截金玻璃艺术家山本茜的工作室距离京都市区不远，从京都市区到她的工作室仅需1小时车程。这间工作室坐落于山间的一块平地上，远远看去，就像一座工厂静默在山间。走进工作室，室内陈列着熔化玻璃的窑和几台大型研磨机。这就是山本茜的“工厂”，只不过，这间工厂里操作机器的只有山本茜一人。但这种孤独，让她更能静下心来寻找灵感和创作。
　　截金原本是一种使佛像和佛画更加庄严的装饰技法。随着泥金等手法的发展，截金的技法在佛教美术中一度衰落，后来渐渐往装饰方向转变，用来装饰精密的纹样、茶具和木制工艺品。
　　山本茜第一次接触到截金是在少女时代，当时还在京都市立艺术大学美术学部学习水墨画的她，就被截金工艺所散发出来的美彻底震撼了，深深陶醉于截金世界中。其实，这跟后来中田英寿看到她的截金玻璃艺术品时很相似。“第一次在展览上看到这些作品时，就被截金玻璃的纤细艺术特质所吸引。这是工艺吗？是艺术作品吗？这是难以想象的绝对的美。”后来，在《重新发现日本》一书中，中田英寿如此说到当时的情景。“在看到作品的那一瞬，就想着无论如何都要去工作室拜访。”
　　也是从那时起，山本茜开始自学截金，然后于2000年师从截金国宝级人物江里佐代子，其后又进入富山玻璃造型研究所造型科继续深造。随着时间的推移，已经有着10多年截金经历的山本逐渐意识到：关于装饰截金技术的学习到达极限后，下一步该走向哪里？
　　“相较能够自由表达内心的绘画，截金显得非常不自由。”山本茜希望能制作出以截金为主角的作品，“要是能把截金置于玻璃中，使其宛如悬浮在空中的话，就可以自由充分地将截金之美表现出来。”正是基于这样的想法，山本茜进行了大量探索试验。制作一件截金玻璃工艺品，山本茜首先要做的事情是“构思”——虽然只有两个字，但真正要得到自己想要的东西，还是一件比较难的事情。完成构思后，再画草图，随后山本茜先将几片金箔和铂金烧至一定厚度，将其放在镶有鹿皮的袋子上，用竹刀切成细长丝状、三角形或花瓣形等形状的美丽细金片;之后，再用双手拿着细笔，巧妙地将切下的金片贴到玻璃上;最后，当金片与玻璃彻底融合后，截金才宛如懸浮在空中的艺术品一样呈现出来。
　　在整个制作过程中，“金片与玻璃融合”可说是一件截金玻璃作品成败的关键。山本茜因为有在玻璃造型研究所学习的经验，她成功地用“融化”技术做成了数层截金混合玻璃块。但是，对于把玻璃从窑里拿出来时是否会成功，每次她都惴惴不安。有时玻璃里面会有气泡，会导致好不容易成型的截金坏掉，或者停电让炉内的温度急剧下降从而断裂。经过这两步后，才进入彻底的打磨阶段，用几张研磨机研磨，随着砂纸越来越细，光彩夺目的截金工艺品才逐渐显山露水。
　　在自然光线下，凝视山本茜的作品，人们能看到几层重叠的玻璃上闪烁着纤细的花纹图案，而换个角度看，又会看到不一样的风景。
　　她曾制作过一件名为“第十帖‘贤术’余话（离别的梳子）”的作品，令人印象深刻。从正面看，它呈现出梳子的形状——宽面呈现深葡萄色，随着截面渐渐收窄，渐变为黄昏时浅蓝色的条纹，从而表现出梳子的梳齿。而稍微改变一下角度，才能看到每一根梳齿都做了细密的截金，其光辉闪耀在尖端，宛如平安时代贵妇身上缠绕的丝绸。据山本茜讲，这种颜色是光源氏的恋人六条御息所的女儿斋宫在前往伊势之前，最后一次看到京都晚霞的颜色。这也是山本茜从伊势回到京都的途中，看到晚霞后构思出来的作品。
　　在山本茜的众多作品中，这样的故事很多。因此，当这样的艺术呈现形式出现在展览上时，总能成为观众的焦点。因为在这些图案里，不仅看到了精湛的工艺，还看到了作者很有层次和深度的表达。
　　而且，因为每一件作品都需要耗费几年时间来制作，且无法复制，所以山本茜从不接受预订。而收藏家和爱好者也只能在展览上才能看到或购买到，而这也让她每次出现都能成为展览会场最受关注的艺术家。
　　山本茜的很多作品都来自她非常喜欢的一部小说《源氏物语》，包括前面提到的“光源氏”。因为工作室位于山野间，她更能深切体会到《源氏物语》中描绘的四季循环，感受到风的呼啸、树木的摇曳，以及初夏飞舞的萤火虫、互鸣的秋鹿、清脆的虫鸣和皎洁月光下的一切。
　　“来到这里，才知道有‘真正的黑暗’，一种即将被吸入的黑暗，这让我更加感激月夜的明亮。”在这里山本也能更深刻地理解从少女时代就开始喜欢的《源氏物语》的世界，因此更希望用截金玻璃早日呈现《源氏物语》全书的54帖。“我想把脑海中浮现的想法完完全全地呈现出来，草图都已经全部做好了。我想在死之前完成54帖，目前已经完成了20帖。”