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琉璃的技术是艺术家的语言,通常艺术家要花一生的时间去寻找,找不到的话,艺术家一生的梦是无法实现的。
十九世纪,法国琉璃艺术大师Emile Galle深信一朵花就是一个宇宙,他以每一件作品,热烈表达对上帝造万物最崇高的礼赞。就因这点,Emile Galle成了杨惠姗心灵向往的境界。EmileGalle在技法上的追求如同对宗教一般狂热,但他拥有的技术只有吹制及热雕塑,他的花朵,仍然有色彩上与造型上的局限。
100年后,艺术家杨惠姗从脱蜡铸造出发,经过二十多年无数次的实验,终于精准掌握色彩、造型,创造出杨惠姗自己的琉璃花朵。
二十四年的创作生涯,杨惠姗以花作为艺术家观照生命的方式。1998年《花好月圆》系列,精湛定色的花作品,呈现生命力的绚丽与丰富;2007年《澄明之悟》系列,抽离色彩、澄澈透明的巨型牡丹,点出生命的空与无。2010年《焰火里的禅静》系列,山水写的是胸中千岩万壑,花卉绘的是一花一世界。含蓄淡雅,却意图将大千世界的生命观照,浓缩成一篇篇的咏叹。
相隔百年,两个不同民族、不同技法的艺术家,在不同的时空里,对琉璃艺术做出最大的贡献。100年前,Emile Galle没有完成的梦想;100年后,杨惠姗在世界的玻璃史上,第一次开出一朵中国琉璃花。
杨惠姗独创在高温中将吹制的巨大琉璃瓶结合脱蜡铸造花朵。精密铸造花的细节,准确粉烧描绘花朵,在酷热环境下,吹瓶和事先预热的花,如同孕育新生命般,瞬间热接,合而为一。稍有不慎,瓶身立刻粉身碎骨。炙热炉火,严苛考验艺术家的体力、耐力,瞬间热接的胆大心细,绝对要求精准、专注。这样需要高度团队合作默契的技法,在中国工艺史上,史无前例首次采用。脱蜡花朵的繁复精致定色,吹制山水瓶子的流动闲逸,极为澎湃热烈地结合,却转化交织,成为细致花朵前景与迷蒙虚幻远山流水。丰富的自然世界诗意,是杨惠姗对生命的直接观照。
聚宝盆系列,源自1993年为故宫博物院所收藏、广受好评的《金玉满堂》作品。十七年后,历经三年的不断尝试,杨惠姗终于成功地以脱蜡结合吹制琉璃的技法,献上《花舞鱼飞春光聚》。以脱蜡制成的宝瓶顶盖,由金鱼的细节和花瓣的层次构成。一种似幻似真的姿态,层层迭迭,繁复细致,成为脱蜡制模与翻模上最大的挑战。而吹制的瓶身,由艺术家在人间炼狱般炙热的车间以手工吹制,以一根长管撑卷起三十公斤滚烫发红的玻璃浆,但同时又得小心掌控半流质作品的角度,动作稍有闪失,瓶身的细节就受到影响。粗中带细,刚中带柔,令人汗流浃背的温度与重量,如修行一般,是体力与耐力的极限考验。
康宁玻璃博物馆馆长Tina Oldknow女士盛赞:“杨惠姗的作品,不论是技术上或者创意上,为琉璃艺术界跨越了新的高度。”
《澄明之悟》系列作品,把所有的色彩全部抽出,留给每一件作品澄澈透明的样貌,首件作品《澄明之悟》,一朵盛开的透明牡丹,2007年3月在美国纽约Leo Kaplan Modem(里昂开普莱艺廊)艺廊第一次展出造成轰动,随即受到美国玻璃权威的“康宁玻璃博物馆”及“艺术与设计博物馆”永久收藏的肯定。康宁玻璃博物馆馆长Tina Oldknow女士说:“我先前看过照片;但是,亲眼看见作品,才感觉它令人震憾的力量。杨惠姗的作品完全不是照片所能传达。”Tina认为那种照片不能传达的,还有尺寸比例上的体积感和光线的复杂感。而这正是玻璃艺术独特无双的魅力。在“康宁玻璃博物馆”中《澄明之悟》被陈设在最为显著重要的位置,国际知名琉璃艺术家史蒂文·温伯格在参观博物馆后,对着杨惠姗说:“这样的位置连我都嫉妒喔!”
花的创作,是杨惠姗展现生命的方式。从繁花似锦,刹那透明,《澄明之悟》是全新的境界,恰好展现悬在那里的琉璃本质的观念,主要的思想渊源,来自于禅与佛家的哲学中,所说的一切“无常”,生命的多变化且无法掌握,以琉璃创作展现对于生命的态度,奋然跃起,拥抱一切,作品中映照更深切的观照。
美国现代琉璃艺术家威廉·卡森说:“杨惠姗美丽的作品让我展开新的视界,也看见了中国文化在她身上的深刻影响,她建立了属于她的创作语言。”
十九世纪,法国琉璃艺术大师Emile Galle深信一朵花就是一个宇宙,他以每一件作品,热烈表达对上帝造万物最崇高的礼赞。就因这点,Emile Galle成了杨惠姗心灵向往的境界。EmileGalle在技法上的追求如同对宗教一般狂热,但他拥有的技术只有吹制及热雕塑,他的花朵,仍然有色彩上与造型上的局限。
100年后,艺术家杨惠姗从脱蜡铸造出发,经过二十多年无数次的实验,终于精准掌握色彩、造型,创造出杨惠姗自己的琉璃花朵。
二十四年的创作生涯,杨惠姗以花作为艺术家观照生命的方式。1998年《花好月圆》系列,精湛定色的花作品,呈现生命力的绚丽与丰富;2007年《澄明之悟》系列,抽离色彩、澄澈透明的巨型牡丹,点出生命的空与无。2010年《焰火里的禅静》系列,山水写的是胸中千岩万壑,花卉绘的是一花一世界。含蓄淡雅,却意图将大千世界的生命观照,浓缩成一篇篇的咏叹。
相隔百年,两个不同民族、不同技法的艺术家,在不同的时空里,对琉璃艺术做出最大的贡献。100年前,Emile Galle没有完成的梦想;100年后,杨惠姗在世界的玻璃史上,第一次开出一朵中国琉璃花。
杨惠姗独创在高温中将吹制的巨大琉璃瓶结合脱蜡铸造花朵。精密铸造花的细节,准确粉烧描绘花朵,在酷热环境下,吹瓶和事先预热的花,如同孕育新生命般,瞬间热接,合而为一。稍有不慎,瓶身立刻粉身碎骨。炙热炉火,严苛考验艺术家的体力、耐力,瞬间热接的胆大心细,绝对要求精准、专注。这样需要高度团队合作默契的技法,在中国工艺史上,史无前例首次采用。脱蜡花朵的繁复精致定色,吹制山水瓶子的流动闲逸,极为澎湃热烈地结合,却转化交织,成为细致花朵前景与迷蒙虚幻远山流水。丰富的自然世界诗意,是杨惠姗对生命的直接观照。
聚宝盆系列,源自1993年为故宫博物院所收藏、广受好评的《金玉满堂》作品。十七年后,历经三年的不断尝试,杨惠姗终于成功地以脱蜡结合吹制琉璃的技法,献上《花舞鱼飞春光聚》。以脱蜡制成的宝瓶顶盖,由金鱼的细节和花瓣的层次构成。一种似幻似真的姿态,层层迭迭,繁复细致,成为脱蜡制模与翻模上最大的挑战。而吹制的瓶身,由艺术家在人间炼狱般炙热的车间以手工吹制,以一根长管撑卷起三十公斤滚烫发红的玻璃浆,但同时又得小心掌控半流质作品的角度,动作稍有闪失,瓶身的细节就受到影响。粗中带细,刚中带柔,令人汗流浃背的温度与重量,如修行一般,是体力与耐力的极限考验。
康宁玻璃博物馆馆长Tina Oldknow女士盛赞:“杨惠姗的作品,不论是技术上或者创意上,为琉璃艺术界跨越了新的高度。”
《澄明之悟》系列作品,把所有的色彩全部抽出,留给每一件作品澄澈透明的样貌,首件作品《澄明之悟》,一朵盛开的透明牡丹,2007年3月在美国纽约Leo Kaplan Modem(里昂开普莱艺廊)艺廊第一次展出造成轰动,随即受到美国玻璃权威的“康宁玻璃博物馆”及“艺术与设计博物馆”永久收藏的肯定。康宁玻璃博物馆馆长Tina Oldknow女士说:“我先前看过照片;但是,亲眼看见作品,才感觉它令人震憾的力量。杨惠姗的作品完全不是照片所能传达。”Tina认为那种照片不能传达的,还有尺寸比例上的体积感和光线的复杂感。而这正是玻璃艺术独特无双的魅力。在“康宁玻璃博物馆”中《澄明之悟》被陈设在最为显著重要的位置,国际知名琉璃艺术家史蒂文·温伯格在参观博物馆后,对着杨惠姗说:“这样的位置连我都嫉妒喔!”
花的创作,是杨惠姗展现生命的方式。从繁花似锦,刹那透明,《澄明之悟》是全新的境界,恰好展现悬在那里的琉璃本质的观念,主要的思想渊源,来自于禅与佛家的哲学中,所说的一切“无常”,生命的多变化且无法掌握,以琉璃创作展现对于生命的态度,奋然跃起,拥抱一切,作品中映照更深切的观照。
美国现代琉璃艺术家威廉·卡森说:“杨惠姗美丽的作品让我展开新的视界,也看见了中国文化在她身上的深刻影响,她建立了属于她的创作语言。”