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近年来，国内外艺术家和评论家们开始对音乐、戏剧、舞蹈、美术与展场空间之间的关系产生兴趣。
这些跨界艺术间的互相渗透与空间拓展，为丰富艺术生态、拓展创作方式提供了新思路，同时也引发了不少观众的兴趣。5月底，在外滩美术馆内开展的“环境舞蹈·工作坊 影子在折返”就是一例。
绽放在艺术馆内外的环境舞蹈
5月20号星期三，艺术爱好者Wanwan的朋友圈，被一则《周六，在外滩美术馆遇见影子》的帖子刷了屏。她点击浏览，很快被帖子介绍的内容所吸引：“身体*舞蹈*剧场*光影，我们邀请你到外滩美术馆，加入这个只属于八十人的‘环境舞蹈’工作坊：影子在折返。”
“很美的名字，很新鲜的形式”，她想，“应该约上几个朋友去看看。”通过链接到外滩美术馆的报名页面，她跟几个朋友顺利地完成了报名。
到当天活动开始时间19：30时，被挡在门口的她还有点纳闷儿：圆明园路上都是前来参观的观众，为什么主办方还不开放通道让大家进去？
然后，观众突见一短发的女生在人群中脱颖而出，舞蹈起来，她以一把透明塑料伞为道具，以伞在人群间展开肢体互动；紧接着，远处角落又有一个长发姑娘开始了舞蹈，之后，场馆入口处有男生也开始舞蹈行动……
演员们表情专注，情绪饱满，纯然沉浸于自己的身体舞动中，引导观众走向美术馆内部空间；观众们则被深深地吸引，围观的人层层叠叠，大家一边欣赏着舞蹈，一边忙不迭地拿出手机拍照摄影。等到进入美术馆空间之后，相对封闭的环境，配合上后现代电子迷幻乐，让舞者的气场更加淋漓尽致。
“影子在折返”的工作坊，脱胎自舞蹈剧场原创作品《折影》，后者完全放弃了舞台灯光，以手持电筒以及各式灯泡为光源，将角色和舞美融为一体，利用肢体关系表达都市人的生活困境。
而美术馆的空间设计，则是在《折影》的基础上，做了更加适应环境的调整：整个空间里没有整体的大片光源，所有光影的细节背后，是每个人最细密迂回的私人情感记忆——白炽灯管被交织悬挂在空中，舞者们围绕灯管舞蹈，光影和舞蹈化肢体的交错，力的冲撞与纾解，唤起相似的内心情境；一大面白色的墙壁前，长发姑娘伸展肢体充满仪式感，她手持电筒光反打自己，在角落里展现人孤独绝望里的进退、挣扎和张力；堆叠成山的多把椅子前，是几位舞者的对抗博弈，隐喻城市被过度消费后的情感废墟。
Wanwan最喜欢的，是舞蹈接近尾声时，舞者们排成一排模拟人们被手机吞吃俘虏控制的画面，每个人入魔般专注着手上的手机，随节奏浑身机械地抖动，混杂着因手机而生的彼此的情感纠葛撕扯。
“环境舞蹈”衍生于“环境戏剧”，它废除传统舞台空间，打破传统观演关系，让演员混迹在观众之中，引导观众互动、进入经历新的环境空间，感受其间的氛围气息。
而继实验戏剧之后，环境舞蹈和戏剧也开始进入美术馆空间，而这个城市的艺术生命，在不同风格、多样风景和曲折命运的中心点上，也呈现出五彩斑斓的盛景。
艺术家原弓和他的“美术馆戏剧”
除去当代戏剧主动从剧场拓展到美术馆空间，延伸表演艺术的外延外，传统在美术馆做展览的艺术家们，也有人将创作注意力转移到戏剧与美术馆的结合上，比如艺术家原弓。
一袭黑衣，一双皮靴，一副眼镜，一束小辫子，艺术家原弓一向是一副特立独行的形象，他2015年开始实施自己的“美术馆戏剧”作品，试图解构戏剧，打破传统戏剧的表现空间，以中国当代艺术的特有方式，让戏剧介入美术馆展场。
他选择解构的作品，是德国剧作家海纳·穆勒于1977年创作的《哈姆雷特机器》。这个剧本一直被视为现代主义向后现代主义过渡时期的经典文本，短短三千多字，寓意丰富，每一句话都有其深刻而隐讳的能指和所指。
他的演绎方式也很特别。在这场戏剧中，他设置了非常大的舞台，选择了盲人这一弱势群体表演，并在舞台上放置了许多道具，比如黑板、被拆解的钢琴零件——黑板是借用博伊斯《黑板绘画》的构思，以此让台上盲人演员进行沟通；而拆解的钢琴部件，则象征我们曾非常珍惜却随时代转变，变得被抛弃或不重要的物品。
持续半小时左右的表演，伴随着不时响起的错位的“梦幻谐谑曲”旋律与人们嘀嘀咕咕、盲人演员们一个接一个奋力发出“我是哈姆雷特”的叫喊，他们不断地变化手臂的姿势，彼此之间形成了十字架，象征着某种救赎，也寓意艺术家一直在寻找的出口。
而3月21日，当这出戏在湖北美术馆实施第一幕“家庭相册”时，原弓还引入了德国观念艺术家博伊斯代表作“荒原狼”的元素，将狼嗥声转换成了部分台词；而第三幕在天津美术馆上演的“谐谑曲”里，他则根据自己的身份经验，将海纳·穆勒的“诗歌”转换成了六七十年代文革时期的口号和标语。
在这个实验空间里，原弓“破坏”了原有戏剧和演员表演的定势，制造了某种失控感，同时，他在作品中努力解答当代人的精神上的救赎之困惑，让人们思考个体拯救与国家、社会的关系，并通过回望和记忆，重新去塑造个体的价值。
原弓的重新演绎，旨在打破观众与戏剧表演者的关系，“传统的戏剧表演，观众总是被动地接受，但这场戏剧中，观众会成为其中的参与者、对话者、发现问题的人，这场戏也表达了我对于现实失控的焦虑与失望。”原弓如是说。
剧场和艺术空间的互相渗透
与剧场不同，美术馆有着自己的视觉标准与空间状态，表演艺术与当代艺术的发展融合，把传统戏剧的表达方式转换为美术馆特有的表达方式，有利于将剧场概念延伸为空间概念，同时赋予其更丰富的可能性。
而在与一般观众较有距离感的美术馆、艺术馆里，以戏剧舞蹈等互动形式创造性沟通，则有助于开拓曲高和寡的当代艺术与观众平等对话的渠道。
艺术发展到现当代以后，以塞尚为代表的形式主义走向抽象，以杜尚为代表的观念主义创造了各式各样的非架上艺术，当代艺术在装置艺术、表演艺术和影像艺术上获得崭新的美学形式，艺术评论家陆兴华认为，“观众看多了绘画、雕塑等静默的作品，会在审美上呈现麻木和疲倦，戏剧表演能激发观众对美术馆的兴趣，让观众感受到直接的身体经验，引导观众像艺术家一样，用身体和感官更纯粹用心地感知空间。”
鉴于当代艺术审美基础和美育教育的缺乏断层，他认为，美术馆的首要工作是在一个公共空间里建立一种平等关系，让观众面对作品时就像进入了一个能够展开交流的语境，而不是在对当代艺术好奇的时候，就被一下子抛掷到陌生的精神沙漠里。
说到底，艺术跨界的目的，其实是实现艺术无界，审美无界，在熟悉各种艺术门类、创作和发生场域的基础上，获得整体的审美享受与鉴赏力提升，发现更美好的世界。
这些跨界艺术间的互相渗透与空间拓展，为丰富艺术生态、拓展创作方式提供了新思路，同时也引发了不少观众的兴趣。5月底，在外滩美术馆内开展的“环境舞蹈·工作坊 影子在折返”就是一例。
绽放在艺术馆内外的环境舞蹈
5月20号星期三，艺术爱好者Wanwan的朋友圈，被一则《周六，在外滩美术馆遇见影子》的帖子刷了屏。她点击浏览，很快被帖子介绍的内容所吸引：“身体*舞蹈*剧场*光影，我们邀请你到外滩美术馆，加入这个只属于八十人的‘环境舞蹈’工作坊：影子在折返。”
“很美的名字，很新鲜的形式”，她想，“应该约上几个朋友去看看。”通过链接到外滩美术馆的报名页面，她跟几个朋友顺利地完成了报名。
到当天活动开始时间19：30时，被挡在门口的她还有点纳闷儿：圆明园路上都是前来参观的观众，为什么主办方还不开放通道让大家进去？
然后，观众突见一短发的女生在人群中脱颖而出，舞蹈起来，她以一把透明塑料伞为道具，以伞在人群间展开肢体互动；紧接着，远处角落又有一个长发姑娘开始了舞蹈，之后，场馆入口处有男生也开始舞蹈行动……
演员们表情专注，情绪饱满，纯然沉浸于自己的身体舞动中，引导观众走向美术馆内部空间；观众们则被深深地吸引，围观的人层层叠叠，大家一边欣赏着舞蹈，一边忙不迭地拿出手机拍照摄影。等到进入美术馆空间之后，相对封闭的环境，配合上后现代电子迷幻乐，让舞者的气场更加淋漓尽致。
“影子在折返”的工作坊，脱胎自舞蹈剧场原创作品《折影》，后者完全放弃了舞台灯光，以手持电筒以及各式灯泡为光源，将角色和舞美融为一体，利用肢体关系表达都市人的生活困境。
而美术馆的空间设计，则是在《折影》的基础上，做了更加适应环境的调整：整个空间里没有整体的大片光源，所有光影的细节背后，是每个人最细密迂回的私人情感记忆——白炽灯管被交织悬挂在空中，舞者们围绕灯管舞蹈，光影和舞蹈化肢体的交错，力的冲撞与纾解，唤起相似的内心情境；一大面白色的墙壁前，长发姑娘伸展肢体充满仪式感，她手持电筒光反打自己，在角落里展现人孤独绝望里的进退、挣扎和张力；堆叠成山的多把椅子前，是几位舞者的对抗博弈，隐喻城市被过度消费后的情感废墟。
Wanwan最喜欢的，是舞蹈接近尾声时，舞者们排成一排模拟人们被手机吞吃俘虏控制的画面，每个人入魔般专注着手上的手机，随节奏浑身机械地抖动，混杂着因手机而生的彼此的情感纠葛撕扯。
“环境舞蹈”衍生于“环境戏剧”，它废除传统舞台空间，打破传统观演关系，让演员混迹在观众之中，引导观众互动、进入经历新的环境空间，感受其间的氛围气息。
而继实验戏剧之后，环境舞蹈和戏剧也开始进入美术馆空间，而这个城市的艺术生命，在不同风格、多样风景和曲折命运的中心点上，也呈现出五彩斑斓的盛景。
艺术家原弓和他的“美术馆戏剧”
除去当代戏剧主动从剧场拓展到美术馆空间，延伸表演艺术的外延外，传统在美术馆做展览的艺术家们，也有人将创作注意力转移到戏剧与美术馆的结合上，比如艺术家原弓。
一袭黑衣，一双皮靴，一副眼镜，一束小辫子，艺术家原弓一向是一副特立独行的形象，他2015年开始实施自己的“美术馆戏剧”作品，试图解构戏剧，打破传统戏剧的表现空间，以中国当代艺术的特有方式，让戏剧介入美术馆展场。
他选择解构的作品，是德国剧作家海纳·穆勒于1977年创作的《哈姆雷特机器》。这个剧本一直被视为现代主义向后现代主义过渡时期的经典文本，短短三千多字，寓意丰富，每一句话都有其深刻而隐讳的能指和所指。
他的演绎方式也很特别。在这场戏剧中，他设置了非常大的舞台，选择了盲人这一弱势群体表演，并在舞台上放置了许多道具，比如黑板、被拆解的钢琴零件——黑板是借用博伊斯《黑板绘画》的构思，以此让台上盲人演员进行沟通；而拆解的钢琴部件，则象征我们曾非常珍惜却随时代转变，变得被抛弃或不重要的物品。
持续半小时左右的表演，伴随着不时响起的错位的“梦幻谐谑曲”旋律与人们嘀嘀咕咕、盲人演员们一个接一个奋力发出“我是哈姆雷特”的叫喊，他们不断地变化手臂的姿势，彼此之间形成了十字架，象征着某种救赎，也寓意艺术家一直在寻找的出口。
而3月21日，当这出戏在湖北美术馆实施第一幕“家庭相册”时，原弓还引入了德国观念艺术家博伊斯代表作“荒原狼”的元素，将狼嗥声转换成了部分台词；而第三幕在天津美术馆上演的“谐谑曲”里，他则根据自己的身份经验，将海纳·穆勒的“诗歌”转换成了六七十年代文革时期的口号和标语。
在这个实验空间里，原弓“破坏”了原有戏剧和演员表演的定势，制造了某种失控感，同时，他在作品中努力解答当代人的精神上的救赎之困惑，让人们思考个体拯救与国家、社会的关系，并通过回望和记忆，重新去塑造个体的价值。
原弓的重新演绎，旨在打破观众与戏剧表演者的关系，“传统的戏剧表演，观众总是被动地接受，但这场戏剧中，观众会成为其中的参与者、对话者、发现问题的人，这场戏也表达了我对于现实失控的焦虑与失望。”原弓如是说。
剧场和艺术空间的互相渗透
与剧场不同，美术馆有着自己的视觉标准与空间状态，表演艺术与当代艺术的发展融合，把传统戏剧的表达方式转换为美术馆特有的表达方式，有利于将剧场概念延伸为空间概念，同时赋予其更丰富的可能性。
而在与一般观众较有距离感的美术馆、艺术馆里，以戏剧舞蹈等互动形式创造性沟通，则有助于开拓曲高和寡的当代艺术与观众平等对话的渠道。
艺术发展到现当代以后，以塞尚为代表的形式主义走向抽象，以杜尚为代表的观念主义创造了各式各样的非架上艺术，当代艺术在装置艺术、表演艺术和影像艺术上获得崭新的美学形式，艺术评论家陆兴华认为，“观众看多了绘画、雕塑等静默的作品，会在审美上呈现麻木和疲倦，戏剧表演能激发观众对美术馆的兴趣，让观众感受到直接的身体经验，引导观众像艺术家一样，用身体和感官更纯粹用心地感知空间。”
鉴于当代艺术审美基础和美育教育的缺乏断层，他认为，美术馆的首要工作是在一个公共空间里建立一种平等关系，让观众面对作品时就像进入了一个能够展开交流的语境，而不是在对当代艺术好奇的时候，就被一下子抛掷到陌生的精神沙漠里。
说到底，艺术跨界的目的，其实是实现艺术无界，审美无界，在熟悉各种艺术门类、创作和发生场域的基础上，获得整体的审美享受与鉴赏力提升，发现更美好的世界。