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多元这个关键词能否贴切的代表洛杉矶还有待商榷，在如今这个扁平化的世界，多元作为形容大多数城市的艺术面貌的定语似乎都不为过。想要感受洛杉矶的当代艺术，恐怕还是要亲自去一趟，想用一个展览来体现，也未免太有野心了 。
前不久《纽约时报》发表的一篇报道中指出洛杉矶已成为美国新的艺术中心，从艺术的角度来看，19世纪最辉煌的城市是巴黎，20世纪则转向纽约，而洛杉矶则有趋势在21世纪接棒。这个以电影业文明的天使之城，近年来在艺术领域逐渐崛起。9月13日，尤伦斯当代艺术中心（以下简称UCCA）就非常应景的举办了年度最大的展览项目“洛杉矶计划”，以呈现一个多样化的洛杉矶当代艺术。
整个展览经过了两年的筹划，而最初策划该展览的动因只是因为经常出没洛杉矶的尤伦斯夫妇被当地的艺术氛围所感染，希望在北京的UCCA做这么一个展览。最终展览选择了7位艺术家，他们或是洛杉矶土生土长，或是在洛杉矶生活、工作，作为7个个案，以供观者解读洛杉矶当代艺术。
在展览的新闻发布会上，UCCA馆长、也是本次展览的策展人之一田霏宇就明确表示了他们不希望将这个展览做成一个主题统筹下的群展。用一个展览呈现一个城市的艺术面貌是不太可能的事情，这也是策展人所面临的问题，就像在为展览命名的时候就很难给出明确而清晰的方向，最后确定了“洛杉矶计划”这样一个比较中性的题目。策展人将问题抛给艺术家，给足了艺术家自主权，在每人的独立空间中尽情发挥，展示属于洛杉矶的艺术。
整个UCCA的中央甬道都是属于亚历克斯·以色列（Alex Israel）的，他是这个7个参展艺术家中最洛杉矶的一位，他出生在洛杉矶，在这个电影工业非常发达的城市，亚历克斯的工作室就设在华纳兄弟电影公司的影棚内。以前在电影制作的过程中通常会用到背景板，这些背景都是有专业的画匠绘制而成，当然随着科技的发展，这一职业几乎消失，亚历克斯的创作就是把自己定位为客户，将创作基地设在华纳兄弟，租借电影道具请画匠帮助自己创作了大量“背景板”式的壁画。在中国，亚历克斯未能找到专业的背景板画匠与自己合作，最终展厅内的大型壁画由有许多来自鲁迅美术学院的画家在与艺术家的沟通下，历时两三周完成的。这些图像依旧是华纳范儿的，比如明星的房车、影厂的垃圾桶。这些壁画犹如空间的装饰，作为观众可能只会路过而不会驻足，但亚历克斯不会让自己的中国首秀成为“背景”，此次北京之行他还邀请艺人陈冠希完成了另外一件作品，这也是这个不会画画的艺术家更知名的一个系列——名为As It Lays的网络视频作品，艺术家变身脱口秀主持人，邀请名人做客。只不过这次与自己好朋友陈冠希的交锋一改往日故意冒犯嘉宾的荒唐提问，而是从日常入手，从局面上看较为平坦，甚至还有些励志，陈老师在“节目”中告诉大家“要相信自己，忠于自己，做自己就是最帅的。”
洛杉矶之所以可以威胁纽约世界艺术中心的地位，除了纽约的空间越来越昂贵外，丰富的资源也是许多艺术家选择洛杉矶的重要原因，此次亲自来到中国的4位参展艺术家不约而同的提到了由于洛杉矶的电影工业非常发达，他们可以很轻松地在这里找到他们创作所需的材料，当然他们的创作也不可避免的受到电影业的影响。凯瑟琳·安德鲁斯（Kathryn Andrews）的展厅位于亚历克斯旁边，她的创作跟好莱坞有着某种关联，墙壁上的图像取自1967年美国著名电影《毕业生》中经典的诱惑场景，现场装置表面的形象则是美国上世纪四五十年代风靡的卡通人物形象“小丑波索”，挪用和重构是安德鲁斯常用的手法，就地取“材”也是最方便的，这恐怕是其艺术与洛杉矶最直接的关联。安德鲁斯与亚历克斯另一个共同之处在于作品并非艺术家亲自完成，她也会委托创作，此举打破了公众对艺术品“原创”的认知，也给他们带来一些非议。
UCCA的中展厅内展示的是莱恩·特里卡丁 （Ryan Trecartin）的影像作品，整个展厅被分割成3个放映区域，通常展馆都会根据自己的硬件设施为影像作品配备座椅，或者铺设地毯让观众席地而坐，但特里卡丁会设定他作品的展示空间，在本次展览中每个影像作品都搭配了一套家具，有的是沙发，有的是会议室桌椅，有的是飞机座椅，特里卡丁将这样的设置称为雕塑剧场。艺术家此次带来的是几年前的旧作——Any Ever系列影像作品，不过这是他第一套真正成熟的影像作品。在网络时代，媒体技术的发展给人们带来的巨大的影响，在这种力量作用之下不同的人承载了不同的时代印记，特里卡丁用摄像头诠释了这一切。不过影像作品总是很难留住观众的脚步，再加上音像前配备的家具也是作品的一部分，观众只能站着观看，形式上类似的画面，虽然内容不同，总会让人觉得似曾相识，难以耐着性子看完，而匆匆离开这个“黑匣子”。
另外4位艺术家的作品被安排在了UCCA最大的展厅内，分割后每个小展区都相对独立， 卡里·厄普森（Kaari Upson）的展区是最蜿蜒的一个，她为观众呈现了一个概念化的房屋，而这一部分是属于其一直持续在进行的《拉里计划》系列。拉里对卡里而言是一个半虚构的人物，卡里在攻读硕士的时候，对一个她小时候叫拉里的邻居开始感兴趣，她在一座烧毁的老房子里发现了属于拉里的几个盒子，里边是他的日记、照片等私人物品，结合这些物品所提供的信息，卡里虚构了拉里的历史。这种虚构也是对2008年，美国遭遇金融危机的一种思考，当时有大量房子空出来，且还不了贷款，不过想透过现场的犹如公寓套间的布置来读懂这一层意思还是有点难。不过现场的硅胶材质的雕塑还是十分特别地，总会让人有停下来看个究竟想法。
斯特林·鲁比（Sterling Ruby）和阿龙·柯里（Aaron Curry）的区域是7位艺术家中最宽敞和高挑的。鲁比的作品不管是装置还是油画都算得上是大体量，在展厅中能够深刻的感觉到自己的渺小，其《笋状纪念碑》系列装置作品机具视觉冲击力，色彩浓厚，大尺幅的拼贴绘画环绕展厅，置身其中莫名的感到一种仪式感，虽然作品是非具象的，但还是会觉得鲁比的创作或许跟战争有着某种关系，显得尤为沉重。相较而言，柯里的创作显得清新许多，238张卡纸覆盖其展厅所有墙面，在这些卡纸全部来自洛杉矶，他们承载了柯里工作的痕迹，如鞋印，喝完的可乐瓶等，它们代替柯里来到了北京，卡纸上的印记以橙色为主色调，与空间内的5件雕塑作品形成呼应。田霏宇说，“柯里的雕塑中可以看到很多来自现代主义视觉传统的信息，如果走进他的工作室也会看到他不停地在翻一些像毕加索这样的大师的画册，希望可以从中找到一种自己的视觉语言和视觉上的快感。”
整个展览以马修·莫纳汉（Matthew Monahan）的展区作为结束是一个不错的选择，他偏古典的雕塑和炭笔画可以稍稍平复一下此次洛杉矶艺术之旅的心情，在走过了那么多样化的艺术后，可以在马修的展厅内静下心来欣赏一下相对传统的作品。不过马修的作品并非完全的传统，而是一种后现代的再造。
在一个展览中共有7位艺术家参展并不是一个庞大的数字，但这个展览的信息量着实不小，洛杉矶多元的艺术面貌也是策展人希望呈现的，但多元这个关键词能否贴切的代表洛杉矶还有待商榷，在如今这个扁平化的世界，多元作为形容大多数城市的艺术面貌的定语似乎都不为过。而通过这个展览，来呈现洛杉矶的当代艺术显然是片面的，此时，我想到了在展览的新闻发布会上，一位记者提问亚历克斯，大致是说如今洛杉矶的房价这么高，这会不会对你有什么影响，亚历克斯反问记者有没有去过洛杉矶，如果去过自然会了解。想要感受洛杉矶的当代艺术，恐怕还是要亲自去一趟，想用一个展览来体现，也未免太有野心了 。
前不久《纽约时报》发表的一篇报道中指出洛杉矶已成为美国新的艺术中心，从艺术的角度来看，19世纪最辉煌的城市是巴黎，20世纪则转向纽约，而洛杉矶则有趋势在21世纪接棒。这个以电影业文明的天使之城，近年来在艺术领域逐渐崛起。9月13日，尤伦斯当代艺术中心（以下简称UCCA）就非常应景的举办了年度最大的展览项目“洛杉矶计划”，以呈现一个多样化的洛杉矶当代艺术。
整个展览经过了两年的筹划，而最初策划该展览的动因只是因为经常出没洛杉矶的尤伦斯夫妇被当地的艺术氛围所感染，希望在北京的UCCA做这么一个展览。最终展览选择了7位艺术家，他们或是洛杉矶土生土长，或是在洛杉矶生活、工作，作为7个个案，以供观者解读洛杉矶当代艺术。
在展览的新闻发布会上，UCCA馆长、也是本次展览的策展人之一田霏宇就明确表示了他们不希望将这个展览做成一个主题统筹下的群展。用一个展览呈现一个城市的艺术面貌是不太可能的事情，这也是策展人所面临的问题，就像在为展览命名的时候就很难给出明确而清晰的方向，最后确定了“洛杉矶计划”这样一个比较中性的题目。策展人将问题抛给艺术家，给足了艺术家自主权，在每人的独立空间中尽情发挥，展示属于洛杉矶的艺术。
整个UCCA的中央甬道都是属于亚历克斯·以色列（Alex Israel）的，他是这个7个参展艺术家中最洛杉矶的一位，他出生在洛杉矶，在这个电影工业非常发达的城市，亚历克斯的工作室就设在华纳兄弟电影公司的影棚内。以前在电影制作的过程中通常会用到背景板，这些背景都是有专业的画匠绘制而成，当然随着科技的发展，这一职业几乎消失，亚历克斯的创作就是把自己定位为客户，将创作基地设在华纳兄弟，租借电影道具请画匠帮助自己创作了大量“背景板”式的壁画。在中国，亚历克斯未能找到专业的背景板画匠与自己合作，最终展厅内的大型壁画由有许多来自鲁迅美术学院的画家在与艺术家的沟通下，历时两三周完成的。这些图像依旧是华纳范儿的，比如明星的房车、影厂的垃圾桶。这些壁画犹如空间的装饰，作为观众可能只会路过而不会驻足，但亚历克斯不会让自己的中国首秀成为“背景”，此次北京之行他还邀请艺人陈冠希完成了另外一件作品，这也是这个不会画画的艺术家更知名的一个系列——名为As It Lays的网络视频作品，艺术家变身脱口秀主持人，邀请名人做客。只不过这次与自己好朋友陈冠希的交锋一改往日故意冒犯嘉宾的荒唐提问，而是从日常入手，从局面上看较为平坦，甚至还有些励志，陈老师在“节目”中告诉大家“要相信自己，忠于自己，做自己就是最帅的。”
洛杉矶之所以可以威胁纽约世界艺术中心的地位，除了纽约的空间越来越昂贵外，丰富的资源也是许多艺术家选择洛杉矶的重要原因，此次亲自来到中国的4位参展艺术家不约而同的提到了由于洛杉矶的电影工业非常发达，他们可以很轻松地在这里找到他们创作所需的材料，当然他们的创作也不可避免的受到电影业的影响。凯瑟琳·安德鲁斯（Kathryn Andrews）的展厅位于亚历克斯旁边，她的创作跟好莱坞有着某种关联，墙壁上的图像取自1967年美国著名电影《毕业生》中经典的诱惑场景，现场装置表面的形象则是美国上世纪四五十年代风靡的卡通人物形象“小丑波索”，挪用和重构是安德鲁斯常用的手法，就地取“材”也是最方便的，这恐怕是其艺术与洛杉矶最直接的关联。安德鲁斯与亚历克斯另一个共同之处在于作品并非艺术家亲自完成，她也会委托创作，此举打破了公众对艺术品“原创”的认知，也给他们带来一些非议。
UCCA的中展厅内展示的是莱恩·特里卡丁 （Ryan Trecartin）的影像作品，整个展厅被分割成3个放映区域，通常展馆都会根据自己的硬件设施为影像作品配备座椅，或者铺设地毯让观众席地而坐，但特里卡丁会设定他作品的展示空间，在本次展览中每个影像作品都搭配了一套家具，有的是沙发，有的是会议室桌椅，有的是飞机座椅，特里卡丁将这样的设置称为雕塑剧场。艺术家此次带来的是几年前的旧作——Any Ever系列影像作品，不过这是他第一套真正成熟的影像作品。在网络时代，媒体技术的发展给人们带来的巨大的影响，在这种力量作用之下不同的人承载了不同的时代印记，特里卡丁用摄像头诠释了这一切。不过影像作品总是很难留住观众的脚步，再加上音像前配备的家具也是作品的一部分，观众只能站着观看，形式上类似的画面，虽然内容不同，总会让人觉得似曾相识，难以耐着性子看完，而匆匆离开这个“黑匣子”。
另外4位艺术家的作品被安排在了UCCA最大的展厅内，分割后每个小展区都相对独立， 卡里·厄普森（Kaari Upson）的展区是最蜿蜒的一个，她为观众呈现了一个概念化的房屋，而这一部分是属于其一直持续在进行的《拉里计划》系列。拉里对卡里而言是一个半虚构的人物，卡里在攻读硕士的时候，对一个她小时候叫拉里的邻居开始感兴趣，她在一座烧毁的老房子里发现了属于拉里的几个盒子，里边是他的日记、照片等私人物品，结合这些物品所提供的信息，卡里虚构了拉里的历史。这种虚构也是对2008年，美国遭遇金融危机的一种思考，当时有大量房子空出来，且还不了贷款，不过想透过现场的犹如公寓套间的布置来读懂这一层意思还是有点难。不过现场的硅胶材质的雕塑还是十分特别地，总会让人有停下来看个究竟想法。
斯特林·鲁比（Sterling Ruby）和阿龙·柯里（Aaron Curry）的区域是7位艺术家中最宽敞和高挑的。鲁比的作品不管是装置还是油画都算得上是大体量，在展厅中能够深刻的感觉到自己的渺小，其《笋状纪念碑》系列装置作品机具视觉冲击力，色彩浓厚，大尺幅的拼贴绘画环绕展厅，置身其中莫名的感到一种仪式感，虽然作品是非具象的，但还是会觉得鲁比的创作或许跟战争有着某种关系，显得尤为沉重。相较而言，柯里的创作显得清新许多，238张卡纸覆盖其展厅所有墙面，在这些卡纸全部来自洛杉矶，他们承载了柯里工作的痕迹，如鞋印，喝完的可乐瓶等，它们代替柯里来到了北京，卡纸上的印记以橙色为主色调，与空间内的5件雕塑作品形成呼应。田霏宇说，“柯里的雕塑中可以看到很多来自现代主义视觉传统的信息，如果走进他的工作室也会看到他不停地在翻一些像毕加索这样的大师的画册，希望可以从中找到一种自己的视觉语言和视觉上的快感。”
整个展览以马修·莫纳汉（Matthew Monahan）的展区作为结束是一个不错的选择，他偏古典的雕塑和炭笔画可以稍稍平复一下此次洛杉矶艺术之旅的心情，在走过了那么多样化的艺术后，可以在马修的展厅内静下心来欣赏一下相对传统的作品。不过马修的作品并非完全的传统，而是一种后现代的再造。
在一个展览中共有7位艺术家参展并不是一个庞大的数字，但这个展览的信息量着实不小，洛杉矶多元的艺术面貌也是策展人希望呈现的，但多元这个关键词能否贴切的代表洛杉矶还有待商榷，在如今这个扁平化的世界，多元作为形容大多数城市的艺术面貌的定语似乎都不为过。而通过这个展览，来呈现洛杉矶的当代艺术显然是片面的，此时，我想到了在展览的新闻发布会上，一位记者提问亚历克斯，大致是说如今洛杉矶的房价这么高，这会不会对你有什么影响，亚历克斯反问记者有没有去过洛杉矶，如果去过自然会了解。想要感受洛杉矶的当代艺术，恐怕还是要亲自去一趟，想用一个展览来体现，也未免太有野心了 。