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【摘要】现代声乐艺术是一门综合的艺术，要求演唱者即能演唱又能表演。文章从表演在声乐演唱中的要求、作用等方面阐述了表演在声乐艺术中的重要性。
【关键词】声乐表演；肢体表达；要求；作用
声乐表演是一门听觉与视觉相结合的艺术。作为众多舞台表演艺术中的一种，要求演唱者不仅要有天籁般动人的声音，成熟的声乐技巧、感人的艺术表现，还要有优雅大方的演唱风度和气派。这就需要将面部表情、眼神手势、形体动作、姿态仪表等与歌唱相结合，从而加强歌唱的艺术表现力，吸引、感染观众。歌唱技术与表演是声乐演唱过程中不可缺少的两个方面，它们相辅相成，缺一不可。没有表演，歌唱技巧就谈不上艺术表现，脱离了艺术表现，表演技巧也将失去它自身的存在价值。因此，表演在声乐演唱中具有重要作用，是聲音艺术的灵魂和生命。
一、声乐演唱中的表演
声乐演唱是一门实践性很强的艺术，具有感人至深的艺术力量。它是继词曲作者之后的第二次创作，要求既要忠实于原作也需要在一定尺度内进行二次创作。声乐演唱者的二度创作主要指：演唱者对声乐作品的处理和表演。而表演要求形体、眼神和情感都能恰当地表达作品，和声乐作品在内容上高度地融合，使形、神、韵在审美上达到统一。声乐演唱中的表演应具有表演的一般特性，但又必须具有自己的特点。在演唱一首作品时，演唱者要在自己的头脑中唤起内部视觉意象，这种意象是在歌曲规定的情境中创造出来的。要使歌曲内容表演得真实可信，就必须把歌曲的情境变成演唱者自己表演的情境，也就是老话说的：“身临其近。”每一首歌曲都有特定的情境，包含着作品所要表达的时间、人物、地点、景物等视像，声乐演唱者要准确地理解、认识和运用这些特性，来充分表现、表演作品。例如：吴碧霞老师，她在演唱歌曲《木偶之歌》时，从一开始，她就创设了情景，使观众跟着她的表演迅速进入歌曲意境。她拿着一支魔法棒，迈着机械的步子，走到舞台的中央，当音乐响起，她圆圆的眼睛配合着脖子的伸缩，随着音乐溜溜的转动，胳膊就像挂在肩膀上一样机械地一起一落，将一个木偶的形象活灵活现地表现出来。
二、表演在声乐演唱中的基本要求
表演在声乐演唱中要做到表演的真实性和创新性。
能够准确把握一首声乐作品的本质东西，并对原作的本质内容进行准确定位和理解，我们将这样的表演称为表演的真实性。它体现着表演者的感受力和分析理解力及艺术修养力。要想准确、真实地表演作品，演唱者必须要准确地分析、理解和把握声乐作品、研究歌词语调的抑扬顿挫、语气的轻重缓急、音乐节奏的快慢徐迟、旋律的高低起伏、装饰音的丰富多彩、情绪情感的哀乐忧伤、高潮的布局、词曲结合巧妙构思的整体性等内容。
创新性是指在表演真实性的基础上个性化的表现形式。要想获得富有个性的声乐表演，演唱者必须对原作进行深入地挖掘和分析，包括对原作基本内容和基本精神的准确把握，对作品音乐结构、表情术语以及音乐构成方式与歌词语句、音韵、词义关系的把握；以及对作品生成背景和相关学科知识的理性分析等。除此之外，还包括对自身歌唱条件和特点的准确体现，根据自己的嗓音设计演唱，从而达到个性演唱效果，实现创新。
三、表演在演唱中的运用
歌唱者认识作品、体验作品只是歌唱者使作品进入自己内心的环节，那么歌唱者如何通过声音将自己对作品的思想与内涵理解巧妙地传达给观众呢？
（一）声音表达
1.明暗对比
音乐中的明暗对比主要体现在歌唱者对音色变化来表现出喜、怒、哀、乐等多种情感，以及平淡与深刻、直白与含蓄等内心感受。比如，明亮的音色偏于表现快乐的情绪与直白的表达；雄浑的音色则偏向于用在庄严的气氛中等。
2.速度对比
速度是音乐进行的重要因素，一首作品速度上的改变往往会引起歌曲的整体面貌的变化。歌唱者在表现作品时，可遵循在作品原有速度范围内做适当的调整，这样作品的表现力就会更强。欲快先慢、欲慢先快，这样才能增强音乐的表现力，增加音乐的流动性。
3.强弱对比
欲强先弱，欲弱先强，声音的强弱变化是表现作品的有效手段。强与弱往往关系到音乐的跌宕起伏，一首作品不能全用强音，还要适当地增加弱声的运用。强弱对比能增强作品的感染力，弱声还能够为之后的强音节省出所需的力量与气息，有助于歌唱者在一张一弛中更轻松地完成作品。
4.语气表达
语气不仅是语言表达的基本要求，更是表现人物思想行为、情绪变化的重要手段。语气的变化主要受语音的强弱、重音位置的强调、停顿位置不同等影响。语气强时声音力度也会增强，语气弱时声音力度就会减弱。
5.有表情的换气
有表情的换气不仅是歌唱技巧的重要组成部分，也是情感表达的一部分。有表情的换气不仅有利于歌唱者获得良好的声音，而且能够使情感表达更充分。歌唱者应仔细分析、揣摩，确定好换气的位置，这样在歌唱时才能做到心中有数，演唱起来才能得心应手。
（二）肢体表达
1.面部表情的运用
面部表情是表演艺术表现人物性格、心理的重要手段。表演时面部一定要有喜、怒、哀、乐之分，如果面无表情，非但不能打动观众，反而会使观众反感。眼睛更是面部表情中的重要部分，眼睛是心灵的窗户，在表演时要通过眼神来表达。朦胧的、呆滞的、惊讶的、愤怒的、喜悦的、恐惧的、悲伤的表情等，都可以通过眼神的细腻变化表现出来。
2.肢体表达
歌唱姿势不仅是角色心理活动的一种体现，而且对演唱的声音也会产生较大的影响。良好的歌唱姿势不仅能帮助歌者顺利完成演唱还能给观众带来美感。
除了注意站姿，手势的运用也颇为讲究。声乐表演在表现女性角色的娟秀、柔美时，常常用到兰花指；在表现男性角色的阳刚、坚毅时，常常用到虎口掌。手臂的运用往往与手指相结合，整体而言，手势运用也要遵循一定的原则。动作运用上要注意方向清楚、动作准确、意义明确，从哪里起，到哪个位置停等，都要有明确的安排。动作要舒展，幅度要适中，既不能模棱两可，也不可过于夸张；力度注意柔中带刚，不可过于僵直，动作线条要圆滑，不能直来直去。
四、表演在声乐演唱中的作用及意义
表演在声乐演唱中不仅能促进艺术想象的完成，还能促进艺术实践中自我感觉的确立。演唱者对声乐作品内在形象思维的想象必须通过表演来实现。表演诱发想象力，想象力推动表演，二者相辅相成、彼此作用。表演者通过艺术想象力的功能，依据作品提供的想象材料结合自己对生活的积累进行表演。让自己在想象的环境中生活，在这种状态中表演者通过自己真实的体验获得真实感情，从而把作品完美的表现出来。只有当歌唱者注重了歌曲感情的表现，对作品有了恰当的表演，才能使听众得到艺术上的享受。对于声乐表演着来说，“声情并茂”完美结合是非常重要的，而表演又进一步促进了演唱者声情并茂地演唱。
声乐演唱要在舞台上进行，大多数演唱者都会紧张。在这种情况下，自然就难以获得平时训练中良好的自我感觉。为了缓解紧张的心理，就需要歌唱演员及时对自己的心理状态进行调整，全身心地投入到表演中去，达到忘我的境界，这样紧张感就会得到缓解，甚至消失。在表演过程中，演唱者要始终处于一种“既要有我，又要无我”的状态。“有我”是表演时从自我出发去捕捉角色的形象感；“无我”是演唱者进入规定情景时把自己化为角色，用真情实感去体现人物的喜怒哀乐。以上都需要演唱者在平时的训练中培养良好的自我感觉，并且要懂得运用表演来促进自我感觉的确立和发展。
综上所述，表演在声乐艺术中有着非常重要的作用。它不仅能帮助演唱者释放情绪、舒缓紧张心理、感染观众，还能帮助观众理解音乐的情绪、情感。使作品、演唱者、观众三者达到共鸣。随着近现代音乐剧、小剧场音乐剧的流行与发展，表演的作用越来越突显，毫不夸张地说：“表演已成为声乐艺术中一个重要的因素。”
【关键词】声乐表演；肢体表达；要求；作用
声乐表演是一门听觉与视觉相结合的艺术。作为众多舞台表演艺术中的一种，要求演唱者不仅要有天籁般动人的声音，成熟的声乐技巧、感人的艺术表现，还要有优雅大方的演唱风度和气派。这就需要将面部表情、眼神手势、形体动作、姿态仪表等与歌唱相结合，从而加强歌唱的艺术表现力，吸引、感染观众。歌唱技术与表演是声乐演唱过程中不可缺少的两个方面，它们相辅相成，缺一不可。没有表演，歌唱技巧就谈不上艺术表现，脱离了艺术表现，表演技巧也将失去它自身的存在价值。因此，表演在声乐演唱中具有重要作用，是聲音艺术的灵魂和生命。
一、声乐演唱中的表演
声乐演唱是一门实践性很强的艺术，具有感人至深的艺术力量。它是继词曲作者之后的第二次创作，要求既要忠实于原作也需要在一定尺度内进行二次创作。声乐演唱者的二度创作主要指：演唱者对声乐作品的处理和表演。而表演要求形体、眼神和情感都能恰当地表达作品，和声乐作品在内容上高度地融合，使形、神、韵在审美上达到统一。声乐演唱中的表演应具有表演的一般特性，但又必须具有自己的特点。在演唱一首作品时，演唱者要在自己的头脑中唤起内部视觉意象，这种意象是在歌曲规定的情境中创造出来的。要使歌曲内容表演得真实可信，就必须把歌曲的情境变成演唱者自己表演的情境，也就是老话说的：“身临其近。”每一首歌曲都有特定的情境，包含着作品所要表达的时间、人物、地点、景物等视像，声乐演唱者要准确地理解、认识和运用这些特性，来充分表现、表演作品。例如：吴碧霞老师，她在演唱歌曲《木偶之歌》时，从一开始，她就创设了情景，使观众跟着她的表演迅速进入歌曲意境。她拿着一支魔法棒，迈着机械的步子，走到舞台的中央，当音乐响起，她圆圆的眼睛配合着脖子的伸缩，随着音乐溜溜的转动，胳膊就像挂在肩膀上一样机械地一起一落，将一个木偶的形象活灵活现地表现出来。
二、表演在声乐演唱中的基本要求
表演在声乐演唱中要做到表演的真实性和创新性。
能够准确把握一首声乐作品的本质东西，并对原作的本质内容进行准确定位和理解，我们将这样的表演称为表演的真实性。它体现着表演者的感受力和分析理解力及艺术修养力。要想准确、真实地表演作品，演唱者必须要准确地分析、理解和把握声乐作品、研究歌词语调的抑扬顿挫、语气的轻重缓急、音乐节奏的快慢徐迟、旋律的高低起伏、装饰音的丰富多彩、情绪情感的哀乐忧伤、高潮的布局、词曲结合巧妙构思的整体性等内容。
创新性是指在表演真实性的基础上个性化的表现形式。要想获得富有个性的声乐表演，演唱者必须对原作进行深入地挖掘和分析，包括对原作基本内容和基本精神的准确把握，对作品音乐结构、表情术语以及音乐构成方式与歌词语句、音韵、词义关系的把握；以及对作品生成背景和相关学科知识的理性分析等。除此之外，还包括对自身歌唱条件和特点的准确体现，根据自己的嗓音设计演唱，从而达到个性演唱效果，实现创新。
三、表演在演唱中的运用
歌唱者认识作品、体验作品只是歌唱者使作品进入自己内心的环节，那么歌唱者如何通过声音将自己对作品的思想与内涵理解巧妙地传达给观众呢？
（一）声音表达
1.明暗对比
音乐中的明暗对比主要体现在歌唱者对音色变化来表现出喜、怒、哀、乐等多种情感，以及平淡与深刻、直白与含蓄等内心感受。比如，明亮的音色偏于表现快乐的情绪与直白的表达；雄浑的音色则偏向于用在庄严的气氛中等。
2.速度对比
速度是音乐进行的重要因素，一首作品速度上的改变往往会引起歌曲的整体面貌的变化。歌唱者在表现作品时，可遵循在作品原有速度范围内做适当的调整，这样作品的表现力就会更强。欲快先慢、欲慢先快，这样才能增强音乐的表现力，增加音乐的流动性。
3.强弱对比
欲强先弱，欲弱先强，声音的强弱变化是表现作品的有效手段。强与弱往往关系到音乐的跌宕起伏，一首作品不能全用强音，还要适当地增加弱声的运用。强弱对比能增强作品的感染力，弱声还能够为之后的强音节省出所需的力量与气息，有助于歌唱者在一张一弛中更轻松地完成作品。
4.语气表达
语气不仅是语言表达的基本要求，更是表现人物思想行为、情绪变化的重要手段。语气的变化主要受语音的强弱、重音位置的强调、停顿位置不同等影响。语气强时声音力度也会增强，语气弱时声音力度就会减弱。
5.有表情的换气
有表情的换气不仅是歌唱技巧的重要组成部分，也是情感表达的一部分。有表情的换气不仅有利于歌唱者获得良好的声音，而且能够使情感表达更充分。歌唱者应仔细分析、揣摩，确定好换气的位置，这样在歌唱时才能做到心中有数，演唱起来才能得心应手。
（二）肢体表达
1.面部表情的运用
面部表情是表演艺术表现人物性格、心理的重要手段。表演时面部一定要有喜、怒、哀、乐之分，如果面无表情，非但不能打动观众，反而会使观众反感。眼睛更是面部表情中的重要部分，眼睛是心灵的窗户，在表演时要通过眼神来表达。朦胧的、呆滞的、惊讶的、愤怒的、喜悦的、恐惧的、悲伤的表情等，都可以通过眼神的细腻变化表现出来。
2.肢体表达
歌唱姿势不仅是角色心理活动的一种体现，而且对演唱的声音也会产生较大的影响。良好的歌唱姿势不仅能帮助歌者顺利完成演唱还能给观众带来美感。
除了注意站姿，手势的运用也颇为讲究。声乐表演在表现女性角色的娟秀、柔美时，常常用到兰花指；在表现男性角色的阳刚、坚毅时，常常用到虎口掌。手臂的运用往往与手指相结合，整体而言，手势运用也要遵循一定的原则。动作运用上要注意方向清楚、动作准确、意义明确，从哪里起，到哪个位置停等，都要有明确的安排。动作要舒展，幅度要适中，既不能模棱两可，也不可过于夸张；力度注意柔中带刚，不可过于僵直，动作线条要圆滑，不能直来直去。
四、表演在声乐演唱中的作用及意义
表演在声乐演唱中不仅能促进艺术想象的完成，还能促进艺术实践中自我感觉的确立。演唱者对声乐作品内在形象思维的想象必须通过表演来实现。表演诱发想象力，想象力推动表演，二者相辅相成、彼此作用。表演者通过艺术想象力的功能，依据作品提供的想象材料结合自己对生活的积累进行表演。让自己在想象的环境中生活，在这种状态中表演者通过自己真实的体验获得真实感情，从而把作品完美的表现出来。只有当歌唱者注重了歌曲感情的表现，对作品有了恰当的表演，才能使听众得到艺术上的享受。对于声乐表演着来说，“声情并茂”完美结合是非常重要的，而表演又进一步促进了演唱者声情并茂地演唱。
声乐演唱要在舞台上进行，大多数演唱者都会紧张。在这种情况下，自然就难以获得平时训练中良好的自我感觉。为了缓解紧张的心理，就需要歌唱演员及时对自己的心理状态进行调整，全身心地投入到表演中去，达到忘我的境界，这样紧张感就会得到缓解，甚至消失。在表演过程中，演唱者要始终处于一种“既要有我，又要无我”的状态。“有我”是表演时从自我出发去捕捉角色的形象感；“无我”是演唱者进入规定情景时把自己化为角色，用真情实感去体现人物的喜怒哀乐。以上都需要演唱者在平时的训练中培养良好的自我感觉，并且要懂得运用表演来促进自我感觉的确立和发展。
综上所述，表演在声乐艺术中有着非常重要的作用。它不仅能帮助演唱者释放情绪、舒缓紧张心理、感染观众，还能帮助观众理解音乐的情绪、情感。使作品、演唱者、观众三者达到共鸣。随着近现代音乐剧、小剧场音乐剧的流行与发展，表演的作用越来越突显，毫不夸张地说：“表演已成为声乐艺术中一个重要的因素。”