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摘 要：中国美术的发展史中，“水墨”与“丹青”一直为传统绘画中的两条脉络，由于唐宋之后的文人画的发展，影响了色彩画理论与实践的研究。传统山水画追求“逸笔草草，聊写胸中逸气”的“超逸”境界，从而对颜色的运用和挖掘相对较少。本文通过对比山水画和风景画的差异，来看山水画色彩的发展脉络，并认识色彩的功用，希望能对山水画色彩的发展有更好的启示。
关键词：色彩；山水画；风景画
一、山水画与风景画的差异
中国文化中的“山水”，是人的精神外化、精神对象物而存在的。画家将具体的山、水、树、景物转化为整体的山、水、树、景，转换的同时也蕴含着画家的主体观念和情感渗入的过程。这是中国人心中或眼中的“山水”，是符号化的形象，这些符号依照画家的人文观念、意识和精神的追求，对山水画面美的理解，构建安排的深怀人文精神的画家的心中之景。这与西方的写实“风景”有着千差万别。风景画是通过科学的理解透视、光学、色彩理论等知识而绘制出的画面。
由于不同的表达方式，使得山水画的色彩观与风景画的色彩观有较大不同。中国色彩重视表现物象内在精神和作者个人的主观情感，山水之美体现作者内心精神世界，山水画作是一种人格化的自然。西方绘画的风景画运用色彩的环境色、互补色、对比色等色彩学知识进行风景画的在线视觉景象，运用科学的理论知识描绘光线的不同色彩，从而表达情感、空间。20世纪后期，随着西学东渐，中国画家开始了解色彩知识后，色彩理念开始渐渐影响中国山水画色彩方面的发展，但是中国山水画中所体现的精神和意境是没有改变的。
二、从空间表达看中西方色彩运用之差异
传统山水画空间会给人一种“目所绸缪”由远及近或由近及远身临其境的空间感，画家通过游历、移动的观察方式，循环往复地全方位观察物象，是带有节奏的生命律动，从而获得空间意识。绘画时先用墨色勾、皴、擦、染等步奏绘制画面构图，通过笔墨的韵律、节奏，墨色的干、湿、浓、淡等来表现空间感。而色彩是在墨色之后的填充，色彩的调和注意墨色的融合与搭配，时刻保持营造山水画意境的表达。中国传统绘画的色彩观是“随类赋彩”，是依据物象色彩本身概括出与之相类的程式化色彩，在色彩的运用方面较为单一和主观，很少会用色彩来描绘视觉所看到的颜色，也不会以此来表现空间、突显体积和远近、虚实等。
与之相反，西方绘画则更多地使用色彩的明度、纯度、冷暖色等色彩差异营造出空间效果来。20世纪初期对于色彩空间的突破主要在于开始使用色彩来进行空间塑造。西方绘画对于色彩运用是基于对色彩的科学认识。比如色彩有冷暖、有明度和纯度的区别，而这些给人带来的心理感受不同，通过冷暖、明暗的对比，画家可以表达画面的空间感和距离感。如印象派画家采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，要求揣摩对光线和色彩表达光感美。
三、从审美情趣看中西方色彩运用之差异
中华文明上千年孕育了以五色体系为基础的丹青艺术，上可追溯到半坡原始古朴的彩陶、原始岩画、石窟墓室壁画，再到长沙马王堆的帛画及古楚墓出土的漆画，直到唐宋以宫廷院体画为代表的富贵华丽工整精细的工笔画，宋以前重彩工笔画当是中国绘画的主流形式，后发展至宋元明清的文人画，一直影响至今。
中国画的审美观念，决定了中国画色彩的使用特点：要求即单纯又丰富；即明快又厚重；即有对比又注重色彩的表现性；追求浓厚的装饰性；即平涂又忌平板；要求墨与彩的融合相映成趣。[1]以宋代王希孟的《千里江山图》作品为例，其色彩丰富绚丽之中所表现的无不是自然山川的壮阔、精神。即便从局部或者外形去分析不一定拘泥于某地某处，但是运用色彩所体现的无不是山川精神与骨气。
西方绘画对于色彩的审美是基于严格的科学基础，着重呈现色彩在不同光影，环境下的变化，力图通过颜色的搭配调和来描述客观世界。画家在绘画风景时，通过对景物的视觉观察，运用颜色的科学知识，进行冷暖、明暗、虚实调和，绘制表达自己情感的画面。因而中西方的色彩表达、色彩运用、色彩理念都不相同。中国山水画色彩不极力追求对客观世界的逼真模拟，也不着重表现色彩在光影下的变化，中国山水画对于色彩的审美必须服从于画面内涵，意境的表达。
四、中西色彩观的学习与融合
中国传统绘画偏重于主观因素，并以诗画结合、形神兼备作为绘画的最高境界，力图创造出一种和谐美。古代西方绘画则是重色彩，追求真实的美感。纵观东西方绘画艺术发展过程，无论在客体对象表现，还是内在审美意象的追求方面，都体现出画家希望在画面中充分表达自我，追求和谐。
一方面，应该认真探知西方现代、后现代等艺术派别的优秀色彩观念和技巧，在保持山水画精神内核的基础上，将西方色彩技法合理运用在山水画面中。在进行“中西融合”的时候，应该学习方浪漫主义、印象派的色彩以及表现主义的思维方式，让传统山水画中固有的构图法式、空白布局以及意境追求、笔墨精神有新的认识，学会笔墨与色彩相互渗化，线条与色块相对统一。于此同时要注意，山水画的表达是离不开笔墨的运用的，我们学习西方色彩观是为了更好的传达自己的情感，同时更多的方式表现结构、体积、光感，笔墨要融于色彩当中。
另一方面，当代美术界逐渐对中国山水画的精神内核达成共识：中国画的笔墨、图式以及反应出中国哲学思想，以及山水画的精神内核的体现，山水画承载的中国人文精神，追求意境，都展现出东方文化的高明之处。梵高在学习日本浮世绘，并了解中国画艺术之后，其色彩开始强调自己的主观意识性，《这间咖啡馆》运用色彩对比和特殊的透视空间，塑造出梦魇一般强烈刺激的气氛和视觉震撼，正是根据个体思维与自我情感的差异创作出的色彩心意，具有独立的审美意义。
东西方绘画采用不同的观察方法：西方绘画追求形与色的释放，中国画追求心与神的归宿。东方绘画应该通过关照其他文化从而更深刻、更理性的理解自身。山水画的色彩观念也应如此，应该多探寻色彩的其它意义，增加画面中色彩的感染力，为我们探寻山水画色彩表达的更多可能。
参考文献：
[1]刘源.中国画色彩艺术[M].重庆.西南师范大学出版社.1999年.
[1]韩昊.中国现代山水画空间的多元性.北京：美術观察，2014：130.
作者简介：王玥（1993—），女，汉族，江西上饶人，硕士研究生在读，主要研究方向：国画山水。
关键词：色彩；山水画；风景画
一、山水画与风景画的差异
中国文化中的“山水”，是人的精神外化、精神对象物而存在的。画家将具体的山、水、树、景物转化为整体的山、水、树、景，转换的同时也蕴含着画家的主体观念和情感渗入的过程。这是中国人心中或眼中的“山水”，是符号化的形象，这些符号依照画家的人文观念、意识和精神的追求，对山水画面美的理解，构建安排的深怀人文精神的画家的心中之景。这与西方的写实“风景”有着千差万别。风景画是通过科学的理解透视、光学、色彩理论等知识而绘制出的画面。
由于不同的表达方式，使得山水画的色彩观与风景画的色彩观有较大不同。中国色彩重视表现物象内在精神和作者个人的主观情感，山水之美体现作者内心精神世界，山水画作是一种人格化的自然。西方绘画的风景画运用色彩的环境色、互补色、对比色等色彩学知识进行风景画的在线视觉景象，运用科学的理论知识描绘光线的不同色彩，从而表达情感、空间。20世纪后期，随着西学东渐，中国画家开始了解色彩知识后，色彩理念开始渐渐影响中国山水画色彩方面的发展，但是中国山水画中所体现的精神和意境是没有改变的。
二、从空间表达看中西方色彩运用之差异
传统山水画空间会给人一种“目所绸缪”由远及近或由近及远身临其境的空间感，画家通过游历、移动的观察方式，循环往复地全方位观察物象，是带有节奏的生命律动，从而获得空间意识。绘画时先用墨色勾、皴、擦、染等步奏绘制画面构图，通过笔墨的韵律、节奏，墨色的干、湿、浓、淡等来表现空间感。而色彩是在墨色之后的填充，色彩的调和注意墨色的融合与搭配，时刻保持营造山水画意境的表达。中国传统绘画的色彩观是“随类赋彩”，是依据物象色彩本身概括出与之相类的程式化色彩，在色彩的运用方面较为单一和主观，很少会用色彩来描绘视觉所看到的颜色，也不会以此来表现空间、突显体积和远近、虚实等。
与之相反，西方绘画则更多地使用色彩的明度、纯度、冷暖色等色彩差异营造出空间效果来。20世纪初期对于色彩空间的突破主要在于开始使用色彩来进行空间塑造。西方绘画对于色彩运用是基于对色彩的科学认识。比如色彩有冷暖、有明度和纯度的区别，而这些给人带来的心理感受不同，通过冷暖、明暗的对比，画家可以表达画面的空间感和距离感。如印象派画家采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，要求揣摩对光线和色彩表达光感美。
三、从审美情趣看中西方色彩运用之差异
中华文明上千年孕育了以五色体系为基础的丹青艺术，上可追溯到半坡原始古朴的彩陶、原始岩画、石窟墓室壁画，再到长沙马王堆的帛画及古楚墓出土的漆画，直到唐宋以宫廷院体画为代表的富贵华丽工整精细的工笔画，宋以前重彩工笔画当是中国绘画的主流形式，后发展至宋元明清的文人画，一直影响至今。
中国画的审美观念，决定了中国画色彩的使用特点：要求即单纯又丰富；即明快又厚重；即有对比又注重色彩的表现性；追求浓厚的装饰性；即平涂又忌平板；要求墨与彩的融合相映成趣。[1]以宋代王希孟的《千里江山图》作品为例，其色彩丰富绚丽之中所表现的无不是自然山川的壮阔、精神。即便从局部或者外形去分析不一定拘泥于某地某处，但是运用色彩所体现的无不是山川精神与骨气。
西方绘画对于色彩的审美是基于严格的科学基础，着重呈现色彩在不同光影，环境下的变化，力图通过颜色的搭配调和来描述客观世界。画家在绘画风景时，通过对景物的视觉观察，运用颜色的科学知识，进行冷暖、明暗、虚实调和，绘制表达自己情感的画面。因而中西方的色彩表达、色彩运用、色彩理念都不相同。中国山水画色彩不极力追求对客观世界的逼真模拟，也不着重表现色彩在光影下的变化，中国山水画对于色彩的审美必须服从于画面内涵，意境的表达。
四、中西色彩观的学习与融合
中国传统绘画偏重于主观因素，并以诗画结合、形神兼备作为绘画的最高境界，力图创造出一种和谐美。古代西方绘画则是重色彩，追求真实的美感。纵观东西方绘画艺术发展过程，无论在客体对象表现，还是内在审美意象的追求方面，都体现出画家希望在画面中充分表达自我，追求和谐。
一方面，应该认真探知西方现代、后现代等艺术派别的优秀色彩观念和技巧，在保持山水画精神内核的基础上，将西方色彩技法合理运用在山水画面中。在进行“中西融合”的时候，应该学习方浪漫主义、印象派的色彩以及表现主义的思维方式，让传统山水画中固有的构图法式、空白布局以及意境追求、笔墨精神有新的认识，学会笔墨与色彩相互渗化，线条与色块相对统一。于此同时要注意，山水画的表达是离不开笔墨的运用的，我们学习西方色彩观是为了更好的传达自己的情感，同时更多的方式表现结构、体积、光感，笔墨要融于色彩当中。
另一方面，当代美术界逐渐对中国山水画的精神内核达成共识：中国画的笔墨、图式以及反应出中国哲学思想，以及山水画的精神内核的体现，山水画承载的中国人文精神，追求意境，都展现出东方文化的高明之处。梵高在学习日本浮世绘，并了解中国画艺术之后，其色彩开始强调自己的主观意识性，《这间咖啡馆》运用色彩对比和特殊的透视空间，塑造出梦魇一般强烈刺激的气氛和视觉震撼，正是根据个体思维与自我情感的差异创作出的色彩心意，具有独立的审美意义。
东西方绘画采用不同的观察方法：西方绘画追求形与色的释放，中国画追求心与神的归宿。东方绘画应该通过关照其他文化从而更深刻、更理性的理解自身。山水画的色彩观念也应如此，应该多探寻色彩的其它意义，增加画面中色彩的感染力，为我们探寻山水画色彩表达的更多可能。
参考文献：
[1]刘源.中国画色彩艺术[M].重庆.西南师范大学出版社.1999年.
[1]韩昊.中国现代山水画空间的多元性.北京：美術观察，2014：130.
作者简介：王玥（1993—），女，汉族，江西上饶人，硕士研究生在读，主要研究方向：国画山水。