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【摘要】艺术演出作为文化行业、服务行业和精神文明建设的重要内容，既是滋润心灵、凝聚人心的佳酿，也必将是未来产业结构中重要的组成部分。而舞台摄影在其中有着重要的位置。
【关键词】舞台；摄影；艺术演出；精神文章建设
【中图分类号】J415 【文献标识码】A 【文章编号】1007-4198（2021）05-181-03
【本文著录格式】万玉朝.论舞台摄影[J].中国民族博览，2021，03（05）：181-183.
舞台摄影是摄影艺术的一个门类，它是通过摄影的手段把舞台上艺术造型生动且完美的瞬间以影像的形式定格记录下来，表现出来的一种艺术二次创作形式。它将一些优美的、富有代表性及深刻意义的舞台艺术表演生动而完美地呈现出来。按表现形式可以分为：（1）舞台纪实；（2）舞台艺术；（3）舞台剧照。它的艺术价值是可以同舞台演出作品本身的艺术价值相媲美。摄影作品是经过摄影师自身的艺术理念去芜取精，去伪存真，附之以摄影技巧处理和再创作，完成得到的艺术升华了的成功之作。舞台摄影与其它摄影形式一样，不是件容易的事。舞台摄影并非是将正在进行演出的内容简单、机械地记录，而是摄影师面对现场演出，通过自己敏捷的形象思维、审美观点和创作经验，运用多种摄影艺术手段进行再创作。舞台摄影作品的优劣与摄影者自身艺术修养、欣赏能力以及对舞台作品的理解、熟知程度、临场经验等有着相当重要的关系。因此，舞台摄影是一门对舞台演出作品进行再创作的艺术表现形式。对摄影师的要求很高，具体如下：
一、需具备良好的文化艺术素养
要想拍好舞台剧照，平日里就要了解和学习音乐、舞蹈、戏剧、戏曲、美术等诸多艺术门类的知识，不断地丰富自己的文化修养，做大量的知识储备。在拍摄时，要熟练掌握手中的摄影器材，发挥它们的最大功能，更重要的是充分把握现场光效、构图、色彩等各种因素，凭借自己对艺术的感知和理论的积累去工作。摄影首先是一种记录，取景窗里出现的是舞台的真实景象。当然，要比一般观众的视角更丰富、更独特、更具想象空间。摄影师需靠敏锐的反应，抓住瞬间即逝的舞台气氛和演员的面部表情及形体动作，在进一步掌握舞台摄影技术的同时，务必注重增强自身艺术修养，只有善于思考和大胆创新，找到属于自己的摄影语言，才能拍摄出更加完美的舞台摄影作品。
二、需具备强健的体魄
作为舞台摄影师拍摄每一场演出时都要从始至终密切关注舞台上演员的一举一动、一颦一笑，眼睛不离开取景器，手在快门上随时准备。特别是拍摄舞蹈演出，应该是非常能检验摄影师全面素养和水平的，因为拍摄舞蹈演员跳跃的最佳时机是跳到最高点即将下落的一瞬间按下快门，能拍到一张情绪饱满，舞姿优美的照片是非常不容易的，这里凝结着摄影师辛勤的努力与汗水。他要全神贯注密切关注取景器中舞动的舞者，判断她即将起跳的点，捕捉她最动人、最精彩的瞬间。优秀的舞台摄影师如同出色的狙击手一样，总能“一枪毙命”，即：在舞者跳跃到最高点的一瞬间，按下相机快门。由于演出期间一刻都不能偷懒走神，所以一场舞蹈演出拍摄下来是精神与体力的高度付出。没有平日积累的舞蹈专业知识，没有强健的身体做保障，出色地完成拍摄任务是不可能的。
三、拍摄之前的准备
舞台摄影不同于人物摄影和风景摄影，受限于舞台场地的大小，给摄影师增加很大的难度。因此，摄影师需要在拍摄前做大量准备工作：
（一）及时了解舞台演出场馆的大小、位置以及节目演出顺序，这样便于把握好大体拍摄节奏和重要的拍摄时间节点。
（二）机位的选择。理想的机位高度应是与舞台上演员胸部在一个水平线上的7排、8排位置。这两排一般也是剧场内最好的位置。但正式演出时摄影师是不可能在这个位置来进行拍摄的，只能在没有正式演出前合光走台时，在此位置抓住时机拍摄一些这个角度和高度的剧照。1排是可以拍到清晰地特写照片，只是角度太仰，拍不到站在第一排演员后面的演员，只有在演员数量不多的情况时或是一个歌手的演唱会拍特写时才会选择一排。当然要在歌手拿麦克风的反方向。大部分时间摄影师都是在剧院的最后一排进行拍摄，特别是商业演出的时候，剧场方是不会同意摄影师去观众席里拍摄的，担心会干扰到观众。在最后一排拍摄机位有些俯拍的效果，比较适合拍摄宏大的场面，可以拍到舞台上后面几排的演员，使画面有立体感和纵深感。比如：交響乐、民乐演奏、大型舞蹈场面。总之， 距离近拍摄加强了透视感；机位高拍摄提高了层次感；使用短焦距拍摄增加了景深感。
（三）根据舞台、剧场摄影条件对所需的摄影设备进行有针对性的选择。
（四）舞台摄影中，首先要了解不同类型的艺术表演的规律和特点，要了解所拍摄节目的剧情，提前做好功课。其次要了解主要“角色”在重要位置所构成的代表性场景，制定相应的拍摄方案。一定要花费大量的时间做前期准备工作，尽可能多地了解节目的内容、研究主题意境、掌握人物的背景资料、熟悉情节走向和表演形态，感知它的特色之处；在大量相关的信息中过滤筛选，初步确立节目拍摄中的几个重点位置，若是长的节目，则根据剧情发展和人物情绪变化，预设情节点和情绪点，事先做好准备，适时抓住时机拍摄；若是短节目，则根据对节目的了解，在几个动作点等待时机拍摄，其它时间用来调整机位变换角度。这些对舞台摄影技巧的准确把握、对舞台摄影优势的充分发挥和摄影师创作能力的体现起到重要的促进作用。
四、拍摄设备
（一）镜头
一个光圈F1.4或F1.8的50mm镜头、一个24mm -70mm恒定F2.8镜头、一个70mm -200mm恒定F2.8光圈的长焦镜头，甚至100-400mm之上的长焦距镜头都是必须的装备。长焦距镜头比广角镜头和标准镜头更需要光。在演唱会中，通常都是手持相机的，但在话剧、舞蹈、音乐剧等剧院内演出一般都是要放在三脚架上拍摄的。演出场地一般灯光条件比较暗，专业的镀膜镜头很有用，可以抗炫光。恒定大光圈的镜头及具有减震系统的镜头是必须的。 （二）相机
舞台摄影对照相机的测光系统、对焦系统和连拍功能要求很高，一定是全画幅连拍功能强大的单反数码相机。所谓：工欲善其事，必先利其器。随着科技日新月异地发展，当前佳能R6相机可以在-6.5EV的黑暗环境下轻松完成对焦。大多数照相机普遍都能达到-3EV的对焦水平。照相机对焦系统在佳能R5、R6、索尼A7-3以上机身均实现了眼控对焦和全区域对焦点选择，快门连拍能力达到几张、十几张/每秒。高感光降噪能力大幅度提高。舞台摄影师拍摄主要靠抓拍，很少有时间去思考构图和快门光圈组合。为了不错过佳作，碰到好的画面，会使用连拍功能多拍几张，增加拍出满意作品的概率。在舞台摄影实践中，拍出一张优秀的作品通常是十里挑一，甚至百里挑一，摄影师的现场艺术感觉越强，对摄影技术的理解和掌握越熟练，拍出好作品的概率也越高。
（三）三脚架
虽然舞台上灯光色彩绚丽，但往往是明度较低，在商业演出时，为了不影响观众，摄影师一般都是站在最后一排用400mm以上镜头拍摄演出的特写画面，此时三脚架是必不可少的。为拍摄动静相宜的画面使用1/50秒甚至更慢的快门速度拍摄，更离不开三脚架的使用。总之，为保证画面的清晰度摄影师是离不开三脚架的。
（四）存储卡
舞台摄影的特点是摄影师由于大量使用连拍功能及一般存储大RAW格式 小JPEG格式，需要具备高速读写能力的存储卡。目前最新的CFexpress存储卡，读卡速度可以达到1950MB/秒，写卡速度达1450MB/秒。普通的SD存储卡也可以轻松达到170MB/秒高速的存储速度。容量64G乃至256G存储卡的使用已经非常普遍。拍摄时存储速度太慢、停顿、死机这些遭摄影师诟病的毛病随着科技水平的提高和发展已经有效地得到了解决。
五、合适的曝光
（一）测光
我以为舞台摄影最重要的就是测光。变幻莫测、飘忽不定的光线，特别是近年来LED大屏幕的广泛使用，使得舞台上的光线更加复杂多样。LED大屏幕播放视频时，亮度忽明忽暗，有时甚至比前面演员的面部都亮。在这样光比巨大的环境下，拍出一张曝光正确的照片是困难的，此刻摄影师用闪关灯平衡光比的方法是不现实的，也是不许可的。因此，使用中央重点测光或局部测光的模式并结合光圈优先或快门优先等自动曝光功能，配合加减曝光补偿功能的使用，能免去频繁地测量、调整曝光组合的工作，因而可以极大地提高拍摄成功率。当然为了避免失误，在时间许可的情况下采用包围曝光的方式来拍摄，从中选取曝光相对准确地画面也不失为一个好方法。对于经验丰富的舞台摄影师来讲，都是凭经验手动设定曝光值来人为控制曝光的。
（二）光圈
光圈是控制景深的，由于现场光线一般比较暗，所以在拍摄特写的大部分时间段都是运用镜头的最大光圈F2.8，当然如果是场面比较大的群舞，则必须兼顾到景深的缘故减小光圈至少到F5.6之下，甚至F8均可。
（三）感光度
为中长焦镜头所需的“安全”快门速度，ISO设定800至3200甚至更高。虽然摄影教科书中的理论ISO（感光度）越低越好，但ISO（感光度）的高低要依据艺术创作的需求，不是颗粒大就不好。随着照相机技术的不断提高，高ISO（感光度）的照片反而比低感光度照片的宽容度要高。在过去很长的时间里舞台摄影师都受困于高ISO噪点影响，不能不敢提高感光度，以至影响快门速度的提高，所以拍不出清晰、动感比较大的舞蹈影像。近年来随着相机技术革命性地改进和提高， ISO在4000以下的噪点是完全可以接受的，从而大大提高了快门的速度，摄影师可以从容地来定格飞速舞动跳跃的舞蹈演员的优美身姿。
（四）白平衡
大多数场合使用自动白平衡是最好的选择，因为在后期都是可以调整好的。因为白平衡没有一个唯一标准，它是摄影师营造照片画面色调非常重要的一环。但对于摄影师比较熟悉的剧场环境，灯光色温情况也了然于心，是可以手动设定白平衡数值的。比如我团的安源演播厅我会将色温手动设定为3200K。当前舞台一般多使用白炽灯或聚光灯照明，新的灯光色温普遍较高，不同的剧场相差很大。因此要选择相应的白平衡模式。白平衡使用不当，也会减弱现场感，甚至会改变画面的色彩表现。拍摄RAW格式为后期调整白平衡提供了丰富的选择。随着Photoshop软件的不断更新，特别是Camera Raw插件的使用，使得后期调整白平衡的工作变得相对简单了。我的经验是：将图片放大到300%甚至更大后，使用插件中的色温笔点击人物的眼白处，或点击画面中银灰色的麦克风，或找到画面中有18度灰色的地方，大多都能校正色温白平衡。色温白平衡没有绝对，只是相对地调整。有时为保留演唱会现场的效果会刻意保留偏色的画面。
（五）快门速度
保证所需的快门速度，对于拍出好的作品是至关重要的。对于照明条件非常好的演出，如戏曲、综艺晚会和一些供现场直播的晚会，即使没有三脚架和独脚架，手持也是可以拍出清晰地、曝光正确的画面，但拍摄舞蹈跳跃动作时快门速度应设定在1/500之上。在照明条件足够的情况下，我的经验是首先满足速度的要求，其次是光圈、最后是ISO（感光度）。光圈、快门、ISO（感光度）三者之间是辩证的关系互相起作用，一幅完美作品的诞生是摄影师熟练地把握好这三者关系的结果。拍出动静相宜、虚实适当的照片是舞台摄影师的最高追求和完美的境界。
六、情緒的表达
在演出的拍摄中要让自己的情绪融入到节目意境和现场气氛中，调动起兴奋神经，让自己的情绪随着节目走，跟上音乐的韵律和表演的节奏，高度集中地注视着表演者的形态，抓住瞬间即逝的典型动作，记录下精彩的瞬间。在这里，情感因素起着很重要的作用，把情感集中在拍摄中，作品才会有灵气。当然，作为摄影师完全忘我地融入情景是不可能的，必须在感性和理性中把握自己，跳进跳出才能完成创作任务。从取景窗里观察，熟悉的舞台会展现出一种不同的浪漫情绪和灵动的美感，因为剧照是与表演同时完成的再创作过程，摄影是有韵律的，这个韵律随着舞台气氛的变化而变化，随演员情绪和表演节奏的变化而变化。让欣赏者从一系列剧照中感受舞台的气氛，欣赏表演者的视觉美感，体会到演出现场的韵律，甚至想象出摄影师在创作时的亢奋状态。作为将舞台上的美好动态瞬间定格成静态的艺术手段，舞台摄影如何用凝固的画面反应出舞台表演者的情感， 是每一位舞台摄影师的追求。
七、舞台摄影具备独特的艺术性
舞台摄影除强调情绪和意境外，还应强调画面的独特性，舞台摄影比较难的是在短时间内对演员和舞台的空间位置、关系构图和角度地把握，使画面形成视觉张力，凸显演员的神韵和瞬间姿态。而对表演主题与舞台空间位置的合理调度，除了摆拍；摄影师是不能调度演员和舞台的，只能调整自己，使画面形成一种独特的、自己想要的效果。当然躲避或利用舞台背景和道具、构图中注意建构人物关系、巧妙利用舞台光效等都是舞台摄影师随时要考虑的问题。
总之，要拍出一张有特点的好作品，平日里要加强艺术理论的学习和积累，广泛涉猎各个艺术领域，如：美术、雕塑、音乐等，积累摄影师的文化底蕴；还要非常熟悉了解自己手中相机各个功能健的位置，做到烂熟于心，即使闭眼摸黑的情况下也能迅速按需调整各功能到位；在现场拍摄时必须注重典型性瞬间的选择和捕捉，重点突出现场的气氛和人物情感，这些都需要摄影师在今后的拍摄中细心观察、不断地摸索、总结规律。
【关键词】舞台；摄影；艺术演出；精神文章建设
【中图分类号】J415 【文献标识码】A 【文章编号】1007-4198（2021）05-181-03
【本文著录格式】万玉朝.论舞台摄影[J].中国民族博览，2021，03（05）：181-183.
舞台摄影是摄影艺术的一个门类，它是通过摄影的手段把舞台上艺术造型生动且完美的瞬间以影像的形式定格记录下来，表现出来的一种艺术二次创作形式。它将一些优美的、富有代表性及深刻意义的舞台艺术表演生动而完美地呈现出来。按表现形式可以分为：（1）舞台纪实；（2）舞台艺术；（3）舞台剧照。它的艺术价值是可以同舞台演出作品本身的艺术价值相媲美。摄影作品是经过摄影师自身的艺术理念去芜取精，去伪存真，附之以摄影技巧处理和再创作，完成得到的艺术升华了的成功之作。舞台摄影与其它摄影形式一样，不是件容易的事。舞台摄影并非是将正在进行演出的内容简单、机械地记录，而是摄影师面对现场演出，通过自己敏捷的形象思维、审美观点和创作经验，运用多种摄影艺术手段进行再创作。舞台摄影作品的优劣与摄影者自身艺术修养、欣赏能力以及对舞台作品的理解、熟知程度、临场经验等有着相当重要的关系。因此，舞台摄影是一门对舞台演出作品进行再创作的艺术表现形式。对摄影师的要求很高，具体如下：
一、需具备良好的文化艺术素养
要想拍好舞台剧照，平日里就要了解和学习音乐、舞蹈、戏剧、戏曲、美术等诸多艺术门类的知识，不断地丰富自己的文化修养，做大量的知识储备。在拍摄时，要熟练掌握手中的摄影器材，发挥它们的最大功能，更重要的是充分把握现场光效、构图、色彩等各种因素，凭借自己对艺术的感知和理论的积累去工作。摄影首先是一种记录，取景窗里出现的是舞台的真实景象。当然，要比一般观众的视角更丰富、更独特、更具想象空间。摄影师需靠敏锐的反应，抓住瞬间即逝的舞台气氛和演员的面部表情及形体动作，在进一步掌握舞台摄影技术的同时，务必注重增强自身艺术修养，只有善于思考和大胆创新，找到属于自己的摄影语言，才能拍摄出更加完美的舞台摄影作品。
二、需具备强健的体魄
作为舞台摄影师拍摄每一场演出时都要从始至终密切关注舞台上演员的一举一动、一颦一笑，眼睛不离开取景器，手在快门上随时准备。特别是拍摄舞蹈演出，应该是非常能检验摄影师全面素养和水平的，因为拍摄舞蹈演员跳跃的最佳时机是跳到最高点即将下落的一瞬间按下快门，能拍到一张情绪饱满，舞姿优美的照片是非常不容易的，这里凝结着摄影师辛勤的努力与汗水。他要全神贯注密切关注取景器中舞动的舞者，判断她即将起跳的点，捕捉她最动人、最精彩的瞬间。优秀的舞台摄影师如同出色的狙击手一样，总能“一枪毙命”，即：在舞者跳跃到最高点的一瞬间，按下相机快门。由于演出期间一刻都不能偷懒走神，所以一场舞蹈演出拍摄下来是精神与体力的高度付出。没有平日积累的舞蹈专业知识，没有强健的身体做保障，出色地完成拍摄任务是不可能的。
三、拍摄之前的准备
舞台摄影不同于人物摄影和风景摄影，受限于舞台场地的大小，给摄影师增加很大的难度。因此，摄影师需要在拍摄前做大量准备工作：
（一）及时了解舞台演出场馆的大小、位置以及节目演出顺序，这样便于把握好大体拍摄节奏和重要的拍摄时间节点。
（二）机位的选择。理想的机位高度应是与舞台上演员胸部在一个水平线上的7排、8排位置。这两排一般也是剧场内最好的位置。但正式演出时摄影师是不可能在这个位置来进行拍摄的，只能在没有正式演出前合光走台时，在此位置抓住时机拍摄一些这个角度和高度的剧照。1排是可以拍到清晰地特写照片，只是角度太仰，拍不到站在第一排演员后面的演员，只有在演员数量不多的情况时或是一个歌手的演唱会拍特写时才会选择一排。当然要在歌手拿麦克风的反方向。大部分时间摄影师都是在剧院的最后一排进行拍摄，特别是商业演出的时候，剧场方是不会同意摄影师去观众席里拍摄的，担心会干扰到观众。在最后一排拍摄机位有些俯拍的效果，比较适合拍摄宏大的场面，可以拍到舞台上后面几排的演员，使画面有立体感和纵深感。比如：交響乐、民乐演奏、大型舞蹈场面。总之， 距离近拍摄加强了透视感；机位高拍摄提高了层次感；使用短焦距拍摄增加了景深感。
（三）根据舞台、剧场摄影条件对所需的摄影设备进行有针对性的选择。
（四）舞台摄影中，首先要了解不同类型的艺术表演的规律和特点，要了解所拍摄节目的剧情，提前做好功课。其次要了解主要“角色”在重要位置所构成的代表性场景，制定相应的拍摄方案。一定要花费大量的时间做前期准备工作，尽可能多地了解节目的内容、研究主题意境、掌握人物的背景资料、熟悉情节走向和表演形态，感知它的特色之处；在大量相关的信息中过滤筛选，初步确立节目拍摄中的几个重点位置，若是长的节目，则根据剧情发展和人物情绪变化，预设情节点和情绪点，事先做好准备，适时抓住时机拍摄；若是短节目，则根据对节目的了解，在几个动作点等待时机拍摄，其它时间用来调整机位变换角度。这些对舞台摄影技巧的准确把握、对舞台摄影优势的充分发挥和摄影师创作能力的体现起到重要的促进作用。
四、拍摄设备
（一）镜头
一个光圈F1.4或F1.8的50mm镜头、一个24mm -70mm恒定F2.8镜头、一个70mm -200mm恒定F2.8光圈的长焦镜头，甚至100-400mm之上的长焦距镜头都是必须的装备。长焦距镜头比广角镜头和标准镜头更需要光。在演唱会中，通常都是手持相机的，但在话剧、舞蹈、音乐剧等剧院内演出一般都是要放在三脚架上拍摄的。演出场地一般灯光条件比较暗，专业的镀膜镜头很有用，可以抗炫光。恒定大光圈的镜头及具有减震系统的镜头是必须的。 （二）相机
舞台摄影对照相机的测光系统、对焦系统和连拍功能要求很高，一定是全画幅连拍功能强大的单反数码相机。所谓：工欲善其事，必先利其器。随着科技日新月异地发展，当前佳能R6相机可以在-6.5EV的黑暗环境下轻松完成对焦。大多数照相机普遍都能达到-3EV的对焦水平。照相机对焦系统在佳能R5、R6、索尼A7-3以上机身均实现了眼控对焦和全区域对焦点选择，快门连拍能力达到几张、十几张/每秒。高感光降噪能力大幅度提高。舞台摄影师拍摄主要靠抓拍，很少有时间去思考构图和快门光圈组合。为了不错过佳作，碰到好的画面，会使用连拍功能多拍几张，增加拍出满意作品的概率。在舞台摄影实践中，拍出一张优秀的作品通常是十里挑一，甚至百里挑一，摄影师的现场艺术感觉越强，对摄影技术的理解和掌握越熟练，拍出好作品的概率也越高。
（三）三脚架
虽然舞台上灯光色彩绚丽，但往往是明度较低，在商业演出时，为了不影响观众，摄影师一般都是站在最后一排用400mm以上镜头拍摄演出的特写画面，此时三脚架是必不可少的。为拍摄动静相宜的画面使用1/50秒甚至更慢的快门速度拍摄，更离不开三脚架的使用。总之，为保证画面的清晰度摄影师是离不开三脚架的。
（四）存储卡
舞台摄影的特点是摄影师由于大量使用连拍功能及一般存储大RAW格式 小JPEG格式，需要具备高速读写能力的存储卡。目前最新的CFexpress存储卡，读卡速度可以达到1950MB/秒，写卡速度达1450MB/秒。普通的SD存储卡也可以轻松达到170MB/秒高速的存储速度。容量64G乃至256G存储卡的使用已经非常普遍。拍摄时存储速度太慢、停顿、死机这些遭摄影师诟病的毛病随着科技水平的提高和发展已经有效地得到了解决。
五、合适的曝光
（一）测光
我以为舞台摄影最重要的就是测光。变幻莫测、飘忽不定的光线，特别是近年来LED大屏幕的广泛使用，使得舞台上的光线更加复杂多样。LED大屏幕播放视频时，亮度忽明忽暗，有时甚至比前面演员的面部都亮。在这样光比巨大的环境下，拍出一张曝光正确的照片是困难的，此刻摄影师用闪关灯平衡光比的方法是不现实的，也是不许可的。因此，使用中央重点测光或局部测光的模式并结合光圈优先或快门优先等自动曝光功能，配合加减曝光补偿功能的使用，能免去频繁地测量、调整曝光组合的工作，因而可以极大地提高拍摄成功率。当然为了避免失误，在时间许可的情况下采用包围曝光的方式来拍摄，从中选取曝光相对准确地画面也不失为一个好方法。对于经验丰富的舞台摄影师来讲，都是凭经验手动设定曝光值来人为控制曝光的。
（二）光圈
光圈是控制景深的，由于现场光线一般比较暗，所以在拍摄特写的大部分时间段都是运用镜头的最大光圈F2.8，当然如果是场面比较大的群舞，则必须兼顾到景深的缘故减小光圈至少到F5.6之下，甚至F8均可。
（三）感光度
为中长焦镜头所需的“安全”快门速度，ISO设定800至3200甚至更高。虽然摄影教科书中的理论ISO（感光度）越低越好，但ISO（感光度）的高低要依据艺术创作的需求，不是颗粒大就不好。随着照相机技术的不断提高，高ISO（感光度）的照片反而比低感光度照片的宽容度要高。在过去很长的时间里舞台摄影师都受困于高ISO噪点影响，不能不敢提高感光度，以至影响快门速度的提高，所以拍不出清晰、动感比较大的舞蹈影像。近年来随着相机技术革命性地改进和提高， ISO在4000以下的噪点是完全可以接受的，从而大大提高了快门的速度，摄影师可以从容地来定格飞速舞动跳跃的舞蹈演员的优美身姿。
（四）白平衡
大多数场合使用自动白平衡是最好的选择，因为在后期都是可以调整好的。因为白平衡没有一个唯一标准，它是摄影师营造照片画面色调非常重要的一环。但对于摄影师比较熟悉的剧场环境，灯光色温情况也了然于心，是可以手动设定白平衡数值的。比如我团的安源演播厅我会将色温手动设定为3200K。当前舞台一般多使用白炽灯或聚光灯照明，新的灯光色温普遍较高，不同的剧场相差很大。因此要选择相应的白平衡模式。白平衡使用不当，也会减弱现场感，甚至会改变画面的色彩表现。拍摄RAW格式为后期调整白平衡提供了丰富的选择。随着Photoshop软件的不断更新，特别是Camera Raw插件的使用，使得后期调整白平衡的工作变得相对简单了。我的经验是：将图片放大到300%甚至更大后，使用插件中的色温笔点击人物的眼白处，或点击画面中银灰色的麦克风，或找到画面中有18度灰色的地方，大多都能校正色温白平衡。色温白平衡没有绝对，只是相对地调整。有时为保留演唱会现场的效果会刻意保留偏色的画面。
（五）快门速度
保证所需的快门速度，对于拍出好的作品是至关重要的。对于照明条件非常好的演出，如戏曲、综艺晚会和一些供现场直播的晚会，即使没有三脚架和独脚架，手持也是可以拍出清晰地、曝光正确的画面，但拍摄舞蹈跳跃动作时快门速度应设定在1/500之上。在照明条件足够的情况下，我的经验是首先满足速度的要求，其次是光圈、最后是ISO（感光度）。光圈、快门、ISO（感光度）三者之间是辩证的关系互相起作用，一幅完美作品的诞生是摄影师熟练地把握好这三者关系的结果。拍出动静相宜、虚实适当的照片是舞台摄影师的最高追求和完美的境界。
六、情緒的表达
在演出的拍摄中要让自己的情绪融入到节目意境和现场气氛中，调动起兴奋神经，让自己的情绪随着节目走，跟上音乐的韵律和表演的节奏，高度集中地注视着表演者的形态，抓住瞬间即逝的典型动作，记录下精彩的瞬间。在这里，情感因素起着很重要的作用，把情感集中在拍摄中，作品才会有灵气。当然，作为摄影师完全忘我地融入情景是不可能的，必须在感性和理性中把握自己，跳进跳出才能完成创作任务。从取景窗里观察，熟悉的舞台会展现出一种不同的浪漫情绪和灵动的美感，因为剧照是与表演同时完成的再创作过程，摄影是有韵律的，这个韵律随着舞台气氛的变化而变化，随演员情绪和表演节奏的变化而变化。让欣赏者从一系列剧照中感受舞台的气氛，欣赏表演者的视觉美感，体会到演出现场的韵律，甚至想象出摄影师在创作时的亢奋状态。作为将舞台上的美好动态瞬间定格成静态的艺术手段，舞台摄影如何用凝固的画面反应出舞台表演者的情感， 是每一位舞台摄影师的追求。
七、舞台摄影具备独特的艺术性
舞台摄影除强调情绪和意境外，还应强调画面的独特性，舞台摄影比较难的是在短时间内对演员和舞台的空间位置、关系构图和角度地把握，使画面形成视觉张力，凸显演员的神韵和瞬间姿态。而对表演主题与舞台空间位置的合理调度，除了摆拍；摄影师是不能调度演员和舞台的，只能调整自己，使画面形成一种独特的、自己想要的效果。当然躲避或利用舞台背景和道具、构图中注意建构人物关系、巧妙利用舞台光效等都是舞台摄影师随时要考虑的问题。
总之，要拍出一张有特点的好作品，平日里要加强艺术理论的学习和积累，广泛涉猎各个艺术领域，如：美术、雕塑、音乐等，积累摄影师的文化底蕴；还要非常熟悉了解自己手中相机各个功能健的位置，做到烂熟于心，即使闭眼摸黑的情况下也能迅速按需调整各功能到位；在现场拍摄时必须注重典型性瞬间的选择和捕捉，重点突出现场的气氛和人物情感，这些都需要摄影师在今后的拍摄中细心观察、不断地摸索、总结规律。