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摘要：何家英与张见是有着师承关系的工笔画家，作品却有诸多的区别，不仅在形式语言上各有特色，更在审美理想上独具追求。在用线、色彩、章法布局上两位画家有不同的特点，何家英的绘画典雅沉静具有意境幽远的古典韵致，张见的绘画细腻流丽具有象征意义的当代特色。
关键词：何家英；张见；工笔人物画；辨异何家英是中国当代最著名的工笔画家，张见是年轻新锐画家的代表，张见2008年 获得中国艺术研究院博士学位，研究方向为中国工笔人物画创作与研究，导师即何家英先生。两位有着师承关系的工笔画家，且作品大多都以女性人物为题材，表现上也都对西方的绘画有所借鉴，但是他们的作品不仅在形式语言上各有特色，更在审美理想上独具追求，虽同处一个时代，但却能明显的感受到不同的年代特征。相较之下，何家英的绘画典雅沉静具有意境幽远的古典韵致，张见的绘画细腻流丽具有象征意义的当代特色。以何家英的《幽谷》与张见的《桃色》系列做对比，便能看出其中的诸多差异。
1形式语言迥异
1.1用线的差异
中国工笔画对于线条要求很高，古人所谓“骨法用笔”是也，至今中国画也不能背离此道，用线的好坏，即代表了绘画造诣的高下，两位画家在用线上独具匠心。何家英的线条多以“钉头鼠尾”为主，线条讲究粗细、虚实和浓淡的对比，看似极为传统但是因为他汲取了西方绘画的经验，使线条的组织更加的切合物象的结构，而令形象更具有立体感，例如《幽谷》图中人物的轮廓线特别是关节的转折处的穿插起伏完全与西画的造型方式无异。从这点上看，何家英用线的成功就在于恪守古法法用笔的基础上巧妙的融合了西方绘画的造型意识。相反的，张见的线条，多以“高古游丝描”为主，并不太强调线条的粗细对比，而更加注重疏密的分布，特别是在头发，衣纹及装饰上特别的细密，而人物的身体保留大面积的空白，将传统用线的疏密对比做到极致，线条虽然也结合结构，但因为其追求整体的视觉效果和疏密的对比，使线条的构成显现的较为平面化，这又似乎沿袭了传统的造型特点。这是个有趣的现象，对于西画的借鉴，不可生吞活剥，两位画家在这方面都平衡的相当完美。
1.2色彩上的区别
作品基本按照物象的固有色来赋色，似乎不外“随类赋彩”而已，但实际上这种随类赋彩也已超越了古人对色彩理解的界限了，譬如人物的肤色，绝对不是一两种颜色与墨色混合就能表现出来的，那种澄明润洁的肌肤色彩是靠非常微妙的色彩的冷暖对比出来的，比如基调的冷青与皮肤的暖粉色的对比；还有对于结构部位的渲染特别是五官的精到刻画，都借鉴了油画写实的用色技巧。在《幽谷》中，还能看到设色时的设计成份，如耳朵，嘴唇，乳房及手脚的蔻丹，加之钤印的位置，这几处红色的布置，显然是精心安排过的。假如说何家英的色彩布局置仍可看做是“经营位置”的延伸，那么在张见的绘画中就能明显感受到设计中色彩构成的意味，首先他在最初的形象勾画上就已经把各部分色块的轮廓预定下来，在《桃色》中的三个大块，太湖石，皮肤和衣服，外轮廓线变化多端又加之适度的分割，遮掩，透镂使得画面产生了非常多样的形状的构成之后，张见的设色便似乎简洁许多，几乎有如平涂般的将色彩按形状填涂完成。最后就看到了这种平面的色彩构成般的效果，这体现出了他在创作当中的设计思想，与何家英相比，何家英的设色就相对自然主义了。
1.3章法布局上的不同
《幽谷》的布局很完整，人物与背景相得益彰，一丛树叶恰到好处的衬托出人物的恬静之美，这样地全景的布局会使观众和画面既有距离感又似乎融入画中，对于表现这样的人体之美，这种若即若离的距离感是恰到好处的，既有亲近感，又具神圣感，所谓“可远观而不可亵玩焉”。总体来说，他所采用的全景化的章法布局最能传达出他所要表现得那种充满幻想、浪漫和抒情的诗意化的境界。再读《桃色》，张见的处理方式极具现代感，具有一种“拼凑”和“符号化”的倾向。表现人物而不完整，只是截取躯体的局部，特别是在画面的视觉中心描绘出一具极有诱惑力的性感的臀部，一枝红桃也似乎也含有某种暗寓。这样夸张的局部放大，极容易拉近观者的眼睛，产生一种近距离观察的视觉体验，但是在观者与人体之间又被一组石头挡住了，通过石头之间的孔洞与罅隙又使观者的观看方式变为了窥探。在张见的作品中常会见到用这样“阻隔”的手法，使画面主体产生一种神秘感。使人不能靠近，在极大的引诱前面，加上这样无情的阻挡，使得张见的绘画产出一种“戏谑”的成分。在大胆的表露与阻隔之间，作品也似乎游离在了情色与清纯之间了。
2审美理想不同
那么为什么同样对于女性题材表现却有着这些诸多的差别呢？主要还是两位画家的审美理想有所不同。何家英认为，对今天女性自身生存状态、生命价值的思考和表现才是画家的责任。通过对具有时代特点、个性特征和女性自我意识的刻画，使她们发现和确立自身价值，作为文化主体进入审美领域，才是其美学意义所在。在表现女性美时，他注重挖掘不同女性心理的内在美感，通过对其心灵自然流露出的纯真、朴实、善良，表现出一种人格上的气质美。如《幽谷》这幅画，通过人与自然的相互映照，人物优雅的体态，描绘出了一位恬静犹如山泉般清灵的女子的美好形象。在这样的审美理想下，何家英的创作展现给观者的就已经绝不单单是人物外表的美好了，而是从外在形象到精神气质，体会其微妙之异，古人讲“摄生动质，凝神气照”，即从形到神完整地揭示出对象。而这种生、质、神、照、又绝非纯客观的描画，更多的则是更主观的赋予，这并不矛盾。他笔下的对象正是他内心世界的表达。他赋予对象以他的思想、感情、格调，这才是何家英的画。不管他所画的对象多么不同，但她们一例都有一种高洁的气质、伤感的情绪，而他的人生体验里，总觉得这是最美的。或者说，在他的审美理想中，是一种情操上的取向。而他赋予了她们。
如果何家英绘画追求的是单纯含蓄的质朴之美，那么张见的绘画则表露了一种复杂虚幻的“惊艳之美”。说张见的这种“惊艳之美”复杂而虚幻是因为我们不能像品鉴何家英的绘画那样从人物的眼眸举止之中来感受画家对对象所赋予的情感，而只能通过解读图式的象征寓意来揣测作品的含义，理解画家的内心追求。从画面上看，张见笔下的世界是一个矛盾丛生的世界，柔软与刚强、理性与激情、高贵与放荡、严肃与游戏、优雅与通俗、真实与虚幻同在一个空间，彼此联系又相互消解。就此而言，张见以传统的线描勾画出了“后现代”式的心意。从另一个角度讲，张见的作品不单是看似平静实则激动的画家的内心的写照，也更反映出当代人心理得矛盾性，复杂性。与当下相比，何家英作品产生的年代，人们的内心似乎要平静得多单纯的多了。
总之，何家英与张见虽然同样从事工笔人物画，但是各自的创作理念不同，产生了不同意义的作品，而作品的差异也正是画家借外融今的成功的切入点，也正是这些差异恰恰反映出了工笔画人物画创作的活力与生机。只有仔细探究这些优秀工笔画家的作品特色，才能够借鉴吸收更多的良好因素，借此来寻求传统工笔人物画艺术现代性转型的成功路径。
参考文献：
[1] 张见.新工笔文献丛书：张见卷[M].合肥：安徽美术出版社，2010.
关键词：何家英；张见；工笔人物画；辨异何家英是中国当代最著名的工笔画家，张见是年轻新锐画家的代表，张见2008年 获得中国艺术研究院博士学位，研究方向为中国工笔人物画创作与研究，导师即何家英先生。两位有着师承关系的工笔画家，且作品大多都以女性人物为题材，表现上也都对西方的绘画有所借鉴，但是他们的作品不仅在形式语言上各有特色，更在审美理想上独具追求，虽同处一个时代，但却能明显的感受到不同的年代特征。相较之下，何家英的绘画典雅沉静具有意境幽远的古典韵致，张见的绘画细腻流丽具有象征意义的当代特色。以何家英的《幽谷》与张见的《桃色》系列做对比，便能看出其中的诸多差异。
1形式语言迥异
1.1用线的差异
中国工笔画对于线条要求很高，古人所谓“骨法用笔”是也，至今中国画也不能背离此道，用线的好坏，即代表了绘画造诣的高下，两位画家在用线上独具匠心。何家英的线条多以“钉头鼠尾”为主，线条讲究粗细、虚实和浓淡的对比，看似极为传统但是因为他汲取了西方绘画的经验，使线条的组织更加的切合物象的结构，而令形象更具有立体感，例如《幽谷》图中人物的轮廓线特别是关节的转折处的穿插起伏完全与西画的造型方式无异。从这点上看，何家英用线的成功就在于恪守古法法用笔的基础上巧妙的融合了西方绘画的造型意识。相反的，张见的线条，多以“高古游丝描”为主，并不太强调线条的粗细对比，而更加注重疏密的分布，特别是在头发，衣纹及装饰上特别的细密，而人物的身体保留大面积的空白，将传统用线的疏密对比做到极致，线条虽然也结合结构，但因为其追求整体的视觉效果和疏密的对比，使线条的构成显现的较为平面化，这又似乎沿袭了传统的造型特点。这是个有趣的现象，对于西画的借鉴，不可生吞活剥，两位画家在这方面都平衡的相当完美。
1.2色彩上的区别
作品基本按照物象的固有色来赋色，似乎不外“随类赋彩”而已，但实际上这种随类赋彩也已超越了古人对色彩理解的界限了，譬如人物的肤色，绝对不是一两种颜色与墨色混合就能表现出来的，那种澄明润洁的肌肤色彩是靠非常微妙的色彩的冷暖对比出来的，比如基调的冷青与皮肤的暖粉色的对比；还有对于结构部位的渲染特别是五官的精到刻画，都借鉴了油画写实的用色技巧。在《幽谷》中，还能看到设色时的设计成份，如耳朵，嘴唇，乳房及手脚的蔻丹，加之钤印的位置，这几处红色的布置，显然是精心安排过的。假如说何家英的色彩布局置仍可看做是“经营位置”的延伸，那么在张见的绘画中就能明显感受到设计中色彩构成的意味，首先他在最初的形象勾画上就已经把各部分色块的轮廓预定下来，在《桃色》中的三个大块，太湖石，皮肤和衣服，外轮廓线变化多端又加之适度的分割，遮掩，透镂使得画面产生了非常多样的形状的构成之后，张见的设色便似乎简洁许多，几乎有如平涂般的将色彩按形状填涂完成。最后就看到了这种平面的色彩构成般的效果，这体现出了他在创作当中的设计思想，与何家英相比，何家英的设色就相对自然主义了。
1.3章法布局上的不同
《幽谷》的布局很完整，人物与背景相得益彰，一丛树叶恰到好处的衬托出人物的恬静之美，这样地全景的布局会使观众和画面既有距离感又似乎融入画中，对于表现这样的人体之美，这种若即若离的距离感是恰到好处的，既有亲近感，又具神圣感，所谓“可远观而不可亵玩焉”。总体来说，他所采用的全景化的章法布局最能传达出他所要表现得那种充满幻想、浪漫和抒情的诗意化的境界。再读《桃色》，张见的处理方式极具现代感，具有一种“拼凑”和“符号化”的倾向。表现人物而不完整，只是截取躯体的局部，特别是在画面的视觉中心描绘出一具极有诱惑力的性感的臀部，一枝红桃也似乎也含有某种暗寓。这样夸张的局部放大，极容易拉近观者的眼睛，产生一种近距离观察的视觉体验，但是在观者与人体之间又被一组石头挡住了，通过石头之间的孔洞与罅隙又使观者的观看方式变为了窥探。在张见的作品中常会见到用这样“阻隔”的手法，使画面主体产生一种神秘感。使人不能靠近，在极大的引诱前面，加上这样无情的阻挡，使得张见的绘画产出一种“戏谑”的成分。在大胆的表露与阻隔之间，作品也似乎游离在了情色与清纯之间了。
2审美理想不同
那么为什么同样对于女性题材表现却有着这些诸多的差别呢？主要还是两位画家的审美理想有所不同。何家英认为，对今天女性自身生存状态、生命价值的思考和表现才是画家的责任。通过对具有时代特点、个性特征和女性自我意识的刻画，使她们发现和确立自身价值，作为文化主体进入审美领域，才是其美学意义所在。在表现女性美时，他注重挖掘不同女性心理的内在美感，通过对其心灵自然流露出的纯真、朴实、善良，表现出一种人格上的气质美。如《幽谷》这幅画，通过人与自然的相互映照，人物优雅的体态，描绘出了一位恬静犹如山泉般清灵的女子的美好形象。在这样的审美理想下，何家英的创作展现给观者的就已经绝不单单是人物外表的美好了，而是从外在形象到精神气质，体会其微妙之异，古人讲“摄生动质，凝神气照”，即从形到神完整地揭示出对象。而这种生、质、神、照、又绝非纯客观的描画，更多的则是更主观的赋予，这并不矛盾。他笔下的对象正是他内心世界的表达。他赋予对象以他的思想、感情、格调，这才是何家英的画。不管他所画的对象多么不同，但她们一例都有一种高洁的气质、伤感的情绪，而他的人生体验里，总觉得这是最美的。或者说，在他的审美理想中，是一种情操上的取向。而他赋予了她们。
如果何家英绘画追求的是单纯含蓄的质朴之美，那么张见的绘画则表露了一种复杂虚幻的“惊艳之美”。说张见的这种“惊艳之美”复杂而虚幻是因为我们不能像品鉴何家英的绘画那样从人物的眼眸举止之中来感受画家对对象所赋予的情感，而只能通过解读图式的象征寓意来揣测作品的含义，理解画家的内心追求。从画面上看，张见笔下的世界是一个矛盾丛生的世界，柔软与刚强、理性与激情、高贵与放荡、严肃与游戏、优雅与通俗、真实与虚幻同在一个空间，彼此联系又相互消解。就此而言，张见以传统的线描勾画出了“后现代”式的心意。从另一个角度讲，张见的作品不单是看似平静实则激动的画家的内心的写照，也更反映出当代人心理得矛盾性，复杂性。与当下相比，何家英作品产生的年代，人们的内心似乎要平静得多单纯的多了。
总之，何家英与张见虽然同样从事工笔人物画，但是各自的创作理念不同，产生了不同意义的作品，而作品的差异也正是画家借外融今的成功的切入点，也正是这些差异恰恰反映出了工笔画人物画创作的活力与生机。只有仔细探究这些优秀工笔画家的作品特色，才能够借鉴吸收更多的良好因素，借此来寻求传统工笔人物画艺术现代性转型的成功路径。
参考文献：
[1] 张见.新工笔文献丛书：张见卷[M].合肥：安徽美术出版社，2010.