植田正治的大部分作品都是寧静祥和独具特色的影调关系，加上超现实的画面语言，形成了其特有的影调——“植田调”，是一种初看起来很容易达成的样貌。
　　他的主调柔软，常有低反差带来的柔和感，但假如只单纯地把拍摄到的画面反差整体降低，那可就错了。他的画面，只有以纯熟的暗房制作、深厚的绘画审视能力才能达到。正如在中国展出的“植田正治回顾展”策展人佐藤正子说：“每个人或许可以对‘植田调’有自己的理解吧。”
　　今天，我们往往都在数字相机上拍摄，在数字显示屏上调整。而在植田正治的时代，一张底片只是负像，在作者没有完美呈现之前，并不能称之为作品。暗房印制，是将一张底片透射在感光相纸上。美国摄影家亚当斯对这一过程深有所感，描述这一过程时，他说：“底片即乐谱，印制即演奏。”
　　分析亚当斯所说，作为“乐谱”的底片，只是记录了影调关系，而作者需要具体地依据“乐谱”来发挥，即“演奏”。每个灰度的印制，都既要照顾灰的色彩，又要注意它们组成的关系，直到作品焕发出光辉。
　　如果说印制即演奏一首乐谱的话，植田正治所印制出的地面上的阴影，仿佛在低沉中跳动，成为了中低声部，而光照在逐渐从画面中心飘走。这样一张照片，已不再是对场景的忠实记录，而同时成为了包含感性与理性的艺术作品。
　　Wangjing

王晶

　　“作者的艺术”创始人，巴黎索邦大学语言学方向，师从法国高等社会科学学院，法国当代美学思想代表人物Jean-Marie Schaeffer，以及巴黎著名暗房师Guillaume Geneste。出版个人作品《在人间》。历年来教授的学生进入旧金山美术学院、伦敦大学、芝加哥艺术学院、北京电影学院等高等学府。

　　普通人看得懂，才是真正的好照片。
　　——植田正治

　　摄影师

植田正治Ueda Shoji

　　植田正治于1913年出生在日本鸟取，世界第一位获颁法国文化艺术骑士勋章的摄影师。主要作品有《沙丘》《童历》和《黑波》等。
　　20世纪30年代开始摄影，植田即坚持自然地拍摄，只拍摄身边事物与家人。他坚持静物式的摄影，导演自己的作品。鸟取是一个相对偏远的小城，在这里，植田正治从杂志、书本上吸收西方文化，并没有被卷入风起云涌的都市与社会议题。在他的镜头下，出现的是乌取的沙丘、妻子的身影、孩子的面容。
　　植田调的数字难题
　　今天的数字摄影中，由于大多数显示器的色域显示能力、灰度显示能力不足，导致我们常常丢失画面的微妙。就算我们拍摄同样场景，在Photoshop中不假思索地按照2%、5%的幅度去调整，这种灰的微妙往往迅速丢失。同时，假如输出流程的校色不准、输出色数不足，更无法达到准确地“演奏”你心目中的感受。

隐藏在画面中的线条

　　在这里，我们要探讨植田正治的这张作品，其内容极其简单，它仅仅由教室、黑板，以及讲桌上的节拍器构成。在事实层面描述，那就仅仅是“在一个落日照耀下的教室里，老师刚刚讲授完音乐知识，在讲台上留下了一个节拍器”而已。
　　我们仔细观看这张作品，其打动我们的是丰富的影调关系。正是因为植田正治讲述“此时此刻一个节拍器站立在桌子上”这一事实的过程中，使用了自己的影调语言。
　　从作品的构图上来看，这只是一幅简单的作品……但是且慢。如果一个画面中只存在平行线，难道不该很死板才对。为什么这张相反？

精心控制的局部灰度

　　从色彩来说，要协调一张作品，就首先要理解绘画的原理，每一个事物都有自己独特的反差，这与材质息息相关。例如图中，砂石地面的反差相较是缓慢柔软的，反差小;金属节拍器的反差相较是硬朗坚硬的，反差大。它们本身的反射率不同，使得它们在光照下的样貌也完全不同。
　　在这张作品中，存在着复杂的素描关系。红圈中所圈出的，即是每一个大面积的灰色彩。地面上的灰色，若以感性论，像烧尽的煤炭，形成了炭灰;墙面上的灰色，给人尘埃落定、不言不行的沉稳感;节拍器上存在的高光，嘹亮但并不刺眼，像清晨的柔和;而黑板与天花板一处，虽然深重，但并非坚硬，更像炭上铁炉经年历久所留下的深灰，给人旧却安心的感觉。

　　日本50年代的摄影作品往往具有极高的“热度”。可以称之为最高“热度”的，一定是东松照明。植田正治使用的是柔和的黑，而东松照明的作品全都用极大力度的黑来表现，画面反差极高，并且，他常常将对象充满整个镜头，丝毫不留给读者思考的余地。与之相比，植田正治自然显得冷清。在东松照明那种无情的高热度之下，其他因素都不再存在了。而植田正治这样的作者，在摄影之中带有强烈的个人与感性认知，以至于他所创作出的作品，可以用温度、力量这些知觉的词语来评价。

“植田调”的视觉温度

　　许多人在后期制作中，往往大开大合地猛拉曲线。但“植田调”的画面，一旦大开大合地增加、减少整体反差，就会立即扭曲。比如说，许多人认为：黑就应该具有黑色的力度，暗部只需要留下细节。然而，一旦我们将黑的极限值拉至死黑……画面够坚硬了，同时也仍然保留了暗部細节。但是，画面的植田温度感就一下子消失了，而变成真的只是一张黑漆漆的桌子，立在黑色坚硬、冰冷的土地上。

用阳光塑造的故事情节

　　同时，在植田正治对光线的构造上，也能看得出他的用意。植田正治通过对灰度的延伸使用，不仅塑造了画面的影调关系，也塑造了光照的角度、亮度、硬度，乃至力量。
　　光线从画面左边，外侧懒洋洋地照进来。光线是从一边散射而来，它的力度不强、整体轻飘飘、软绵绵的，连带阴影也软软的。
　　这就是植田正治从画面分区到处理线条关系，再细致处理暗部的用意。植田正治在诉说一个瞬间：太阳正在倾斜地照进来，它懒洋洋的，不愿使尽全力，打出强烈的高反差光。太阳探头探脑地进来，看了看教室中的乐符，节拍器上闪映了一下，它就离开了。

植田正治其它作品

　　植田正治是内心很纯粹、独立的摄影家，他不跟风，坚定地拍摄自己想要表达的东西。植田正治常说自己是植田正影爱好者，是日本摄影界很独特的位摄影家。他有着自己独特的方式，有自己独特的美学。
　　——三影堂创办人荣荣

　　好的画面并不是蒙出来的，而是简洁地处理了复杂场景。植田正治制作了那么多画面，但他的方法接近于始终统一。很多初学者容易犯的另一个错误，就是过度依赖PS调整，几乎从不鉴别原始场景。而在调整中，一旦前期拍摄反差高了，后期就往低了调;反之就往高调。
　　结果，由于不断地过度调整，导致画面中的过渡关系不断丢失，微妙的力量与温度也不断丢失。
　　所有的力度、温度，都是靠对比得出的;同时，所有优美的画面，都不是单一的画面。优秀的摄影艺术作品，都是复合调整的画面，在其中，既有高亢，也有低沉，更有高亢中的嘹亮，也有低沉中的波动。优秀的艺术作品，其中包含的是复合、复杂的感情。
　　纵观植田正治的拍摄，他所选择的场景，往往都是侧光、泛光。反差不能过大，场景不过于刺眼。停止的节拍器、略微陈旧的教室，都在告诉我们他的拍摄场景选择。在植田正治的年代，黑白摄影艺术其实就是绘画艺术的延伸。它的语言高度简练，观察要求高度精准，而在制作中，又需要优雅而必要地将我们讲到的众多调整，以最简洁的方式制作出来。
　　本文中图片版权属于植田正治事务所

参考书籍推荐

　　①
　　《植田正治小传记》
　　《植田正治小传记》是植田正治于1974年至1985年十二年问，在日本专业摄影杂志《每日摄影》上的连载集结。内容收录了植田正治摄影生涯中具有特别意义且重要的作品系列。
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　　②
　　《理解一张照片》
　　《理解一张照片：约翰·伯格论摄影》是伯格过去五十年“写摄影”的文章精华，由英国国宝级作家杰夫戴尔悉心编选。扫码购买
　　③
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