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摘要：文艺复兴时期的意大利人体绘画，伴随着人文主义的思想体系，提倡人性，用“想象和伴随着想象的真实来再现真实”的古典法则，来描绘人体的绘画主题已经成为艺术主流。随着透视学的发展，解剖学的研究、造型术的完善、油画颜料和画布的应用，意大利人体绘画呈现出创作主题的“世俗化”、创作来源的“幻象化”、创作技法的“镜像化”，艺术形象的“理想化”等艺术特征。本文从当时的社会背景、民族素养、艺术本体等层面来探讨文艺复兴时期意大利人体画的艺术特征的成因。
关键词：文艺复兴 世俗化 幻象化 镜像化 理想化
中图分类号：J605
文艺复兴（Renaissance）的原意是在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴。西方历史上的14世纪至17世纪300年，代表意大利文艺复兴的三个时期。早期的佛罗伦萨画派的绘画在基督教及神学思想的笼罩下，还停滞在象征与神秘的阶段。随着罗马城市成为基督教艺术的中心，工业的发展，社会财富的增多，罗马画派的画家们开始重视生活中随处可见的，活生生的人体，把对基督教来世的幸福期待回归到对今生俗世快乐的追求。米开朗基罗和拉斐尔都展现出他们的艺术才华。威尼斯画派既是架上绘画的现行者，也是商业与艺术的结合体。在乔尔乔内、提香、委罗内塞和丁托列托之后，意大利文艺复兴的花朵就败落了。
一、人体画的主题背景——“世俗化”
文艺复兴是一个独特的时期，封建习俗与商业萌芽之间，原始本能与文明观念之间。15世纪的意大利已经成了近代化商业萌芽的国家，美第奇家族掌权之后，市民安居乐业，忙着制造商品，做生意赚钱，佛罗伦萨呈现太平景象。“在意大利，一名旅店的服务生，一位农民，都能侃侃而谈，有自己的见解，明事理，晓人情，能谈论政治;他们运转思维就像运转语言一样流畅，完全出自本能;他们谈吐机敏，总是不假思索，却十分得体。更重要的是，他们对于美有着自然的、热烈的情感”。他们所观赏到的具有艺术性的人体，其实就是头脑中收集的生活中的美丽形象，满足了心灵向往的原始本能。
意大利当时完全没有司法和警察制度，社会生活充满无序和暴力。杀人的习惯在当时的意大利是根深蒂固的，社会纵容了犯罪和凶杀，国王、贵族阶层都认为私自动手报仇是挺自然的事情，实施报复的手段残忍，人们喜好突然的极端决定，琢磨如何杀人和置人于死地。比如画家安德烈亚，因为有人偷了他画油画的秘诀，他便把此人杀了。罗马的生活既有寻衅闹事，遭受毒害和暗杀的威胁，同时也有晚间聚餐、化妆舞会，各种新奇有趣的玩意，人们用充沛的艺术天赋去表演赤裸裸的恋爱，那种恋爱方式特别直接，没有细腻与隐秘，就像那个时代佛罗伦萨和罗马的人体画作品。
这种社会现实影响到绘画并产生了结果。人们为了自卫，精于剑术和短刀格斗，非常关注人体、肌肉、人体各種动态。其结果就是，在行动中和搏斗时一切体态，一切姿势，都无形中印在人的脑子里。当时绅士所受的教育，有斗牛术、马术、障碍赛、棍术、掷标枪等体育项目。这样教育出来的人对于一切肉体锻炼都有兴趣和经验，他们完全能够理解绘画中腾空而起的骏马，弯曲的大腿，扬起的手臂，发达的肌肉，人体一切的举动和姿态。这些都会唤起他们早已存在于内心的图像。他们本能地去欣赏人体画，面对美女和圣母的画像，端详肌肉发达的大力神或者上帝的形象，比现代人更能感受到美和肉体的完美。人们无需画室教育，凭自然的情感就能欣赏米开朗基罗笔下英雄式的裸体、乔尔乔内有自然浑厚生命力的维纳斯人体、提香画像上的别具韵味的人体姿态，以及委罗内塞和丁托列托笔下的人们生活的状态和运动的力度。
意大利的日照稳定，色调是固定的。一个月前调在画板上的颜色，到一个月后仍与实物相符。因此意大利产生出伟大的、完美的人体绘画。当时许多城邦都把人体画像放进市政厅和教堂，生活里有数不尽的人体造型场面。当时的人们都是艺术的业余鉴赏家和创作者，人体画不是存在某一特定时刻，而是在宗教仪式的庆祝活动中、大型宴会中、以及贯穿他们整个生命的爱好和消遣中，正是这些因素形成了时代的艺术环境。例如委罗内塞表现人在宴席中的享受，被称为：威尼斯繁荣和富有的歌颂者。他喜欢表现欢快的大型宴会《加纳的婚宴》《最后的晚餐》，现实中的国王贵族和平民、仆役在画中，都是平等的沉浸在宴会的欢乐中。
二、人体画的创作来源——“幻象化”
文艺复兴时期的艺术家是接近原始知觉的人。例如，当时的意大利人听到“树”字之后，他的大脑显现一棵大树的“幻象”：油绿摇曳的树叶形成硕大的伞盖，深咖啡色的枝干顶着蔚蓝的天空，褶皱的树干上隆起粗大的筋脉，树根扎进泥土里抗拒着狂风暴雨的侵袭——这是活生生的生活景观。他们毫不费力的抓住这些特征，使其重现。观者对着画面认真欣赏的时候，在心底对作品有似曾相识之感。画面把他们引入日常生活和公众仪式中，那些画面正是来自于真实生活场景。
既然活跃的想象力都用到感官享受上，那么一个艺术禀赋优厚，修养充分的民族能够欣赏并创造出登峰造极的人体画作，也就丝毫不奇怪了。人在这种享乐中变得畅快自如，要在肉欲中宣泄，也在作品和行为中宣泄。他们想象出来的物体形象，是丰富的，整体的画面;他们的念头是色彩斑斓、栩栩如生的，他们总有“幻象”——有映在他们头脑中的宗教形象，有其他时刻骚扰他们大脑的肉欲画面，都是活灵活现的。
到了15世纪末期，整个意大利都出现了许多出色的艺术家，领军人物：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内等。还有一批名声斐然，技艺上乘的画家，柯勒乔、索多玛、丁托列托等，另外还有上百位名声不甚响亮，都受过同样的艺术熏陶，用同样的风格进行创作的画家。他们形成了声势浩大的队伍，产生了大批的艺术杰作。在这个人才辈出、硕果累累的艺术大家庭周围，还簇拥着无数的鉴赏家、艺术保护人和购买者。公众的力量形成了一个大环境，不仅有文人和上等人，还包括手艺人、工匠、普通僧侣以及平民百姓。正是这种大范围的艺术趣味和审美促使民众也成为了创作艺术的参与者，那个时代的艺术品味和修养就成了自然而然的东西。 三、人体画的创作技法——“镜像化”
（一）透视法的影响
透视法，能在二维的平面中，营造纵深的三维视觉空间，使人物形象产生真实的立体感。“绘画艺术创造的幻象是一种虚幻的景致”。文艺复兴初期的乔托《逃亡埃及》这幅作品中，成功表现了一个纵深的空间，使观者感受到，画面中的人物是一个真实的人。这种透视法对以后的人体绘画产生了重大的影响。
文艺复兴初期三杰之一，马萨乔继承和发展了乔托的人文主义，为了表现真实的人，特别研究人体结构和透视。在《逐出乐园》中不仅把两个人物的身体结构画的准确，比例匀称，而且把他们的痛悔心理表现得栩栩如生。波提切利的《维纳斯的诞生》中的维纳斯不仅是美和智慧的女神，而且也是畫家理想中的女人体。意大利北部艺术家曼特尼亚的作品《哀悼基督》运用平面缩短透视关系，把神变成人，营造强烈的现场感。达芬奇的《天使报喜》塑造了一个真实的建筑庭院，人物，花草，都有纵深感的“镜像”画面。米开朗基罗的《西斯廷天顶画》，空间透视，准确生动描绘的都是理想化的英雄人物。乌切罗的绘画作品《圣罗马诺之战》，把透视法的效果发挥得淋漓尽致。他终生研究透视以促进绘画的发展，忽略了人物形体的生动性，导致画面的真实感都丧失了。透视是技术，不是艺术，过分的强调透视，反而会损害艺术。贡布里希指出：“我们决不能忘记艺术跟科学完全不同，艺术家的手段，技巧，固然能够发展，但是艺术很难说是以科学发展的方式前进”。
（二）解剖学的研究
米开朗基罗为了画好《创世纪》，他在修道院里解剖尸体，了解人体结构。达芬奇在解剖史上享有独一无二的地位，他创立了研究和描述解剖的独特方法，现在仍被广泛采用。“这一女性人体解剖图的绘制手法介于中世纪程式化画法和文艺复兴时期立体的逼真的人体解剖画法之间”。他阅读了前人的解剖教材，咨询了当时的权威解剖学家，并自己动手解剖与研究，先后解剖30多具尸体，研究人体解剖长达40年。他提出了由内而外、层层有序地解剖研究人体。采用先界定再重新构建人体结构的方法，刀的解剖功能和笔的再现功能相互借鉴，相得益彰。在绘制人体结构图时，他常常回忆解剖时所见到的人体标记和分界，艺术地再现解剖过的人体。从他的笔记中可以看出他观察敏锐，见解独到，即充满了灵感，又富有创新。
尽管达芬奇了解到的人体构造不是完全准确，但他创立了一套全新的解剖学观念和知识框架，从而使得这一学科向纵深发展。他是用头脑在绘画，他的作品是建立在想象力和客观的解剖基础上的。达芬奇撰写了大量的笔记，并计划写一份人体专题研究报告。他去世之后，他的笔记在长达300年中鲜为人知，直到19世纪末期一经出版，就成为有史以来最好的解剖图解，并对19世纪和20世纪的医学领域和艺术领域的人体再现具有重大影响。
四、人体画的艺术形象——“理想化”
在西方绘画史上，文艺复兴时期的佛洛伦萨画派轻视和忽视风景，把人物作为主题，至于树木，田野和建筑物，只是附庸品。“裸体，在西方艺术上——尤其在古典艺术上——是代表宇宙最理想的美”。在威尼斯画派以前，自然不是审美对象。罗马画派不会为了关注内容而牺牲肉体。切利尼说过“绘画艺术的要点就是巧妙的画出裸体的男人和女人”。事实上，几乎所有的意大利画家对人体都很熟悉，他们的双手都触摸过丰隆的肌肉，弯曲的线条，感受过骨骼间的结合。这使得他们首先要展现的是自然的人体，即健康活跃，体力充沛的人体，赋予人体所有的野性和运动的力度。这是“理想化”的人体，与希腊的完美典范类似，各部分的比例极为匀称均衡，经过精心摆放的姿态十分美妙，衣服褶皱与周围人物错落有致，这是艺术家们特有的“创造”。画家创造了一个“完美”的种族，这个种族的人物都是气质高贵，形态美妙的艺术形象。
乔托恢复了古希腊的绘画原则：艺术摹仿自然。达芬奇苛求自己的作品完美，在长达半个世纪的艺术创作中，他仅仅完成12幅作品。他说“一个优秀的画家应当描画两件主要的东西：即人和他的思想意图。第一事做到很容易，第二件事情就很难，因为它必须借助体态和四肢的动作来表现”。拉斐尔的壁画《雅典学院》以柏拉图和亚里士多德为核心，众多古希腊最著名的学者“理想化”的完美形象，在这座纵深的高大建筑里自由讨论，洋溢着百家争鸣的人间学术气氛。
任何优秀的作品都是现实生活直接的或者间接的反映。提香是威尼斯画派最杰出的艺术家，他的艺术作品是威尼斯画派艺术的顶峰。查理五世只允许提香为自己画像——《查理五世肖像》，提香不像其他画家仅仅对外貌作精确的描绘，而且使用明亮的色彩来表现高贵精神，这是“理想化”的查理五世。提香说：“画家应该在其作品中，寻找出事物的特征与主人的理念，这样才能描绘出其不同的特质与心灵的感受，那才是吸引观者的绝妙要点”。
五、结语
纵观意大利文艺复兴时期，几乎所有的著名画家的人体画，都以全裸或者半裸的人体为主题，表现健康活力的人体，非常坦然的体现“以人为本”的精神。同时，在表现人体的主题里，他们的表现的是解剖分明、肌肉完美、气质高贵、姿态魁伟的完美人体。他们认为艺术的价值是人体本身，所表现得人物是“理想化”的人。从文艺复兴以来，人们的感官恢复了对肉体美的欣赏。他们的人物来自理想世界，艺术从现实走向理想的一大步，创造了完美的人体形象，这是理想化的人体。意大利文艺复兴人体绘画作品对后来的巴洛克艺术，特别对鲁本斯，产生了深刻的影响。
参考文献：
[1][法]H·丹纳.艺术哲学[M].张伟，沈耀峰，译.北京：当代世界出版社，2009：10.
[2][美]苏珊·朗格.情感与形式[M].刘大基，傅志强，周发群，译.北京：中国社会科学出版社，1986：102.
[3][英]贡布里希.艺术发展史[M].范景中，译.天津：天津人民美术出版社，1991：142.
[4][英]萨拉·西蒙伯尔特.艺用人体解剖[M].徐焰，张燕文，译.杭州：浙江摄影出版社，2013：12.
[5]傅雷著.世界美术名作二十讲：重编彩图本[M].傅敏编.天津：天津社会科学院出版社，2006：95.
[6][法]H·丹纳.艺术哲学[M].张伟，沈耀峰，译.北京：当代世界出版社，2009：5.
[7][意]达芬奇.达芬奇笔记[M].杜莉编译，北京：金城出版社，2011：23.
[8]杨琪著.你能读懂的西方美术史[M].北京：中华书局，2007：144.
关键词：文艺复兴 世俗化 幻象化 镜像化 理想化
中图分类号：J605
文艺复兴（Renaissance）的原意是在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴。西方历史上的14世纪至17世纪300年，代表意大利文艺复兴的三个时期。早期的佛罗伦萨画派的绘画在基督教及神学思想的笼罩下，还停滞在象征与神秘的阶段。随着罗马城市成为基督教艺术的中心，工业的发展，社会财富的增多，罗马画派的画家们开始重视生活中随处可见的，活生生的人体，把对基督教来世的幸福期待回归到对今生俗世快乐的追求。米开朗基罗和拉斐尔都展现出他们的艺术才华。威尼斯画派既是架上绘画的现行者，也是商业与艺术的结合体。在乔尔乔内、提香、委罗内塞和丁托列托之后，意大利文艺复兴的花朵就败落了。
一、人体画的主题背景——“世俗化”
文艺复兴是一个独特的时期，封建习俗与商业萌芽之间，原始本能与文明观念之间。15世纪的意大利已经成了近代化商业萌芽的国家，美第奇家族掌权之后，市民安居乐业，忙着制造商品，做生意赚钱，佛罗伦萨呈现太平景象。“在意大利，一名旅店的服务生，一位农民，都能侃侃而谈，有自己的见解，明事理，晓人情，能谈论政治;他们运转思维就像运转语言一样流畅，完全出自本能;他们谈吐机敏，总是不假思索，却十分得体。更重要的是，他们对于美有着自然的、热烈的情感”。他们所观赏到的具有艺术性的人体，其实就是头脑中收集的生活中的美丽形象，满足了心灵向往的原始本能。
意大利当时完全没有司法和警察制度，社会生活充满无序和暴力。杀人的习惯在当时的意大利是根深蒂固的，社会纵容了犯罪和凶杀，国王、贵族阶层都认为私自动手报仇是挺自然的事情，实施报复的手段残忍，人们喜好突然的极端决定，琢磨如何杀人和置人于死地。比如画家安德烈亚，因为有人偷了他画油画的秘诀，他便把此人杀了。罗马的生活既有寻衅闹事，遭受毒害和暗杀的威胁，同时也有晚间聚餐、化妆舞会，各种新奇有趣的玩意，人们用充沛的艺术天赋去表演赤裸裸的恋爱，那种恋爱方式特别直接，没有细腻与隐秘，就像那个时代佛罗伦萨和罗马的人体画作品。
这种社会现实影响到绘画并产生了结果。人们为了自卫，精于剑术和短刀格斗，非常关注人体、肌肉、人体各種动态。其结果就是，在行动中和搏斗时一切体态，一切姿势，都无形中印在人的脑子里。当时绅士所受的教育，有斗牛术、马术、障碍赛、棍术、掷标枪等体育项目。这样教育出来的人对于一切肉体锻炼都有兴趣和经验，他们完全能够理解绘画中腾空而起的骏马，弯曲的大腿，扬起的手臂，发达的肌肉，人体一切的举动和姿态。这些都会唤起他们早已存在于内心的图像。他们本能地去欣赏人体画，面对美女和圣母的画像，端详肌肉发达的大力神或者上帝的形象，比现代人更能感受到美和肉体的完美。人们无需画室教育，凭自然的情感就能欣赏米开朗基罗笔下英雄式的裸体、乔尔乔内有自然浑厚生命力的维纳斯人体、提香画像上的别具韵味的人体姿态，以及委罗内塞和丁托列托笔下的人们生活的状态和运动的力度。
意大利的日照稳定，色调是固定的。一个月前调在画板上的颜色，到一个月后仍与实物相符。因此意大利产生出伟大的、完美的人体绘画。当时许多城邦都把人体画像放进市政厅和教堂，生活里有数不尽的人体造型场面。当时的人们都是艺术的业余鉴赏家和创作者，人体画不是存在某一特定时刻，而是在宗教仪式的庆祝活动中、大型宴会中、以及贯穿他们整个生命的爱好和消遣中，正是这些因素形成了时代的艺术环境。例如委罗内塞表现人在宴席中的享受，被称为：威尼斯繁荣和富有的歌颂者。他喜欢表现欢快的大型宴会《加纳的婚宴》《最后的晚餐》，现实中的国王贵族和平民、仆役在画中，都是平等的沉浸在宴会的欢乐中。
二、人体画的创作来源——“幻象化”
文艺复兴时期的艺术家是接近原始知觉的人。例如，当时的意大利人听到“树”字之后，他的大脑显现一棵大树的“幻象”：油绿摇曳的树叶形成硕大的伞盖，深咖啡色的枝干顶着蔚蓝的天空，褶皱的树干上隆起粗大的筋脉，树根扎进泥土里抗拒着狂风暴雨的侵袭——这是活生生的生活景观。他们毫不费力的抓住这些特征，使其重现。观者对着画面认真欣赏的时候，在心底对作品有似曾相识之感。画面把他们引入日常生活和公众仪式中，那些画面正是来自于真实生活场景。
既然活跃的想象力都用到感官享受上，那么一个艺术禀赋优厚，修养充分的民族能够欣赏并创造出登峰造极的人体画作，也就丝毫不奇怪了。人在这种享乐中变得畅快自如，要在肉欲中宣泄，也在作品和行为中宣泄。他们想象出来的物体形象，是丰富的，整体的画面;他们的念头是色彩斑斓、栩栩如生的，他们总有“幻象”——有映在他们头脑中的宗教形象，有其他时刻骚扰他们大脑的肉欲画面，都是活灵活现的。
到了15世纪末期，整个意大利都出现了许多出色的艺术家，领军人物：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内等。还有一批名声斐然，技艺上乘的画家，柯勒乔、索多玛、丁托列托等，另外还有上百位名声不甚响亮，都受过同样的艺术熏陶，用同样的风格进行创作的画家。他们形成了声势浩大的队伍，产生了大批的艺术杰作。在这个人才辈出、硕果累累的艺术大家庭周围，还簇拥着无数的鉴赏家、艺术保护人和购买者。公众的力量形成了一个大环境，不仅有文人和上等人，还包括手艺人、工匠、普通僧侣以及平民百姓。正是这种大范围的艺术趣味和审美促使民众也成为了创作艺术的参与者，那个时代的艺术品味和修养就成了自然而然的东西。 三、人体画的创作技法——“镜像化”
（一）透视法的影响
透视法，能在二维的平面中，营造纵深的三维视觉空间，使人物形象产生真实的立体感。“绘画艺术创造的幻象是一种虚幻的景致”。文艺复兴初期的乔托《逃亡埃及》这幅作品中，成功表现了一个纵深的空间，使观者感受到，画面中的人物是一个真实的人。这种透视法对以后的人体绘画产生了重大的影响。
文艺复兴初期三杰之一，马萨乔继承和发展了乔托的人文主义，为了表现真实的人，特别研究人体结构和透视。在《逐出乐园》中不仅把两个人物的身体结构画的准确，比例匀称，而且把他们的痛悔心理表现得栩栩如生。波提切利的《维纳斯的诞生》中的维纳斯不仅是美和智慧的女神，而且也是畫家理想中的女人体。意大利北部艺术家曼特尼亚的作品《哀悼基督》运用平面缩短透视关系，把神变成人，营造强烈的现场感。达芬奇的《天使报喜》塑造了一个真实的建筑庭院，人物，花草，都有纵深感的“镜像”画面。米开朗基罗的《西斯廷天顶画》，空间透视，准确生动描绘的都是理想化的英雄人物。乌切罗的绘画作品《圣罗马诺之战》，把透视法的效果发挥得淋漓尽致。他终生研究透视以促进绘画的发展，忽略了人物形体的生动性，导致画面的真实感都丧失了。透视是技术，不是艺术，过分的强调透视，反而会损害艺术。贡布里希指出：“我们决不能忘记艺术跟科学完全不同，艺术家的手段，技巧，固然能够发展，但是艺术很难说是以科学发展的方式前进”。
（二）解剖学的研究
米开朗基罗为了画好《创世纪》，他在修道院里解剖尸体，了解人体结构。达芬奇在解剖史上享有独一无二的地位，他创立了研究和描述解剖的独特方法，现在仍被广泛采用。“这一女性人体解剖图的绘制手法介于中世纪程式化画法和文艺复兴时期立体的逼真的人体解剖画法之间”。他阅读了前人的解剖教材，咨询了当时的权威解剖学家，并自己动手解剖与研究，先后解剖30多具尸体，研究人体解剖长达40年。他提出了由内而外、层层有序地解剖研究人体。采用先界定再重新构建人体结构的方法，刀的解剖功能和笔的再现功能相互借鉴，相得益彰。在绘制人体结构图时，他常常回忆解剖时所见到的人体标记和分界，艺术地再现解剖过的人体。从他的笔记中可以看出他观察敏锐，见解独到，即充满了灵感，又富有创新。
尽管达芬奇了解到的人体构造不是完全准确，但他创立了一套全新的解剖学观念和知识框架，从而使得这一学科向纵深发展。他是用头脑在绘画，他的作品是建立在想象力和客观的解剖基础上的。达芬奇撰写了大量的笔记，并计划写一份人体专题研究报告。他去世之后，他的笔记在长达300年中鲜为人知，直到19世纪末期一经出版，就成为有史以来最好的解剖图解，并对19世纪和20世纪的医学领域和艺术领域的人体再现具有重大影响。
四、人体画的艺术形象——“理想化”
在西方绘画史上，文艺复兴时期的佛洛伦萨画派轻视和忽视风景，把人物作为主题，至于树木，田野和建筑物，只是附庸品。“裸体，在西方艺术上——尤其在古典艺术上——是代表宇宙最理想的美”。在威尼斯画派以前，自然不是审美对象。罗马画派不会为了关注内容而牺牲肉体。切利尼说过“绘画艺术的要点就是巧妙的画出裸体的男人和女人”。事实上，几乎所有的意大利画家对人体都很熟悉，他们的双手都触摸过丰隆的肌肉，弯曲的线条，感受过骨骼间的结合。这使得他们首先要展现的是自然的人体，即健康活跃，体力充沛的人体，赋予人体所有的野性和运动的力度。这是“理想化”的人体，与希腊的完美典范类似，各部分的比例极为匀称均衡，经过精心摆放的姿态十分美妙，衣服褶皱与周围人物错落有致，这是艺术家们特有的“创造”。画家创造了一个“完美”的种族，这个种族的人物都是气质高贵，形态美妙的艺术形象。
乔托恢复了古希腊的绘画原则：艺术摹仿自然。达芬奇苛求自己的作品完美，在长达半个世纪的艺术创作中，他仅仅完成12幅作品。他说“一个优秀的画家应当描画两件主要的东西：即人和他的思想意图。第一事做到很容易，第二件事情就很难，因为它必须借助体态和四肢的动作来表现”。拉斐尔的壁画《雅典学院》以柏拉图和亚里士多德为核心，众多古希腊最著名的学者“理想化”的完美形象，在这座纵深的高大建筑里自由讨论，洋溢着百家争鸣的人间学术气氛。
任何优秀的作品都是现实生活直接的或者间接的反映。提香是威尼斯画派最杰出的艺术家，他的艺术作品是威尼斯画派艺术的顶峰。查理五世只允许提香为自己画像——《查理五世肖像》，提香不像其他画家仅仅对外貌作精确的描绘，而且使用明亮的色彩来表现高贵精神，这是“理想化”的查理五世。提香说：“画家应该在其作品中，寻找出事物的特征与主人的理念，这样才能描绘出其不同的特质与心灵的感受，那才是吸引观者的绝妙要点”。
五、结语
纵观意大利文艺复兴时期，几乎所有的著名画家的人体画，都以全裸或者半裸的人体为主题，表现健康活力的人体，非常坦然的体现“以人为本”的精神。同时，在表现人体的主题里，他们的表现的是解剖分明、肌肉完美、气质高贵、姿态魁伟的完美人体。他们认为艺术的价值是人体本身，所表现得人物是“理想化”的人。从文艺复兴以来，人们的感官恢复了对肉体美的欣赏。他们的人物来自理想世界，艺术从现实走向理想的一大步，创造了完美的人体形象，这是理想化的人体。意大利文艺复兴人体绘画作品对后来的巴洛克艺术，特别对鲁本斯，产生了深刻的影响。
参考文献：
[1][法]H·丹纳.艺术哲学[M].张伟，沈耀峰，译.北京：当代世界出版社，2009：10.
[2][美]苏珊·朗格.情感与形式[M].刘大基，傅志强，周发群，译.北京：中国社会科学出版社，1986：102.
[3][英]贡布里希.艺术发展史[M].范景中，译.天津：天津人民美术出版社，1991：142.
[4][英]萨拉·西蒙伯尔特.艺用人体解剖[M].徐焰，张燕文，译.杭州：浙江摄影出版社，2013：12.
[5]傅雷著.世界美术名作二十讲：重编彩图本[M].傅敏编.天津：天津社会科学院出版社，2006：95.
[6][法]H·丹纳.艺术哲学[M].张伟，沈耀峰，译.北京：当代世界出版社，2009：5.
[7][意]达芬奇.达芬奇笔记[M].杜莉编译，北京：金城出版社，2011：23.
[8]杨琪著.你能读懂的西方美术史[M].北京：中华书局，2007：144.