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在一次與柯和根教授的聊天中，柯教授说：“越是平面的，越具当代性。”
在我早期艺术学习的过程中，所受到绘画的训练大都是焦点透视，因为那时候受俄罗斯绘画影响比较大。这种思考的惯性，贯穿着对绘画的基础认知。当然后续就慢慢打开视野，接触了很多绘画方面的理论，有平面的，有空间关系，也有多维关系的。
今天我们谈到陶瓷绘画形式美感的架构，其实更多地受中国画的影响，中国画是散点透视法。我个人理解，它是介于焦点透视与平面化之间的方式。中国画里有“高远”“平远”的透视法则。在对自然物象收集的过程中，中国画注重体验式的感悟，然后进行比较主观的描绘；而西方焦点透视，更提倡写生过程中对客观对象的描绘。
当然陶瓷丰富的表现力，在塑造方面，有它的特殊性。它既可以去模仿油画的真实再现，又可以去模仿水墨的自然韵味。但是，毕竟是模仿，而无法代替，这都是陶瓷语言建构的初级形态，如果仅仅是停留在模仿嫁接，是远远不够的。今天所谈到的画面“平面化”，我认为对当下陶瓷绘画艺术发展，有它积极的推动作用。
第一，打破我们过去架构方式的惯性思维。因为从历史来看，陶瓷绘画是从陶瓷装饰演化而来，逐渐形成相对独立的语言形态，由于历史上陶瓷绘画多具装饰性，它可能会在画面呈现时，平面感比较强。这可能是我们古代人对陶瓷透彻的认知，就是陶瓷语言属性可能更具备平面感的装饰性。这也是陶瓷材料表现力的突出传递形式。
第二，平面感的提出，会在陶瓷绘画领域里面，展现新的思维方式和新的创作语境的表达。或许能开启更广阔的对陶瓷绘画的认知。就像我们在颜色釉的创作过程中，由于它的偶然因素所带来的对陶瓷绘画的局限性，限制对焦点透视、三维空间表达语境的展现。可能对于平面传达，更为直接。
第三，陶瓷平面感的提出，它是现代艺术走到今天的一个新方式，也即是塞尚提出关于“形式美架构”的一些探求，所演化而来的平面形式感塑造，更加强调了艺术的传达性和表现性，而弱化了艺术的再现性。对于上一章节“自由状态的行走”和陶瓷绘画“纯粹性”，我认为“平面化”体现了更为确切的形式传达。
第四，由于当今陶瓷绘画处于一个初级架构时期，平面化的提出或许可以让从事艺术创作的艺术家们，更注重审视自我对陶瓷绘画多元化的理解。陶瓷绘画如何在平面中凸显张力，拉近艺术家与画面感的距离，个人认为，平面化要强于焦点透视。我们可以在平面化的创作过程中，更加认知到艺术的形式法则，通过研究形式法则，来认知当下绘画本身的意义和存在价值。因为今天的绘画，不是对于事物简单摹写，也不是对自然物象的再现，而是更多地回归到犹如韩子丰老师所说的“探讨人的存在，和存在之所以存在的思考”，从而有助于加强陶瓷绘画本体特征的识别度，调动人的主观意识，从而达到个人精神的释放，开启瓷画艺术深度的本体认知。
平面感的认知，某种意义上是寻找突破，同时又是在寻找“存在”。
今天的“平面感”的提出，不是停留在装饰画的平面认知上。装饰画与绘画本身具有差别，它的差别在于艺术家在突破与寻找自我的存在意义，而不是追求装饰画的形式设计感。当然它们之间存在形式的关联性，但是其终极目的是不同的。
塞尚对于画面结构的打破与重构，提到了对于绘画本身意义在形式感架构上面的探求，更注重于艺术家主观的传达，改变了历史上绘画对物象摹写的依赖，走向了绘画“纯粹”的开始。他在绘画上凭借梯形、三角形、平行线，甚至对于物象描写的偏移，来探求绘画形式美感的方向。又比如马蒂斯的绘画作品中，看到了对中国剪纸艺术的借鉴，以平面造型和对线条的深切体悟，高度概括了物象，提高了画面的节奏与韵律，把自我对精神的传达，跃然于画面，开启了现代绘画走向平面模式的先河。
平面化的意义，它舍去了焦点透视和三度空间的虚设，加强人视觉感应的“第四度”空间。在平面中，感知“时”“空”的延伸。由画面感的纯粹性中，观赏者对画面中“一秒触及”后续的视觉延伸。绘画的呈现是倒叙的，不像音乐或者文学，有时间段。绘画是一触及即结束，如何不让它结束，就是通过“第四度”空间的延续，使其更具有观赏性、可读性。
在陶瓷绘画过程中，如何达到视觉延伸？我曾提出“不守方寸之间，而立方圆之外”。每一幅画的尺寸，是有限度的。而在艺术传达方面，在立意上要有广阔的思维延续，这是方圆，而不是方寸。这是对画面感的“第四度”空间的理解和最好的阐述。如同弗洛伊德所提出的，先有本我，再有自我，再追寻超我的状态。艺术本身它是灵魂的载体，而不是对知识的解读。在架构平面化的绘画过程中，我们脱离了物象对艺术家意识形态的形体限制，走出了本我状态，寻找自我意识形态的认知，从而达到“立方圆之外”的超我境界。
艺术家对“第四度”空间，是追寻“存在”的探索。
因为平面化再现方式，具有强大的自由度，在打破和重构的过程中，逐渐寻找形式法则与心灵的契合点。它更多在于灵魂的载入和意识形态的拓展延伸，是艺术家由本我达到自然状态的超我方式。
平面化——形式法则的建构，对物象的打破与重构，甚至非物非象，更多是关注内心的感触，和延展出的心率跳动，是作品赋予生命的思考。
平面化的东西，因为建立在打破与重构之上，其自由状态更注重艺术的纯粹性，不被物象所束缚，艺术家更能寻找自我的状态，是存在与寻找存在的关系，是自我与本我、超我的转换。
正如道学所说：无生有，有即一。打破“无”的状态，重新架构，产生“有”的状态。“一”即是法则，艺术形式美感根本在于“一”，由“一”派生出来万物，让人产生更广阔的遐想。
在我早期艺术学习的过程中，所受到绘画的训练大都是焦点透视，因为那时候受俄罗斯绘画影响比较大。这种思考的惯性，贯穿着对绘画的基础认知。当然后续就慢慢打开视野，接触了很多绘画方面的理论，有平面的，有空间关系，也有多维关系的。
今天我们谈到陶瓷绘画形式美感的架构，其实更多地受中国画的影响，中国画是散点透视法。我个人理解，它是介于焦点透视与平面化之间的方式。中国画里有“高远”“平远”的透视法则。在对自然物象收集的过程中，中国画注重体验式的感悟，然后进行比较主观的描绘；而西方焦点透视，更提倡写生过程中对客观对象的描绘。
当然陶瓷丰富的表现力，在塑造方面，有它的特殊性。它既可以去模仿油画的真实再现，又可以去模仿水墨的自然韵味。但是，毕竟是模仿，而无法代替，这都是陶瓷语言建构的初级形态，如果仅仅是停留在模仿嫁接，是远远不够的。今天所谈到的画面“平面化”，我认为对当下陶瓷绘画艺术发展，有它积极的推动作用。
第一，打破我们过去架构方式的惯性思维。因为从历史来看，陶瓷绘画是从陶瓷装饰演化而来，逐渐形成相对独立的语言形态，由于历史上陶瓷绘画多具装饰性，它可能会在画面呈现时，平面感比较强。这可能是我们古代人对陶瓷透彻的认知，就是陶瓷语言属性可能更具备平面感的装饰性。这也是陶瓷材料表现力的突出传递形式。
第二，平面感的提出，会在陶瓷绘画领域里面，展现新的思维方式和新的创作语境的表达。或许能开启更广阔的对陶瓷绘画的认知。就像我们在颜色釉的创作过程中，由于它的偶然因素所带来的对陶瓷绘画的局限性，限制对焦点透视、三维空间表达语境的展现。可能对于平面传达，更为直接。
第三，陶瓷平面感的提出，它是现代艺术走到今天的一个新方式，也即是塞尚提出关于“形式美架构”的一些探求，所演化而来的平面形式感塑造，更加强调了艺术的传达性和表现性，而弱化了艺术的再现性。对于上一章节“自由状态的行走”和陶瓷绘画“纯粹性”，我认为“平面化”体现了更为确切的形式传达。
第四，由于当今陶瓷绘画处于一个初级架构时期，平面化的提出或许可以让从事艺术创作的艺术家们，更注重审视自我对陶瓷绘画多元化的理解。陶瓷绘画如何在平面中凸显张力，拉近艺术家与画面感的距离，个人认为，平面化要强于焦点透视。我们可以在平面化的创作过程中，更加认知到艺术的形式法则，通过研究形式法则，来认知当下绘画本身的意义和存在价值。因为今天的绘画，不是对于事物简单摹写，也不是对自然物象的再现，而是更多地回归到犹如韩子丰老师所说的“探讨人的存在，和存在之所以存在的思考”，从而有助于加强陶瓷绘画本体特征的识别度，调动人的主观意识，从而达到个人精神的释放，开启瓷画艺术深度的本体认知。
平面感的认知，某种意义上是寻找突破，同时又是在寻找“存在”。
今天的“平面感”的提出，不是停留在装饰画的平面认知上。装饰画与绘画本身具有差别，它的差别在于艺术家在突破与寻找自我的存在意义，而不是追求装饰画的形式设计感。当然它们之间存在形式的关联性，但是其终极目的是不同的。
塞尚对于画面结构的打破与重构，提到了对于绘画本身意义在形式感架构上面的探求，更注重于艺术家主观的传达，改变了历史上绘画对物象摹写的依赖，走向了绘画“纯粹”的开始。他在绘画上凭借梯形、三角形、平行线，甚至对于物象描写的偏移，来探求绘画形式美感的方向。又比如马蒂斯的绘画作品中，看到了对中国剪纸艺术的借鉴，以平面造型和对线条的深切体悟，高度概括了物象，提高了画面的节奏与韵律，把自我对精神的传达，跃然于画面，开启了现代绘画走向平面模式的先河。
平面化的意义，它舍去了焦点透视和三度空间的虚设，加强人视觉感应的“第四度”空间。在平面中，感知“时”“空”的延伸。由画面感的纯粹性中，观赏者对画面中“一秒触及”后续的视觉延伸。绘画的呈现是倒叙的，不像音乐或者文学，有时间段。绘画是一触及即结束，如何不让它结束，就是通过“第四度”空间的延续，使其更具有观赏性、可读性。
在陶瓷绘画过程中，如何达到视觉延伸？我曾提出“不守方寸之间，而立方圆之外”。每一幅画的尺寸，是有限度的。而在艺术传达方面，在立意上要有广阔的思维延续，这是方圆，而不是方寸。这是对画面感的“第四度”空间的理解和最好的阐述。如同弗洛伊德所提出的，先有本我，再有自我，再追寻超我的状态。艺术本身它是灵魂的载体，而不是对知识的解读。在架构平面化的绘画过程中，我们脱离了物象对艺术家意识形态的形体限制，走出了本我状态，寻找自我意识形态的认知，从而达到“立方圆之外”的超我境界。
艺术家对“第四度”空间，是追寻“存在”的探索。
因为平面化再现方式，具有强大的自由度，在打破和重构的过程中，逐渐寻找形式法则与心灵的契合点。它更多在于灵魂的载入和意识形态的拓展延伸，是艺术家由本我达到自然状态的超我方式。
平面化——形式法则的建构，对物象的打破与重构，甚至非物非象，更多是关注内心的感触，和延展出的心率跳动，是作品赋予生命的思考。
平面化的东西，因为建立在打破与重构之上，其自由状态更注重艺术的纯粹性，不被物象所束缚，艺术家更能寻找自我的状态，是存在与寻找存在的关系，是自我与本我、超我的转换。
正如道学所说：无生有，有即一。打破“无”的状态，重新架构，产生“有”的状态。“一”即是法则，艺术形式美感根本在于“一”，由“一”派生出来万物，让人产生更广阔的遐想。