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在音乐教育普及的当今社会，钢琴正作为大众乐器，越来越进入到普通家庭中，进而促使钢琴演奏教学日趋专业、系统化。可是，如火如荼的“学琴热”，一拥而上的“忙考级”，使得钢琴演奏成为—种公式化的学习模式。面对这一问题，我总结出了一些演奏钢琴音乐的步骤。
一、眼观——从乐谱中读出乐曲的情感
都说眼睛是心灵的窗户，当我们准备弹奏一首乐曲时，首先看到的就是这首音乐作品的曲名和乐谱上那上上下下的音符。此时，我们对音符在钢琴上弹奏的声音是陌生的，更不用说抓住乐曲的情感。怎样在触键之前就牢牢抓住乐曲的中心，需做好以下几项准备：
1.谱面记号需看清，音乐术语要知晓
钢琴是西洋乐器，因此，在钢琴音乐作品中，乐谱第一行的左上角，往往会标注英语、意大利语等等欧洲词汇的表情术语。可是，大多数练琴的人总会忽略音乐术语，直接从第一个音符开始弹奏，尤其是琴童，他们对外国的词汇并不熟悉，所以在练琴时，眼睛总是掠过除五线谱外的所有东西，久而久之，钢琴演奏就成了一种机械运动，所有乐曲只是单纯的音符变化，毫无美感，更别说弹出作品的风格，演绎自己的个性了。
在乐谱上的音乐术语中，如Largo(广板)、allegretto(小快板)等等，这些从幼儿初级教程《拜厄》中就频频出现的速度标记，是习琴之人必须知道的。就算对它的读音不是很准确，但当我们拿到乐谱，眼睛看到的时候，能很快知道它的中文意思，这是对全曲风格的把握，最起码是对乐曲速度的基本认识。进一步学琴后，乐曲难度加大，音乐术语不断变化，有的可能会出现从没见过的词汇，如Assez doux，mais d’une sonorite large(音色宽广并要非常柔美)，面对这一类比较难解释的词组，就更不能一扫而过了，抓住其中熟悉的词拼凑，或是借助工具书都是可行的。了解了意思，对谱面内容的第一印象就有了，算是和乐曲打了声招呼。音乐术语是整首乐曲的敲门砖，千万别把它遗忘忽略了。
2.连线乐句是呼吸，看音想画很重要
乐谱中总会出现不少的连音线，也有的会在一些练习曲左手伴奏部分的开头写下连奏的音乐术语。当我们看见这些长短不一的弧线时，可别把它单纯地看成连音线了。连音线构成的小乐句，其实是乐曲中的呼吸。就如同一篇文章的逗号、顿号，试想一下，没有抑扬顿挫的文章，是不能感动读者，成为一篇美文的。同样，音乐没有了呼吸就谈不上美感，也就更难体现乐曲的风格。音符是构成乐谱的字符，音符不但要弹，也要去看。看音符的走向，和声的变化，能把主旋律唱出来，简称视唱。视唱的时候最好是能把乐段连成故事，串成图画，这样一来，乐曲就有了它独一的故事。这一点，从幼儿练琴就可以很系统培养。比如幼儿钢琴手指练习的“天天练练”，用乐谱 上不同走向的音符，以简笔画的形式表达， 让人一眼就可以看到乐谱内容，也更有利于手指练习的模仿弹奏。
二、感受——在弹奏中体会作品的灵魂
音乐的内容，也就是音乐作品中情感的表达，是随音符流露出来的。感受音乐，是我们演奏音乐作品时必须完成的事情。文章的灵魂流露于字里行间，乐曲的灵魂就在于音符之中。
1.钢琴演奏的技巧训练
要想让弹奏出的钢琴作品优美动听又独具一格，娴熟的演奏技巧是完美演绎钢琴作品的关键。关于钢琴技巧的训练方法有很多种，大多数学习钢琴的人，第一课上的内容除了认识中央C的do，就是怎样使手自然落键的吊臂练习。只有使每个手指都能在琴键上站稳了，才能让手指自由轻巧地在琴键上跑动。
首先，身体部位的协调，是演奏钢琴音质的关键。弹奏钢琴时，身体要自然“放下”，手腕与手臂处于垂下的状态，而掌关节切勿松懈塌陷。掌关节是控制琴键的关键，钢琴声音细致的变化都需要掌关节的控制来完成。其次，手指跑动要灵活独立、规范地训练。指尖触键，无论强弱，都要集中，在做手指跑动练习时，力量要均衡，有颗粒性。再次，慢练是调节快速演奏的好方法。有时一首乐曲不但篇幅长而且速度快，长期快速练习，不但会手臂僵硬，指尖声音也不清晰。因此，慢练可以很好缓解“压力”，慢练之后再重新快速演奏，声音就变得清晰干净了。最后，技巧练习的时间要保证。
2.钢琴演奏的听觉训练
音乐是一门听觉的艺术，任何一首音乐作品的优劣都是通过听觉来鉴别的。很多学习钢琴的人在弹奏乐曲的过程中，很少去仔细“听”乐曲 ，这里说的“听”并不只是听音符弹得对与错，或者是音的高低，我们要学会听的，是用心去听，去体会旋律的走向，音的深浅。
我们又将如何用听觉寻找音乐作品的灵魂呢?首先，要听出旋律的线条，乐句呼吸。其次，左右手的声部要分开练习，以便更好地听辨旋律。钢琴作品中，除了大量的主调音乐外，还有许多的复调音乐。如果此时不分手练习的话，耳朵是很难分辨出不同旋律的。乐曲听起来就是破碎的，不完整的。用单独演奏的方法，先把每条旋律分辨清楚，合奏时就比较好处理声部与声部之间的关系。作曲家门德尔松曾经说过：“在真正的音乐中，充满了一千种心灵的感受，比言语好得多。”用心去感受音乐，才能在演奏中体会作品的灵魂。
三、理解——在历史背景中寻找作曲家的心境
不同的时代特点塑造了作曲家的个性，这种个性在作品中体现，也就形成了作品的风格。在《傅雷家书》中，傅雷对其子傅聪说：“你的确和莫扎特起了共鸣，你的脉搏跟他脉搏一致了，你的心跳和他同一节奏了，你活在他身上，他也活在你身上，所以你才会这样欣赏他，理解他。”可见，要很好地演奏出音乐作品，必须要与作曲家产生共鸣。
1.区分乐派，了解时代背景
钢琴艺术在欧洲音乐当中举足轻重，从巴洛克时期开始，还经历了古典时期、浪漫主义时期到20世纪之后近现代，有着300多年的历史。由于作曲家处于不同的时代，其音乐风格都有着时代的烙印，因此也形成了不同的乐派。在巴洛克时期的钢琴艺术中，由于受到钢琴本身的限制，所表现出的音响效果极具特色。乐曲风格如英国绅士，中规中矩，稳步前进。直到古典时期，钢琴开始得到改进，音域更宽广，表现力也更强。古典时期的作品要求弹奏时声音清晰，手指具有颗粒性，音与音之间不含糊。到近现代派的钢琴艺术就极具创新风格，还形成了新的印象主义乐派。这时的钢琴作品充满了想象的空间，具有朦胧气质，这就需要演奏者把握乐曲的空间性。
2.把握作品情绪，了解作者心境
钢琴作品所处时代的风格，是这一时期作品风格的大趋势，要更深地了解作品风格，还需了解作曲家当时的创作心境。比如，被誉为钢琴诗人的肖邦，他的祖国波兰当时正在遭到野蛮瓜分，因此，他的音乐作品充满了民族情感，《c小调革命练习曲》《波罗乃兹舞曲》都是他民族意识的表现。因此，在弹奏他的作品时，既要注意浪漫主义时期作品的特点，又要表现他作品独有的一种爱国情愫。对作曲家创作背景的了解，是对作曲家心境的感受，也是对作品风格的把握。
四、发挥——在深入了解后，彰显自己的个性
文学家林语堂在谈对艺术作品的理解时，就曾感言：“在艺术作品中，最富有意义的部分即技巧以外的个性。”因此，深入地诠释音乐，就应该把自己的个性融入作品的风格，从而形成独有的演奏“风格感”。
1.共性中的个性
每首音乐作品在创作时，就已经形成了它所蕴含的风格。我们弹奏的钢琴作品，从300年前巴洛克时期的音乐作品开始，每个时期的作品风格都是那个时期音乐作品的共性。可从创作出一首钢琴作品开始，就被无数的演奏者练习、演奏过，而一些经典曲目也会被不同的演奏家演奏，甚至发行了唱片。这也就是所说的，不同版本的演奏。尤其是当对所演奏的曲目非常熟悉时，就会发现，几位钢琴演奏家在弹奏同一作品时，处理方式完全不同，却仍可出色表达作曲家的创作意图。
同为20世纪之后的钢琴家，鲁宾斯坦和霍洛维兹，都擅长演奏浪漫主义时期的乐曲，可是演奏出的作品风格、演奏个性却大不相同。比如同样演奏《肖邦第一叙事曲》，出生于苏联的霍洛维兹用他特有的触键方式，厚实直接地进入乐曲，在音乐表达中又不失变化的层次，把叙事曲中平稳的情感宣泄了出来。而与作曲家肖邦同籍的鲁宾斯坦则不同，他在进入作品时并不是直接进入，而是更加委婉，把情绪揉进乐曲中，有一种欧洲绅士的高贵典雅。
2.发掘演奏的个性
优秀的钢琴演奏家之所以受到乐迷的欢迎，是因为在他演奏时彰显的个性，也就是其音乐魅力。赵晓生在《钢琴演奏之道》中说：“从第一个音符开始，就显示出他独特的个性和巨大的创造力。”可是，许多人在练习一首钢琴作品时，会把弹好乐曲的标准定义为：能弹得与听到的乐曲唱片相近，就弹好了乐曲。可是，这种演奏钢琴音乐的标准是不正确的。音乐是感性的，模仿的音乐作品不是艺术。音乐的魅力，就在于演奏者的个性表达。演奏时的个性表达，可以使钢琴音乐的魅力发挥到极致。◆(作者单位：江西师范大学音乐学院)
责任编辑：方 玉
一、眼观——从乐谱中读出乐曲的情感
都说眼睛是心灵的窗户，当我们准备弹奏一首乐曲时，首先看到的就是这首音乐作品的曲名和乐谱上那上上下下的音符。此时，我们对音符在钢琴上弹奏的声音是陌生的，更不用说抓住乐曲的情感。怎样在触键之前就牢牢抓住乐曲的中心，需做好以下几项准备：
1.谱面记号需看清，音乐术语要知晓
钢琴是西洋乐器，因此，在钢琴音乐作品中，乐谱第一行的左上角，往往会标注英语、意大利语等等欧洲词汇的表情术语。可是，大多数练琴的人总会忽略音乐术语，直接从第一个音符开始弹奏，尤其是琴童，他们对外国的词汇并不熟悉，所以在练琴时，眼睛总是掠过除五线谱外的所有东西，久而久之，钢琴演奏就成了一种机械运动，所有乐曲只是单纯的音符变化，毫无美感，更别说弹出作品的风格，演绎自己的个性了。
在乐谱上的音乐术语中，如Largo(广板)、allegretto(小快板)等等，这些从幼儿初级教程《拜厄》中就频频出现的速度标记，是习琴之人必须知道的。就算对它的读音不是很准确，但当我们拿到乐谱，眼睛看到的时候，能很快知道它的中文意思，这是对全曲风格的把握，最起码是对乐曲速度的基本认识。进一步学琴后，乐曲难度加大，音乐术语不断变化，有的可能会出现从没见过的词汇，如Assez doux，mais d’une sonorite large(音色宽广并要非常柔美)，面对这一类比较难解释的词组，就更不能一扫而过了，抓住其中熟悉的词拼凑，或是借助工具书都是可行的。了解了意思，对谱面内容的第一印象就有了，算是和乐曲打了声招呼。音乐术语是整首乐曲的敲门砖，千万别把它遗忘忽略了。
2.连线乐句是呼吸，看音想画很重要
乐谱中总会出现不少的连音线，也有的会在一些练习曲左手伴奏部分的开头写下连奏的音乐术语。当我们看见这些长短不一的弧线时，可别把它单纯地看成连音线了。连音线构成的小乐句，其实是乐曲中的呼吸。就如同一篇文章的逗号、顿号，试想一下，没有抑扬顿挫的文章，是不能感动读者，成为一篇美文的。同样，音乐没有了呼吸就谈不上美感，也就更难体现乐曲的风格。音符是构成乐谱的字符，音符不但要弹，也要去看。看音符的走向，和声的变化，能把主旋律唱出来，简称视唱。视唱的时候最好是能把乐段连成故事，串成图画，这样一来，乐曲就有了它独一的故事。这一点，从幼儿练琴就可以很系统培养。比如幼儿钢琴手指练习的“天天练练”，用乐谱 上不同走向的音符，以简笔画的形式表达， 让人一眼就可以看到乐谱内容，也更有利于手指练习的模仿弹奏。
二、感受——在弹奏中体会作品的灵魂
音乐的内容，也就是音乐作品中情感的表达，是随音符流露出来的。感受音乐，是我们演奏音乐作品时必须完成的事情。文章的灵魂流露于字里行间，乐曲的灵魂就在于音符之中。
1.钢琴演奏的技巧训练
要想让弹奏出的钢琴作品优美动听又独具一格，娴熟的演奏技巧是完美演绎钢琴作品的关键。关于钢琴技巧的训练方法有很多种，大多数学习钢琴的人，第一课上的内容除了认识中央C的do，就是怎样使手自然落键的吊臂练习。只有使每个手指都能在琴键上站稳了，才能让手指自由轻巧地在琴键上跑动。
首先，身体部位的协调，是演奏钢琴音质的关键。弹奏钢琴时，身体要自然“放下”，手腕与手臂处于垂下的状态，而掌关节切勿松懈塌陷。掌关节是控制琴键的关键，钢琴声音细致的变化都需要掌关节的控制来完成。其次，手指跑动要灵活独立、规范地训练。指尖触键，无论强弱，都要集中，在做手指跑动练习时，力量要均衡，有颗粒性。再次，慢练是调节快速演奏的好方法。有时一首乐曲不但篇幅长而且速度快，长期快速练习，不但会手臂僵硬，指尖声音也不清晰。因此，慢练可以很好缓解“压力”，慢练之后再重新快速演奏，声音就变得清晰干净了。最后，技巧练习的时间要保证。
2.钢琴演奏的听觉训练
音乐是一门听觉的艺术，任何一首音乐作品的优劣都是通过听觉来鉴别的。很多学习钢琴的人在弹奏乐曲的过程中，很少去仔细“听”乐曲 ，这里说的“听”并不只是听音符弹得对与错，或者是音的高低，我们要学会听的，是用心去听，去体会旋律的走向，音的深浅。
我们又将如何用听觉寻找音乐作品的灵魂呢?首先，要听出旋律的线条，乐句呼吸。其次，左右手的声部要分开练习，以便更好地听辨旋律。钢琴作品中，除了大量的主调音乐外，还有许多的复调音乐。如果此时不分手练习的话，耳朵是很难分辨出不同旋律的。乐曲听起来就是破碎的，不完整的。用单独演奏的方法，先把每条旋律分辨清楚，合奏时就比较好处理声部与声部之间的关系。作曲家门德尔松曾经说过：“在真正的音乐中，充满了一千种心灵的感受，比言语好得多。”用心去感受音乐，才能在演奏中体会作品的灵魂。
三、理解——在历史背景中寻找作曲家的心境
不同的时代特点塑造了作曲家的个性，这种个性在作品中体现，也就形成了作品的风格。在《傅雷家书》中，傅雷对其子傅聪说：“你的确和莫扎特起了共鸣，你的脉搏跟他脉搏一致了，你的心跳和他同一节奏了，你活在他身上，他也活在你身上，所以你才会这样欣赏他，理解他。”可见，要很好地演奏出音乐作品，必须要与作曲家产生共鸣。
1.区分乐派，了解时代背景
钢琴艺术在欧洲音乐当中举足轻重，从巴洛克时期开始，还经历了古典时期、浪漫主义时期到20世纪之后近现代，有着300多年的历史。由于作曲家处于不同的时代，其音乐风格都有着时代的烙印，因此也形成了不同的乐派。在巴洛克时期的钢琴艺术中，由于受到钢琴本身的限制，所表现出的音响效果极具特色。乐曲风格如英国绅士，中规中矩，稳步前进。直到古典时期，钢琴开始得到改进，音域更宽广，表现力也更强。古典时期的作品要求弹奏时声音清晰，手指具有颗粒性，音与音之间不含糊。到近现代派的钢琴艺术就极具创新风格，还形成了新的印象主义乐派。这时的钢琴作品充满了想象的空间，具有朦胧气质，这就需要演奏者把握乐曲的空间性。
2.把握作品情绪，了解作者心境
钢琴作品所处时代的风格，是这一时期作品风格的大趋势，要更深地了解作品风格，还需了解作曲家当时的创作心境。比如，被誉为钢琴诗人的肖邦，他的祖国波兰当时正在遭到野蛮瓜分，因此，他的音乐作品充满了民族情感，《c小调革命练习曲》《波罗乃兹舞曲》都是他民族意识的表现。因此，在弹奏他的作品时，既要注意浪漫主义时期作品的特点，又要表现他作品独有的一种爱国情愫。对作曲家创作背景的了解，是对作曲家心境的感受，也是对作品风格的把握。
四、发挥——在深入了解后，彰显自己的个性
文学家林语堂在谈对艺术作品的理解时，就曾感言：“在艺术作品中，最富有意义的部分即技巧以外的个性。”因此，深入地诠释音乐，就应该把自己的个性融入作品的风格，从而形成独有的演奏“风格感”。
1.共性中的个性
每首音乐作品在创作时，就已经形成了它所蕴含的风格。我们弹奏的钢琴作品，从300年前巴洛克时期的音乐作品开始，每个时期的作品风格都是那个时期音乐作品的共性。可从创作出一首钢琴作品开始，就被无数的演奏者练习、演奏过，而一些经典曲目也会被不同的演奏家演奏，甚至发行了唱片。这也就是所说的，不同版本的演奏。尤其是当对所演奏的曲目非常熟悉时，就会发现，几位钢琴演奏家在弹奏同一作品时，处理方式完全不同，却仍可出色表达作曲家的创作意图。
同为20世纪之后的钢琴家，鲁宾斯坦和霍洛维兹，都擅长演奏浪漫主义时期的乐曲，可是演奏出的作品风格、演奏个性却大不相同。比如同样演奏《肖邦第一叙事曲》，出生于苏联的霍洛维兹用他特有的触键方式，厚实直接地进入乐曲，在音乐表达中又不失变化的层次，把叙事曲中平稳的情感宣泄了出来。而与作曲家肖邦同籍的鲁宾斯坦则不同，他在进入作品时并不是直接进入，而是更加委婉，把情绪揉进乐曲中，有一种欧洲绅士的高贵典雅。
2.发掘演奏的个性
优秀的钢琴演奏家之所以受到乐迷的欢迎，是因为在他演奏时彰显的个性，也就是其音乐魅力。赵晓生在《钢琴演奏之道》中说：“从第一个音符开始，就显示出他独特的个性和巨大的创造力。”可是，许多人在练习一首钢琴作品时，会把弹好乐曲的标准定义为：能弹得与听到的乐曲唱片相近，就弹好了乐曲。可是，这种演奏钢琴音乐的标准是不正确的。音乐是感性的，模仿的音乐作品不是艺术。音乐的魅力，就在于演奏者的个性表达。演奏时的个性表达，可以使钢琴音乐的魅力发挥到极致。◆(作者单位：江西师范大学音乐学院)
责任编辑：方 玉