“师法自然”乃中国画创作之源泉，无论山水、人物、花鸟都应以自然为师。而一定意义上说，从事花鸟画创作，更应该追求生动自然的气息。
　　自然气息的得来，缘自作者仔细观察描写对象，认真揣摹，反复探索，进而率意表现大千世界的各种物象。
　　花鸟画基本技法，每个画家都能摸索出适合自己的有效方法。但掌握了基本技法，不一定就能创作出充满生命力的绘画作品。人们经常看到有些画家的作品出现雷同现象──说白了，就是简单重复。而花鸟画创作最忌讳的就是重复。有位哲人说过，大自然是最丰富多彩的，即便同一棵树上也绝不会出现完全相同的两片树叶。如果你创作的花鸟画作品，始终花是这花，叶还是那叶，点缀画面的禽鸟虫鱼也千篇一律，那就让人看腻了。
　　为何出现这种状况？说到底在于作者观察自然不仔细，只抓住了“主要的”、“显眼的”，忽视了“次要的”、“不在意的”。殊不知，大自然是多姿多彩且变幻无穷的。只有把大自然的万千气象生动展示，才能创作出带有自然气息的作品，而只有洋溢着自然气息的作品，才是最具有生命力的。
　　荷兰油画家凡高从事艺术创作，最善于从自然环境中捕捉普通的东西作画，比如他画向日葵、鸢尾花，这些素材很平常，可他一旦倾心创作就成为经典作品。他创作的《向日葵》，驰誉世界，被美术院校引为经典教学范画。其描画对象仅是普通的葵杆、葵叶及葵花饼子，但是他画得非常自然，有自己独特的色彩语言。而创作《鸢尾花》，他画丛生的蓝色、白色鸢尾花，尽力展示花的多样性，既画近景的红土地，也画远景的其他花卉乃至杂草，其创作的画面，仿佛是从某个角度截取了花圃的一部分，这就给人真实自然的感觉，所以他创作的《鸢尾花》被人们视为生动表现自然的杰作。
　　正因为如此，我们创作花鸟画，同样应该注重画面的自然气息。无论创作形体高大的松竹梅题材，还是画普通的花卉植物，乃至禽鸟虫鱼，都要把描绘对象置于最自然的气息之中，而这种自然气息，很多情况下是通过不被人重视的普通形象来表现的。
　　普通形象不是画面的主体，有时只是一种衬托，但这种衬托不是可有可无的，而是一种“粘合剂”，没有它，画面就不生动，就没有自然界万物和谐相生的气息。有些画面除主体之外，客观上也离不开 “草”的铺垫与揉合，因此必须画草。正所谓“草乃大地之魂”。只要有土地有水存在，就会出现各种各样的“草”，再高贵的植物也离不开“草”的伴生烘托。这是大千世界中最普遍的自然现象。但画家怎样在画面上表现“草”的存在，进而赋予画面的自然气息，却是很见功力的。
　　中国历史上许多杰出画家在着力表现绘画主体的同时，也非常注重“草”的自然要素。北宋著名画家赵昌擅画瓜果、花鸟，笔迹柔美，设色艳丽，多作折枝花，兼工草虫。他画的《写生蛱蝶图》被誉为“中国最美的100幅传世名画”之一。画的上部三只彩蝶在晴空翩翩飞舞；下部则画野菊、霜叶、荆棘，最传神的是画了两枝偃伏的芦苇穿插其间，非常逼真动人，充分展现了秋天野外的情趣。此画流入宫廷后被历代皇帝珍藏鉴赏。元仁宗、清乾隆和嘉庆帝均盖有收藏印，明代董其昌还在画面上题跋。可见画“草”在中国古代就被画家们视为表现自然的重要组成部分。
　　这充分说明，创作花鸟画，营造画面效果不能仅靠司空见惯的梅兰竹菊乃至翎毛虫鱼等主要画材，而应在展现自然的多样性上画好各种“草”的形态。中华大地无花不秀，无草不幽，芦苇、菖蒲、狼尾巴草等，都可以在画面上勾勒、渲染，恰到好处地铺垫主体画材在自然状态中的和谐共生的状况，这样才能产生美的境界。当然，有时也可以干脆以草为题材，大力铺展草的柔和美、自然美与意态美，在此基础上再将翎毛、虫鱼点缀到恰当位置。这一类创作，白石老人做过许多有益的尝试，他的许多作品都给人以强烈的震撼。
　　可以肯定，画面上的“自然”来自作者的善于观察自然。历史上赵昌作画之前“常在凌晨朝露未干时绕花栏对花反复凝视玩赏，观察体会花朵的娇美”。我们从事花鸟画创作，也应将各种花卉的自然形态作为自己仔细观摹的对象，在笔下反复写生，进而熟能生巧地挥洒出令人赏心悦目的笔意。作为花鸟画的常用题材，梅、兰、竹、菊或山茶、海棠、牡丹、荷花等等，都要画得得心应手，力求进入“自由王国”，这样才能真正画出前人没有画出的境界。
　　我喜欢画芦苇。2009年秋天，我以芦苇为题材，创作了一幅180cm×180cm冠名《霜晨清梦》的作品。画面上万杆芦苇在霜后清晨摇曳生姿，那团团蔟蔟的芦花，沾着初霜浓浓密密的苇叶，在淡淡的晨曦中给人如梦似幻的感觉。画面中心位置则以兼工带写技法画了三只享受清晨宁静的小鸟，让人觉得漫无边际的芦苇荡是鸟儿最舒适的家园。
　　霜后芦苇可以表现，雪后芦苇同样能画得令人喜爱。2011年，我创作了一幅名为《初雪》的作品，画面上顶天立地的芦苇全蒙上洁白如银的雪霁，芦苇的茎杆、花絮与叶片轮廓分明地显现，三只小鸟或鸣叫、或疏理自己的羽毛，幽逸自在，通篇银白素洁，美不胜收。
　　除了画芦苇，我还画菖蒲。我的家乡在江淮东部地区，那儿多水网地带，水生植物丰富。时至今日，无论我走到哪儿，总记得童年时代用菖蒲熏蚊子的情景。每年端午节，菖蒲还被家乡父老用来和艾草一起祭祀祖先。因此，我喜欢画菖蒲，并力求画出它的灵性，因为菖蒲是湿地之魂。我创作的《华泽玉露》，画面上笼着蓝色的光晕，菖蒲水草丛生，一只红蜻蜓幽灵似的停在叶尖上，整个画面静谧和谐，让人觉得好像走进了童话世界。
　　有了画“草”的丰厚素养，创作各类花鸟题材作品时就有了“粘合剂”。在画出主体素材后，为避免画面空洞，画材与画材之间不连贯，有时或许还有笔误，我就用草来揉合修饰。我画的“草”恰恰起到转承联接的奇妙作用，让画材与画材之间自然过渡，通气连贯，即便偶有笔误，随手撇几笔姿态各异的草，即能重焕生机。
　　有人或许以为画“草”不是什么真本事，殊不知要将芦苇、菖蒲、狼尾巴草入画还真得有点画外的基本功。几年前我去甘肃，到了嘉峪关那儿，许多人都在关楼附近滞留，而我则被远处沙漠里的大片大片的芦苇吸引住了，我走过去，那里没有水，芦苇一片金黄，四周静寂无声，我惊叹芦苇的生命力，被那种奇妙的自然风光迷住了，一头钻进芦苇丛，反复品鉴欣赏眼前的芦苇，细细观察塞上芦苇与江南芦苇的区别，直看得心里有了底才作罢，回来后特意用笔墨反复探索表现芦苇的各式姿态，一笔一笔画，笔笔有新意，直到心中的芦苇跃然纸上。
　　深谙画道的人都明白，只有把各种花卉正常入画的题材都画遍了，再不断拓展新的题材，加强观察，加强写生，及时实现笔墨转换，才能真的进入“自由王国”，才能给自己的创作不断增加难能可贵的自然气息。
　　宋代画家赵昌引“草”入画，具有深刻的创作革新理念。我们也应该顺应创作规律引“草”入画，在画面的自然气息上多下功夫，这样才能创作出不负时代的好的花鸟画作品。