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美国摄影以其多样的风格和独特的视角领跑在全球摄影艺术的前沿,尤其是数码技术的发展和新媒体的应用,也为“美式摄影”增添了新的可能性。
19世纪末,当摄影技术在欧洲发展了半个世纪后,这种颇具划时代意义的技术被传入美国。特定的历史环境和文化特色使摄影不仅作为一项技术,更作为一门艺术在美国得到了新的发展。从1884年爱德华·迈布里奇(Eadweard J. Muybridge)里程碑式的作品《运动的马》(The Horse in Motion)到以保罗·斯特兰德(PaulStrand)、爱德华·斯泰肯(Edward Steichen)为代表的美国现代主义摄影风格的确立,纽约逐渐成为了全球摄影师梦寐以求的目的地。发展到21世纪,美国摄影仍以其多样的风格和独特的视角领跑在全球摄影艺术的前沿,尤其是数码技术的发展和新媒体的应用,也为“美式摄影”增添了新的可能性。
2015年是美国老牌杂志《美国摄影》(American Photo)创刊25年,作为跨世纪的美国摄影历史进程的忠实记录者,1月5日,《美国摄影》杂志纵观25年来美国摄影的发展变化,通过对数以百计优秀摄影师的近千幅作品的甄选,评出了5位标志着25年来美国摄影发展和变革,摄影风格方面开一派风气之先,对当代摄影有着巨大影响的摄影师,并对其给予相应的评价。从这5位颇具代表性的摄影师的作品中,我们也能够对近年来美国摄影的发展有一个大略的了解。
5位摄影师的作品,涵盖了战地摄影、风光摄影、人像摄影和时尚摄影等多种题材和门类,有纪实,也有再创作,但无不表现了深刻的思想和独特的观念。值得注意的是,他们的国籍并非都是美国,但强烈的“美式风格”还是让我们得以一窥所谓的“美国摄影”如何成为先锋引领时代。
菲利普-洛尔卡·迪科西亚(Philip-Lorca diCorcia),美国学院派艺术家的代表,毕业于耶鲁大学,在上世纪70-80年代时以拍摄家庭和友人的系列而逐渐崭露头角。比较著名的作品有两个系列,其中“好莱坞”系列作品备受争议。迪科西亚把拍摄地点定在好莱坞,拍摄对象则是游荡在街头的吸毒者和男妓,他将这些街头小人物置于一种好莱坞大片舞台的氛围中,并依照对方的要求付费拍摄,将具体的数额写到图片说明中,《玛丽莲》(Marilyn)就是其中代表,他无神的双眼和艳丽的红唇仿佛想告诉我们那个黑暗的地下世界的面目,却又释放出一种无需被理解的颓废。代理迪科西亚作品的大卫·兹沃纳画廊(David Zwirner)的负责人汉娜·思可欧文克(Hanna Schouwink)说:“他理解光的表现形式,他是在用当代的方式解读美学,这种方式显然是受到大师绘画作品用光和色彩的启发。他的作品里有对人性的理解,我认为那些作品象征着生活的艰辛和复杂。”
莱恩·麦克金利(Ryan McGinley),生于新泽西洲的拉姆齐市。1998年,麦克金利用宝丽莱记录到访过他家的人们,开始了他的摄影之路。麦克金利用雅西卡T4傻瓜相机记录下这些音乐人和艺术家的疯狂日常:他们彻夜不归,在曼哈顿市区游荡,在地铁里涂鸦……所有这些细节都被麦克金利记录下来,并用心挑选组成了一系列引人入胜的作品。他回忆说:“我当时着迷了,拍照成了我唯一想要去做的事,我喜欢拍摄身边的朋友,喜欢拍摄人体,还喜欢拍摄探险。”2002年,麦克金利和朋友一起骑车历经65天穿越了美国北部的26个州,记录下他们自由奔放的青春。在麦克金利的镜头中,少男少女在空旷的大自然里赤裸狂奔,或拥抱或跳跃,背后的蓝天和麦田美丽得不真实。他们既天真又狂野,像是回归童年般的天真与自由。而所有这些看似狂野的情景却被麦克金利用一种温暖而生动的颜色描绘着,使人仿若置身于冬日的阳光之中。
尼克·奈特(Nick Knight)是世界上最具影响力和远见卓识的摄影师之一。在美国,时尚摄影是当代摄影中不可缺失的一环。作为一个时尚摄影师,奈特一直挑战传统观念中对美的定义,他是众多时尚大牌的御用摄影师,也是明星们争相邀请的影棚掌镜人,在这些时尚的光环之下,我们能看到他作品中独特的视觉语言。奈特曾说:“与其简单的制造影像,我更愿意创造视觉语汇。”早在1993年,他就特立独行地在伦敦国家历史博物馆创作了一个名为“植物力量”的永久性装置——将鲜花和植物标本压制多层,然后选择样本进行拍摄。通过反相和对比度的提高,照片中花朵本身的美丽被放大,尽管图像本身描绘的是简单的植物和鲜花,但每张照片的焦点是如此复杂、详细和微妙,让人几乎不相信这是一株真实的植物。他同年创作的《战争》(War)更是颇具争议,这幅作品描绘了一群似乎是在战斗中的黑人男性,他们肌肉的脉动、明亮的红色油漆以及白色的背景交织出一幅美丽的画面,反映的主题与当下社会出现的种族歧视的现象不无关联。
琳赛·阿达里奥(Lynsey Addario),美国《纽约时报》的女记者,麦克·阿瑟奖得主,也是《时代》和《国家地理》青睐的战地摄影师,曾穿梭于达尔富尔、阿富汗、伊朗、非洲等多个冲突与危机满布的地区进行拍摄。她相信在战争之中的女性,能提供不同的观点与视野。阿达里奥的大部分时间都花在与被摄对象彼此了解并与之建立一种亲密感上,她曾说:“我去过塞拉利昂,那里难产而死的女性比例是世界最高的。我看着镜头前的女人死去,难过极了,但是这也正是激励我继续拍下去的动力,默克医药公司用我的照片募集了成千上万的资金来与这些疾病作斗争。”2009年,阿达里奥在苏丹拍摄的一组作品备受瞩目,幼小的孩子因逃亡和疾病羸弱不堪,身着白袍的男子在为自己死去的孩子祈祷。阿达里奥将战地人民真实的苦痛赤裸地展现在大众眼前,让人们发现真正扣人心弦的站地故事其实发生在枪炮之外。
安德烈亚斯·古尔斯基(Andreas Gursky)出生在一个摄影师家庭,他的父亲和祖父都是成功的商业摄影师,这也许是他作品中广告语言和明亮色彩的来源。古尔斯基善于从远距离表现宏大的空间和结构,他的大画幅的全景的彩色照片,有些高达6英尺,长达10英尺,给人强烈的震撼感觉。他的作品主要是城市里那些大却并不有名的场所和空间,诸如夜晚灯光中的建筑、写字楼大厅、证券交易所大厅,以及一些大卖场的内部。佳士得的国际摄影部主任达瑞斯·海姆斯(Darius Himes)曾在第一次看见古尔斯基作品时表现出不少震惊,他说:“平时看惯了16×20英寸的照片,一见古尔斯基的超大幅照片自然令人过目难忘,就像看到巴尼特·纽曼(Barnett Newman)的画作时的感受一样。”收藏家们为他的作品疯狂,从2007年《99美分》(99 Cent)在伦敦索斯比拍卖行高价拍出,到2011年《莱茵河Ⅱ》(the rhein II)拍出了430万美元的高价,古尔斯基奇迹般地成为了摄影开始进入严肃收藏的领域里的一座里程碑。《莱茵河Ⅱ》带给人一种神秘而永恒的意味,让人有一种瞬间迷失的感觉,画面保留的那些不明确的元素,解放了观者的想象力。
19世纪末,当摄影技术在欧洲发展了半个世纪后,这种颇具划时代意义的技术被传入美国。特定的历史环境和文化特色使摄影不仅作为一项技术,更作为一门艺术在美国得到了新的发展。从1884年爱德华·迈布里奇(Eadweard J. Muybridge)里程碑式的作品《运动的马》(The Horse in Motion)到以保罗·斯特兰德(PaulStrand)、爱德华·斯泰肯(Edward Steichen)为代表的美国现代主义摄影风格的确立,纽约逐渐成为了全球摄影师梦寐以求的目的地。发展到21世纪,美国摄影仍以其多样的风格和独特的视角领跑在全球摄影艺术的前沿,尤其是数码技术的发展和新媒体的应用,也为“美式摄影”增添了新的可能性。
2015年是美国老牌杂志《美国摄影》(American Photo)创刊25年,作为跨世纪的美国摄影历史进程的忠实记录者,1月5日,《美国摄影》杂志纵观25年来美国摄影的发展变化,通过对数以百计优秀摄影师的近千幅作品的甄选,评出了5位标志着25年来美国摄影发展和变革,摄影风格方面开一派风气之先,对当代摄影有着巨大影响的摄影师,并对其给予相应的评价。从这5位颇具代表性的摄影师的作品中,我们也能够对近年来美国摄影的发展有一个大略的了解。
5位摄影师的作品,涵盖了战地摄影、风光摄影、人像摄影和时尚摄影等多种题材和门类,有纪实,也有再创作,但无不表现了深刻的思想和独特的观念。值得注意的是,他们的国籍并非都是美国,但强烈的“美式风格”还是让我们得以一窥所谓的“美国摄影”如何成为先锋引领时代。
菲利普-洛尔卡·迪科西亚(Philip-Lorca diCorcia),美国学院派艺术家的代表,毕业于耶鲁大学,在上世纪70-80年代时以拍摄家庭和友人的系列而逐渐崭露头角。比较著名的作品有两个系列,其中“好莱坞”系列作品备受争议。迪科西亚把拍摄地点定在好莱坞,拍摄对象则是游荡在街头的吸毒者和男妓,他将这些街头小人物置于一种好莱坞大片舞台的氛围中,并依照对方的要求付费拍摄,将具体的数额写到图片说明中,《玛丽莲》(Marilyn)就是其中代表,他无神的双眼和艳丽的红唇仿佛想告诉我们那个黑暗的地下世界的面目,却又释放出一种无需被理解的颓废。代理迪科西亚作品的大卫·兹沃纳画廊(David Zwirner)的负责人汉娜·思可欧文克(Hanna Schouwink)说:“他理解光的表现形式,他是在用当代的方式解读美学,这种方式显然是受到大师绘画作品用光和色彩的启发。他的作品里有对人性的理解,我认为那些作品象征着生活的艰辛和复杂。”
莱恩·麦克金利(Ryan McGinley),生于新泽西洲的拉姆齐市。1998年,麦克金利用宝丽莱记录到访过他家的人们,开始了他的摄影之路。麦克金利用雅西卡T4傻瓜相机记录下这些音乐人和艺术家的疯狂日常:他们彻夜不归,在曼哈顿市区游荡,在地铁里涂鸦……所有这些细节都被麦克金利记录下来,并用心挑选组成了一系列引人入胜的作品。他回忆说:“我当时着迷了,拍照成了我唯一想要去做的事,我喜欢拍摄身边的朋友,喜欢拍摄人体,还喜欢拍摄探险。”2002年,麦克金利和朋友一起骑车历经65天穿越了美国北部的26个州,记录下他们自由奔放的青春。在麦克金利的镜头中,少男少女在空旷的大自然里赤裸狂奔,或拥抱或跳跃,背后的蓝天和麦田美丽得不真实。他们既天真又狂野,像是回归童年般的天真与自由。而所有这些看似狂野的情景却被麦克金利用一种温暖而生动的颜色描绘着,使人仿若置身于冬日的阳光之中。
尼克·奈特(Nick Knight)是世界上最具影响力和远见卓识的摄影师之一。在美国,时尚摄影是当代摄影中不可缺失的一环。作为一个时尚摄影师,奈特一直挑战传统观念中对美的定义,他是众多时尚大牌的御用摄影师,也是明星们争相邀请的影棚掌镜人,在这些时尚的光环之下,我们能看到他作品中独特的视觉语言。奈特曾说:“与其简单的制造影像,我更愿意创造视觉语汇。”早在1993年,他就特立独行地在伦敦国家历史博物馆创作了一个名为“植物力量”的永久性装置——将鲜花和植物标本压制多层,然后选择样本进行拍摄。通过反相和对比度的提高,照片中花朵本身的美丽被放大,尽管图像本身描绘的是简单的植物和鲜花,但每张照片的焦点是如此复杂、详细和微妙,让人几乎不相信这是一株真实的植物。他同年创作的《战争》(War)更是颇具争议,这幅作品描绘了一群似乎是在战斗中的黑人男性,他们肌肉的脉动、明亮的红色油漆以及白色的背景交织出一幅美丽的画面,反映的主题与当下社会出现的种族歧视的现象不无关联。
琳赛·阿达里奥(Lynsey Addario),美国《纽约时报》的女记者,麦克·阿瑟奖得主,也是《时代》和《国家地理》青睐的战地摄影师,曾穿梭于达尔富尔、阿富汗、伊朗、非洲等多个冲突与危机满布的地区进行拍摄。她相信在战争之中的女性,能提供不同的观点与视野。阿达里奥的大部分时间都花在与被摄对象彼此了解并与之建立一种亲密感上,她曾说:“我去过塞拉利昂,那里难产而死的女性比例是世界最高的。我看着镜头前的女人死去,难过极了,但是这也正是激励我继续拍下去的动力,默克医药公司用我的照片募集了成千上万的资金来与这些疾病作斗争。”2009年,阿达里奥在苏丹拍摄的一组作品备受瞩目,幼小的孩子因逃亡和疾病羸弱不堪,身着白袍的男子在为自己死去的孩子祈祷。阿达里奥将战地人民真实的苦痛赤裸地展现在大众眼前,让人们发现真正扣人心弦的站地故事其实发生在枪炮之外。
安德烈亚斯·古尔斯基(Andreas Gursky)出生在一个摄影师家庭,他的父亲和祖父都是成功的商业摄影师,这也许是他作品中广告语言和明亮色彩的来源。古尔斯基善于从远距离表现宏大的空间和结构,他的大画幅的全景的彩色照片,有些高达6英尺,长达10英尺,给人强烈的震撼感觉。他的作品主要是城市里那些大却并不有名的场所和空间,诸如夜晚灯光中的建筑、写字楼大厅、证券交易所大厅,以及一些大卖场的内部。佳士得的国际摄影部主任达瑞斯·海姆斯(Darius Himes)曾在第一次看见古尔斯基作品时表现出不少震惊,他说:“平时看惯了16×20英寸的照片,一见古尔斯基的超大幅照片自然令人过目难忘,就像看到巴尼特·纽曼(Barnett Newman)的画作时的感受一样。”收藏家们为他的作品疯狂,从2007年《99美分》(99 Cent)在伦敦索斯比拍卖行高价拍出,到2011年《莱茵河Ⅱ》(the rhein II)拍出了430万美元的高价,古尔斯基奇迹般地成为了摄影开始进入严肃收藏的领域里的一座里程碑。《莱茵河Ⅱ》带给人一种神秘而永恒的意味,让人有一种瞬间迷失的感觉,画面保留的那些不明确的元素,解放了观者的想象力。