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齐白石的书画作品动辄拍出千万元价格,价格最高的达到4.255亿元,而再巧夺天工的紫砂壶,目前拍卖市场的最高成交纪录是1344万元;画水墨写意画一蹴而就,受市场追捧价格高不可攀,辛苦劳动制作的雕塑、漆画、版画却往往难以在拍场上出现高价……
被“歧视”的工美艺术
自2010年起,近现代书画频频出天价,甚至已成为常态。而与此同时,其他艺术品类并没有如此风光。以雕塑为例,目前被市场视为作品价格最高的当代雕塑家向京,其作品的拍卖价最高为627.2万元,而广东的著名雕塑家潘鹤作品最高拍卖成交价为89.6万元。
工艺美术在拍卖场上不敌纯艺术品的案例,如今可谓屡见不鲜,几乎成为业内人士心中的一根刺——同样是艺术创作,并且比一蹴而就的国画油画更加费时费力,为什么反而不如它们值钱呢?更让人无奈的是,和国画油画等纯艺术品市场的热火朝天相比,工艺美术行业虽然谈不上门前冷落车马稀,但转投书画等纯艺术领域的业界人士却在日益增多。
广州美院版画系的李晓毕业后一直在从事美术教育,据她介绍,和她同班的30多个同学,大部分人因为现实问题放弃了版画。“不少美院的版画系教师也逐渐改为中国画,国画的市场氛围更好,也有一些年轻版画家转画油画的,不用那么辛苦,钱还来得更多更快,何乐而不为?”另一位版画家也无奈地表示:“不光是版画,雕塑、漆画等工艺美术,都是劳动强度大、劳动时间长的‘苦力活’,得到的回报又不成正比,改行也是人之常情。”
工艺美术从业者转投纯艺术领域,似乎已成为当今工艺美术界的一股风潮。这其中固然有经济方面的现实因素,还有思想观念上的变化。“现在印刷水平这么先进,手机拍照后就可以直接打印出高清喷画,很多人都觉得版画也不过是‘印刷品’,而不知道版画的‘印痕美’是机器无法比拟的。”对于这种看法,李晓固然愤愤不平,但更多的还是无法言说的落寞。
付出越多,收获越少?
为何劳动量越大的艺术品越不值钱?这是如今工艺美术行业大家都在思索的一个问题。而艺术家在创作中花费的劳动时间和艺术强度,与艺术品价值是否成正比?更是目前艺术圈争论的焦点。
对此,跨界学者、中山大学传播与设计学院副院长杨小彦提出了“审美传统”这一说法,“‘劳动时间’和‘劳动强度’在艺术上往往被忽视甚至无视,这往往决定于一个社会对于纯艺术的评价。虽然没有明文规定,但是大致上艺术界都认可这样的判断,即纯艺术本身在某种程度上不应该有工艺性。也就是工艺品制作得再精美,都不能跟绘画相比,因为人们的审美共识就是纯艺术表达精神,而工艺美术只是一种精益求精的制作,其工艺性绝对不是艺术性。”
可以说,在目前的主流思想观念里,纯艺术是反工艺、反装饰的。而这也是为什么在市场上,齐白石的画一定比紫砂壶价格高的原因。因为在传统的审美中,紫砂壶还只是器具,即使制作精美到令我们惊叹,但它也还只是茶壶,只是工艺,而齐白石就是纯艺术。“市场是不会混淆工艺品和纯艺术的。”杨小彦说,雕塑有架上雕塑,比如罗丹的作品,但也有空间的公共艺术;漆画,虽然是艺术的品类,但在相关的传统范围内,它还是工艺品。
“有一种观点认为,当工艺性越来越强、制作性越来越强,人们总认为其艺术性会被弱化。”因此,即使是今天,这些工艺美术类的艺术品始终也无法与绘画艺术相媲美。“在21世纪,一些概念都产生了重大的变化,但是工艺性和艺术性一定是对立的,这是由来已久的审美传统,只能说也许以后会逐渐改变。”杨小彦说。
忽略“劳动量”的当代艺术
美术史上有一个著名的“公案”。上世纪,美国印象大师詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒的一件作品《泰晤士河上散落的烟火:黑和金的小夜曲》公开展出,评论家约翰·拉斯丁评论称这件作品不该卖出那么高的价格,因为可以从画面看到画家仅仅用了很短的时间完成这件作品。画家非常生气,起诉拉斯丁羞辱了自己的艺术,“拉斯丁只看到我这么快完成的效果,却不知道我为了达到这个效果奋斗了几十年。况且艺术品价值不能以时间和艺术难度来衡量。”这件事情最终以拉斯丁赔偿画家10便士而了结,也因此成为艺术史上非常重要的事件。
可见,投放在艺术上的时间和技术难度,并不是衡量艺术品价值的唯一条件。众所周知,不同的艺术品类的时间花费和劳动强度各有不同,有的看起来很轻松,有的看起来很苦。而在当代的浮躁氛围影响下,许多艺术家在创作中投入的精力远不如前。甚至有人开始打着“不能以投放在艺术品上所花的时间和技术难度来判断艺术品的价值”,这样的口号似乎已成为“投机取巧”的护身符。
今天,人们越来越看重抽象的艺术品,这种现象尤其在中国更为明显。对于这样的趋势,杨小彦说:“市场上具象的、花费时间长的架上绘画一定能卖出高价,而充满抽象价值、看不出艺术难度的艺术品,经过大量评论、展览、作秀、推广,最后同样也能获得不可思议的价格。”
杨小彦认为,不管是什么材料,什么艺术形式,也只是人类表现情感的工具而已,一个成功的艺术家应该是各种画种都能驾驭,能运用各种材料来表达自己的思想。但如今这种所谓的“取巧艺术”却屡见不鲜,除了让艺术圈啼笑皆非之外,更让一些人感到忧心。
“传统工艺文化论”
诚然,也许艺术品不应该仅以劳动量来衡量其价值,但是当艺术家投入大量的劳动和心血,他创作出来的作品仍然应当受到尊敬,无论它是纯艺术还是工艺美术。然而,如今“工不如艺”的现状却让我们清楚地看到,工艺美术品的价格普遍低于纯艺术品,其根本原因并不在于“劳动量”,而是在于它的文化内涵。
归根结底,工艺美术品始终是文化产品,如果说精湛的工艺始终是作品的“身体”,那么文化就是作品的“灵魂”。这种灵魂是艺人赋予的,当设计者和制作者将自己的文化情思融合进作品时,不同的文化修养就会让作品产生千差万别的气质。徐悲鸿、齐白石一张画能卖几千万甚至上亿,这就是文化的不可估量的经济效益。
如果一个工艺大师有齐白石一样的文化底蕴,一样的名气,那么他所创作的作品又会在拍卖会上拍出什么价格呢?又或者说,齐白石创作的工艺美术品又能拍出什么价格呢?虽然这些问题只是假设,但我们从中却能感悟到一点东西。故而在工艺美术界,“传统工艺文化论”在行业内已得到不少人的认同。要提升工艺美术品的价值,首先要提升其文化价值。
中国竹工艺大师、高级工艺美术师卢光华从上世纪80年代末就意识到文化是传统工艺美术创新和发展的源泉。为了洗去竹编作品的匠气,他加强了自身的文化学习,广泛涉猎各艺术门类,提高自己对文艺作品的领悟能力、鉴赏能力,从而提高对美和情感的“表达能力”,提升竹编书画作品的文化内涵。
“没有文化的艺人,无论桂冠多少,终究只是工匠,我们经常说某件工艺品有灵气、有内涵,传达出种种只可意会不可言传的气韵;而某件作品则形象呆板、不够灵动……”在卢光华看来,目前的工艺美术创作偏重于“工”(即技法),而忽略了“艺”(即文化内涵),常让人喟叹“有匠气,无匠心”。传统工艺美术行业从业者,必须从根本上转变生产理念,补上文化修养这一课,从而增强文化竞争力,改变过去那种有手艺而无文化的旧貌,方能让传统工艺美术品拥有与纯艺术品一较高低的底气。
被“歧视”的工美艺术
自2010年起,近现代书画频频出天价,甚至已成为常态。而与此同时,其他艺术品类并没有如此风光。以雕塑为例,目前被市场视为作品价格最高的当代雕塑家向京,其作品的拍卖价最高为627.2万元,而广东的著名雕塑家潘鹤作品最高拍卖成交价为89.6万元。
工艺美术在拍卖场上不敌纯艺术品的案例,如今可谓屡见不鲜,几乎成为业内人士心中的一根刺——同样是艺术创作,并且比一蹴而就的国画油画更加费时费力,为什么反而不如它们值钱呢?更让人无奈的是,和国画油画等纯艺术品市场的热火朝天相比,工艺美术行业虽然谈不上门前冷落车马稀,但转投书画等纯艺术领域的业界人士却在日益增多。
广州美院版画系的李晓毕业后一直在从事美术教育,据她介绍,和她同班的30多个同学,大部分人因为现实问题放弃了版画。“不少美院的版画系教师也逐渐改为中国画,国画的市场氛围更好,也有一些年轻版画家转画油画的,不用那么辛苦,钱还来得更多更快,何乐而不为?”另一位版画家也无奈地表示:“不光是版画,雕塑、漆画等工艺美术,都是劳动强度大、劳动时间长的‘苦力活’,得到的回报又不成正比,改行也是人之常情。”
工艺美术从业者转投纯艺术领域,似乎已成为当今工艺美术界的一股风潮。这其中固然有经济方面的现实因素,还有思想观念上的变化。“现在印刷水平这么先进,手机拍照后就可以直接打印出高清喷画,很多人都觉得版画也不过是‘印刷品’,而不知道版画的‘印痕美’是机器无法比拟的。”对于这种看法,李晓固然愤愤不平,但更多的还是无法言说的落寞。
付出越多,收获越少?
为何劳动量越大的艺术品越不值钱?这是如今工艺美术行业大家都在思索的一个问题。而艺术家在创作中花费的劳动时间和艺术强度,与艺术品价值是否成正比?更是目前艺术圈争论的焦点。
对此,跨界学者、中山大学传播与设计学院副院长杨小彦提出了“审美传统”这一说法,“‘劳动时间’和‘劳动强度’在艺术上往往被忽视甚至无视,这往往决定于一个社会对于纯艺术的评价。虽然没有明文规定,但是大致上艺术界都认可这样的判断,即纯艺术本身在某种程度上不应该有工艺性。也就是工艺品制作得再精美,都不能跟绘画相比,因为人们的审美共识就是纯艺术表达精神,而工艺美术只是一种精益求精的制作,其工艺性绝对不是艺术性。”
可以说,在目前的主流思想观念里,纯艺术是反工艺、反装饰的。而这也是为什么在市场上,齐白石的画一定比紫砂壶价格高的原因。因为在传统的审美中,紫砂壶还只是器具,即使制作精美到令我们惊叹,但它也还只是茶壶,只是工艺,而齐白石就是纯艺术。“市场是不会混淆工艺品和纯艺术的。”杨小彦说,雕塑有架上雕塑,比如罗丹的作品,但也有空间的公共艺术;漆画,虽然是艺术的品类,但在相关的传统范围内,它还是工艺品。
“有一种观点认为,当工艺性越来越强、制作性越来越强,人们总认为其艺术性会被弱化。”因此,即使是今天,这些工艺美术类的艺术品始终也无法与绘画艺术相媲美。“在21世纪,一些概念都产生了重大的变化,但是工艺性和艺术性一定是对立的,这是由来已久的审美传统,只能说也许以后会逐渐改变。”杨小彦说。
忽略“劳动量”的当代艺术
美术史上有一个著名的“公案”。上世纪,美国印象大师詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒的一件作品《泰晤士河上散落的烟火:黑和金的小夜曲》公开展出,评论家约翰·拉斯丁评论称这件作品不该卖出那么高的价格,因为可以从画面看到画家仅仅用了很短的时间完成这件作品。画家非常生气,起诉拉斯丁羞辱了自己的艺术,“拉斯丁只看到我这么快完成的效果,却不知道我为了达到这个效果奋斗了几十年。况且艺术品价值不能以时间和艺术难度来衡量。”这件事情最终以拉斯丁赔偿画家10便士而了结,也因此成为艺术史上非常重要的事件。
可见,投放在艺术上的时间和技术难度,并不是衡量艺术品价值的唯一条件。众所周知,不同的艺术品类的时间花费和劳动强度各有不同,有的看起来很轻松,有的看起来很苦。而在当代的浮躁氛围影响下,许多艺术家在创作中投入的精力远不如前。甚至有人开始打着“不能以投放在艺术品上所花的时间和技术难度来判断艺术品的价值”,这样的口号似乎已成为“投机取巧”的护身符。
今天,人们越来越看重抽象的艺术品,这种现象尤其在中国更为明显。对于这样的趋势,杨小彦说:“市场上具象的、花费时间长的架上绘画一定能卖出高价,而充满抽象价值、看不出艺术难度的艺术品,经过大量评论、展览、作秀、推广,最后同样也能获得不可思议的价格。”
杨小彦认为,不管是什么材料,什么艺术形式,也只是人类表现情感的工具而已,一个成功的艺术家应该是各种画种都能驾驭,能运用各种材料来表达自己的思想。但如今这种所谓的“取巧艺术”却屡见不鲜,除了让艺术圈啼笑皆非之外,更让一些人感到忧心。
“传统工艺文化论”
诚然,也许艺术品不应该仅以劳动量来衡量其价值,但是当艺术家投入大量的劳动和心血,他创作出来的作品仍然应当受到尊敬,无论它是纯艺术还是工艺美术。然而,如今“工不如艺”的现状却让我们清楚地看到,工艺美术品的价格普遍低于纯艺术品,其根本原因并不在于“劳动量”,而是在于它的文化内涵。
归根结底,工艺美术品始终是文化产品,如果说精湛的工艺始终是作品的“身体”,那么文化就是作品的“灵魂”。这种灵魂是艺人赋予的,当设计者和制作者将自己的文化情思融合进作品时,不同的文化修养就会让作品产生千差万别的气质。徐悲鸿、齐白石一张画能卖几千万甚至上亿,这就是文化的不可估量的经济效益。
如果一个工艺大师有齐白石一样的文化底蕴,一样的名气,那么他所创作的作品又会在拍卖会上拍出什么价格呢?又或者说,齐白石创作的工艺美术品又能拍出什么价格呢?虽然这些问题只是假设,但我们从中却能感悟到一点东西。故而在工艺美术界,“传统工艺文化论”在行业内已得到不少人的认同。要提升工艺美术品的价值,首先要提升其文化价值。
中国竹工艺大师、高级工艺美术师卢光华从上世纪80年代末就意识到文化是传统工艺美术创新和发展的源泉。为了洗去竹编作品的匠气,他加强了自身的文化学习,广泛涉猎各艺术门类,提高自己对文艺作品的领悟能力、鉴赏能力,从而提高对美和情感的“表达能力”,提升竹编书画作品的文化内涵。
“没有文化的艺人,无论桂冠多少,终究只是工匠,我们经常说某件工艺品有灵气、有内涵,传达出种种只可意会不可言传的气韵;而某件作品则形象呆板、不够灵动……”在卢光华看来,目前的工艺美术创作偏重于“工”(即技法),而忽略了“艺”(即文化内涵),常让人喟叹“有匠气,无匠心”。传统工艺美术行业从业者,必须从根本上转变生产理念,补上文化修养这一课,从而增强文化竞争力,改变过去那种有手艺而无文化的旧貌,方能让传统工艺美术品拥有与纯艺术品一较高低的底气。