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摘要 钢琴是一件外来乐器，传入中国也只有百年的时间。但是在这百年的发展中，中国的钢琴音乐创作者以自身的民族责任感和使命感，利用钢琴巨大的艺术表现力，创作出了大量的具有民族风格的中国钢琴作品。本文从创作精神、创作语汇、演奏技巧和风格三方面，对中国钢琴作品民族性因素地表达进行了初步的探究。
关键词：中国钢琴作品 民族性 表达探究
中图分类号：J624.1 文献标识码：A
钢琴传入中国，已经有了百年的历史。赵元任先生在1915年发表的《和平进行曲》，标志着中国钢琴作品创作的开端。中国钢琴作品从无到有，从稚嫩到丰富，走过了一条曲折的发展之路。一代代的钢琴音乐家从民族民间文化中汲取营养，改编和创作了大量的精品。随着社会和时代的发展，学习鋼琴的人越来越多，钢琴教育体系也越来越完善，这为中国钢琴作品的创作提供了一个良好的环境，很多重要的国际性演出和比赛中，都能看到中国钢琴作品的身影。这引起了音乐理论界和演奏界的广泛关注，从不同角度提出了很多的思考和建议。在笔者看来，其中最为关键的一点在于一种民族性的坚持和表达。钢琴是一件“舶来品”，刚传入中国时，人们对于钢琴和钢琴作品的创作都是茫然的。这种新的乐器与中国传统的吹奏、打击、弹拨、拉线乐器相比，在艺术创作和艺术表现上都要丰富很多，确实能给人一全新的审美效果。所以中国钢琴的创作和演奏，自然要受到钢琴起源地西方的影响，在最初的创作和演奏中，对于西方钢琴艺术的模仿和借鉴也是符合事物发展规律的。值得庆幸和欣慰的是，中国的钢琴音乐家，并没有满足于对西方钢琴艺术的模仿和再现。20世纪30年代起，从贺绿汀创作的《牧童短笛》开始，中国钢琴音乐的创作一直走在民族化的探索之路上。很多作品反映出了民族的特色和民族的风情，更重要的是体现出了一种民族精神和民族品格，这对于中国钢琴作品民族性因素的探讨以及中国钢琴音乐创作的发展，无疑是具有重要理论意义的。下面本文就从创作精神、创作语汇、演奏技巧和风格三个方面，对中国钢琴作品民族性因素地表达进行了初步的分析。
一 民族性的创作精神
所谓创作精神，就是创作的背景、目的和意义。中国钢琴音乐的创作精神，是和这三个要素分不开的，有时代背景，有创作人物，更有创作思想，前仆后继的中国钢琴音乐创作者们的创作历史，就是中国钢琴音乐民族性创作精神的记录和见证。
1915年，身在美国的赵元任先生创作并发表了《和平进行曲》，这被看作是中国民族钢琴创作的开端，这部作品表现了作者反对战争、热爱和平的鲜明立场。1919年，中国近代史上具有重要意义的五四运动爆发了，随后马克思主义在中国得以广泛传播。特别是马克思主义中的文艺理论，唤醒了中国音乐家们创作民族钢琴的意识。萧友梅的《霓裳羽衣曲》、李荣寿的《锯大缸》都是这一时期的代表作品。20世纪30年代，随着马克思主义在中国的传播和发展，在国际友人齐尔品的帮助下，开展了一届“有中国风味的”钢琴作品征集活动，贺绿汀的《牧童短笛》获得头奖，用钢琴来模仿中国的民族乐器竹笛，绝对是中国民间风格的体现，更是一种前所未有的创举，这也标志着中国钢琴音乐创作进入到了一个新的发展时期。此外，还有老志诚的《牧童之乐》、陈田鹤的《序曲》等作品，在国内受到了广泛好评和欢迎，对于钢琴民族性的探讨起到了表率和示范的作用。20世纪40年代，毛泽东同志发表了在延安文艺座谈会上的讲话，这次讲话让中国钢琴音乐家们对于钢琴民族化的探索更加的坚定。丁善德是这一时期的代表人物，他创作了钢琴组曲《春之旅》，表达了对和平、美好的向往和对生活的坚定信念。1955年，毛泽东同志又提出了文艺创作要“百家齐放，百家争鸣”的双百方针，并在音乐家的座谈中，明确提出中国的音乐创作要中国化和民族化，江文也的《典乐》、马思聪的《粤调三首》、陈陪勋的《卖杂货》、桑桐的《内蒙古民族主题曲七首》等，都是这一时期的代表作品，之所以较之以往的作品更具有艺术性，是因为这些作品都是取材于中国传统民族民间音乐，在作品中熟练地运用了钢琴民族乐器化技术手段，成功地表现出了民族乐器的神韵。由《黄河大合唱》改编而来的钢琴协奏曲《黄河》，这是一部具有里程碑意义的作品，除了技术性因素之外，更重要的是一种民族精神的表达，黄河被誉为中国人民的母亲河，中国人民在抗击外来侵略的过程中，全国一心，浴血奋战，最终捍卫了国家和民族的尊严，通过艺术作品来回顾历史，激发起人们的民族使命感和自豪感，这无疑是民族性艺术创作的最终目的。
改革开放后，随着经济一体化和文化多元化的发展，中国钢琴音乐的创作也在朝着多元的方向发展。一方面，是对老一辈音乐家从传统调性音乐系为基础的多声音乐民族化的方向继续发展，另一方面，新锐的作曲家们也把现代创作意识融入其中，与之前的借鉴不同，现在的这种融入，更多的是一种主体基础上的配合和丰富，在主次关系上有了颠倒性的变化。汪立三的《东山魁夷画集》、杜鸣心的《春之彩》、陈明志的《三首序曲与赋格》等，都是这方面的代表。
纵观中国钢琴作品的创作发展历程，可以看出，这个过程其实是一个不断探索和发展的过程，这其中的源动力则是创作者们身上的民族责任感和民族使命感。为了让钢琴艺术在中国发展，为了用艺术创作来推动时代和社会的进步，他们不断的努力着，也体现出了让人敬佩的民族创作精神。
二 创作语汇的民族化
创作语汇主要是从音乐创作的技术角度分析的，具体包含旋律、和声、节奏、曲式等多个方面，只有从这些创作技术入手，对作品进行剖析，才能探究出中国钢琴作品是如何坚持民族性表达的。
1 旋律
旋律是一首音乐作品的灵魂，在各种音乐要素中占有核心地位，这也是区别音乐作品最主要的标志。我们听完一首乐曲，如果情不自禁的哼唱起来，那么这就是对旋律的回忆。中国的钢琴音乐家，始终都把创作美的旋律，看作是钢琴作品创作的主要任务，除了优美动听的普遍要求外，更重要的是把中国风格的民族化体现出来。对此他们也进行了多种尝试。如李瑞星创作的《东方红》，这是一部由陕北民歌改编而成的作品，旋律上基本保留了原有的特征，在一些细节之处加入了钢琴化的处理。人们本身就对这段旋律十分熟悉，现在被钢琴演奏出来，使歌曲有了全新的艺术演绎和审美感受。 2 节奏
节奏是一首乐曲的骨骼，没有节奏的乐曲，就是一汪死水。中国的民族音乐，对于节奏历来都是十分重视的，例如，锣鼓这些乐器中，就没有音高、和声，只有节奏的单独存在。丁善德创作的《第二新疆舞曲》就是借鉴了锣鼓的节奏元素，在钢琴曲的伴奏部分，丁善德用钢琴的音色模拟了锣鼓的音色，使得新疆手鼓这一传统民族乐器，第一次用钢琴的形式表达出来。此外他还运用了大量的切分节奏，以表现维吾尔族人在歌唱发音时重音后置的特点。还有具有朝鲜族音乐节奏特点的《长短的组合》，具有侗族音乐节奏特点的《多耶》等作品。
3 和声
中国传统的五声调式，决定了与西方大小调式的中大小三和弦、七和弦是不匹配的，所以对于和声的民族化尝试，是中国音乐家们着力最多的地方。常见的手法有：在三和弦的基础上附加一个音或是省略一个音，可根据乐曲的实际需要来选择二度、四度、空五度、六度和七度的和声。如丁善德的《晓风之舞》、储望华的《翻身的日子》都运用了小二度的伴奏和声。黎英海的《夕阳箫鼓》和王建中的《梅花三弄》则多运用四、五度的和声进行。多种多样的运用形式，始终和中国调式独有的民族性特点相切合。
4 曲式结构
曲式是钢琴创作民族化首要解决的问题，因为旋律是音乐风格和音乐特征的首要体现，但是旋律是以调式为基础的。有了民族性的调式，才有了民族性的旋律。西方的钢琴作品强调结构的严谨，排列的有序等，而中国音乐则强调一种情感的抒发，这种情感性需要不确定的曲式来配合，曲式需要不断的变化和发展，才能满足情感抒发的需要。如王建中的《梅花三弄》，因为乐曲内容的表达，使得曲式不能按照西方钢琴曲创作的标准设置方式，而是根据具体的表达需要，设置了高声弄、低声弄、游弄三段，通过曲式的变化来衬托出梅花的高贵气质。储望华的《二泉映月》改编自古筝曲，本是由民间艺人阿炳演奏的，在演奏中的变化很大，很多节奏都是可以随意改变的。储望华为了保留住这种自由性，特意加上了引子部分，在后两次的变奏中写出了两次高潮，使情感得到了最极致的抒发。他们用实践证明了，通过合理的安排和利用，中国钢琴作品在曲式上能够表达出鲜明的民族特征。
三 民族性的演奏技巧和风格
形式是为内容服务的，有了民族性的创作精神和民族性的作品，自然也需要民族性的演奏方法和演奏风格，只有具备了中国民族特色的演奏技巧，才能充分表现出作品的民族性特征。
1 音色与触键
中国音乐对音色有着很高的要求，如音色的清浊、刚柔、虚实、浓淡等，这些变化无穷的音色，则需要很好的触键技巧才能予以充分地展现，如触键和离键的速度决定了声音的清浊；触键的深度决定着音色的虚实变化，触键的方向决定着音色的刚柔相济等。特别是中国钢琴作品中，很多都是由中国的民族乐器改编而来的，在很大程度上需要用钢琴的音色来还原这些民族乐器的音色。在王建中的《阳关三叠》中，很多都是对古琴单散音的模仿，这就要求钢琴的音色要浑浊和低沉，在触键上要采用手指贴键的方法，同时用一种抚摸的感觉去轻拂琴键，以模仿出古琴的音色。
2 旋律演奏
中国钢琴作品的创作，一方面继承了中国古典音乐旋律线条突出的特点，另一方面又充分发挥出了钢琴丰富的艺术表现能力。从横向和纵向两个方面，对音乐的内容和风格进行了全面的挖掘。所以对于旋律的演奏，讲究层次感的清晰和结构的整体性、均衡性的统一。《梅花三弄》中，王建中既保留了原曲的主旋律，又利用了钢琴丰富的表现性能，让这段旋律子在不同的音区和不同的伴奏织体下多次出现，使得音乐形象更加鲜活和丰富。这就要求演奏者要建立线性思维和立体思维相结合的演奏模式，一方面要坚持民族音乐对于旋律线条的着重表达，另一方面也不能忽视钢琴所特有的和声、织体对于旋律的有力烘托。
3 节奏掌握
相对于西方音乐来说，中国音乐在节奏上是比较自由的，没有明显的脉动性节拍重音，节奏的律动主要是靠旋律自身的起伏变化来体现的。无论是民族歌曲还是民族乐器作品，在节奏上的要求都比较宽泛，呈现在乐谱中，也只是一些简单的提示，呈现出一种“散”的审美特征。这就给演奏者们以充分的发挥空间，所以一首作品，常常有几个演唱和演奏版本。中国钢琴作品中，常用节拍的变化来表现这种“散”的节奏，如四二拍和四四的交替变化，有时候甚至一小节就更换一次。要求演奏者要对作品有深入的理解，特别是对作品意境的深刻感悟，有的放矢的处理节奏的缓急徐迟，对整个作品的节奏布局了然于胸，做到得心应手，一气呵成。
综上所述，中国钢琴作品发展到今天，很多優秀的作品，之所以受到了国内外音乐爱好者的好评，其根本原因就在于一种民族性的坚持和表达。通过对中国钢琴作品在创作和演奏上的分析，可以看出，任何一门艺术发展的轨迹，都是要在继承民族文化的基础上，吸收本民族和各少数民族中的艺术精华，加强民族化的探索，同时眼光外放，面向世界，学习、借鉴和融合西方艺术中的特长。才能创作出为中华民族所喜闻乐见的，同时被世界所认可的中国钢琴作品，时代呼唤钢琴艺术深入开掘中华民族艺术的审美底蕴，以无愧于我们今天这个伟大的时代。
注：本文系郑州大学西亚斯国际学院2011年度校级教育与教学改革研究项目——《钢琴基础教程》教学现状分析及课程建设研究课题研究成果。项目编号2011JGYB11。
参考文献：
[1] 高晓光、吴国翁：《钢琴艺术百科辞典》，中国大百科全书出版社，2001年版。
[2] 江毓和：《关于钢琴音乐艺术在中国的发展》，《钢琴艺术研究》，人民音乐出版社，2003年版。
[3] 吴修林：《略论中国钢琴音乐的发展及传统乐曲钢琴改编作品的特殊作用与意义》，《美与时代》，2004年第5期。
作者简介：刘武，男，1982—，陕西宝鸡人，本科，讲师，研究方向：钢琴，工作单位：郑州大学西亚斯国际学院音乐学院。
关键词：中国钢琴作品 民族性 表达探究
中图分类号：J624.1 文献标识码：A
钢琴传入中国，已经有了百年的历史。赵元任先生在1915年发表的《和平进行曲》，标志着中国钢琴作品创作的开端。中国钢琴作品从无到有，从稚嫩到丰富，走过了一条曲折的发展之路。一代代的钢琴音乐家从民族民间文化中汲取营养，改编和创作了大量的精品。随着社会和时代的发展，学习鋼琴的人越来越多，钢琴教育体系也越来越完善，这为中国钢琴作品的创作提供了一个良好的环境，很多重要的国际性演出和比赛中，都能看到中国钢琴作品的身影。这引起了音乐理论界和演奏界的广泛关注，从不同角度提出了很多的思考和建议。在笔者看来，其中最为关键的一点在于一种民族性的坚持和表达。钢琴是一件“舶来品”，刚传入中国时，人们对于钢琴和钢琴作品的创作都是茫然的。这种新的乐器与中国传统的吹奏、打击、弹拨、拉线乐器相比，在艺术创作和艺术表现上都要丰富很多，确实能给人一全新的审美效果。所以中国钢琴的创作和演奏，自然要受到钢琴起源地西方的影响，在最初的创作和演奏中，对于西方钢琴艺术的模仿和借鉴也是符合事物发展规律的。值得庆幸和欣慰的是，中国的钢琴音乐家，并没有满足于对西方钢琴艺术的模仿和再现。20世纪30年代起，从贺绿汀创作的《牧童短笛》开始，中国钢琴音乐的创作一直走在民族化的探索之路上。很多作品反映出了民族的特色和民族的风情，更重要的是体现出了一种民族精神和民族品格，这对于中国钢琴作品民族性因素的探讨以及中国钢琴音乐创作的发展，无疑是具有重要理论意义的。下面本文就从创作精神、创作语汇、演奏技巧和风格三个方面，对中国钢琴作品民族性因素地表达进行了初步的分析。
一 民族性的创作精神
所谓创作精神，就是创作的背景、目的和意义。中国钢琴音乐的创作精神，是和这三个要素分不开的，有时代背景，有创作人物，更有创作思想，前仆后继的中国钢琴音乐创作者们的创作历史，就是中国钢琴音乐民族性创作精神的记录和见证。
1915年，身在美国的赵元任先生创作并发表了《和平进行曲》，这被看作是中国民族钢琴创作的开端，这部作品表现了作者反对战争、热爱和平的鲜明立场。1919年，中国近代史上具有重要意义的五四运动爆发了，随后马克思主义在中国得以广泛传播。特别是马克思主义中的文艺理论，唤醒了中国音乐家们创作民族钢琴的意识。萧友梅的《霓裳羽衣曲》、李荣寿的《锯大缸》都是这一时期的代表作品。20世纪30年代，随着马克思主义在中国的传播和发展，在国际友人齐尔品的帮助下，开展了一届“有中国风味的”钢琴作品征集活动，贺绿汀的《牧童短笛》获得头奖，用钢琴来模仿中国的民族乐器竹笛，绝对是中国民间风格的体现，更是一种前所未有的创举，这也标志着中国钢琴音乐创作进入到了一个新的发展时期。此外，还有老志诚的《牧童之乐》、陈田鹤的《序曲》等作品，在国内受到了广泛好评和欢迎，对于钢琴民族性的探讨起到了表率和示范的作用。20世纪40年代，毛泽东同志发表了在延安文艺座谈会上的讲话，这次讲话让中国钢琴音乐家们对于钢琴民族化的探索更加的坚定。丁善德是这一时期的代表人物，他创作了钢琴组曲《春之旅》，表达了对和平、美好的向往和对生活的坚定信念。1955年，毛泽东同志又提出了文艺创作要“百家齐放，百家争鸣”的双百方针，并在音乐家的座谈中，明确提出中国的音乐创作要中国化和民族化，江文也的《典乐》、马思聪的《粤调三首》、陈陪勋的《卖杂货》、桑桐的《内蒙古民族主题曲七首》等，都是这一时期的代表作品，之所以较之以往的作品更具有艺术性，是因为这些作品都是取材于中国传统民族民间音乐，在作品中熟练地运用了钢琴民族乐器化技术手段，成功地表现出了民族乐器的神韵。由《黄河大合唱》改编而来的钢琴协奏曲《黄河》，这是一部具有里程碑意义的作品，除了技术性因素之外，更重要的是一种民族精神的表达，黄河被誉为中国人民的母亲河，中国人民在抗击外来侵略的过程中，全国一心，浴血奋战，最终捍卫了国家和民族的尊严，通过艺术作品来回顾历史，激发起人们的民族使命感和自豪感，这无疑是民族性艺术创作的最终目的。
改革开放后，随着经济一体化和文化多元化的发展，中国钢琴音乐的创作也在朝着多元的方向发展。一方面，是对老一辈音乐家从传统调性音乐系为基础的多声音乐民族化的方向继续发展，另一方面，新锐的作曲家们也把现代创作意识融入其中，与之前的借鉴不同，现在的这种融入，更多的是一种主体基础上的配合和丰富，在主次关系上有了颠倒性的变化。汪立三的《东山魁夷画集》、杜鸣心的《春之彩》、陈明志的《三首序曲与赋格》等，都是这方面的代表。
纵观中国钢琴作品的创作发展历程，可以看出，这个过程其实是一个不断探索和发展的过程，这其中的源动力则是创作者们身上的民族责任感和民族使命感。为了让钢琴艺术在中国发展，为了用艺术创作来推动时代和社会的进步，他们不断的努力着，也体现出了让人敬佩的民族创作精神。
二 创作语汇的民族化
创作语汇主要是从音乐创作的技术角度分析的，具体包含旋律、和声、节奏、曲式等多个方面，只有从这些创作技术入手，对作品进行剖析，才能探究出中国钢琴作品是如何坚持民族性表达的。
1 旋律
旋律是一首音乐作品的灵魂，在各种音乐要素中占有核心地位，这也是区别音乐作品最主要的标志。我们听完一首乐曲，如果情不自禁的哼唱起来，那么这就是对旋律的回忆。中国的钢琴音乐家，始终都把创作美的旋律，看作是钢琴作品创作的主要任务，除了优美动听的普遍要求外，更重要的是把中国风格的民族化体现出来。对此他们也进行了多种尝试。如李瑞星创作的《东方红》，这是一部由陕北民歌改编而成的作品，旋律上基本保留了原有的特征，在一些细节之处加入了钢琴化的处理。人们本身就对这段旋律十分熟悉，现在被钢琴演奏出来，使歌曲有了全新的艺术演绎和审美感受。 2 节奏
节奏是一首乐曲的骨骼，没有节奏的乐曲，就是一汪死水。中国的民族音乐，对于节奏历来都是十分重视的，例如，锣鼓这些乐器中，就没有音高、和声，只有节奏的单独存在。丁善德创作的《第二新疆舞曲》就是借鉴了锣鼓的节奏元素，在钢琴曲的伴奏部分，丁善德用钢琴的音色模拟了锣鼓的音色，使得新疆手鼓这一传统民族乐器，第一次用钢琴的形式表达出来。此外他还运用了大量的切分节奏，以表现维吾尔族人在歌唱发音时重音后置的特点。还有具有朝鲜族音乐节奏特点的《长短的组合》，具有侗族音乐节奏特点的《多耶》等作品。
3 和声
中国传统的五声调式，决定了与西方大小调式的中大小三和弦、七和弦是不匹配的，所以对于和声的民族化尝试，是中国音乐家们着力最多的地方。常见的手法有：在三和弦的基础上附加一个音或是省略一个音，可根据乐曲的实际需要来选择二度、四度、空五度、六度和七度的和声。如丁善德的《晓风之舞》、储望华的《翻身的日子》都运用了小二度的伴奏和声。黎英海的《夕阳箫鼓》和王建中的《梅花三弄》则多运用四、五度的和声进行。多种多样的运用形式，始终和中国调式独有的民族性特点相切合。
4 曲式结构
曲式是钢琴创作民族化首要解决的问题，因为旋律是音乐风格和音乐特征的首要体现，但是旋律是以调式为基础的。有了民族性的调式，才有了民族性的旋律。西方的钢琴作品强调结构的严谨，排列的有序等，而中国音乐则强调一种情感的抒发，这种情感性需要不确定的曲式来配合，曲式需要不断的变化和发展，才能满足情感抒发的需要。如王建中的《梅花三弄》，因为乐曲内容的表达，使得曲式不能按照西方钢琴曲创作的标准设置方式，而是根据具体的表达需要，设置了高声弄、低声弄、游弄三段，通过曲式的变化来衬托出梅花的高贵气质。储望华的《二泉映月》改编自古筝曲，本是由民间艺人阿炳演奏的，在演奏中的变化很大，很多节奏都是可以随意改变的。储望华为了保留住这种自由性，特意加上了引子部分，在后两次的变奏中写出了两次高潮，使情感得到了最极致的抒发。他们用实践证明了，通过合理的安排和利用，中国钢琴作品在曲式上能够表达出鲜明的民族特征。
三 民族性的演奏技巧和风格
形式是为内容服务的，有了民族性的创作精神和民族性的作品，自然也需要民族性的演奏方法和演奏风格，只有具备了中国民族特色的演奏技巧，才能充分表现出作品的民族性特征。
1 音色与触键
中国音乐对音色有着很高的要求，如音色的清浊、刚柔、虚实、浓淡等，这些变化无穷的音色，则需要很好的触键技巧才能予以充分地展现，如触键和离键的速度决定了声音的清浊；触键的深度决定着音色的虚实变化，触键的方向决定着音色的刚柔相济等。特别是中国钢琴作品中，很多都是由中国的民族乐器改编而来的，在很大程度上需要用钢琴的音色来还原这些民族乐器的音色。在王建中的《阳关三叠》中，很多都是对古琴单散音的模仿，这就要求钢琴的音色要浑浊和低沉，在触键上要采用手指贴键的方法，同时用一种抚摸的感觉去轻拂琴键，以模仿出古琴的音色。
2 旋律演奏
中国钢琴作品的创作，一方面继承了中国古典音乐旋律线条突出的特点，另一方面又充分发挥出了钢琴丰富的艺术表现能力。从横向和纵向两个方面，对音乐的内容和风格进行了全面的挖掘。所以对于旋律的演奏，讲究层次感的清晰和结构的整体性、均衡性的统一。《梅花三弄》中，王建中既保留了原曲的主旋律，又利用了钢琴丰富的表现性能，让这段旋律子在不同的音区和不同的伴奏织体下多次出现，使得音乐形象更加鲜活和丰富。这就要求演奏者要建立线性思维和立体思维相结合的演奏模式，一方面要坚持民族音乐对于旋律线条的着重表达，另一方面也不能忽视钢琴所特有的和声、织体对于旋律的有力烘托。
3 节奏掌握
相对于西方音乐来说，中国音乐在节奏上是比较自由的，没有明显的脉动性节拍重音，节奏的律动主要是靠旋律自身的起伏变化来体现的。无论是民族歌曲还是民族乐器作品，在节奏上的要求都比较宽泛，呈现在乐谱中，也只是一些简单的提示，呈现出一种“散”的审美特征。这就给演奏者们以充分的发挥空间，所以一首作品，常常有几个演唱和演奏版本。中国钢琴作品中，常用节拍的变化来表现这种“散”的节奏，如四二拍和四四的交替变化，有时候甚至一小节就更换一次。要求演奏者要对作品有深入的理解，特别是对作品意境的深刻感悟，有的放矢的处理节奏的缓急徐迟，对整个作品的节奏布局了然于胸，做到得心应手，一气呵成。
综上所述，中国钢琴作品发展到今天，很多優秀的作品，之所以受到了国内外音乐爱好者的好评，其根本原因就在于一种民族性的坚持和表达。通过对中国钢琴作品在创作和演奏上的分析，可以看出，任何一门艺术发展的轨迹，都是要在继承民族文化的基础上，吸收本民族和各少数民族中的艺术精华，加强民族化的探索，同时眼光外放，面向世界，学习、借鉴和融合西方艺术中的特长。才能创作出为中华民族所喜闻乐见的，同时被世界所认可的中国钢琴作品，时代呼唤钢琴艺术深入开掘中华民族艺术的审美底蕴，以无愧于我们今天这个伟大的时代。
注：本文系郑州大学西亚斯国际学院2011年度校级教育与教学改革研究项目——《钢琴基础教程》教学现状分析及课程建设研究课题研究成果。项目编号2011JGYB11。
参考文献：
[1] 高晓光、吴国翁：《钢琴艺术百科辞典》，中国大百科全书出版社，2001年版。
[2] 江毓和：《关于钢琴音乐艺术在中国的发展》，《钢琴艺术研究》，人民音乐出版社，2003年版。
[3] 吴修林：《略论中国钢琴音乐的发展及传统乐曲钢琴改编作品的特殊作用与意义》，《美与时代》，2004年第5期。
作者简介：刘武，男，1982—，陕西宝鸡人，本科，讲师，研究方向：钢琴，工作单位：郑州大学西亚斯国际学院音乐学院。