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近些年，艺术市场逐渐青睐以培根和弗洛伊德为代表的具象绘画，这不仅是因为两者 独特的绘画风格与超凡的的绘画技巧，更是因为两人的作品推动了当代艺术的社会关注意识、自省精神和在人性层面上的深入探讨。弗朗西斯·培根（Francis Bacon）作为英国20世纪最伟大的艺术画家之一，他的作品作为战后描绘人类形体的力作，在英国本土甚至世界艺术史上，都占据着独特的地位。目前，从绘画市场上培根 的作品表现不难看出，当代对艺术的理解产生了十分明确的变化，一度被认为难以理 解与接受的画作，现在逐渐被人接受、认可。曾经，培根的绘画作品被看作是带有恐 怖的病态，然而现在却被人评价为令人兴奋的生猛。说到底，这种转变与目前的两种 文化有关：一方面，艺术市场的风向标从纽约转向伦敦;另一方面，具象画家正逐步 进入前卫经典之列。当然，在19世纪培根生活的年代，包括浪漫主义、拉斐尔前派、 现实主义、印象派、新印象派、分离派、唯美主义、象征主义、后印象派在内的九个 流派，成为了当时热门的艺术派系。本文则从培根本身的绘画特点出发，循序渐进， 分析、研究培根画作在19世纪主流艺术下所产生的视觉冲击。
弗朗西斯·培根绘画风格
我十分羡慕培根控制人们情绪的能力，在喏大得画廊中，他得画总能像吸铁石般把人 的视线牢牢抓住，观赏者的情绪立刻被带动。作为一名视觉传达的设计者，培根的 创作技巧对我们很重要，在这个时代，被传达对象对广告的态度近于忽视，即使使用 明星效应，依然不能吸引观众目光，而我们目前要改进的是怎样通过可视的艺术形 式传达一些特定信息到被传达对象时，对被传达对象产生影响。 1944年，弗朗西斯培根完成了他创作生涯的第一幅作品——以基督受难为题的三张习 作。以及之后的画作《风景中的人 物》、《绘画》都以夸张的表达方式展现了人体结构，对人体形象的表达也更为直接——进攻性、怪异、恐 慌。从这些画作上来看培根很轻易就做到抓住人们的目光与情绪，因为培根绘画时就分三步骤： 精确的人物造型和人物背后明亮且完全平铺式的色域对抗，然后是画家的法术与加了 帷幕、有色调的背景对抗。最后就是将这两个对立的阶段放到一起，回到生动和单薄 的背景，而在就近处，在每一点拉附近，用横条纹或竖条纹扫笔，发明出模糊的效 果。据他自己说，他所要塑造的是一个痛苦和恐怖的世界，是要画出巨头和掌权者的 孤寂。在视觉传达设计 中重要的不是作为先导的某种目的，可视的艺术形式也有很多选择，传达的信息是固 定的，，所以重要的是对被传达对象产生影响有多大，弗朗西斯培根无疑是这方面的 专家，我们需要学习的是培根艺术传播手段的威力，并不是他得内容。
1954-1961培根的艺术有了新的突破，基于当时第二次世界大战后的背景，欧洲人民长期遭受了战争的折磨。所以培根把创作关注力更直接放到了当时的人民真实生活，所以在绘画上把人物变形程度降低了。在这期间培根有一大部分作品都会以深蓝色作为背景，其它油彩会直接涂抹与背景，颜色选用的饱和度都非常高，在弄污后背景上显得十分抢眼。这一特殊技术 有时给形体以一种非实体的、鬼魅般的表现效果。在1960年左右，培根的作品由于受到了荷兰后印象派画家梵高的影响，绘画风格从“黑暗”逐渐转向“光明”。同时更加热衷于“改编”梵高的画作，如《路上的画家》。当然，培根作品与梵高的作品相比还是有很明显的区别的，不管是笔触还是画作尺寸。在这段时期之后，培根的风格逐渐成型。在晚期的作品中，他的素材选取都不是来自于当下的人物，而是来自于已成为历史的过去，比如他的对过往的记忆，还有一些老照片。培根发现在没有具体实物对照的情况下，他能更加具有想象力，能更加激情澎湃得进行创作，为画作带入意思紧张感。 就从培根绘画的技法来讲，他喜欢用一种融合的方式把画笔，颜料和画布结合在一起，充分能够感受到油彩浸润到画布的编织纹理中。培根的绘画过程也是非常粗暴的，他经常用手直接上色，并且用许多意想不到的材质进行涂抹修改画面，比如像沙子，海绵，碎布等等，使得画面表面有了不同的肌理效果。绘画结束后培根喜欢直接用玻璃罩住的方式对画作进行保护，而不是使用上光剂。不过这就更加增添画面影像模糊后的效果。
十九世纪主流艺术分析
中产阶级的兴起，艺术市场也不再由宫廷、贵族垄断，同时艺术的发展也逐渐地走向民主化、自由化。
十九世纪时代特点
工业革命的发展日新月异，这使西方社会发生飞速变化。资产阶级积累大量财富，并且当时社会矛盾日益激烈。在這样的氛围中资产阶级成为社会真正的统治力量。他们的要求与兴趣，通常与保持一致，通过学院教育和作品展览等方式，在美术领域内得到了强化。受到他们支持的保守倾向，借助古典美术的光辉成就，有意无意地阻挡着新生事物的成长。
主流艺术浅析
十九世纪初，欧洲政局的不稳定。同时，在自由主义思潮的影像下，艺术家们纷纷寻求更能传递时代内涵的表现方式，从而在法国在新古典主义式微之后，新的艺术流派正源源不断的产生，浪漫主义便是在这样一个激荡不安的年代中应运而生。
培根艺术在主流艺术下产生的视觉冲击非主流与各位高富帅的邂逅
19世纪是西方艺术领域非常活跃的时期，各风格的绘画作品层出不迭。而弗朗西斯培根则异与各个流派，他们的作品则以怪诞的变形和异乎寻常的想象给人带来触目惊心的独特感受。
与塞尚来个“袒”诚相见一 “身体碰撞”鲜见的视觉刺激
德勒兹论创作绘画中的身体感觉之路是从塞尚开始的。德勒兹老是在《感觉逻辑》中提到“塞尚的身体”，德勒兹看到了绘画所具有的现代精神，即：重新以一种新的眼光看世界在转瞬即逝，在身体感觉中捕捉对象叩击我们的眼睛和撞击我们的感官的方式。
虽不相识但在“噩梦”中遇到彼此——内在的思想冲击
培根与贾科梅蒂这样的奇葩远离各个流派纷纷落单，贾科梅蒂在1930年上半年创作的作品很显然地可以归类为超现实主义艺 术的一部分，但是当他从虚构回归到对现实感觉的再创造，他就成了一个孤立的人 物。与同时代的人相 比，当然有更充分的理由将培根和贾科梅蒂放在一起比较。首先，巴尔蒂斯、弗洛伊 德和贾科梅蒂的好友弗朗西斯·格鲁伯的绘画在形式和空间的处理上依然是传统的， 而培根和贾科梅蒂却都认为不能在已经形成定式的艺术样式上发现有价值的点了。另 一方面，杜布菲也创造了一种全新的形象艺术来传达人类的存在，但并不追求外观的 形似。
在这个问题上，培根经常将他的艺术实践称为是在图像与抽象之间游走。所谓抽象， 有个很好的词可以概括——“抽象机器”。在《培根感觉逻辑》书中有很好的解释，德勒兹认为引起事件的行动会把单纯的生命状态提升为有意义的生命状态， 此为动者，便称为“存有者”，他认为任何的存有行动，通常涉及世界表达或世界的创 造。 像十九，二十世纪的前卫者，发明者都属于存有者，他们参与了历史也创造了历史。 这就称之为“抽象机器”凌驾时间之上的创新者。就像无印良品的设计师原研哉说的：“将已知事物陌生化，更是一种创造。”
这简直是“复仇者联盟”——共生视觉
培根创作1944年的至关重要的三联画就是对毕加索20世纪20年代末作品的致敬。这种关系在《千高台》这本书中，解释到这种关系为胡蜂与兰花共生关系，胡蜂汲取花蜜，兰花借助胡蜂向外蔓延繁殖，由此形成一个共同求存的一个形态。。德勒兹应用兰花的共生案例，主要解释培根与媒材 之间捕获关系，多种不同材质模拟联结造成解疆域化的反应堆。多个模式聚集形成一个材质系列，这本身就是一个非常混搭复杂的过程。这也出现许多难以定义 难以解释，但视觉冲击力强烈，让人感同身受的意识形态。
弗朗西斯培根在创作中，深切懂得自己存在 的意义，敢于创新和是错优化，对于他人犀利不友好的评鉴，他反而能坚定自己创作理念——“远离这一切，达到了否定或违反的 惊人程度”，他让自己的想象力在画面上驰聘，白日梦的基调屡屡出现在他的作品中，在这种冥想的冲动中不停创造。
弗朗西斯·培根绘画风格
我十分羡慕培根控制人们情绪的能力，在喏大得画廊中，他得画总能像吸铁石般把人 的视线牢牢抓住，观赏者的情绪立刻被带动。作为一名视觉传达的设计者，培根的 创作技巧对我们很重要，在这个时代，被传达对象对广告的态度近于忽视，即使使用 明星效应，依然不能吸引观众目光，而我们目前要改进的是怎样通过可视的艺术形 式传达一些特定信息到被传达对象时，对被传达对象产生影响。 1944年，弗朗西斯培根完成了他创作生涯的第一幅作品——以基督受难为题的三张习 作。以及之后的画作《风景中的人 物》、《绘画》都以夸张的表达方式展现了人体结构，对人体形象的表达也更为直接——进攻性、怪异、恐 慌。从这些画作上来看培根很轻易就做到抓住人们的目光与情绪，因为培根绘画时就分三步骤： 精确的人物造型和人物背后明亮且完全平铺式的色域对抗，然后是画家的法术与加了 帷幕、有色调的背景对抗。最后就是将这两个对立的阶段放到一起，回到生动和单薄 的背景，而在就近处，在每一点拉附近，用横条纹或竖条纹扫笔，发明出模糊的效 果。据他自己说，他所要塑造的是一个痛苦和恐怖的世界，是要画出巨头和掌权者的 孤寂。在视觉传达设计 中重要的不是作为先导的某种目的，可视的艺术形式也有很多选择，传达的信息是固 定的，，所以重要的是对被传达对象产生影响有多大，弗朗西斯培根无疑是这方面的 专家，我们需要学习的是培根艺术传播手段的威力，并不是他得内容。
1954-1961培根的艺术有了新的突破，基于当时第二次世界大战后的背景，欧洲人民长期遭受了战争的折磨。所以培根把创作关注力更直接放到了当时的人民真实生活，所以在绘画上把人物变形程度降低了。在这期间培根有一大部分作品都会以深蓝色作为背景，其它油彩会直接涂抹与背景，颜色选用的饱和度都非常高，在弄污后背景上显得十分抢眼。这一特殊技术 有时给形体以一种非实体的、鬼魅般的表现效果。在1960年左右，培根的作品由于受到了荷兰后印象派画家梵高的影响，绘画风格从“黑暗”逐渐转向“光明”。同时更加热衷于“改编”梵高的画作，如《路上的画家》。当然，培根作品与梵高的作品相比还是有很明显的区别的，不管是笔触还是画作尺寸。在这段时期之后，培根的风格逐渐成型。在晚期的作品中，他的素材选取都不是来自于当下的人物，而是来自于已成为历史的过去，比如他的对过往的记忆，还有一些老照片。培根发现在没有具体实物对照的情况下，他能更加具有想象力，能更加激情澎湃得进行创作，为画作带入意思紧张感。 就从培根绘画的技法来讲，他喜欢用一种融合的方式把画笔，颜料和画布结合在一起，充分能够感受到油彩浸润到画布的编织纹理中。培根的绘画过程也是非常粗暴的，他经常用手直接上色，并且用许多意想不到的材质进行涂抹修改画面，比如像沙子，海绵，碎布等等，使得画面表面有了不同的肌理效果。绘画结束后培根喜欢直接用玻璃罩住的方式对画作进行保护，而不是使用上光剂。不过这就更加增添画面影像模糊后的效果。
十九世纪主流艺术分析
中产阶级的兴起，艺术市场也不再由宫廷、贵族垄断，同时艺术的发展也逐渐地走向民主化、自由化。
十九世纪时代特点
工业革命的发展日新月异，这使西方社会发生飞速变化。资产阶级积累大量财富，并且当时社会矛盾日益激烈。在這样的氛围中资产阶级成为社会真正的统治力量。他们的要求与兴趣，通常与保持一致，通过学院教育和作品展览等方式，在美术领域内得到了强化。受到他们支持的保守倾向，借助古典美术的光辉成就，有意无意地阻挡着新生事物的成长。
主流艺术浅析
十九世纪初，欧洲政局的不稳定。同时，在自由主义思潮的影像下，艺术家们纷纷寻求更能传递时代内涵的表现方式，从而在法国在新古典主义式微之后，新的艺术流派正源源不断的产生，浪漫主义便是在这样一个激荡不安的年代中应运而生。
培根艺术在主流艺术下产生的视觉冲击非主流与各位高富帅的邂逅
19世纪是西方艺术领域非常活跃的时期，各风格的绘画作品层出不迭。而弗朗西斯培根则异与各个流派，他们的作品则以怪诞的变形和异乎寻常的想象给人带来触目惊心的独特感受。
与塞尚来个“袒”诚相见一 “身体碰撞”鲜见的视觉刺激
德勒兹论创作绘画中的身体感觉之路是从塞尚开始的。德勒兹老是在《感觉逻辑》中提到“塞尚的身体”，德勒兹看到了绘画所具有的现代精神，即：重新以一种新的眼光看世界在转瞬即逝，在身体感觉中捕捉对象叩击我们的眼睛和撞击我们的感官的方式。
虽不相识但在“噩梦”中遇到彼此——内在的思想冲击
培根与贾科梅蒂这样的奇葩远离各个流派纷纷落单，贾科梅蒂在1930年上半年创作的作品很显然地可以归类为超现实主义艺 术的一部分，但是当他从虚构回归到对现实感觉的再创造，他就成了一个孤立的人 物。与同时代的人相 比，当然有更充分的理由将培根和贾科梅蒂放在一起比较。首先，巴尔蒂斯、弗洛伊 德和贾科梅蒂的好友弗朗西斯·格鲁伯的绘画在形式和空间的处理上依然是传统的， 而培根和贾科梅蒂却都认为不能在已经形成定式的艺术样式上发现有价值的点了。另 一方面，杜布菲也创造了一种全新的形象艺术来传达人类的存在，但并不追求外观的 形似。
在这个问题上，培根经常将他的艺术实践称为是在图像与抽象之间游走。所谓抽象， 有个很好的词可以概括——“抽象机器”。在《培根感觉逻辑》书中有很好的解释，德勒兹认为引起事件的行动会把单纯的生命状态提升为有意义的生命状态， 此为动者，便称为“存有者”，他认为任何的存有行动，通常涉及世界表达或世界的创 造。 像十九，二十世纪的前卫者，发明者都属于存有者，他们参与了历史也创造了历史。 这就称之为“抽象机器”凌驾时间之上的创新者。就像无印良品的设计师原研哉说的：“将已知事物陌生化，更是一种创造。”
这简直是“复仇者联盟”——共生视觉
培根创作1944年的至关重要的三联画就是对毕加索20世纪20年代末作品的致敬。这种关系在《千高台》这本书中，解释到这种关系为胡蜂与兰花共生关系，胡蜂汲取花蜜，兰花借助胡蜂向外蔓延繁殖，由此形成一个共同求存的一个形态。。德勒兹应用兰花的共生案例，主要解释培根与媒材 之间捕获关系，多种不同材质模拟联结造成解疆域化的反应堆。多个模式聚集形成一个材质系列，这本身就是一个非常混搭复杂的过程。这也出现许多难以定义 难以解释，但视觉冲击力强烈，让人感同身受的意识形态。
弗朗西斯培根在创作中，深切懂得自己存在 的意义，敢于创新和是错优化，对于他人犀利不友好的评鉴，他反而能坚定自己创作理念——“远离这一切，达到了否定或违反的 惊人程度”，他让自己的想象力在画面上驰聘，白日梦的基调屡屡出现在他的作品中，在这种冥想的冲动中不停创造。