理查德·阿维顿 （Richard Avedon，1923-2004） 被称为美国职业摄影师的典范，在长达60年的摄影师生涯中，他以饱满的激情和天才的视觉能力，打破了肖像摄影、报道摄影和时尚摄影的界限，不仅创造了一个风格鲜明、丰富而立体的阿维顿摄影图库，更在摄影史的进程中，就摄影语言探索与摄影类型疆界的突破做出了杰出的贡献。
　　
　　《朵薇玛与大象共舞》无疑是阿维顿最著名的一幅作品，也是他征服世界的敲门砖。二战以后，高级服装拥有越来越广阔的市场。阿维顿设计场景，将身着优雅晚装的著名模特朵薇玛 （Dovima）置于几头大象身边。这是一个超出想象的空间，充满野性和力量。晚礼服黑白相间，与白色挽带形成流畅的线条，吸引着观者的视线。模特游刃其中，仿佛与大象共舞。简洁的背景，丰富的肌理，衬托出模特和晚装的细腻与柔和。
　　商业人像摄影贯穿了阿维顿的整个摄影生涯。从黑白影像到彩色影像，时尚随时光变迁，他却早已突破陈规，创建独有的视觉语言，并一生坚持下去。阿维顿视觉语言特点体现在影调结构和人物情绪控制两个方面。他通常使用单色的、均匀的简洁背景，环境信息降为“0”，让人物本身“说话”。在一片灰白色背景前，阿维顿调动人物情绪，将时尚的理念注入到被摄者的发型和服饰中，更注入到人物肢体动作和身体姿态中。早在50年代，年轻大胆的阿维顿就开始颠覆时尚业刻板、僵硬的模特造型，他让模特奔跑追逐，跳跃甚至摔倒，充满极致的动感。到了90年代，阿维顿为《纽约客》拍摄各种年龄、各种身份的男人、女人中近景，他让被摄者做怪脸、撕扯皮肤、或者倒立、紧紧拥抱，在简单背景前是饱满的面部表情与丰富的身体信息。他还常常打破拍摄规范，拉着模特在街道上，在夜总会，在马戏团，在海滩上和其他无名的地方拍摄。他多采用大画幅相机那些充满动感的人，可以想象他的拍摄现场，“群魔乱舞”之后，是凝结在照片上的大胆的线条结构、充满动感的画面元素集合，最终形成突破常规的视觉表达。看着阿维顿的时尚照片，我们可以清晰地感受到这是一位激情四射的摄影师，有着无尽的智慧和创造力。
　　70年代阿维顿的肖像创作与他的时尚摄影气质截然相反。他在时尚与商业领域拍摄模特和名人，要赋予这些习惯于闪光灯的、带着面具的人一份真实而深刻的存在感。所以，我们看到了一个失落而忧伤的玛丽莲·梦露，一个身体刀疤纵横的安迪·沃霍。1969年阿维顿的父亲患癌症，他将大画幅相机对准父亲，一如既往的单一背景，均匀的照明，半身像，拍摄了四年。这是一组摄影师面对自己亲人的客观记录，我们看到疾病侵蚀生命的残酷，看到人走向终结时的哀伤、挣扎和无力。阿维顿的镜头从拍摄名流，转向拍摄普通人的真实状态。这些系列中，人是沉默而静态的悲伤来自生命内部。
　　受（Amon Carter Museum）阿蒙·卡特美国艺术博物馆之邀，从1979年到1985年，阿维顿用6年的时间在美国中西部几个州旅行，与人相遇，拍摄这些来自真实生活中的人。时尚摄影简洁干净的背景，均匀的布光，高品质的影调呈现，却抛开对人物情绪的调动和动作的设计，更不进行严谨的构图和造型处理。他让被摄者在镜头面前真实、自然、平静地表现自己。这些没有物质条件保障的人生，这些不经控制的身体，就这样跌跌撞撞地冲击着画框，流露真实的情感。真实而茫然的存在，成为了对美国社会现实最深刻的写照。最终完成的《在美国西部》（In The American West）肖像系列，创造性地冲破了艺术与时尚的界限，成为阿维顿创作生涯最重要的作品，是摄影史上革命性的篇章。
　　
　　阿维顿是建构摄影史的摄影師。他不仅创造了黑白肖像的典范，也成功探索了彩色的语言，在传播领域，他与品牌全力合作，在商业创作中表达自己的政治、文化、艺术观点。1965年第4期《时尚芭莎》（BAZAAR）杂志特邀阿维顿担任客座编辑，完成了一组充满未来气息的时尚照片。在这组照片中，我们既看到了拼贴、抽象线条、负像等二三十年代现代主义艺术的痕迹，也看到了波普艺术、大众消费等后现代主义的开启与承接。美国社会崇尚英雄主义的价值观也在时尚影像中得到了消费。
　　众所周知，理查德·阿维顿是最优秀的商业摄影师。同时我们深刻认识到他在艺术上的追求，他的《在美国西部》拓展了艺术摄影和纪实摄影的语言，开创了一种新的摄影美学表现方式。但是，如果我们把他的视觉作品进行一个整体研究时，就会发现，阿维顿其实就像美国当代先锋艺术家马修·巴尼（Matthew Barney），是一位伟大的先锋艺术家。他把无穷尽的创造力投入到时尚领域，借助时尚表达了他对世界的幻想和认知。