摘要：山水画是以山川河流，房屋林木等自然风景为主要描写对象的中国画，在我国有着悠久的历史。早在战国、两汉时期就有出现，魏晋时逐渐形成，到了隋代开始从人物画中分离而自成画种，至唐朝渐趋成熟，宋元时期达到 了高峰。唐代出现了对后世影响深远的“青绿”山水和“水墨”山水两种技法，宋元两代，更是在唐五代时期山水画的基础上创新发展，达到顶峰，一时成为中国画坛的主流，山水画名家辈出，传世名作甚多。明清也有创造性的大家，如“四僧”之一的石涛 ，他提出的“搜尽奇峰打草稿”的画学理论，对以后画家重视写生，深入生活的风气有很大影响。新中国成立后，山水画发展较快，且有了很大革新，如傅抱石、黄宾虹、李可染等都有突出的艺术成就。
　　关键词：山水画;鉴赏;分析
　　如今收藏山水画成为常态，但想要赏析却并非易事，以下就浅析山水画的几个特征。
　　1、通晓意境，神游其中
　　山水画对于意境的关注度很高，所谓的意境也就是画家通过山水画所创作出来的境界，观众能从中感悟到超出画面之外的感受 。也因此能从中感悟到的不仅仅是美丽的山水，同时还能感受到画家境界的追求，让你能从繁忙的生活中脱身而出，有着一种超脱和恬淡感。
　　意境是艺术的灵魂。是客观事物精粹部分的集中，加上人的思想感情的陶铸，经过高度艺术加工达到情景交融; 借景抒情，从而表现出来的艺术境界、诗的境界。
　　表现意境的加工手段，叫“意匠”。在艺术上这个“匠”字是很高的誉词，如“匠心”、“宗匠”等等。对艺术家来说，加工手段的高低关系着艺术造诣的高低。在世界艺术中，我国绘画艺术的讲究意匠著称。意匠加工在绘画中，简单说来不外是选材（选出最精粹部分），剪裁（去芜存菁），夸张（全力强调主题）、组织（笔墨和构图等 ）。
　　山水画创作有两个重要环节，即构思与构图。构思又由立意和创意组成。构图是对画家创作构思的具体表现。构思在前，构图在后，缺一不可。山水画创作离不开对大自然的观察与分析，构思的过程实际就是将生活素材经筛选组织，通过艺术加工所得的结果，就是古人所说的“外师造化，中得心源”。
　　山水画意境的深浅是作品成败的关键所在。如果失去了意境，也就丧失了艺术价值。山水画的意境达到三种境界; 一是无我之境，就是画家重视再现，客观地描绘自然景物，使之产生真实感人的意境; 二是有我之境 ，即画家重视表现，写意为主的创作方法，凭主观意象描绘自然景物，产生主观臆造的境界，不求形似，逸笔草草; 三是化境，这是山水画创作的最高境界，画家触景生情，情与景高度结合，作品出神入化，达到“物我两忘”之境界。
　　山水画带来的意境往往是可行的，在其中细细把握山水的奥秘，最终达到神游其中的效果。展现出来的意境就远远比单纯欣赏画作更有趣味。
　　2、把握章法，明白构图
　　山水画构图的基本法则是矛盾的对立统一，规律在处理画面景物安排时的正确运用，如开合、疏密、歪正、藏露、虚实、轻重、动静、黑白等多对矛盾体的高度统一，使画面既有对比，又有均衡，既变化又统一，产生优美的节奏和韵律。
　　所谓的章法就是画面如何布局的，通过构图能够让画面的远近和空间变得更容易看到 。中国古代山水画的透视法则主要是依据宋代画家郭熙提出的“三远法”，其内容是：自近而望其远曰平远，自下而望其上曰高远，自前而窥其后曰深远。平远构图画面辽阔渺茫，高远构图画面巍然陡峭，深远构图画面幽深莫测。山水画能通过意境的描绘，将留白、画势结合为一体，营造出的观感新会愈加强烈。而在构图当中，经由实践便能在平远当中呈现出立体感，将山前山后的景致进行描绘，最终就能呈现出穿透性的表现。
　　3、运用笔墨、再现素养
　　山水画笔墨是呈现出画家心境的基础，而笔墨的问题，其实自古便有之，笔和墨的变化是不同的绘画追求，也能够从中看出画家的修养和功底。因此在鉴赏山水画时，需要从笔墨处入手，进行有目的性地寻求，最终领悟到画家的笔墨技法。
　　山水画在草图完成后，落墨阶段至关重要，要求意在笔先胆大心细，笔墨讲究，笔无妄下，进行勾勒，  擦和点染，要笔笔饱含感悟而生动; 注重于曲直和轻重缓急。而在用墨时则需要讲究浓淡干湿，积墨、焦墨、飞墨、破墨等方式，让笔墨之意境变得更加独到，以使画面活泼灵动。
　　对于笔墨的了解，不仅能从中认识到精妙画作如何去完成，同时也是对画作进行鉴赏的一种重要方式。“笔墨当随时代”，艺术贵在创新，只有形式与内容完全统一而又有时代精神的艺术作品，才能产生感人的力量。笔墨的任何变化与创新，都要为画面内容服务，为作者的创意服务，以便创造出内容与形式完美统一，新颖别致的山水画作品来。
　　4、通过写生，突出匠心
　　中国古代山水画家就非常重视写生，给我们留下许多宝贵的经验。明末清初画家石涛就有“搜尽奇峰打草稿”的论断，并游遍祖国江河山川，对真景进行描绘，创作了大量影响后世的山水画。当代山水画家更注重到大自然中去，对景写生。著名画家张仃先生的大量焦墨山水画基本都是写生原稿，山峰崎岖多变，雨雪苍蒙古拙，实是我们学习的楷模。
　　山水写生，要求通过观察分析不同地域，不同季节和不同气候的景物特征，并遵循由易到难、由局部到整体，由简到繁的原则，由小树到林木、由石块到大山循序渐进，不可一开始贪大求繁，可用铅笔或钢笔进行速写练习，熟练后再用毛笔直接构图成画。写生要注意对景物进行深入细致的观察，多走多看，选择典型的景物入画。要学会概括与取舍，将有利于画面构图的部分保留下来，其他部分可不画或简画，力求准确、鲜明、生动地表现自然景物特征。也可通过记忆进行默写、默画练习。在大自然中写生，需要意匠剪裁、夸张、组织。写生时一是熟悉对象，二是高度的意匠。认识有两个阶段，一是長期的观察，二是反复的描写。意匠即是艺术手段或艺术加工，作品中意匠越重，艺术性越高。山水画写生：观者先看气象，后辨清浊，定宾主朝揖，列群峰之威仪。
　　5、诗书画印，融为一体
　　一幅精美的山水画，他的画意要配上精美的诗词，画意与诗意融为一体。再用漂亮的书法提写在恰当之处，最后盖上姓名之印章。而中国绘画的最大特点就是诗书画印巧妙有机的结合，是一个整体的中国传统文化。中国画如同中国文化一样，具有很强的融合体，在长期的艺术实践活动中，中国画家逐渐将最能代表中国传统文化的几种元素，统统融汇在自己的绘画作品中，形成鲜明的民族艺术特点。
　　“诗”指古代诗词，“书”指传统书法艺术，“印”指篆刻艺术。这些原不相关的文化元素，中国画家却能将它们融合贯通，集于画面，既强化了画面的笔墨韵味，同时又提高艺术观赏价值，更是对画面意境的补充与阐释。人们在看画的同时，读诗、欣赏书法和篆刻艺术，既可以激发人们的想象力，又可以将人们带入广阔的审美境地。值得一提的是明清以后，许多画家既是诗人又是书法家和篆刻家，他们的画，使中国画坛耳目一新，是世界上任何其他画种所没有的。