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[摘要]在21世纪这个强调多学科、多中心交叉的时代，现代摄影艺术作为传统绘画艺术边缘学科的地位亟待提高。它代表着科学和艺术二极的碰撞。在现代高师美术教学当中也是不可避免的。
[关键词]自然主义 画意摄影 形式感 色彩原理
自从第一张摄影照片诞生，传统绘画中那种以逼真、肖似的摹拟客观对象的机械、僵化的纯自然主义观点就受到了莫大的挑战。21世纪是信息化、数字化、网络化的时代。面临着丰富多彩的社会现象和变化，传统的高师美术教育中那种以手绘训练为主的课堂模式的基础课造型训练系统略显单薄和不足。如何将现代科学技术与传统的艺术人才的培养进行手段上的解析和组合，是我们年轻一代美术教育工作者亟需解决的问题。我认为，将现代摄影技术所拥有的多方面的特点与技术优势，与传统高师美术教育系统进行再次交叉和重组，将是有效提高美术教育秩序的重要手段之一。如何使摄影艺术与传统的绘画教学系统实现重组和交叉呢?应从以下五个方面入手。
一、选材与主题
由于摄影艺术作品的瞬间真實性，要求审美主体必须积极深入到生活中去，从普通、零散的自然、社会各层次中提炼出典型的主题和深远的内涵。参照着摄影艺术自身的科学性和瞬间真实性要求，就要求高师学生必须抛掉象牙塔内的幻想，平时更多的去积累生活的丰富性，才能在灵感来临的瞬间一蹴而就，迅速激情的去把握形象。同时，借助于摄影技术，我们也可以在创作中更为方便的收集素材和得到精确、放大的局部细节。
二、焦距和构图
摄影艺术通过镜头焦距的变换，实现了创作主体不动，而客体可以里现多种变化的目的。从15mm的鱼眼镜头，到28mm的大广角镜头，都可以使客观对象的空间透视感加大，远近大小比例加强，15mm鱼眼镜头甚至可以因为对中心的会聚作用而使近处物体出现严重的夸张变形。而200mm以上的长焦望远镜则可以把物体空间距离得到平面式的压缩，透视感变弱，特写微距镜头甚至将会使重复物体出现平面图案化的倾向。而人眼则由于自身的调节作用，使得上述现象很少被察觉到。所以我们在绘画构图中，就可以凭借摄影镜头变焦所具有的客观真实的反映而去克服肉眼本身的局限性，融汇进审美主体更多想象创造的变化，驰聘自由的空间。
三、灵动与凝重
照相机的快门速度的调节对捕捉动态物体的瞬间形象可谓轻而易举。著名的古希腊雕塑《掷铁饼者》就是选取了运动员的奋力一掷，集中全身的肌肉力量的瞬间造型。当时的雕塑家米隆在塑造这个形象可能是在经过了无数次观察之后艰苦总结概括出的。而在今天，借助摄影术可以轻而易举的把运动员一系列的分解动作用分镜头凝固下来，以供现代雕塑家自由地抉择和参照。相反，低速快门则可以使高速运动的物体呈现出一连串虚幻的景象。这种现象正好与未来主义画派对动作阐述和研究相互巧合，所以在高师美术教育中凭借着摄影艺术的普及，将会使学生对未来主义抽象的理论更快的得到更多的印证和深入的研究，从而使对非常态艺术的实践和教学走向一个新的阶段。
四、曝光与色调
光线是摄影造型艺术的生命。由之而生，光与影产生的明暗色调的变化，也是影响摄影作品气势的重要手段。由于对曝光目的控制的不同，对同一客体，可以出现大概三种截然不同的效果：既高调曝光着眼于对物体的亮部细节的刻画，暗部表现较少，整体气势表现高雅、明快、素洁，对物体优美的轮廓更清晰的表现。低调曝光则侧重于物体暗部细节的渲染，亮部仅留有几处高光，整体气势深沉、凝重、富有立体感和重量感，视觉冲击力强。而中调曝光则二者兼而有之。表现朴素自然，层次丰富。同时，由于用光角度的不同，对被摄体又可出现顺光、逆光、测光、顶光、侧逆光等等丰富多彩的用光效果。由于用光位置的不同，又可分为轮廓光、背景光、眼神光等等。这些丰富多彩的用光效果如果和传统的光影素描基础训练结合，将可以更有效的激发学生的对光与影，明和暗的想象力和创造力，使得学生在面对同一物体可以通过光线、明暗、色调的变化，绘制出更加富于表现力和感染力的新表现素描。
五、滤镜与色彩
对固有色的习惯认识是传统色彩中需要最先突破的一道障碍，学生看惯了自然生活中大量存在的固有色变化，缺少一种对于环境色和光源色的敏锐感觉和色彩之间相互影响的认识，往往在作品中简单的去摹拟自然固有色，缺乏色彩想象力和创造力。而在摄影艺术中，通过在镜头前灵活的套用各色滤镜，就可以使色彩理论在胶片上得到充分的表现。例如，在镜头前加上一片淡红色滤镜，由于它只允许红色光线顺利通过，而阻挡其它可见色光的通过，就可以在花卉摄影中使绿叶变得更加的暗，而使在绿叶衬映下的红花变得分外明亮，娇娆：同理，套用一片橙色镜，就可以使下午的景物笼罩在一片夕阳的光辉之下：如用一片深蓝镜，可以把月夜那份凄美的蓝色调在清晨就可以实现等等。教师可以通过摄影滤镜带来的色彩变化丰富性的展示，使学生更深刻的理解色彩理论的基础知识，从而帮助学生在色彩问题上过关，更好的理解色彩并创作出众多色彩正确的作品来。近年来，最新发展起来的红外线摄影技术，更是将自然景色加以极强的色彩变化和感染力，值得我们在艺术创作课上加以总结其科学性。
[关键词]自然主义 画意摄影 形式感 色彩原理
自从第一张摄影照片诞生，传统绘画中那种以逼真、肖似的摹拟客观对象的机械、僵化的纯自然主义观点就受到了莫大的挑战。21世纪是信息化、数字化、网络化的时代。面临着丰富多彩的社会现象和变化，传统的高师美术教育中那种以手绘训练为主的课堂模式的基础课造型训练系统略显单薄和不足。如何将现代科学技术与传统的艺术人才的培养进行手段上的解析和组合，是我们年轻一代美术教育工作者亟需解决的问题。我认为，将现代摄影技术所拥有的多方面的特点与技术优势，与传统高师美术教育系统进行再次交叉和重组，将是有效提高美术教育秩序的重要手段之一。如何使摄影艺术与传统的绘画教学系统实现重组和交叉呢?应从以下五个方面入手。
一、选材与主题
由于摄影艺术作品的瞬间真實性，要求审美主体必须积极深入到生活中去，从普通、零散的自然、社会各层次中提炼出典型的主题和深远的内涵。参照着摄影艺术自身的科学性和瞬间真实性要求，就要求高师学生必须抛掉象牙塔内的幻想，平时更多的去积累生活的丰富性，才能在灵感来临的瞬间一蹴而就，迅速激情的去把握形象。同时，借助于摄影技术，我们也可以在创作中更为方便的收集素材和得到精确、放大的局部细节。
二、焦距和构图
摄影艺术通过镜头焦距的变换，实现了创作主体不动，而客体可以里现多种变化的目的。从15mm的鱼眼镜头，到28mm的大广角镜头，都可以使客观对象的空间透视感加大，远近大小比例加强，15mm鱼眼镜头甚至可以因为对中心的会聚作用而使近处物体出现严重的夸张变形。而200mm以上的长焦望远镜则可以把物体空间距离得到平面式的压缩，透视感变弱，特写微距镜头甚至将会使重复物体出现平面图案化的倾向。而人眼则由于自身的调节作用，使得上述现象很少被察觉到。所以我们在绘画构图中，就可以凭借摄影镜头变焦所具有的客观真实的反映而去克服肉眼本身的局限性，融汇进审美主体更多想象创造的变化，驰聘自由的空间。
三、灵动与凝重
照相机的快门速度的调节对捕捉动态物体的瞬间形象可谓轻而易举。著名的古希腊雕塑《掷铁饼者》就是选取了运动员的奋力一掷，集中全身的肌肉力量的瞬间造型。当时的雕塑家米隆在塑造这个形象可能是在经过了无数次观察之后艰苦总结概括出的。而在今天，借助摄影术可以轻而易举的把运动员一系列的分解动作用分镜头凝固下来，以供现代雕塑家自由地抉择和参照。相反，低速快门则可以使高速运动的物体呈现出一连串虚幻的景象。这种现象正好与未来主义画派对动作阐述和研究相互巧合，所以在高师美术教育中凭借着摄影艺术的普及，将会使学生对未来主义抽象的理论更快的得到更多的印证和深入的研究，从而使对非常态艺术的实践和教学走向一个新的阶段。
四、曝光与色调
光线是摄影造型艺术的生命。由之而生，光与影产生的明暗色调的变化，也是影响摄影作品气势的重要手段。由于对曝光目的控制的不同，对同一客体，可以出现大概三种截然不同的效果：既高调曝光着眼于对物体的亮部细节的刻画，暗部表现较少，整体气势表现高雅、明快、素洁，对物体优美的轮廓更清晰的表现。低调曝光则侧重于物体暗部细节的渲染，亮部仅留有几处高光，整体气势深沉、凝重、富有立体感和重量感，视觉冲击力强。而中调曝光则二者兼而有之。表现朴素自然，层次丰富。同时，由于用光角度的不同，对被摄体又可出现顺光、逆光、测光、顶光、侧逆光等等丰富多彩的用光效果。由于用光位置的不同，又可分为轮廓光、背景光、眼神光等等。这些丰富多彩的用光效果如果和传统的光影素描基础训练结合，将可以更有效的激发学生的对光与影，明和暗的想象力和创造力，使得学生在面对同一物体可以通过光线、明暗、色调的变化，绘制出更加富于表现力和感染力的新表现素描。
五、滤镜与色彩
对固有色的习惯认识是传统色彩中需要最先突破的一道障碍，学生看惯了自然生活中大量存在的固有色变化，缺少一种对于环境色和光源色的敏锐感觉和色彩之间相互影响的认识，往往在作品中简单的去摹拟自然固有色，缺乏色彩想象力和创造力。而在摄影艺术中，通过在镜头前灵活的套用各色滤镜，就可以使色彩理论在胶片上得到充分的表现。例如，在镜头前加上一片淡红色滤镜，由于它只允许红色光线顺利通过，而阻挡其它可见色光的通过，就可以在花卉摄影中使绿叶变得更加的暗，而使在绿叶衬映下的红花变得分外明亮，娇娆：同理，套用一片橙色镜，就可以使下午的景物笼罩在一片夕阳的光辉之下：如用一片深蓝镜，可以把月夜那份凄美的蓝色调在清晨就可以实现等等。教师可以通过摄影滤镜带来的色彩变化丰富性的展示，使学生更深刻的理解色彩理论的基础知识，从而帮助学生在色彩问题上过关，更好的理解色彩并创作出众多色彩正确的作品来。近年来，最新发展起来的红外线摄影技术，更是将自然景色加以极强的色彩变化和感染力，值得我们在艺术创作课上加以总结其科学性。