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【摘要】中西绘画是两种不同的绘画体系，中国画依附更多的是中国的传统文化底蕴，其审美思想、造型理念等都有着极强的民族性和地域性特征，如今中国画造型基础被西方绘画思想冲击，本文简析中国画造型基础所存在的问题，并提出相应对策建议来提高中国画造型基础的能力。
【关键词】中国画；造型基础；造型观念
中国画即国画，是中国特有的传统造型艺术，在世界美术领域中是独特的一个体系。国画的分类有人物、山水、界画、花卉等画科；有工笔、写意、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿、泼彩、淡彩等几种。中国画历经上千年的发展，已经越发成熟，现在传统的中国绘画已经融合西方绘画技巧，成为中国绘画的新代表，但是在造型基础方面还存在着不少的问题。
一、中国画造型基础
中国画造型首要基础是对毛笔的控制能力，毛笔是掌握中国画必不可少的工具之一。提高对毛笔的控制能力的最好方法是书法练习，在进行毛笔书法的练习中获得对于线条和结构的认识，在中国画的多个角度中都能看到书法的痕迹，因此学习好书法对于画好中国画是十分必要的。
中国绘画界中有一个观点是先写字再作画，这种观点很好地解释了书法在中国画中的地位，因为在练字的过程中，可以感受到中国画的规矩。在练习完书法之后，把书法的行笔和点画都以合适的方式用在画上，这样画就会立刻升华，这与在纸上单纯地画线感觉是不一样的。书法是开拓作品意境、探索墨韵情致的一种十分有效的手段。
第一，画家的书法并不是有意而为，是很自然而然地把书韵带进到自己所画的作品中去。书法临写的各种技巧融入到画里，画就自然而然的有“书味”，中国古代书画两者是合一的，也就是“书画同源”。中国画追求画的挥洒性，这需要很强的书法功力才能做到，中国画中，关于线的表现和启发都是从书法上来的。
第二，对白描勾线的理解能力。白描指不涂颜色，不画背景，只用墨线勾勒人和物的形象的画法，对白描的理解主要是它重在以形传神，不重形似而求神似。白描作品没有过多的风景描写，没有过长的人物对话，不抽象地描绘人物的心理，不琐碎地摹写人物的装饰，对话、心理、环境和服装都紧扣人物性格，绝对避免浮夸，要求简练，一切描写叙述都在显示着人物的个性，绝不模糊或遮蔽人物的形象。同时，从人物情节出发，找到最能表现其个性的行为特征。
第三，对颜色的敏感度。中国画对于颜色的要求也十分高，这就要求在进行中国画的绘画时要进行颜色的搭配，要求初学者学习各种颜色之间的相互搭配。中国画历史悠久，在漫长的传承之中形成了自己独特的颜色搭配体系，以及颜色的制作方法。在进行绘画时颜色运用的先后顺序，以及浓淡程度都很有可能影响到作画的神韵，中国画讲究神似，不止在写意画中，而且在工笔画中同样如此。工笔画的山水、花鸟等景物不止形似，栩栩如生，而且具有灵性。颜色的敏感度在一定程度上能够进行训练，但是在领悟上，有的人比较高，有的人比较低，学习起来有点困难。所以，在进行颜色敏感度上的训练，要尽早开始，弥补自身缺陷。
二、中国画的发展历史
中国绘画的历史可以追溯到原始社会时期，在原始社会时期中国的先人们就开始在岩壁墓室上进行简单的绘画，起到装饰的作用，但那时中国绘画的主要作用还是在祭祀上的运用。中国绘画的雏形在那时候形成，即使在原始社会时期，中国绘画的技术也不尽相同，有的在岩壁上进行创作，有的在龟甲之上进行。虽然在当时绘画的手法不是很成熟，但演变到后来的瓷器绘画，以及宣纸作画在世界的绘画史上都占有很重要的地位。
秦汉王朝是中国历史上最早建立中央集权制的封建王朝，在大秦王朝的统治下中国绘画艺术空前发展与繁荣。秦朝时期，大兴厚葬，中国墓葬文化的绘画在秦朝时期得到了空前的发展，其画风往往气魄宏大、形式多姿多彩。魏晋南北朝给佛教美术的兴起提供了有利的土壤，如甘肃麦积山石窟、敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画，与此同时中国画中的山水画、花鸟画也开始萌芽。
隋唐时，社会稳定，经济繁荣，对外交流活跃，中国画中民族风格日益成熟，也获得了较高的成就。五代两宋之后，中国绘画达到了鼎盛，在皇宫内有专门的画院进行招揽人才，宫廷绘画盛极一时，中国画的内容、形式、技法都出现了丰富多彩、多向发展的繁荣局面。
中国的绘画发展到元明清时期，其发展速度远超以前的任何绘画时期。元明清时期是中国绘画技法、题材都选定并且成型的时期，在这期间尤其以花鸟画、山水画最为著名。在这时期，文人们将注重入画合一，画品就是人品的体现，所以在这时期画什么画将决定你的人生。
中国的绘画是中国传统文化的一种，代表着中国传统文化最高的艺术水平。是中国文化的一笔取之不尽的精神财富，也是世界文化发展的重要组成部分。它是以中国传统的笔墨纸砚进行作画，绘画取材十分简便，作画也方便，是中国古代文人墨客最喜爱的一种休闲方式。
20世纪以来中国改革开放之后，中国的文化开始走出去，中国绘画成就有目共睹，中国的文化给西方文化造成了很大的冲击。同时，国外先进的文化也大量涌入到中国来，在这种时候想要故步自封地发展中国的绘画是不可能的，艺术交流使中国很多画家的绘画思想发生重大的转变，现在中国的绘画进入了多元并存、相互探索发展的阶段。
三、中国画的造型观念
第一，中国画造型与西画造型之比较。“造型”二字是所有绘画都离不开的，抽象的绘画也有“造型”问题。由于西方油画真实、准确的形象表现力，所以画家刘国松就把西方油画比作“镜子艺术”，镜子的影像就是对现实的真实反映。毛笔用来“写画”，就要考验画家对毛笔驱遣的熟练程度，用毛笔表现造型的概括性和丰富性。水墨表现物象的长处与局限性，由于宣纸水墨效果的偶然性，使中国画对造型的表现不可能像油画那样描绘得面面俱到，这看来是一种短处，但又是它的长处，由于它不能把物象表现得面面俱到，就要有所取舍和强调，因此中国画造型带有较强的主体意识。李可染先生把中国画的艺术特点总结为两点：深入、全面地认识生活；大胆的、高度的意匠加工，中国画造型与西画造型的不同之处，就是这种高度大胆的意匠加工。 第二，但求形似与不求形似。对形与神问题的认识，以中国画的传统观念来说，应该是突出“传神”；以一种辨证的思想理解，是“以形写神”，而以一种目标追求来理解是“形神兼备”。有时会出现对这个问题的片面性认识。“但求形似”的观点主张“只要形似，神似即在其中。”神是神态、神韵，画人物，人的神态表情、性格、精神气质都是“神”的问题。由于中国画家都是把花卉、植物、石头、禽乌、草虫当成人来画，因此也被赋予灵魂和精神生命，王肇民先生说“物当人画”，要把它们生动的姿态、表情和神韵表现出来，这些也都是“神”的问题。西画较为重视形的准确性、立体感、空间感以及光影表现、环境交待等，对神韵则不太重视，中国画也存在这些问题，如清代宫廷画家郎世宁原是西方油画家，他画的中国画，形体表现极佳，立体感很强，但不重视传神、神韵。形似与神似不成正比，平平淡淡画一张素描肖像，形较准但不一定传神，画一张漫画像，形不太准，但可能很传神，这是漫画家把对象的特征、神态抓住了，并加以夸张、强调的结果。这也是中国画的造型表现采用的方法，要有所强调、夸张，所以苏东坡提出了“论画以形似，见与儿童邻”的论点，这的确是精辟之见。以“形似”为标准品评一张画，这是外行人的通病和“俗眼”的见识。苏东坡的这句话，虽然对中国画重神韵、讲传神起到好的作用，对文人写意画的发展与成熟有催化与推动作用，但同时也有负面的影响，“传神可以遗形”或“不求形似”的论点，就常以此作为理论根据。文入画的一些糟粕如过分高简空虚、过分狂怪变形，或忽视造型能力的训练与提高等也都可以在这里找到根源。倪云林就曾提出：“……逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳。”这些都是片面的观点。
第三，妙在似与不似之间。齐白石先生有这样一句名言：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”“俗眼”的见识就是以神似品评一张画，太似难免有“媚俗”之嫌，而不似又是欺世，而且也自欺。怎样才能“似与不似之间”呢？用毛泽东同志的文艺思想来理解就是源于生活又高于生活。画家通过长期观察虾、青蛙、螃蟹、小鸡的形体、动态，经过一番笔墨概括，创造出一种既像又不太像的水墨虾、青蛙、螃蟹、小鸡的艺术形象。从生活中得来，有生活的真实，但它又比生活中的形象更完美、更有神韵，这是艺术的真实。“似与不似之间”又是中国画的表现方法所决定的，由于客观上物体不存在边线，只是面的过渡而已，而通过背景与物体之间的明暗互衬及色彩的冷暖对比才能表现出来物体的外轮廓，所以西洋画表现物体不强调边线，有人说传统的中国绘画具有一定的“抽象”因素，这的确是事实。“妙在似与不似之间”是一种最佳选择，也是中国画介乎抽象与具象之间的特殊性所决定。
四、中国画造型基础所存在的问题及原因分析
第一，中国现在的年轻人对于绘画的理解不深，书法的功底不够。书法的训练不是一朝一夕就能够完成的，中国画对于书法的要求尤其高。在信息化高速发展的今天，不要说是毛笔字，就是平常所用的钢笔字都有很大一部分人写不好，更不用提中国流传下来的毛笔字。在古代毛笔书法的训练是从小开始的，现在很多大学生都不一定会书写毛笔字，所以在现在年轻人所画的中国画中，虽然也能够画出一幅作品，但是他们画不出一幅经典作品，在他们的作品中没有中国画所独有的神韵，只是简简单单地完成一幅绘画作品。在中国画中可以看出作画者的人生理念、处世态度，以及他在这幅作品中所要传达给我们的信息，甚至是他对于这种物体的看法。
书法的理解主要靠自身的领悟，但是书法的功底就要靠绘画者勤奋练习。勤学苦练是练好书法的唯一途径，现代人没有古代人那样吃苦的精神，尤其是年轻人娇生惯养，吃不了练习书法的那种苦，只会羡慕别人的书法好。绘画中的书法是有神韵的，书法与绘画浑然一体，不分你我。现在，很多人的画只是形似，神不似，究其原因还是自身没有过硬的书法功底。
第二，古代的绘画拘于形式，没有变革。中国画的绘画在形式上过于僵硬，不能够很好地进行变通，所以在进行中国画的绘画时没有别具一格的题材，中国画的绘画题材也是固定的，不能够超出这个范围，超出这个范围的中国画就不能够算是真正意义上的中国画了。中国画的题材没有变化，所用的工具不能够变革，是中国绘画基础不能够很好发挥作用的重要障碍，作画基础没有变化，中国画就不可能有里程碑式的发展。“空白”处理手法的出现是中国绘画由写实变为写意的一次重大改革，但是写实、写意都是在固定的材料之上进行作画，不像西方的油画那样，材料多变，可以很好地接触到各个层面的人群，这为绘画的发展提供了丰富多彩的绘画灵感。
第三，外来文化对中国文化的冲击。这种冲击不仅仅表现在对绘画的技术上面，在很大程度上还影响到中国画家的思想。现在中国画的原始职能已经发生了转变，中国画由原来的皇室贵族才能欣赏，转变到后来，大部分老百姓都能欣赏中国画。中国画的批量生产，源于西方文化的冲击，中国现在很多的画家不是为了创作而创作，而是为了生存下去，为了经济利益来进行中国画的绘画，画家的思想开始发生改变。绘画不仅仅是一项艺术，现在变成了谋生的手段，画家不再注重画的质量以及画中所体现出来的神韵，仅仅重视画的经济价值，这使得很多画家只是会画画，而创作不出经典的绘画作品来的原因。现在的中国绘画中已经融入了西方的绘画技法，中国传统绘画的技法发生了改变，导致新一代的年轻人不能够很好地了解到中国画的精髓，对中国画的理解不够。现在信息技术发展十分迅速，青少年可以在网络上了解到中国的绘画，但是青少年没有经过严格的书法训练，不能作为中国画的主力军。文化的融合也不全都对中国绘画有害，在中国绘画中，其利用特殊视角来进行作画，但是对于透视等立体画的技术还远远不如西方。在中西方文化进行交流的同时，中国的绘画可以借鉴西方绘画中透视方法。另外，中国的绘画也为西方的绘画提供了宝贵的借鉴，中国绘画中的写意山水画、工笔画对于西方绘画中的素描研究以及抽象绘画有十分重要的意义。
五、对中国画造型基础存在问题的解决方法的对策和建议
中国画是中国文化中的重要一部分，其学习的基础就是中国的传统文化，中国画也是一门综合的艺术。在对中国画造型的探索和创作时我们应该继承和发展传统。在当今全球化的文化语境中，既不能坐井观天，又不能自闭自满，而要眼观六路、耳听八方，与整个世界文明保持一种不离不弃的相互观照性。要保持中国绘画的独特性，这就要求现在的中国画画家们要适应现在世界文化一体化的趋势，在中国画的基础之上借鉴西方先进的绘画技术。中国现在是一个开放的国家，正在逐渐变为文化的大熔炉，在这当中保持文化的独立性是一件十分困难的事情。中国画在吸收西方绘画色彩的运用方面，山水画取得了巨大的成功。中国绘画与西方绘画都是艺术的一种，中西方绘画之间应相互学习与借鉴，中国绘画积极借鉴西方绘画的技术，并使之协调而为我所用，是尤为难能可贵的。然纵览前辈们的探索历程，不难看出画家不断变革地追求意向，因此，在吸收和学习前辈们的经验的同时还要不断探索、研究中西绘画有机结合的理论、技法并能有所作为，为今后的探索者铺路搭桥。
六、中国画发展前景展望
中国画的发展有着自身的规律，必须遵循这个规律，当今世界是一个开放的大世界，在现在大变革时代，故步自封只能走向灭亡。中国画在漫长的历史发展中已经形成了自身的体系，但现在面临的西方绘画的冲击使得中国画也变得向西方绘画一样，这是十分危险的，当下的做法就是把西方绘画的精华融入到中国画中来，形成另一种全新的绘画体系，而不是随波逐流直接西方化，这一过程是十分漫长的，因此中国画发展的前景是美好的，但道路是曲折的。
【关键词】中国画；造型基础；造型观念
中国画即国画，是中国特有的传统造型艺术，在世界美术领域中是独特的一个体系。国画的分类有人物、山水、界画、花卉等画科；有工笔、写意、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿、泼彩、淡彩等几种。中国画历经上千年的发展，已经越发成熟，现在传统的中国绘画已经融合西方绘画技巧，成为中国绘画的新代表，但是在造型基础方面还存在着不少的问题。
一、中国画造型基础
中国画造型首要基础是对毛笔的控制能力，毛笔是掌握中国画必不可少的工具之一。提高对毛笔的控制能力的最好方法是书法练习，在进行毛笔书法的练习中获得对于线条和结构的认识，在中国画的多个角度中都能看到书法的痕迹，因此学习好书法对于画好中国画是十分必要的。
中国绘画界中有一个观点是先写字再作画，这种观点很好地解释了书法在中国画中的地位，因为在练字的过程中，可以感受到中国画的规矩。在练习完书法之后，把书法的行笔和点画都以合适的方式用在画上，这样画就会立刻升华，这与在纸上单纯地画线感觉是不一样的。书法是开拓作品意境、探索墨韵情致的一种十分有效的手段。
第一，画家的书法并不是有意而为，是很自然而然地把书韵带进到自己所画的作品中去。书法临写的各种技巧融入到画里，画就自然而然的有“书味”，中国古代书画两者是合一的，也就是“书画同源”。中国画追求画的挥洒性，这需要很强的书法功力才能做到，中国画中，关于线的表现和启发都是从书法上来的。
第二，对白描勾线的理解能力。白描指不涂颜色，不画背景，只用墨线勾勒人和物的形象的画法，对白描的理解主要是它重在以形传神，不重形似而求神似。白描作品没有过多的风景描写，没有过长的人物对话，不抽象地描绘人物的心理，不琐碎地摹写人物的装饰，对话、心理、环境和服装都紧扣人物性格，绝对避免浮夸，要求简练，一切描写叙述都在显示着人物的个性，绝不模糊或遮蔽人物的形象。同时，从人物情节出发，找到最能表现其个性的行为特征。
第三，对颜色的敏感度。中国画对于颜色的要求也十分高，这就要求在进行中国画的绘画时要进行颜色的搭配，要求初学者学习各种颜色之间的相互搭配。中国画历史悠久，在漫长的传承之中形成了自己独特的颜色搭配体系，以及颜色的制作方法。在进行绘画时颜色运用的先后顺序，以及浓淡程度都很有可能影响到作画的神韵，中国画讲究神似，不止在写意画中，而且在工笔画中同样如此。工笔画的山水、花鸟等景物不止形似，栩栩如生，而且具有灵性。颜色的敏感度在一定程度上能够进行训练，但是在领悟上，有的人比较高，有的人比较低，学习起来有点困难。所以，在进行颜色敏感度上的训练，要尽早开始，弥补自身缺陷。
二、中国画的发展历史
中国绘画的历史可以追溯到原始社会时期，在原始社会时期中国的先人们就开始在岩壁墓室上进行简单的绘画，起到装饰的作用，但那时中国绘画的主要作用还是在祭祀上的运用。中国绘画的雏形在那时候形成，即使在原始社会时期，中国绘画的技术也不尽相同，有的在岩壁上进行创作，有的在龟甲之上进行。虽然在当时绘画的手法不是很成熟，但演变到后来的瓷器绘画，以及宣纸作画在世界的绘画史上都占有很重要的地位。
秦汉王朝是中国历史上最早建立中央集权制的封建王朝，在大秦王朝的统治下中国绘画艺术空前发展与繁荣。秦朝时期，大兴厚葬，中国墓葬文化的绘画在秦朝时期得到了空前的发展，其画风往往气魄宏大、形式多姿多彩。魏晋南北朝给佛教美术的兴起提供了有利的土壤，如甘肃麦积山石窟、敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画，与此同时中国画中的山水画、花鸟画也开始萌芽。
隋唐时，社会稳定，经济繁荣，对外交流活跃，中国画中民族风格日益成熟，也获得了较高的成就。五代两宋之后，中国绘画达到了鼎盛，在皇宫内有专门的画院进行招揽人才，宫廷绘画盛极一时，中国画的内容、形式、技法都出现了丰富多彩、多向发展的繁荣局面。
中国的绘画发展到元明清时期，其发展速度远超以前的任何绘画时期。元明清时期是中国绘画技法、题材都选定并且成型的时期，在这期间尤其以花鸟画、山水画最为著名。在这时期，文人们将注重入画合一，画品就是人品的体现，所以在这时期画什么画将决定你的人生。
中国的绘画是中国传统文化的一种，代表着中国传统文化最高的艺术水平。是中国文化的一笔取之不尽的精神财富，也是世界文化发展的重要组成部分。它是以中国传统的笔墨纸砚进行作画，绘画取材十分简便，作画也方便，是中国古代文人墨客最喜爱的一种休闲方式。
20世纪以来中国改革开放之后，中国的文化开始走出去，中国绘画成就有目共睹，中国的文化给西方文化造成了很大的冲击。同时，国外先进的文化也大量涌入到中国来，在这种时候想要故步自封地发展中国的绘画是不可能的，艺术交流使中国很多画家的绘画思想发生重大的转变，现在中国的绘画进入了多元并存、相互探索发展的阶段。
三、中国画的造型观念
第一，中国画造型与西画造型之比较。“造型”二字是所有绘画都离不开的，抽象的绘画也有“造型”问题。由于西方油画真实、准确的形象表现力，所以画家刘国松就把西方油画比作“镜子艺术”，镜子的影像就是对现实的真实反映。毛笔用来“写画”，就要考验画家对毛笔驱遣的熟练程度，用毛笔表现造型的概括性和丰富性。水墨表现物象的长处与局限性，由于宣纸水墨效果的偶然性，使中国画对造型的表现不可能像油画那样描绘得面面俱到，这看来是一种短处，但又是它的长处，由于它不能把物象表现得面面俱到，就要有所取舍和强调，因此中国画造型带有较强的主体意识。李可染先生把中国画的艺术特点总结为两点：深入、全面地认识生活；大胆的、高度的意匠加工，中国画造型与西画造型的不同之处，就是这种高度大胆的意匠加工。 第二，但求形似与不求形似。对形与神问题的认识，以中国画的传统观念来说，应该是突出“传神”；以一种辨证的思想理解，是“以形写神”，而以一种目标追求来理解是“形神兼备”。有时会出现对这个问题的片面性认识。“但求形似”的观点主张“只要形似，神似即在其中。”神是神态、神韵，画人物，人的神态表情、性格、精神气质都是“神”的问题。由于中国画家都是把花卉、植物、石头、禽乌、草虫当成人来画，因此也被赋予灵魂和精神生命，王肇民先生说“物当人画”，要把它们生动的姿态、表情和神韵表现出来，这些也都是“神”的问题。西画较为重视形的准确性、立体感、空间感以及光影表现、环境交待等，对神韵则不太重视，中国画也存在这些问题，如清代宫廷画家郎世宁原是西方油画家，他画的中国画，形体表现极佳，立体感很强，但不重视传神、神韵。形似与神似不成正比，平平淡淡画一张素描肖像，形较准但不一定传神，画一张漫画像，形不太准，但可能很传神，这是漫画家把对象的特征、神态抓住了，并加以夸张、强调的结果。这也是中国画的造型表现采用的方法，要有所强调、夸张，所以苏东坡提出了“论画以形似，见与儿童邻”的论点，这的确是精辟之见。以“形似”为标准品评一张画，这是外行人的通病和“俗眼”的见识。苏东坡的这句话，虽然对中国画重神韵、讲传神起到好的作用，对文人写意画的发展与成熟有催化与推动作用，但同时也有负面的影响，“传神可以遗形”或“不求形似”的论点，就常以此作为理论根据。文入画的一些糟粕如过分高简空虚、过分狂怪变形，或忽视造型能力的训练与提高等也都可以在这里找到根源。倪云林就曾提出：“……逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳。”这些都是片面的观点。
第三，妙在似与不似之间。齐白石先生有这样一句名言：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”“俗眼”的见识就是以神似品评一张画，太似难免有“媚俗”之嫌，而不似又是欺世，而且也自欺。怎样才能“似与不似之间”呢？用毛泽东同志的文艺思想来理解就是源于生活又高于生活。画家通过长期观察虾、青蛙、螃蟹、小鸡的形体、动态，经过一番笔墨概括，创造出一种既像又不太像的水墨虾、青蛙、螃蟹、小鸡的艺术形象。从生活中得来，有生活的真实，但它又比生活中的形象更完美、更有神韵，这是艺术的真实。“似与不似之间”又是中国画的表现方法所决定的，由于客观上物体不存在边线，只是面的过渡而已，而通过背景与物体之间的明暗互衬及色彩的冷暖对比才能表现出来物体的外轮廓，所以西洋画表现物体不强调边线，有人说传统的中国绘画具有一定的“抽象”因素，这的确是事实。“妙在似与不似之间”是一种最佳选择，也是中国画介乎抽象与具象之间的特殊性所决定。
四、中国画造型基础所存在的问题及原因分析
第一，中国现在的年轻人对于绘画的理解不深，书法的功底不够。书法的训练不是一朝一夕就能够完成的，中国画对于书法的要求尤其高。在信息化高速发展的今天，不要说是毛笔字，就是平常所用的钢笔字都有很大一部分人写不好，更不用提中国流传下来的毛笔字。在古代毛笔书法的训练是从小开始的，现在很多大学生都不一定会书写毛笔字，所以在现在年轻人所画的中国画中，虽然也能够画出一幅作品，但是他们画不出一幅经典作品，在他们的作品中没有中国画所独有的神韵，只是简简单单地完成一幅绘画作品。在中国画中可以看出作画者的人生理念、处世态度，以及他在这幅作品中所要传达给我们的信息，甚至是他对于这种物体的看法。
书法的理解主要靠自身的领悟，但是书法的功底就要靠绘画者勤奋练习。勤学苦练是练好书法的唯一途径，现代人没有古代人那样吃苦的精神，尤其是年轻人娇生惯养，吃不了练习书法的那种苦，只会羡慕别人的书法好。绘画中的书法是有神韵的，书法与绘画浑然一体，不分你我。现在，很多人的画只是形似，神不似，究其原因还是自身没有过硬的书法功底。
第二，古代的绘画拘于形式，没有变革。中国画的绘画在形式上过于僵硬，不能够很好地进行变通，所以在进行中国画的绘画时没有别具一格的题材，中国画的绘画题材也是固定的，不能够超出这个范围，超出这个范围的中国画就不能够算是真正意义上的中国画了。中国画的题材没有变化，所用的工具不能够变革，是中国绘画基础不能够很好发挥作用的重要障碍，作画基础没有变化，中国画就不可能有里程碑式的发展。“空白”处理手法的出现是中国绘画由写实变为写意的一次重大改革，但是写实、写意都是在固定的材料之上进行作画，不像西方的油画那样，材料多变，可以很好地接触到各个层面的人群，这为绘画的发展提供了丰富多彩的绘画灵感。
第三，外来文化对中国文化的冲击。这种冲击不仅仅表现在对绘画的技术上面，在很大程度上还影响到中国画家的思想。现在中国画的原始职能已经发生了转变，中国画由原来的皇室贵族才能欣赏，转变到后来，大部分老百姓都能欣赏中国画。中国画的批量生产，源于西方文化的冲击，中国现在很多的画家不是为了创作而创作，而是为了生存下去，为了经济利益来进行中国画的绘画，画家的思想开始发生改变。绘画不仅仅是一项艺术，现在变成了谋生的手段，画家不再注重画的质量以及画中所体现出来的神韵，仅仅重视画的经济价值，这使得很多画家只是会画画，而创作不出经典的绘画作品来的原因。现在的中国绘画中已经融入了西方的绘画技法，中国传统绘画的技法发生了改变，导致新一代的年轻人不能够很好地了解到中国画的精髓，对中国画的理解不够。现在信息技术发展十分迅速，青少年可以在网络上了解到中国的绘画，但是青少年没有经过严格的书法训练，不能作为中国画的主力军。文化的融合也不全都对中国绘画有害，在中国绘画中，其利用特殊视角来进行作画，但是对于透视等立体画的技术还远远不如西方。在中西方文化进行交流的同时，中国的绘画可以借鉴西方绘画中透视方法。另外，中国的绘画也为西方的绘画提供了宝贵的借鉴，中国绘画中的写意山水画、工笔画对于西方绘画中的素描研究以及抽象绘画有十分重要的意义。
五、对中国画造型基础存在问题的解决方法的对策和建议
中国画是中国文化中的重要一部分，其学习的基础就是中国的传统文化，中国画也是一门综合的艺术。在对中国画造型的探索和创作时我们应该继承和发展传统。在当今全球化的文化语境中，既不能坐井观天，又不能自闭自满，而要眼观六路、耳听八方，与整个世界文明保持一种不离不弃的相互观照性。要保持中国绘画的独特性，这就要求现在的中国画画家们要适应现在世界文化一体化的趋势，在中国画的基础之上借鉴西方先进的绘画技术。中国现在是一个开放的国家，正在逐渐变为文化的大熔炉，在这当中保持文化的独立性是一件十分困难的事情。中国画在吸收西方绘画色彩的运用方面，山水画取得了巨大的成功。中国绘画与西方绘画都是艺术的一种，中西方绘画之间应相互学习与借鉴，中国绘画积极借鉴西方绘画的技术，并使之协调而为我所用，是尤为难能可贵的。然纵览前辈们的探索历程，不难看出画家不断变革地追求意向，因此，在吸收和学习前辈们的经验的同时还要不断探索、研究中西绘画有机结合的理论、技法并能有所作为，为今后的探索者铺路搭桥。
六、中国画发展前景展望
中国画的发展有着自身的规律，必须遵循这个规律，当今世界是一个开放的大世界，在现在大变革时代，故步自封只能走向灭亡。中国画在漫长的历史发展中已经形成了自身的体系，但现在面临的西方绘画的冲击使得中国画也变得向西方绘画一样，这是十分危险的，当下的做法就是把西方绘画的精华融入到中国画中来，形成另一种全新的绘画体系，而不是随波逐流直接西方化，这一过程是十分漫长的，因此中国画发展的前景是美好的，但道路是曲折的。