阅读，其他时间则是在废弃的小木屋和坍塌的石墙中寻找自然界的小精灵。长大以后，她发现世界越变越奇怪，她开始思考这个问题，为什么在西方国家以至全世界，人们都羞于面对裸体呢？身体不是美丽、神圣的、值得称颂的口马？一次偶然的机会，她发现自己给自己拍的一张后背照看起来像一片花瓣。从那之后，就开始练习用裸体人像来创作精美的花卉和蝴蝶，从此一发不可收拾。至于摄影，她从来没有真正选择过学习摄影，但是她一直在从事艺术创作。到目前为止，她将裸体人像组合成玫瑰、向日葵、樱花、喇叭花、蒲公英等等花卉，以及毛毛虫、蝴蝶、孔雀等动物。
这是一份需要极大的想象力和耐心的工作，一幅画从构思到最终完成需要两个月时间。她享受创造这些艺术品的过程，因为它包含了所有不同的步骤。这个过程是有机的，且能根据她捕捉到的照片有所改变。她感兴趣的是用这种方式拍摄裸体摄影来改变人们对肖像的理解。这是—种探究人类的优点和弱点的精神媒介。她感到展现真实具有瑕疵的身体是非常重要的，特别是出现照片处理手段之后，人们对他们身体原有样子有了不切实际的期待。在未来，她将争一直拍摄更多的真实的裸体人像。她认为，要让人们对于自己的外形有个健康的认识，客观展现普通人的裸体是非常重要的。 创作思路
首先她需要自己摆出造型给模特当示范，对她来说保持住姿势是一件具有挑战性的体力活；其次，概念化每一张单幅作品也是件复杂的脑力活。Ceceia Webber在大自然中长大，大自然极大地影响着她。“灵感和兴奋比辛勤工作和耐
力更重要”也是她的座右铭。
创作手段首先，她需要手绘出花卉的草图：然后指导模特摆出她需要的造型，有时要拍50多张照片才能找到最准确的姿势；接着，花费数百个小时坐在电脑前，给拍好的照片着色、放大或缩小、旋转、裁剪、组合，直至完成这些令人惊艳的图片。Cecelia Webben说：“最终的图片可能有700多个图层。最困难的部分，是把不同的裸体姿势协调起来，然后在大脑中把人体这种三维结构转换成二维平面，再组合成一个形状。”然而最终呈现出的图片具有一定的开放性，并实验
出她未曾预料到的形式。
回归本源的表达
当张巍获得“2013年度色影无忌新锐摄影师”称号的时候，外界对他的争论和质疑就一刻没有停歇过。最主要的原因是他的“造像”作品中使用了一系列政治人物的形象，包含萨达姆、希特勒等。有人认为，这些政治形象的杂乱选择表明张巍价值观混乱，这当中既有独裁者、暴力者，也有民主国家领导人。在连州摄影展策展人段煜婷看来，这种“混乱”正是张巍高明之处，“他没有集中在正面的或负面的符号上，而是更加广泛地呈现出世界面貌，让观众自己判断。”实际上，当我们将作品聚焦在“超现实主义”甚至是“超现实主义暗房”这个范围的时候，这种争议就会烟消云散。
亚里斯多德曾说：“艺术的目的不是要去表现事物的外貌，而是要去表现事物的内在意义。”张巍想让他的作品看上去有一种无从说起的不安。想通过健康装扮下透露出的病态，无表情中透着的无奈、恐惧和焦虑。许多的不和谐自然的组合在一起，通过这种被篡改和处理后的面无表情的形象告诫人们，其实每一个人在社会中都在扮演着各自的角色。但终归都是表面的、临时的，甚至可能是无意义的。在这些被景观化处理了的肖像中，暗含着一种当代中国人的病态表征。这病态并非在现实中能够轻易发觉，它隐藏于整个人类的精神深处。“造像”作品属于“人工剧团”的一部分，开始于2007年，他收集拍摄了300多个中国普通人的素材用电脑将这些人物的五官拆分成小部件，然后再把这些五官随机互换，制造出一张虚拟的面孔，来表现和展示着这个社会中各个阶层、各种职业人群的一种的生存状态。
2008年，张巍看到一款日本的电脑游戏《人工少女3》，玩家可以透过编辑器设计自己心目中的少女。包括少女的眼睛、发型、鼻子、嘴唇、胸部、肤色等都可以具体地设定，并有30种性格喜好可供选择，这样每个创造出来的“人工少女”都是独一无二的。这个游戏让他萌生了一个想法，是否可以用素材去虚拟一个不存在的人，于是他开始尝试《人工少女》作品系列。《人工少女》系列以后，张巍再次尝试用电脑虚拟的方式去实验。他开始在网络上搜索一些人物肖像，找到了很多，包括希特勒、杰克逊，还有一些古典绘画的图片。他利用《临时演员》中人的五官和电脑虚拟的手法来还原一个具体的形象，他想最终使作品里的人物进入一种小剧团的角色当中去，使得这个大家所熟悉的人不再是精神和灵魂的载体。他对这些虚拟选择是不带价值观倾向的，无论是政治人物还是娱乐明星，都只是一些文化符号。只是想让其有一种物化的变异感，把这种身份虚拟化放大到作品里，试图去探索真理与虚构、真实与虚拟的意义，虽然只是一种假设，但却是一种艺术的真实体验。
创作思路
很少有人能想到，张巍“造像”的这组作品思路的来源竟然是日本的电脑游戏。实际上越来越多的当代艺术家和新锐摄影师会渐渐地从一些现代网络和科技产品中获得灵感，这是一件非常好的事情。张巍利用电脑游戏中通过五官等各种素材来创造人物这个方法想到了自己“人工剧团”中拍摄了大量的人物素材，也可以用这样的方法来创造出属于自己的肖像来。
创作手段
想要“造像”，当然需要有大量的素材。这些素材采集的过程看上去枯燥但是很有意义。在过去的6年里，张巍不停地给一些陌生人拍摄，包括他们的肖像，甚至五官单独的特写。通过这6年的时间，他已经收集了大量的面孔和五官特写，建造了一个自己的脸部素材库。之后，他会收集一些名人的肖像，再分析这些名人的五官局部，再从自己的素材库中挑选接近的素材进行叠加。利用Photoshop中的自由变换以及蒙版，创造出一个个栩栩如生的新形象。
在平面中构建空间
结合了艺术、摄影以及最新的数码合成科技，法国艺术家Jean Francols Rauzier创造了这些让人叹为观止的超精细数码摄影作品。每一幅作品都是由600张到3400张以上的近距离图像所组成，每张照片都是Rauzier一张一张拍下来之后，再利用Dhotoshop一张一张运用高超的功力以及惊人的耐心衔接起来。作为"b专业的摄影师，近40年来，Jean旅行世界各地，探索城市，文明和文化的遗产，在他的不懈追求—种新的媒介表达过程中，最终数字摄影打动了他，由此建立起自己的摄影乌托邦。Jean将众多照片拼合在—起，组成一幅巨大而异常精细的作品，他将这种艺术形式称为“hyperphoto”（超级照片），灵感来自于他认为—部电影可以吸引观众看几个小时，而—张图片往往只能被关注几眼。Jean的超级照片可以被不断放大，直到你注意到背景中窗户里的某个人或书架上的一本书名，他的—幅作品曾被印制在20米宽的平面上，细节仍然保持清晰。这种事情发生在传统的胶片时代几乎是想都不敢想的，但是随着技术和工具的不停发展，这似乎不再有任何难度。很多人都会质疑技术推动艺术的论断，认为艺术应该是永恒的、不可替代的。唯物论和辩证法告诉了我们，“事物是不断变化发展的”。包括艺术也是—样。早在摄影术刚刚诞生的时期，很多人也极为震惊，认为这是一个可以颠覆以往任何艺术形式的一种艺术。 从他的图片上看来，感觉大多数像是安德烈亚斯·古尔斯基式的迭代形式照片与一些著名建筑的混合，弥漫着电影《盗梦空间》式的科幻氛围。最初的照片集中在农田、沙漠、水景等自然景观，还有宗教题材的反复出现，蛇、苹果、玫瑰、神秘符号和潜意识中的形象构成的蒙太奇画面，一些荒诞离奇、巴洛克或者未来幻想的场景。有时候是公开的忧郁表达。大部分时候，Jean FrancoisRauzier采用具有古典美的对称构图法则，凡尔赛宫的《橘园》就是很好的例子。儒勒-阿尔杜安·芒萨尔在1684年间建造的这幢建筑物是冬天用来存放树木的，包括一条150米长、线条纯粹的穹顶长廊。Jean FrancoisRauzier把穹顶长廊顶部做了切割，变成莲花花瓣一般顶部尖尖的线条，这些美丽的“花瓣”被富有韵律地重复排列，并用一池碧水造成镜像效果。按照他本人的解释，他希望在图像中实现存在于巴赫音乐中的对称性，同一个主题的对称排列，对称之中又有一点转换。从作者的初衷来说，“Hyperphoto”的命名是指他的照片与超现实主义（Hyper-realist）绘画之间的关联，而不是强调它的维度。但是像《迷宫》这样的图像，因为多重视点的并置和虚拟的深度，确实让人产生三维的错觉。
创作思路
在数码时代，艺术家们可以想前人之未想，为前人之未为。尤其是超现实主义摄影，完全给摄影师们提供了一个自由创作的舞台。而摄影技术的进步和数码技术的进步都无疑推动了超现实主义的发展。Jean Francois Rauzier利用现代手段将照片无限度放大，最终达到欣赏者可以驻足观看每一个细节，观看一张照片就要
花费半个小时以上的效果。
创作手段
Jean Francois Rauzier说：“为了实现全景图像，最初尝试用全景相机和广角镜头，就像用广角取景器的电影导演一样，但是180度取景器已经很失真了。我对不能实现真正的全景效果感到沮丧，就尝试先拍4到10张照片，然后把它们拼接在一起。在掌握了整个过程之后，细节照片的数量不断增加直到几千张。”他回忆说，“没有什么相机的镜头可以在一张照片中实现这样的清晰度，在30cm2的方寸中我可以拼接500张照片。细节确实存在，隐藏在图片中，就像它们隐藏在现实中一样。”这就是数码时代带来的魅力。也许在当下，很多人已经觉得全景接片没有什么难度，甚至很多数码相机也推出了“全景拍摄”的功能，但是Jean FrancosRauzier利用了现代非常普及的技术，却完成了
常人不曾见过的匪夷所思的画面来。
废墟中诞生的中国山水
身为“80后”的多媒体艺术家，杨泳梁身上的传统文化情结却浓厚得化不开，十年修习书法、水墨、篆刻，让他在精神层面上更接近于年长于己的上一辈人，因此从他的中国山水的作品中，能够品味他对传统的珍惜与对现实的批判。“我常常与‘年轻人’争辩传统文化的去留到底有没有必要。”他口中所谓的“年轻人”，不过就是和他年龄差不了几岁，却已经失去传统情结的那一群人。眼睁睁地看着从小玩耍的嘉定老街被改造成影视城里的“假古董”，杨泳梁有着本不属于他这个年纪的愤怒和惋惜，“既要做隐士，也必须表达不满。”杨泳梁的《蜃市山水》系列是以电脑绘画技术的成就，假冒文人山水画的审美意境，而实际却是反意境、反审美的。细看作品，那些山水之间的图章落款，用的竟然都是马路上的窨井盖。那些表面生机盎然，内里危机四伏的宽幅卷轴中，塞满了如此之多的现代生活、现代城市的细节。乱立的电线杆子取代了郁郁葱葱的树木，高楼广厦取代了飞檐亭阁，锃亮的汽车取代了盘旋山间小路的驴马，招摇扎眼的广告牌取代了飘扬在树梢、路旁的酒家招幌，大放光芒、令昼夜倒流的电灯取代了明灭于林间的幽暗烛火。杨泳梁的作品对于变迁的社会反映出了某些未来气质。杨泳梁认为，自己绘制的是头脑中的山水，如同在画笔涂抹之下渐渐呼之欲出的形象，杨泳梁所谓的摄影只是用摄影的元素——电子，合成绘制出了自己头脑中的山水。当摄影退化为素材的工具，本该包含的或多或少的客观性与在场感，完全消弭于这些虚构的山水氤氲间。“对我来说，更重要的是表达什么，每一次创作我都是在脑子里想好了需要什么样的形式才端着相机去一路寻找。”一件作品元素的捕捉，前前后后的电脑修图，差不多要花费半年的时间。
“我不是在影射任何的民族性，我只是表现中国文化的断层和遗失，让大家能够觉察到事件的严重性。我们的城市天天在生长，可我们的身份唯一性又到哪里去寻找？”杨泳梁说。杨泳梁的内心在两个极端间摇摆，一个是有如文人般的宁静致远，另一个则充满华丽与力量，最终使绚丽和残酷共存。《蜃市山水》系列作品很多人第一眼看到时会认为它们全都是中国水墨画，但细看之下你就会发现这水墨中不仅有着山水的景色，还有零落的人类建筑以及充满未来主义色彩的城市都市缩影，这些垃圾以及工地无疑都是对生活的讽刺。它们体现出一种分散的特征。而他的作品最终希望传递的还是对失去控制的工业化和城市化进程所带来的灾难性影响的描述。
创作思路
将古代的中国山水与现代的工地建筑看似毫无关联的结合在一起，形成一幅幅美轮美奂的画卷，实际上达到的是一种“反义”的美，引起人们对现代社会建筑的快速产生与自身价值矛盾的探讨，去追寻自我在现代快速发展的社会中所存在的意义。
创作手段
杨泳梁前前后后去往多个省市地区专门拍摄废墟、工地、垃圾站等几乎被现代人以往的角落。之后利用娴熟的后期技巧与中国水墨山水结合
在一起，达到极致美感的境界。
你必须知道的26件超现实艺术作品
绘画
超现实主义画家以“自动的活动、无意识的自动作用和梦幻世界的采求”展开创作。分为以达利、马格利特等为代表，精细描绘细部的“自然超现实主义”；以米罗为代表，追求作画过程的无意识性的“有机超现实主义”。 文学
超现实主义文学否定现实主义和传统小说，敌视一切道德传统，认为它是平庸、仇恨的根源。强调潜意识和梦幻，提倡写“事物的巧合”，倡导“自动写作法”。布勒东1928年发表的小说《娜嘉》是现实主义文学的代表作。
电影
超现实主义电影把文学上的超现实主义的创作方法运用于电影创作。强调无理性行为的真实性、梦境的重要意义、不协调的形象对立的情绪力量和对个人快感的执着追求。杜拉克、布努艾尔是其代表人物。
摄影
超现实主义摄影不以记录现实为己任，其作品中的实物也不是它们原本在客观世界中的原意，每一物体都是作为一种视觉图像符号而出现的，超现实主义摄影家用这些符号作词汇来造“影像甸子”。代表人物曼·雷等。第一次指明了超现实主义的方向
《第二种疯癫：字的炼金术》
Arthur Rimbaud
超现实主义是兰波文学主张的直接继承。他在《第二种疯癫：字的炼金术》倡导“凭着幻觉、错觉来写诗”，可以说是第一次指明了超现实主义的方向。“超现实”—词的灵感来源《椅前维特巴斯克的景色》
Marc Chagall
夏加尔，超现实主义画家之一。“超现实主义”一词据说是阿波利奈尔为形容夏加尔的作品而创造出来的。这幅作品现由圣彼得堡的戈德叶夫收藏。描绘从夏加尔住处的窗外眺望出去的景色。一启蒙超现实画家的画作
《一条街道的神秘与忧郁》
Giorgio de Chirico
基里科，意大利超现实画派大师。在这幅画中，一个小女孩推着铁圈穿过废弃的城镇，不祥的阴影在向她逼近。这幅画影响了恩斯特、马格利特等画家。
在绘画中应用弗洛伊德心理学的典范《孩子的头脑》
Giorgio de Chirico
这幅画中，基里科把儿童心目中两个权威人物：父亲与童话中的英雄^物，重叠为一个形象，使超现实主义者大为崇拜。
超现实主义的四个阶段
准备时期
1916年-1924年超现实主义的前身是达达主义，而马歇尔·杜尚是达达主义的先驱。1920年，查拉来巴黎组建了法国的达达主义集团，并邀请重要艺术家布勒东、苏波、阿拉贡三人加入，2年后解散。
宣言时期
1924年-1929年1924年布勒东发表第一篇《超现实主义宣言》。以布勒东为首的艺术家形成声势浩大的潮流。同年，布勒东还在巴黎格勒奈尔街15号，建立了常设机构“超现实主义研究办公室”。
鼎盛时期
1929年-1941年1929年布勒东发表《第二次超现实主义宣言》，超现实主义成为文化界的焦点，举办了十余个国际超现实主义展览会。但很快，第二次世界大战的来临，导致了超现实主义发展的暂时停滞。
战后时期
1946年-1969年1947年布勒东召集众多超现实主义艺术家重振旗鼓，随后超现实主义运动延伸到各个领域和专业，但1966年布勒东去世，使得超现实主义集中性发展陷入困境，并在1969年宣布解散。
“超现实主义”名词的起源
《蒂雷西亚的乳房》
Guillaume Apollinaire
阿波利奈尔，法国诗人，剧作家，艺术评论家。其诗歌和戏剧在表达形式上多有创新，被认为超现实主义的先驱之一。《蒂雷西亚的乳房》是阿波利奈尔创作于1917年的一部超现实主义戏剧。“超现实主义”名词即源于它。该剧内容启发于古希腊的盲人预言家蒂雷西亚的故事。
首次尝试具有超现实主义倾向的作品《被夜莺吓着了的两个孩子》
Max Erns
布勒东1925年举办了首次超现实主义画展，参加者有毕加索等人，他们显然都不是真正意义上的超现实主义画家，只有恩斯特在他的达达主义的拼贴中首次尝试了具有超现实主义倾向的作品。一代表超现实主义的另一种风格：有机的超现实主义
《人投鸟一石子》
Joan Miro
米罗的作品是令人愉快的。其画面洋溢着自由天真的气息，往往人见人爱。画面看上去很简单：蓝和黄把画面分割开来，画的右前方立着由软绵绵的曲线构成的形状奇特的人，左后方则是一只鸟，石子在画面留下了它运动的轨迹。黄色沙滩隐喻了乳房和性器官，这是画家对情欲——生命原动力的幽默赞美。马克斯-恩斯特早期作品透露出超现实主义《人们将不知其然》
Marc Erns
恩斯特被誉为“超现实主义的达·芬奇”，在达达运动和超现实主义艺术中，均居于丰导地位。
第一幅超现实主义图画《哈里昆的狂欢》
Joan Miro
米罗是超现实主义绘画的伟大天才之一。《哈里昆的狂欢》，这幅画标志着米罗艺术风格的最终形成，具有奇特的空间感和梦幻般的魅力。这也是第一幅真正意义上的超现实主义的杰作。1925年米罗在巴黎皮埃尔画廊举办了一个展览，米罗一夜之间成为了巴黎画坛最引人瞩目的画家。《哈里昆的狂欢》是画展中最引人瞩目的作品之一。在一个房间里，窗户开着，窗外是夜空，一个狂热的舞会正在进行着，各种动物蜂拥嬉闹，十分快活。而其中的那个人却好像有些悲哀，他留着颇为风趣的胡须，叼着长柄烟斗，默默注视着周围的一切。人们很难确切理解画家想表达的主题，但却不难感受到画家呈现的辉煌的梦幻气氛。
马格利特第一幅超现实主义绘画
《迷失的骑师》
Rene Magritte
马格利特，比利时的超现实主义画家，画风带有明显的符号语言，影响了今日许多插画风格。
1926年，马格利特开始全职绘画，并于同年画成《迷失的骑师》，这是他的第一幅超现实主义作品。并在1927年在布鲁塞尔举行首次个人画展，但遭到大量侮辱性的批评。这次失败使他感到郁闷，于是他移居巴黎。在超现实主义阶段中，对马格利特所创作的作品最为贴切地表述是：如梦境般，把玩着置换、转化与理性主义的主题。经常被用来解释超现实主义的画作《形象的叛逆》 Rene Magritte
这是马格利特最为代表性的超现实主义画作，画中写着你看到的不是烟斗的烟斗。此画经常被用来解释超现实主义的观点，并用于书籍和教学上。法国先锋派超现实主义电影的代表作《一条安达鲁狗》
Luis Bunuel
影片无任何情节，只有一组组无逻辑无理性的镜头，以及奇特怪诞形象的不谐调接合。影片的画面是对梦幻的模仿，具有象征意义。
影响最深远的超现实主义文学作品《娜嘉》
Andre Breton
布勒东是法国超现实主义的理论领袖，《娜嘉》这本文字结合影像的超现实主义文学作品于1g28年在法国出版后，被视为影响最深远的超现实主义文学作品。达利早期超现实主义画风的典型代表《记忆的永恒》
Salvador Dali达利而为了寻找这种超现实的幻觉，他曾去精神病院了解患病人的意识，他们的言论和行动通常是一种潜意识世界最真诚的反映。超现实版画大师的代表作
《手画手》
M.C.Escher
这幅画是埃舍尔的代表性作品之一。画面中的两只手都被画得精确而写实，充满了立体感。可是就在这样一幅画上，荒谬和真实、可能与不可能交织在一起，使画面充满了思辨的意味。埃舍尔对这些造成错觉而又令人迷惑的空间构成情有独钟。
圆点女王的超现实《无限的爱》
Yayoi Kusama这位日本的波点怪婆婆，有很多标签，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术、波普艺术和抽象表现主义等。但她真正的声名鹊起是由于《无限的爱》，使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，超现实意味十足。这组装置也在2013年在上海当代艺术馆展出。著名的超现实裸女画
《The Great Sirens》
Paul Delvaux
德尔沃，以其超现实主义风格的裸女画著名。德尔沃偏爱蓝色的长裙，紫色的领结，植物的花冠，金色的卷发，画中女子面孔体态相似。常有黑衣道貌岸然的男子，似乎在偷窥。德尔沃的画最接近于诗，那是诗与梦的结合。
曼·雷最负盛名的代表作《一个女郎和她五颗眼泪》
Man Ray
这是张摆拍的照片，曼·雷使用了五颗玻璃珠来代替真实的眼泪以制造气氛。他成功了，不真实带来最真实的艺术效果，这是曼·雷的天赋。第一部超现实主义影片
《贝克与僧侣》
Germain Dulac
本片以超现实的手法刻画一个迷上将军妻子的牧师，身负神圣的职责却挣扎于对性的欲望，而产生奇异的幻想。因有损神职形象和反宗教崇拜倾向，被禁止公映。
超现实主义与达达主义之间的对比《我的保姆》
Meret Oppenheim
梅勒特·奥本海姆的《我的保姆》和杜尚的《泉》那样的现成品比较，奥本海姆的超现实主义物品公开坚持他的心理内容。而达达的现成品则静静地等待我们自己去理解。
梅勒特·奥本海姆可谓是“贫穷艺术”的溯源。在这个装置《我的保姆》中，用材都是非常平常的材料。将保姆的鞋子用绳子捆绑起来，放在一个厨师帽里，以此来传达一种女性经验。这种很平凡的材料其实是非常考验艺术家的智慧的。
毕加索超现实主义时期的代表作《雕塑家》
Pablo Picasso
20世纪20年代中期至30年代初，是毕加索创作的超现实主义时期，其创作特点是将生与死，梦境与现实统一起来，具有神秘、恐怖、怪诞的气氛。
贾科梅蒂在超现实阶段最著名的雕塑《手捧空虚》
Alberto Gizacometti
这是一个按埃及古代法老像的风格雕刻的比例细长的石雕像。作品的风格依旧是贾科梅蒂早期的金属几何人体。但不同的是，这次的人体较为明晰可辨；坐于椅中的女子看着自己空无一物的双手，一脸若有所思的惘然。这是贾科梅蒂作为超现实主义流派一员的最后一件作品。是一件具有转折性的作品。不仅是因为它的风格，同时，也因为它表现着贾科梅蒂在此之后，关于“存在与虚无”的思考。
西方超现实主义绘画的代表作《内战的预感》
Salvador Dali
这幅作品是一幅控诉罪恶战争的杰作，是西方超现实主义绘画的代表作。达利运用超现实主义的手法，以一个巨大的残缺的人体，象征受难的群众。蔚蓝的天空，布满了乌云，大地上撇满了土豆，象征着西班牙荒芜的土地。画中的主体形象是人体经拆散后重新组合起来的荒诞而又恐怖的形象。形似人的内脏的物体堆满了地面。这一切都以写实的手法画出来的，具有逼真的效果。这显然不是现实的世界，而是人做噩梦时所呈现的离奇而又恐怖的情景。这是当时笼罩在西班牙国土上的内战的预兆在画家头脑中的反映的产物。
超现实摄影经典之作《马可·宾的自画像》
Mark Penn
将超现实主义摄影真正完成的是马克·宾，他在自己的创作中，把超现实的“虚”和现实中的“实”揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。他在1946年创作的《马可·宾的自画像》，是运用四次曝光的手法拍摄出来的——次正面，两次侧面和一次一只眼睛。
达利为参加电影制片人举办的比赛而创作的作品《圣安东尼的诱惑》
Salvador Dali
美国的电影制作人亚培尔·雷文曾制作一部改编自法国文豪莫泊桑的小说《贝拉米》的电影。为了塑造年轻主角豪放不羁、沉溺肉欲的形象，他特地举办了一个绘画比赛，达利的这幅画就是为了这个比赛而制作的。超现实主义摄影语言发挥的极致
《原子的达利》
Phillipe Halsman这张照片是哈尔斯曼的代表作品，也是哈尔斯曼为达利拍摄的最有名的一幅照片。画面里一切全都“飘浮”在空中，这荒谬而又怪诞的形式让人觉得这一切似乎都在梦中。此作品的伟大之处在于这种超现实主义的风格恰恰符合了达利的超现实主义画家的身份，极主观又极客观地反映了被摄主题。 从梦境回归现实
启动页面的肆意狂想
Pinoco
向绘画致敬的启动画面？可能在Photoshop2 5问世的时候，很多人都还没有接触到这样一个日后定会强大的软件。很多发烧友肯定会问“为什么选择从Photoshop2.5开始说起？”因为这个版本是WIndows平台的第一代。这一代是撞色最为鲜明的一个版本，主要色彩由红色与蓝色的撞色组成。至于为什么会出现一个调色板，这或许是因为在2.5这个版本里加入了调色板与过滤器这两个功能，奈何过滤器无法直观地通过视觉表现出来，最后也许还是调色板最具有生活气息，也更容易被人所接受。总之在Winaows系统上第一代的启动页面画风还是稍稍简单一些，不过十分具有亲和力，色彩醒目。页面与功能—样中规中矩？4.0时代的启动页面是历代带有眼睛的启动页面中最为中规中矩的一代，只有一只眼睛与画框在页面中。在启动画面上来说，这可能是Photoshop有设计感的启动页面中最容易让人忽略并忘记的一代。画面上没有过多的色彩搭配与元素的组合。很多用过这一代产品的用户会觉得在功能上Photoshop4.0也许看来并无太大突破。但值得一提的是，随着Adobe业务范围的扩大，为了兼容使用，第四版PS开始采用其他Adobe产品同样的操作界面，程序使用流程也有所改变。一些老用户刚开始对此比较敏感，但是后来发现整合用户界面后能节省很多时间。此外，4.0中首次应用了调整图层功能和宏命令工具。
那台皮腔相机是什么型号？来到Photoshop3.0时代，让所有人没有想到的是这一代的启动页面上出现了一台老式的皮腔相机。当然很难看出它的型号，如果你有兴趣，也有使用皮腔相机的经验，可以尝试探寻它的型号。页面中还有的元素就是在上一代页面中就已经出现过的调色板，只不过这一代的色板是没有任何颜色的，完全将一个全新的调色板放置在启动页面中，整体色调偏黄、偏暗。特别值得一提的是一只醒目的眼睛，它出现在35mm胶片上，有意思的是这只眼睛并不是看着正前方的，而是看向右侧，这只醒目的眼睛究竟在看什么，随你如何猜想。
伴随功能图标也要“色”起来Photoshop5.0的启动界面是眼睛色彩最为鲜明的，采用的是近似于无限透明的蓝。这样的颜色会在第一时间吸引使用者的视觉。为了不让画面显得左重右轻，还特意加入了滤镜元素，让几只鸽子从滤镜中飞出。这样的设计其实十分有意思，首先，滤镜上只能看出Professional72mm的字样，我们可以看出来的就是它是一块当时普遍口径的滤镜，但在最前我们还可以看到隐约还有字样，似乎是滤镜的品牌，可惜的是它被高光所打得过亮，无法看出。有兴趣可以探寻一下滤镜品牌。
矢量为主导的启动页面？
当所有人已经习惯了启动页面上欧美人眼睛的时候，Photoshop6.0却没有按照常理出牌。在第6代的启动页面上，出现了一只看上去很像东方人的细长的眼睛，但是如果你仔细观察就会发现这只眼睛似曾相识。这样的眼睛很多出现在古埃及的壁画上，这只眼睛严谨地按照丹麦考古学家提出的“正面律”的特点，即所有形象都要正面面对观者，没有丝毫的歪斜。为什么第6代中会出现这样一直严谨的眼睛？也许是跟在PS6.0中引入矢量图形有很大的关系，除了启动页面上的眼睛之外，还有正五角星型的海星，都和矢量图形有着看似千丝万缕的联系。虽然这个版本的启动页面中没有了习惯了的人眼，取而代之的是这样一个细长的单眼皮眼睛，但是在启动页面整体设计上采用了棕黄色的色调，让整个启动页面保持着暖色系，让使用者能在第一时间注意到这只凝视前方的眼睛。整体设计简洁，而且色彩有渐变，虽然大面积采用棕黄色填充，但不会觉得突兀。
高端大气的启动页面？
Phacoshop8.0以后有了个全新的新名字一PhotoshopCS系列。9.0的版本号则变成了CS2、10.0的版本号则变成CS3、11.0的版本则变成CS4。总的来说，Photoshop作为一款具有划时代意义的图像编辑软件对互联网媒体的发展作出了非常大的贡献。从启动页面上来说页面上使用了羽毛的LOGO，这与Photoshop的羽毛笔工具不谋而合。值得一提的是，进入CS时代，在启动页面上羽毛笔的质感也制作得特别细致，羽毛的纹路脉络也被精细制作；在颜色选择上，也采用的是多种颜色组合的渐变色彩。除了羽毛的设计之外，整体的页面采用白色底，再配以经典的研发团队成员名单，启动画面更加简洁清爽。自CS时代的开始，更多的使用者都会更好地适应启动页面的改变，毕竟羽毛要比眼睛更具有亲和力，也会更容易让更多的人接受。能画出你的自定义？
来到2002年，PS已经推出第七个版本。重大的突破在于开放用户创建自定义的画笔，以及更加实用的文本工具提供拼写检查、查找借代等其他功能。在启动页面上你是否能看出左上角在海中漂着的帆船，如果你喜欢，也更执着，完全可以使用PS完成这样一幅绘画作品。使用者熟悉的那只眼睛，较之前几代产品来说，看得更歪了，但不同的是它看得更远了，也更高了，让这样一直远眺的眼睛，结束了Photoshop启动页面上眼睛的时代，下—代就进入了“羽毛”时代。
色彩最好的版本
其实在Photoshop5.0时代中，更好看的启动页面是PS5.5这个版本，与之前的5.0版本相比，不同的是眼睛的虹膜呈现出各种丰富的色彩。这是这个版本里最为好看的启动页面，寓意也许是是加入了色彩控制功能的Photoshop第五代可以让使用者的双眼看到更为丰富准确的色彩。Photoshop5.5版本也是带有眼睛元素的启动页面中色彩最为丰富的一代产品，彩色虹膜的眼睛直视前方，让所有的使用者印象深刻。
探索PS背后你熟悉的名字 Pinoco
1 Thomas Knoll
将爱好变为职业的设计者这个名字可谓是Pholoshop历史上被提起最多的名字，是他创造的Pholoshop，也许他也没有想到这款软件可以获得如此的成功。最初他将这个软件命名为Display，软件的成功让他有动力开发更多图片处理功能，这就是Photoshop的原型。但他却称制作Photoshop只是爱好。如果你足够细心会发现他的名字出现在每一代的Photoshop启动页面上，但是在3.0时代他和几个主创的名字是被加粗的，这是唯一的一代创作团队成员的名字被加粗，至于这是为什么？很难有人知道了。 2 John Knoll
鼓励将梦想实现的推动者
John是Thomas Knoll的哥哥，就职于好莱坞特效公司工业光魔，是一个专业的电影人。他建议Thomas将自己的“个人爱好”投入商业化运作，没有他就没有Photoshop的今天。有趣的是，这位软件联合创始人的名字极少出现在Photoshop的启动页面上，只有在Photoshop 1.0.7和2.0.1中能找到他的名字。虽然他还是热衷于《星球大战》这样的电影，但是John也创造了一些Photoshop的功能，如镜头光晕等滤镜。
3 Russell Brown
将软件推向世界的发现者
他是Adobe艺术总监，也正是他将Photoshop带到了Adobe公司。在Photoshop 1-0.7软件的开始界面，只有4个名字：Thomas Kn00、John Kn00、Steve Guttman和Russell Brown。他的名字一直默默地出现在多代PS的启动页面上，随着开发团队的壮大，人员的不断增多。主创的名字一直在页面的前列，但是渐渐地Russell Brown的名字作为收尾的名字出现在开发团队的最后，对于这个PS的先驱，我们真的应该记住他。
4 Seetha Naravanan
让视窗用户感受Ps的分享者来到了Photoshop4.0时代的启动页面，你会在画面上看到这样一个奇怪的名字——SeethaNarayanan，自此往后的每一代都有他的名字。他的贡献也许只有Windows用户能看到，1992年前的PS是仅支持苹果系统的，Seelha Narayanan的功劳就是让Windows用户用上了这款软件。他还将Liqhtroom移植到了Windows系统，也许他真的是视窗系统的忠实粉丝。
5 Jeff Chein
着力让画面更神奇的欺骗者这个看起来是亚洲面孔的男人，也算是PS的元老人物了，他的名字第一次出现是在Photoshop4.0版本上，看名字很像是一个中国人的名字。他是Adobe负责修复画笔效果的首席科学家，专门研究如何“骗过”你的眼睛，让修复效果更加自然。在他学习的年代里还是一台多人共用的电脑，每个人的使用时间是有限的。在这种环境里学习，最终让现在的他同时就职于Adobe与Apple两家公司。
6 Sarah Kong
细腻情怀的功能奉献者
Sarah Kong的名字是出现在PS第五代的产品中，看这个名字再也无法与华裔脱开关系了。作为团队中的女性成员，也许付出的心血要更多，也更加细腻。加入开发团队之后，Photoshop便成为她最得意的作品。她目前致力于诸如镜头矫正中的镜头配置文件共享等“交流”功能的开发。
7 Russell Williams
让使用者更聪慧的指引者
如果你细心，你会在PS5.0中看到他的名字，也许你看惯了出现在最后的Russell Brown，Williams的出现会让你眼前一惊，这么小众的名字会在同样一个软件开发团队中出现？他们两个人是亲戚吗？显然不是的，Williams的主要工作适合工程师、科学家一起决定PS的未来发展方向。现在，他的主要工作是图像鉴定，使人们更容易发现照片的修改之处。
全体制作团队全展现
很多人都会知道双击启动Photoshop之后会在启动页面上看到这个版本开发团队的人员名单，但是如果电脑启动速度很快，你是来不及看到所有人的，而我们的梳理体例也是有限的，无法将团队中的每一个幕后英雄做——介绍。如果你对他们感兴趣，可以在进入PS之后点击帮助—关于Photoshop，你会看到启动页面出现在界面中，不同的是，右边的名单开始滚动，你会有惊喜！
成为PS钢琴家
你要知道的常用功能
在了解快捷键之前，你最需要知道的就是，在PS中哪些功能是最常用的，之后针对功能记住快捷键。了解常用功能后，才可以有针对性地开始默背下快捷键。别对自己太有自信，妄图记住所有的键位。记下常用的功能就足矣在旁人面前“露一手”了，而且这些快捷键里也有十分相似的，很容易搞错。记下这些功能快捷键，让你高人一等，快人一步。首先要记住的是苹果键盘的Command就是Ctrl。
TOP1
复制图层—Ctrl J
这是展现PS设计上最强的技术——图层。一切修改都基于图层的复制。这也是开始PS照片的第一步操作，只是一上来快捷键默认的距离就比较远，让很多手小的使用者感觉开始后期的第一步就无法耍帅了。如果单手的话建议使用左手小拇指配合大拇指按下。
TOP2
曲线—Ctrl M
调整曲线来增加照片的对比度与曝光值，默认快捷键的设置与复制图层相似，两个按键的距离也有一定的跨度，如果算直线距离要比复制图层的距离更远。单手操作需要左手小拇指按住Ctrl，大拇指按下M。这个时候就会发现苹果键盘的距离会近点。
TOP3
调整色阶工具—Ctrl L
如果是Windows系统那么在键盘上的距离也是需要很费劲才能单手操作的，很抱歉，这次Windows用户还不能单手耍帅，还是老老实实地左右开弓，分别按下Ctrl与L键吧。呼叫出界面来再进行进一步调节吧，但是如果是Mac系统的键盘，单手操作更行云流水。
TOP4
魔棒工具—W
魔棒会方便地选出色彩相似的部分，是最简单的抠图方式。这次的快捷键终于轮到了一个按键了，如果保持左手小指放在左边Ctrl键上，那么选择魔棒工具最舒服的手指就是左手中指，虽然魔棒工具只需要一个W键就可以完成，但反选却由Ctrl Shift l键组成。
TOP5 仿制图章—S
仿制图章也是另外一个神奇的按键。可以按涂抹的范围复制全部或者部分到一个新的图像中。如果一直保持着左手小指自然放在Ctrl按键上，那么按仿制图章的快捷键就很自然地会是左手中指或者食指。按下图章就可以对不满意的地方做出修改了。
TOP6
向下合并图层—Ctrl E
这个功能可理解为“给不自信者”的，这个功能可以完成向下合成一个新的图层。之所以说是向下合并图层是面向不自信的人是因为，通过每一步细心地检测完成前后两步的合并。这个键位会是最为舒服的快捷键，左手小指的Ctrl与食指的E，绝对十分潇洒。
TOP7
盖印图层
——Ctrl Alt Shift E
这个功能是很保险的，让之前所有的操作有了一个全新的样子。这个功能可以让所有调整过的图层合并独立生成一个全新的合成图层。但按键需要动用的手指分别是左手小指、无名指、食指与大拇指。
TOP8
去色—Ctrl Shift U
一秒变黑白照片，这一组按键是立竿见影中最明显的。无论是再绚丽的色彩，通过去色工具就可以直接抽离所有的色彩。在按键上又是需要双手按下去的，左手小指无名指按住，右手点一下U键即可瞬间在画面上看出直观地抽色效果。
TOP9
画笔放大与缩小—[]
很多时候为了精细地调整出，图章的大小与画笔的粗细，需要更为直观地调整方式。在键盘右侧的“[”与“]”，就可以帮助调整大小与粗细。单次按下可以分级别大小调节，按住[]两个按键可以更为迅速地放大或者缩小。
TOP10
退出PS—Ctrl Q
常用的PS安键第十名给予这个组合键，没有倒可可以比这个组合键更为强力。如果使用PS完成后期遇到困难，又不想用鼠标点击右上角的关闭按键。那么左手单手操作即可完成，小拇指按住Ctrl，中指按下Q键即可完成整个程序的退出。
TOP11
橡皮擦—E
橡皮擦是我们经常用的东西，有错误就需要修改。我们需要记得的是快捷键E，有任何画错描错的笔触可以直接按下E键，不必再通过鼠标点击选择橡皮擦。可能很多人会习惯使用撤销摁键，但是如果在使用PS手绘任何图形出现错误的话，左手摁下E键最为方便。
TOP12
临时抓手工具—Speace
该功能是最方便摁下的快捷键，但是基于使用的次数而言，只能排在Top10以外了。临时抓手工具只需要按住空格键，右手配合鼠标的拖拽即可实现。在实际操作中，也许只有左手拇指按住空格键会最为自然也会最为帅气，当然如果你习惯别的手指也可尝试。
TOP13
保存图像—Ctrl S
这一组快捷键已经成为了所有电脑用户最为喜欢的组合了，但是由于它不仅局限于PS，也更不算内容操作组合，只能说是使用者操作之余的一种自娱自乐。在完成了多步骤操作之后的“自我安慰”，快速保存下来，确保自己之前的操作不会“付诸东流”。
TOP14
新建图形文件—Ctrl N
这组快捷键虽然不像保存图像那样常用，但会像记住英文那样方便，因为N这个字母就代表着“新”的意思，可以根据这样的记忆方式记住这组快捷键的作用。如果在软件中需要制作两个不同的工程文件，可以使用这个组合，但一只手操作似乎很难完成了。
TOP15
另存为—Ctrl Shift S
一旦在制作过程中，通过PS制作的文件要经过几次修改，而每一次操作的版本都要独
立存在电脑里时，另存为就成为了最好的快捷键。这三个按键虽然感觉上按下会很帅但
是你会发现Ctrl与Shift上下排列多少会有些别扭，最佳组合是小指无名指与食指按下。
TOP16
打印—Ctrl P
当所有的工作全部完成之后，面对这显示器上自己的摄影作品或者制图作品。如果陷入了深深的自我满足，那么Ctrl与P键的组合将会是把梦想变为现实的直接出口。它会将最后的成品打印出来，但这一切的前提却在于，你的电脑一定要首先链接上打印机。
让想象力插上翅膀
图层与超现实主义
图层在超现实主义中的历史
早在胶片时代，摄影师们开始在以传统暗房的制作技巧，通过多架放大机，将不同底片上影响叠合，制作成“纯手工蒙太奇”，他们通过用小刷子慢慢扫胶片上的银盐，改变底片上的图像，这就是最早的图层表现。一直到今天，Photoshop中的图层依然延续着“多张底片叠加”的工作原理。
图层是什么
简单来说，Photoshop中的“图层”就是把一幅幅透明的图像依次叠放在一起，在叠放的过程中可以使用图层蒙版来隐藏和显现画面，同时可以用各种图层样式和调整样式来实现各式各样的效果。
图层在编辑时可以让不同的图像或元素分类管理，彼此各司其职。图层最大的特点就是可以在不破坏原图层的基础上进行编辑，即“非破坏性编辑方式”，还可重复进行编辑调整。就是这样的工作方式可以让超现实主义艺术家把一张张看似不相干的照片组合在一起，形成一个全新的画面。现在Photoshop中的图层运用非常简单快捷，图层让超现实主义艺术家能更加游刃有余地创作作品。
一张超现实作品的图层构成
混合模式
点击一个图层，选择下拉菜单中的任意混合模式，可让当前图层与下方图层产生关系，在下拉菜单中有许多混合选项，可以实现意想不到的效果。混合模式在超现实主义图像中起着重要的调整图片作用。使用键盘上的上下箭头或鼠标滚动在不同混合模式间切换，可以立刻看见不同的效果。 图层名称
双击图层名称可以对图层进行重命名，我们可以根据图层内容作用命名。在制作庞大的超现实作品时，实时为图层命名是一个好习惯。我们还可以使用不同颜色的色彩标注图层。
眼球图标
图层的显示标志，按住Alt键单击图层，可隐藏除当前选定图层之外的所有图层。在制作多图层的超现实作品中可以随时检查。
链接图层
图层缩略图与图层蒙版之间的锁链图标表示它们被连接在一起，也就是说当我们使用移动工具改变其中之一位置的时候另外一部分也会随之移动。
图层分类管理
Photoshop CC的新功能，可以分类显示图层中的图像层、调整图层、文字图层等，非常方便快捷。
不透明滑块
拉动滑块可以调节图层的不透明度，让叠加的图层在自己的掌控中，制造不同的效果。
图层组
创建图层组管理图层。在超现实画面中，有许多需要整合的分类，这时我们需要使用分组，才能高效率地管理好你的图层。
调整图层
调整图层中的众多调整样式可以快速修改图片的色彩与明度。这与菜单栏中的图像一调整的功能相同，是以图层形式进行编辑，不伤害原图层。
图层蒙版
蒙版能帮我们控制图层画面原始的局部隐现，是使用Photoshop制作超现实主义作品最重要的工具。
图层样式
具有许多样式可选，可为当前选定图层添加外发光、投影效果。每种图层样式都提供了丰富的选项供我们尝试。
高效管理图层
在制作超现实主义作品中我们往往不断尝试，使用许多蒙版与调整图层、不停实验混合模式，这让制作过程很有趣，但产生的大量图层会导致软件变慢。更重要的是，要及时管理图层。为图层署名、明确分组、删除无用图层等，都能让你在制作过程中效率更高。
蒙版创造新世界
不可替代的抠图工具
在胶片时代，超现实主义艺术家用小刷子扫去胶片上的杂物，叠加到另外—胶片上，以此得到神奇的融合效果。Photoshop完美地保留了这独具创造力的功能——连小刷子的形象都保留了下来。今天我们只需要在Photoshop中点击添加图层蒙版添加按钮，就可以通过画笔工具的涂抹选择是否保留画面上的图像。调节画笔的大小和柔和边缘，可以方便地让边缘柔和，让上下图层完美融合。更重要的是，通过黑白的前景色与背景色，可以安全地返回已经抹掉的图像。通过一层一层的蒙版叠加，可以让超现实主义艺术家在不改变原图的情况下将各个元素天衣无缝地混合在一起。
不透明度掌控蒙版
图层蒙版的作用是帮助我们控制图层的局部显现。在用画笔工具进行边缘涂抹时，可以调整画笔的不透明度，控制图像的边缘，让其过渡更自然。另外还可以调整蒙版本身的不透明度调节画面效果，当过渡自然的多层蒙版相互叠加，就能创造出超现实的新世界。这张超现实主义作品由8张图片的组成，他们大多以蒙版的形式存在，通过不同的抠图方式、不同的透明度混合最终完成。
图层蒙版与橡皮擦的区别
蒙版是运用画笔工具对显现与隐藏进行控制，用画笔的黑白两色进行调节。同样的图层，使用橡皮擦工具同样能擦出画面多余的部分，效果一样，但是，是直接在图层上擦去，并无法恢复。
混合模式让想象无边
实色混合
将画面中颜色信息压缩为8种色彩，常用于对画面进行锐化操作的过程中。
颜色减淡
通过降低“对比度”使底色的颜色变亮来反映绘图色，和黑色混合没有变化。
划分
通过通道逐一分析颜色，用背景色分割混合图层中的颜色。
叠加
上图的颜色被叠加到底色上，但保留底色的高光和阴影部分。
变暗
取两个颜色中的暗色作为最终色。亮于底色的被替换，暗于底色的保持不变。
颜色加深
查看通道的颜色信息，通过增加“对比度”使底色的颜色变暗来反映绘图色。
深色
效果与变暗类似，但在混合时会选择散射通道中最低的通道值。
正片叠底将混合图层与下方图层中的内容混在一起，得到更暗的颜色。
27种混合模式各显神威
更改图层的混合模式，就随之改变了当前国层内容对下方画面的影响方式。也就是说在混合模式的帮助下，图层不再是单纯的一层一层地叠放在一起，而是通过不同的方式进行混合，得到更富创意的效果。Photoshop一共提供了27种图层混合模式，庞大的数量看似让人无从下手，但再多实验几次后就能发现规律。许多超现实主义艺术家都有惯用的混合模式，它的选择没有绝对性，更多的是取决于我们使用的照片组合以及期待达到的画面效果。在制作超现实主义作品时，使用不同元素与纹理的混合让人充满想象力，为了达到理想的效果，有必要多多进行尝试，往往会在尝试中发现惊喜。
混合模式好兄弟
无论是与图片本身、其他图片图层或颜色图层进行叠加，混合模式都会产生不同的效果。但除此之外，混合模式还能与国层蒙版进行混用，让混合模式效果作用于局部。还可以与用不透明度调整混用，调整混合模式效果的轻重，就可以让混合模式完全跟随自己的想象进行调整。
玩转炫酷效果
1
Knoll LightFactory
Knoll Light Factory从名字上就能看出是一款光效插件，而这款插件的效果几乎无所不能。
2
AV Bros Puzzle
制作拼图效果是这款插件唯一的功能，而这款插件的拼图效果也是丰富多彩，绝对让你百玩不厌。