歌舞片从诞生之日起，就在电影类型片中享有大佬地位。世界上第一部有声电影《爵士歌王》就是一部歌舞片（有人认为《爵士歌王》在声音上不达标，不能称为第一部有声电影）。歌舞片得到的这个第一可不是来自“一不小心”，相反，它有着深厚的家族渊源。如今，极度妖娆的歌舞巨片《九》终于亮相，女演员的较好姿容和绝世身材，犹如回光返照，让人看到了歌舞片往昔的荣光——歌舞片和西部片，都曾是美国电影工业的双子星座，是好莱坞历史上最梦幻的回忆。
　　
　　在百老汇舞台摸爬滚打
　　“早期的百老汇舞台剧，无论从故事构架还是在视觉概念上，都规划了好莱坞的未来。”
　　——歌舞巨星阿斯泰尔
　　在电影还没有发展到有声时代时，它的影响力和百老汇歌舞远不在同一个重量级。第一部被正式承认的有声电影名为《百老汇的旋律》，听名字就知道它和百老汇歌舞剧的关系——此时的有声电影还没长翅膀，但它很聪明，傍上了百老汇这个“大款"。有声电影欲借百老汇之力高飞，而百老汇也乐得借有声电影提升自己的影响力。因此，在上世纪三四十年代，歌舞片迎来了最辉煌的时期，百老汇借助歌舞片之力把自己的边际效应发挥到最大。
　　因为米高梅公司的助推，百老汇成了歌舞片的风格底色，这时，歌舞片似乎还没有找到其他更好的表现形式，借鉴百老汇也成了一种思维惯性。当然，百老汇舞台剧的高水准也让歌舞片的质量一直在高位运行：奥斯卡前十届就有两部歌舞片成为最佳，分别是《百老汇的旋律》和《歌舞大王齐格菲》。当歌舞片在类型片中的地位巩固后，却开始了短暂的迷惘，但这一时期出现的歌舞片巨星，却让影迷疯狂追捧——阿尔弗雷德•阿斯泰尔和琴裘•罗杰斯的曼妙舞步、安•米勒提着扇子挑逗风情的眼神，日后都成为好莱坞影史上的永恒记忆。从1958 年到1968 年，歌舞片因为彩色电影的盛行而出现井喷态势——在最佳影片中占有5 部，将“抢别人的奥斯卡，让其他类型片哭”的“政策”执行得很彻底。由于奥斯卡过早褒奖了金•凯瑞的《一个美国人在巴黎》，使得当更优秀的《雨中曲》横空出世时，奥斯卡只能留给它一个抱歉的笑脸。
　　如今的好莱坞，歌舞片已沦落到为他人做嫁衣的地步——很多歌舞场面的出现，在其他类型片中经常用来表现高潮迭起的场景，比如《狮子王》中辛巴在草原上成长、《僵尸新娘》中僵尸生机勃勃的生活场景。当然，这也与观众审美趣味的转移和变化有关，暂且无需苛责。
　　
　　以艺术的番号拉动GDP
　　“《红磨坊》横空出世时，有人说歌舞片复活了，其实它根本没有死过，只是人们很久不爱半死不活的东西了。”
　　——导演巴兹•鲁赫曼
　　拉动GDP 增长的三驾马车是：投资，消费和出口。同样，歌舞片吸引眼球也有它的三大要素：歌声，舞技和色相。当歌舞片还独占类型片花魁时，看电影还是件很纯情的事情。很多人去看电影是本着陶冶情操的目的，为艺术而艺术。而歌舞片，则把“艺术”两个字写在脸上。因此，歌舞片本身的类型定位，在一定程度上也成就了它前期的成功。
　　《雨中曲》的成功，很大部分在于舞王金•凯利的舞蹈，而《音乐之声》的成功要素是：罗杰斯的音乐、哈默斯坦的歌词、朱莉•安德鲁丝的歌喉。那时人们似乎不怎么计算功利，就像人们看完李小龙的电影后会说：“光看他耍双节棍就能赚回票钱。”但是通过各种商业片的熏陶，人们已不再是精神处男，不再把电影这个第七艺术当神一样供着，人们对歌舞片的要求也不再是唱歌、跳舞这么简单，如果单纯要看歌舞的话，不如去看迈克尔•杰克逊的MV。
　　因此，以为歌唱得好、舞跳得棒就可以在歌舞片中耍帅，全世界影迷都要笑了。约翰•特拉沃尔塔就是反面教材——16 岁就登上百老汇舞台，1977 年和1978 年，主演歌舞片《周末狂热》和《油脂》后成为一代舞王，但他日后虽有《变脸》、《低俗小说》撑台，却没有成为电影之王，还得到了好几次金酸莓最差男演员奖。其实，不是歌舞片歌舞得不好，而是这个社会已把看电影当成了消遣，要求电影务必做到不需要思考就有快感，有快感后不需要再去思考。换句话说，不需要你拐弯抹角地去触发大脑皮层，只要你刺激最敏感的神经末梢。因此，以巴黎红灯区为题材的《红磨坊》走红了，以把秀大腿看得比歌舞更重要的《芝加哥》获得奥斯卡的欢迎也就不奇怪了。
　　当然，如果把歌舞片比作GDP，那么如今的它已遭遇了有史以来最大的经济危机。歌声就如投资，舞技好比出口，但两者都已被免疫，唯一的必杀计就是美女进片场。
　　
　　与宝莱坞秀色分庭抗礼
　　“《宝莱坞生死恋》的豪华场景不输于任何一部好莱坞大片，在我看来，它所诉说的情感更细腻、画面更动人。”
　　——印度女演员艾希瓦亚•蕾伊
　　提到歌舞片，总绕不开印度电影，印度歌舞片是歌舞片中唯一能和好莱坞分庭抗礼的，不同的是，好莱坞不只有歌舞片，而歌舞片却是印度电影的主力军。
　　好莱坞歌舞片跳舞时总要找个理由，要么是为叙事服务，要么推动高潮。但印度电影却不跟你来这一套，他们的电影演着演着就天外飞仙般地来段歌舞。如果你要和它追究为什么来这一段，他会反问：“来一段需要理由么？”
　　大多数国人对印度电影的印象还停留在《流浪者》、《大篷车》、《奴里》、《血洗鳄鱼仇》、《冷暖人间》等，这其实并不是我们孤陋寡闻。印度电影，看一部就能鲜明地体会到印度风味，但是看十部尝到的也还是满嘴咖喱——这并不是贬低印度电影没有特色，而是因为它的“舞蹈”味道太重，以至于干扰了其他味蕾。这种“无歌舞不成片”，把歌舞作为最优先级的传统，让印度电影在歌舞之外得不到更多提升。因为拍电影毕竟不是迈克尔•杰克逊拍MV。迈克尔•杰克逊的“歌舞片”《就是这样》还是借他去世的“东风”卖出了高票房，而且仅此一部。
　　当然，《印度往事》、《阿育王》与以前的电影相比，已开始在剧本、叙事方式上全面改进，印度电影似乎正开始摆脱歌舞控。作为印度新世纪歌舞片的代表，《宝莱坞生死恋》与《芝加哥》、《红磨坊》一起被称为新世纪三大歌舞电影。虽然说这个成绩是在好莱坞歌舞片“老虎不发威”的前提下取得的，但也足以窥见印度歌舞片的水准。在去年的奥斯卡最佳影片《贫民窟的百万富翁》中，我们已开始看到两大歌舞片强国的融合，在好莱坞对歌舞片的定位越来越流于感官刺激的时候，宝莱坞却在逐步提升内核。这种情况下，谁融合了谁还不一定。
　　歌舞片从诞生到现在早已韶华不再，如今，不要说期望能看到一部让人眼前一亮的歌舞片，它的身影都难得见到。想到蹦蹦跳跳的《歌舞青春》以及正在拍摄的《歌舞青春》中国版，不免心生疑虑——歌舞片青春不再，尚能舞否？类似于这样的问题，就连《九》的导演罗伯•马歇尔自己也找不到答案：“只要对得起眼睛，拍歌舞片还指望对得起谁？”
　　
　　经典歌舞瞬间
　　洒脱的探戈：《闻香识女人》
　　阿尔?帕西诺是个盲人，和他配舞的女孩子根本不会探戈。但无所谓，就如阿尔?帕西诺所说：“在探戈里跳错了也无所谓，它不像人生。简单，所以探戈才精彩。即便是跳错了、绊倒了，继续跳下去。”
　　深情的华尔兹：《魂断蓝桥》
　　在《友谊地久天长》的旋律和幽暗的烛光下，男女主人公初次约会时跳起华尔兹。在凝视中，爱情的种子开始生根发芽。
　　挑逗的拉丁舞：《辣身舞》
　　女主角认为拉丁舞是充满色情的“脏”舞，但帅气的舞蹈老师出场后，奉上一场热舞，女主角无可救药地爱上了舞蹈老师，也爱上了拉丁舞。
　　激情的霹雳舞：《霹雳舞》
　　通篇都是霹雳舞表演场景，没有哪个舞蹈场景不火爆。它的影响有多大，回忆那一代为霹雳舞疯狂的人就知道了。
　　曼妙的摇摆舞：《低俗小说》
　　导演昆汀?塔轮帝诺为了向一代舞王约翰?特拉沃尔塔致敬，特地让他和乌玛?瑟曼一起赤脚摇摆了两分钟，结果这两分钟成为全片最经典的桥段。
　　热辣的群舞：《芝加哥》
　　“监狱四重唱”是片中最经典的桥段，舞蹈风格多元，剧情编排独到，但是更多人津津乐道的是——女演员还能多大程度地节省布料。
　　诡异的乱舞：《僵尸新娘》
　　男主角进入僵尸们的家，僵尸们开始用舞蹈表演来欢迎客人，他们的表演让墓地生机勃勃，甚至让人觉得僵尸比人更懂得生活。但男主角无论如何也做不到人鬼鱼水情。
　　写意的踢踏舞：《雨中曲》
　　作为歌舞片的头把交椅，电影中经典的舞蹈场景无处不在，但最经典的一幕还是金?凯利在雨中跳踢踏舞的场景——在大街上踢、在车顶上踢、在椅子上踢，整个世界都成了他舞蹈的布景，他用他的脚步，为歌舞电影踢出一个未来。