2013年，有篇帖子在网上挺火，是一位网友的吐槽《我今天去了省艺术馆》。这位网友进入湖北省艺术馆参观《再水墨》展之后，表示自己对展品看不懂。结果，帖子一出，众人纷纷附和，演变成了一场对当代艺术的集体吐槽。大家议论道：究竟是我土鳖，还是你神曲？
　　说这是毕加索的情人，我们就懂了
　　2012年，毕加索作品来华办大展时，几乎大部分观众都有“看不懂”的反映，只有站在毕加索早期写实作品前，观众才找回了些许自信。他的那些立体派、几何形作品，除了教科书上“教训”过的概念，观众再也说不出、看不出更多的东西。但是，如果画旁站着的志愿者能适时出现，说说这画的是毕加索的第几任情人之类的香艳背景，观众马上会频频点头，表示看懂了。出了展厅，人们还可以回家向别人继续卖弄那些买来的毕加索衍生品。
　　上海当代艺术博物馆举办了蓬皮杜超现实主义作品展，站在杜尚那件著名的瓶架子的橱窗前，我也只好无语，如果没有作品说明，不那么郑重其事地摆在橱窗里，随便搁在走廊的地上，估计没人会朝它看一眼。哦不，还是有人会喜欢的——有人会偷偷捡去卖废品。
　　专家说，超现实主义就是梦境，但是大镜框里填塞得满满的、犹如垃圾堆里刨出来的女式胸衣，面对这样的作品，除了无语，也真的就只能说一句“神曲”了。
　　参观当代展等于参观垃圾回收利用展
　　2007年的上海当代艺术展上，艺术家顾德新弄了几大车苹果，铺满在广场上，上百平方米，旁边有个压路机蹲着。太阳那么毒辣地烤着，两三天后；苹果就顶不住了。那些参观者都不忍心看下去，询问旁边保安说：“能不能拿一个吃吃？”回答是一个类似“你不懂行”的白眼。那些苹果，在展览结束前，被压路机无情地碾压而过成了苹果泥，作品就算完成了。想起这件作品，我至今仍会有一点点生理上的不舒服，而艺术家要表达什么意思，似乎已经被淹没在生理感受之下了。
　　这还算好的。一般参观当代艺术展，基本上就等于参观“废物垃圾回收再利用展”。在当代艺术展，你能看到几乎所有的垃圾。看完展览，基本上，你都能发出感叹：原来，家里的垃圾还能变成艺术品？！
　　还有一次上海当代艺术展上，走过某个角落，一位老外站在那里打电话，我居然会下意识地凑近了看看墙上有没有作品说明。还有好几次艺博会上，发现画廊把抽象画挂反了，基本上也没人知道。有一次，我有幸欣赏看到一幅“马吃草”的画，完全空白的画面，居然还有不少人在画前若有所思。隔了两年又在当代艺术展上看到类似的空白画面，刚要义愤填膺地说“无耻”，却发现画面有点不一样，走进一看，果然，画框是艺术家在画布上画出来的，远看就像是一个画框装了一幅空白的画面。艺术家聪明是聪明，让你刚到嘴边的脏话活生生地咽了回去。
　　在曾梵志的乱草上添几笔也看不出来
　　这次被热转的帖子里所重点吐槽的，是一件名为《收藏洗晒》的作品。观者看到艺术馆从二楼到四楼，琳琅满目地搭杆子晒着数百件日常衣服，一时间，恍如行走在陋巷里。问保安，答曰，这是行为艺术。其实保安虽然往往是当代艺术作品在现场的第一解说人，但他们的答案通常不准确，这件《收藏洗晒》明显更接近装置艺术。
　　还有大家所熟悉的“四大天王”之一方力钧的两幅作品也被吐槽，最主要的问题出在两幅画的构思、构图基本一致，只是一幅比另一幅上面多了两片云彩。
　　四大天王的画，90年代之前都还挺好的，资本介入后，他们便沦为了创作机器：画了200多张全家福的张晓刚，傻笑了30年的岳敏君面部早就抽筋了，方力钧的光头后脑勺让人老想用手敲几下“毛栗子”，王广义的波普画永远是一个味道——像是工厂里宣传组的干事画的。
　　新天王们也是如此。刘炜的糊涂乱抹让全世界抓狂，只有画家一个人涂得高兴，不把别人当人，还能坐享天王地位，这世道是怎么啦？观众都有自虐倾向？曾梵志的面具作品前，似乎永远站立着衣冠楚楚的成功人士，自己不成功，都不好意思上前去看，他的作品真能让吊丝现形？不过，曾梵志的乱笔枝条作品却十分有气魄，你随便拿东西上去再划几下，保证看不出来。丁乙的作品基本上就是打马赛克，应该调到电视台工作的。周春芽太湖石的时候还挺好的，到了绿狗，就有点恶搞了，也许是艺术家发现了绿狗带来的种种好处，比如醒目，有话题性，画起来速度快，等等。
　　还有些学术地位很高的艺术家，作品也往往容易被吐槽——不过再怎么吐槽，也不影响他的学术地位，毕竟学术价值不是由无知大众评定的。有人看到尚扬作品地位那么高很不理解，那么淡了吧唧的画面，不知道他究竟在画什么，居然大受追捧？，苏笑柏的大漆画也是，一个油漆工人都能看得很好的活儿，凭什么卖那么贵？
　　乾隆皇帝是个恶俗的破坏分子
　　别以为只有当代艺术才能被吐槽，当代艺术是功利，是为了讨好买单者，是跟着所谓潮流集体闯红灯，是发现了此地“人傻钱多速来”，但，古代和近现代艺术品就没有可吐槽的地方吗？不见得。
　　比如乾隆皇帝就是个恶俗的破坏分子。就因为是皇帝，有特权，把天下好东西都搜罗到皇宫里，自个儿关了门没事偷着乐不算，还喜欢在艺术品上面题诗，中学生水平的书法，还好意思往历代名作上题，也实在是自我膨胀到了极点，有的手卷，居然沿着人家的山头起伏，连题了十首诗，真是吃得蛮空的。那几个宋代汝窑，你喜欢就喜欢了，居然还在上面装模作样地刻诗，搞得人家宋代的质朴美被破坏了个干净。此种行为，与在长城墙砖上刻写“到此一游”没有本质的区别。
　　还有那些所谓的明清官窑，本来就是一部利用封建皇权压迫劳动人民的血泪史，还兼带着用大一统的艺术语言压制民间艺术的罪恶。那些所谓精美的画面，只知道歌功颂德，毫无创意突破，更无创作者的内心真实感受，这样的作品，古代时被封为最高级艺术品也就算了，几百年后还在散发着腐朽的味道，并被奉为神明，就有点以为所有的收藏家都是睁眼瞎了。
　　历代山水名作为何都猜不出作者？
　　当代水墨艺术家何曦，最新画了《标本》系列，把一大批历代的名家山水名作，取一个局部，统统浸入装满福尔马林的玻璃瓶中，表达着他对中国传统山水画的吐槽态度。笔者在观看之余，发出一个巨大的疑问，为何那些古代山水标本，你从局部上都看不出是谁的作品？再推远一些，我发现，类似的图式几乎成了中国山水画的标准样式，盖掉名字，你基本上猜不出作者的名字，如此名家，“名”在哪里？进而，我们对美术史都有了吐槽的欲望。
　　吐槽者当然是站着说话不腰疼，随便挖苦别人两句多少心里会有点爽。之所以我认为对艺术进行吐槽是件重要的事，是因为，艺术的话语权早已被把持，反而是吐槽者无知者无畏的姿态，能让大众从遮天蔽日的乌云堆里，看到一丝光线，这道光线，因为稀罕，所以刺眼，而且珍贵。