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摘要：儿童带着对画画的渴望来到这个世界上，或者我们应该说儿童天生就有绘画的冲动。他们从涂鸦开始，然后发展到画一些图形符号，有一些儿童更进一步发展了美术表现。对于大多数儿童来说，这种图形表达的自然进步过程是连续的。本文就现阶段美国初等美术教育加以分析，以期给相关教育工作者改进工作以有益借鉴。
关键词：美术教育；创作；教学
长久以来，美术教育在美国学校中的地位不是一成不变的，美術教育家维克多·劳文菲德探究了儿童美术的视觉和触觉类型，并且指出了美术所产生的创造力对儿童各方面能力发展的重要性。然而，大多数学校只为美术课程提供了最小限度的时间，且美术还经常被用于假日学习项目中，那些成人的作品还常用来装饰儿童的房间，由于本身就没有让儿童学习美术的期望，这些活动不但会有害于儿童在美术方面的成长，而且损害了儿童以自己的方式进行表达的信心。
1儿童怎样在创作中成长
为了有效地教授初等学校的美术，教师需要了解儿童是如何通过其美术创作成长的。为了理解和帮助儿童成长，我们要近距离看看儿童每个时期视觉图像创作的发展过程。2～4岁的儿童会有无命名的、自由的、随意的涂鸦，色彩很多却与对象无关；4～8岁的儿童画的身体常用几何图形构成，显示出有意义的情感和身体上的观念，夸张和省略一些身体部位，注重重要部分的细节；8～12岁的则更加注重身体比例、人物的动作和服装的细节，通过缩小尺寸和重叠来显示图像深度，对自己的作品要求也会更高。作为教师，我们可以通过提问来激发学生的思维、感受和意识。现场场景、照片资料、实物、表演、假扮的人物都可以成为谈话的内容。还可以谈到能使绘画内容更丰富的方面，比如语言的描述（诗、歌或故事）、幻想和幽默。教师的主要职责是让儿童能在头脑中再现所要画的美术作品。
2教师如何激励学生美术创作
2.1教师可设计不同的方式唤起学生们的美术兴趣
能让学生积极并热情参与并能从中收到激发，是教师唤起儿童美术兴趣的基本手段。教师可以根据自己的想法可以设计几种不同的方式来激发学生们的美术兴趣，一个教学方案常常由两个部分组成。一个是对话，对话优先于美术活动；另一个是合理安排时间，这些视觉图像包括实际的物体、造型模特和照片。另一种教学方案可以包括一些有视觉刺激的故事、歌曲，或者能激发儿童想象的诗歌，他们听着这些选段接着就能画下自己对故事的反应。有规律且循序渐进的激励性教学方案，能使儿童通过重复使用美术教材来使他们的技巧得到加强。这些教学方案提供了一个能培养儿童美术潜力的环境。有规律和循序渐进的美术课程，使儿童能够基于他们的理解去创作，基于他们的生活经历和对他们来说重要的事情进行创作。
2.2教师要对儿童画的创作和美术作品做出评价
儿童在看与选择的辨别力方面需要指导，控制能力的持续加强也需要时间和指导，这些都需要教师个别观察并了解每个学生需要协助的程度。保留每个学生的作品资料用来评估学生在学校里的进步是有帮助的。使用这种方法，教师能了解儿童的发展阶段——如关于人物、房子、空间的描绘——是否与其年龄层次相符。比如，一个儿童能画一个一边奔跑一边扔橄榄球的人，却坚持把天空划成一条穿越纸张的线，他就可能需要教师指导他去画树顶后漂浮的云。
2.3教师在儿童绘画时要与之进行交流
在儿童绘画时，教师与学生之间需要进行交流，教师可能会发现一个儿童即使在很大的纸上也会连续画很小的物体。这经常表示缺乏信心或者缺少对于这个主题的知识和认知经验。教师可以帮助这样的学生使用扩充法来使学生意识到他们实际上对于这个主题的了解和感受能增加多少。扩充法指在原来细小的人物、房子或者动物上扩大或增加内容。提问的教学方法能引导学生注意力集中，理清记忆或加深理解。
总而言之，儿童天生具有一种能力能把他们原始的认知手段，即感觉、思维、理解的经历转化为独特的美术形式。教学方案可以有一个或多个重点，并以儿童的美术作品作为终点，应该注重和强调以下几点：1）对物体的直接观察。2）回忆过去的经验。3）换位思考。4）开始涉及美术的要素和法则中形式的方面。5）既钻研自己国家的文化遗产，又钻研不同的文化。6）感觉、幻想、想象的探索。7）善于利用美术教材进行创造和实践。8）把美术活动与其他领域的课程结合。9）以某个美术家或学派的风格进行美术创作。10）通过视觉或想象来诠释一首诗、歌和故事。强烈的主观能动性能把认识、感受、想法转化成美术形式，教师通常需要为儿童提供舞台并且帮助他们理顺印象和概念。在响应教育方案的过程中，学生们被发动去思考、观察、想象并形成自己的想法。他们被鼓励去做到善于创造，善于想象并富有个性。他们在进行判断和自我批评的引导下不断进步。
汤姆·安德森指出：在教学中把美术表现和对美术作品的理解紧密联系在一起从根本上说是合理的，当两者相互联系在一起时，学生们会在这两方面得到更多的领悟。另外，抓住机会让其中一种活动自然地引发另一种活动能使学生建立美术创作和艺术理解两者之间的连通感。
儿童通过研究和学习美术，能令他们领会美术作品外在的可变现内容，并通过他们自己的美术表现形式成长进步。一般来说，仅通过鼓励美术创造来发展学生的创造力会贬低美术的重要性，由于每个美术学科——美术创作、审美判断、美术评论和美术史——都拥有各自独有的知识主体和知识内容。然而任何一个美术学科都不能优先于其他学科。应该在教育时把它们混合在一起，这样学生就同时能学习美术创造和理解美术。
加顿纳把学校看作是一个应该能全面发展大脑不同组织部分的地方，“美术性的思维，即用美术符号思维，是一种与众不同的使用大脑的方法。”他坚信美术创作应该继续作为幼儿美术教育的中心，美术创作是“我们的方法中心，它与仅仅学习过去的传统或讨论美术是非常不同的。他强调：“创作必须在本质上与感知和反思联系在一起。感知指通过学习去更好地看，更好地听，做出更精确的辨别，进而能看到事物之间的关系。反思指能够退回一步评判自己作品的能力。”美术创作应该是美术课程的中心，因为正如加顿纳所说，它提供了一种“与众不同的使用大脑的方法。”美术创作和美术欣赏的认知和反思必须在美术课程中结合在一起，以便为儿童艺术水平的提高提供最佳的条件。
“如果说社会意识的其他形式的教育具有局部性的话，那么艺术则对智慧和心灵产生综合性的影响，艺术的影响可以触及人的精神的任何一个角落，艺术造就完整的个性。”成功的美术教育是能够确保未来教师在教学过程中提高学生的美术兴趣、审美能力及艺术创造力。要提高儿童艺术教育的质量，关键在于教师，美国非常注重儿童艺术教育的师资培养。我们国家也应该要求美术教师在一定专业知识的前提下，还应该拥有全面的科学文化基础知识以及较丰厚的文化素养。
参考文献：
[1] 多纳德·赫伯霍兹，芭芭拉·赫伯霍兹.美国初等教育美术教师培训教材[A].上海人民出版社，2006.
[2] 汤姆·安德森.用艺术拯救世界[J].中国美术教育，2006（1）.
[3] 加顿纳.美国著名心理学家.
[4] 尤·鲍列夫.美学[M].上海：上海译文出版社，1988：164.
关键词：美术教育；创作；教学
长久以来，美术教育在美国学校中的地位不是一成不变的，美術教育家维克多·劳文菲德探究了儿童美术的视觉和触觉类型，并且指出了美术所产生的创造力对儿童各方面能力发展的重要性。然而，大多数学校只为美术课程提供了最小限度的时间，且美术还经常被用于假日学习项目中，那些成人的作品还常用来装饰儿童的房间，由于本身就没有让儿童学习美术的期望，这些活动不但会有害于儿童在美术方面的成长，而且损害了儿童以自己的方式进行表达的信心。
1儿童怎样在创作中成长
为了有效地教授初等学校的美术，教师需要了解儿童是如何通过其美术创作成长的。为了理解和帮助儿童成长，我们要近距离看看儿童每个时期视觉图像创作的发展过程。2～4岁的儿童会有无命名的、自由的、随意的涂鸦，色彩很多却与对象无关；4～8岁的儿童画的身体常用几何图形构成，显示出有意义的情感和身体上的观念，夸张和省略一些身体部位，注重重要部分的细节；8～12岁的则更加注重身体比例、人物的动作和服装的细节，通过缩小尺寸和重叠来显示图像深度，对自己的作品要求也会更高。作为教师，我们可以通过提问来激发学生的思维、感受和意识。现场场景、照片资料、实物、表演、假扮的人物都可以成为谈话的内容。还可以谈到能使绘画内容更丰富的方面，比如语言的描述（诗、歌或故事）、幻想和幽默。教师的主要职责是让儿童能在头脑中再现所要画的美术作品。
2教师如何激励学生美术创作
2.1教师可设计不同的方式唤起学生们的美术兴趣
能让学生积极并热情参与并能从中收到激发，是教师唤起儿童美术兴趣的基本手段。教师可以根据自己的想法可以设计几种不同的方式来激发学生们的美术兴趣，一个教学方案常常由两个部分组成。一个是对话，对话优先于美术活动；另一个是合理安排时间，这些视觉图像包括实际的物体、造型模特和照片。另一种教学方案可以包括一些有视觉刺激的故事、歌曲，或者能激发儿童想象的诗歌，他们听着这些选段接着就能画下自己对故事的反应。有规律且循序渐进的激励性教学方案，能使儿童通过重复使用美术教材来使他们的技巧得到加强。这些教学方案提供了一个能培养儿童美术潜力的环境。有规律和循序渐进的美术课程，使儿童能够基于他们的理解去创作，基于他们的生活经历和对他们来说重要的事情进行创作。
2.2教师要对儿童画的创作和美术作品做出评价
儿童在看与选择的辨别力方面需要指导，控制能力的持续加强也需要时间和指导，这些都需要教师个别观察并了解每个学生需要协助的程度。保留每个学生的作品资料用来评估学生在学校里的进步是有帮助的。使用这种方法，教师能了解儿童的发展阶段——如关于人物、房子、空间的描绘——是否与其年龄层次相符。比如，一个儿童能画一个一边奔跑一边扔橄榄球的人，却坚持把天空划成一条穿越纸张的线，他就可能需要教师指导他去画树顶后漂浮的云。
2.3教师在儿童绘画时要与之进行交流
在儿童绘画时，教师与学生之间需要进行交流，教师可能会发现一个儿童即使在很大的纸上也会连续画很小的物体。这经常表示缺乏信心或者缺少对于这个主题的知识和认知经验。教师可以帮助这样的学生使用扩充法来使学生意识到他们实际上对于这个主题的了解和感受能增加多少。扩充法指在原来细小的人物、房子或者动物上扩大或增加内容。提问的教学方法能引导学生注意力集中，理清记忆或加深理解。
总而言之，儿童天生具有一种能力能把他们原始的认知手段，即感觉、思维、理解的经历转化为独特的美术形式。教学方案可以有一个或多个重点，并以儿童的美术作品作为终点，应该注重和强调以下几点：1）对物体的直接观察。2）回忆过去的经验。3）换位思考。4）开始涉及美术的要素和法则中形式的方面。5）既钻研自己国家的文化遗产，又钻研不同的文化。6）感觉、幻想、想象的探索。7）善于利用美术教材进行创造和实践。8）把美术活动与其他领域的课程结合。9）以某个美术家或学派的风格进行美术创作。10）通过视觉或想象来诠释一首诗、歌和故事。强烈的主观能动性能把认识、感受、想法转化成美术形式，教师通常需要为儿童提供舞台并且帮助他们理顺印象和概念。在响应教育方案的过程中，学生们被发动去思考、观察、想象并形成自己的想法。他们被鼓励去做到善于创造，善于想象并富有个性。他们在进行判断和自我批评的引导下不断进步。
汤姆·安德森指出：在教学中把美术表现和对美术作品的理解紧密联系在一起从根本上说是合理的，当两者相互联系在一起时，学生们会在这两方面得到更多的领悟。另外，抓住机会让其中一种活动自然地引发另一种活动能使学生建立美术创作和艺术理解两者之间的连通感。
儿童通过研究和学习美术，能令他们领会美术作品外在的可变现内容，并通过他们自己的美术表现形式成长进步。一般来说，仅通过鼓励美术创造来发展学生的创造力会贬低美术的重要性，由于每个美术学科——美术创作、审美判断、美术评论和美术史——都拥有各自独有的知识主体和知识内容。然而任何一个美术学科都不能优先于其他学科。应该在教育时把它们混合在一起，这样学生就同时能学习美术创造和理解美术。
加顿纳把学校看作是一个应该能全面发展大脑不同组织部分的地方，“美术性的思维，即用美术符号思维，是一种与众不同的使用大脑的方法。”他坚信美术创作应该继续作为幼儿美术教育的中心，美术创作是“我们的方法中心，它与仅仅学习过去的传统或讨论美术是非常不同的。他强调：“创作必须在本质上与感知和反思联系在一起。感知指通过学习去更好地看，更好地听，做出更精确的辨别，进而能看到事物之间的关系。反思指能够退回一步评判自己作品的能力。”美术创作应该是美术课程的中心，因为正如加顿纳所说，它提供了一种“与众不同的使用大脑的方法。”美术创作和美术欣赏的认知和反思必须在美术课程中结合在一起，以便为儿童艺术水平的提高提供最佳的条件。
“如果说社会意识的其他形式的教育具有局部性的话，那么艺术则对智慧和心灵产生综合性的影响，艺术的影响可以触及人的精神的任何一个角落，艺术造就完整的个性。”成功的美术教育是能够确保未来教师在教学过程中提高学生的美术兴趣、审美能力及艺术创造力。要提高儿童艺术教育的质量，关键在于教师，美国非常注重儿童艺术教育的师资培养。我们国家也应该要求美术教师在一定专业知识的前提下，还应该拥有全面的科学文化基础知识以及较丰厚的文化素养。
参考文献：
[1] 多纳德·赫伯霍兹，芭芭拉·赫伯霍兹.美国初等教育美术教师培训教材[A].上海人民出版社，2006.
[2] 汤姆·安德森.用艺术拯救世界[J].中国美术教育，2006（1）.
[3] 加顿纳.美国著名心理学家.
[4] 尤·鲍列夫.美学[M].上海：上海译文出版社，1988：164.