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关于“演绎”展
Q：为何命名为“演绎”？
A：我跟本次展览的学术主持人李小山先生共同探讨过这个问题，主要有以下三个方面的原因：
第一，美术史实际上是个体的演绎史，所谓个体的演绎史就是，先有艺术家，才有美术史，没有好的艺术家的个体的实验，不可能组成这么伟大的艺术史。艺术史是将所有个体的探索连续起来，组成这个连续的任何一个符号或者节奏都是个体塑造的。
第二，艺术家的个体某种意义上来说就是一个试验田，就像一块自留地，他可以在试验田里搞自己独一无二的实验，并且迸发出很多个体的创造力。我们希望反过来强调个体，强调个体的独创，回到试验田里寻找原创的精神，制造一种可能性。
第三，区域文化在我们这个时代依然彰显着她的特点，如果没有这种特点，在全球化背景下，我们可能随时就会失去自我。
Q：您在此次展览上将要推出的作品有哪些？
A：以《寻人启事》系列为主。
Q：简单介绍一下这些作品的创作过程及其所要表达的思想。
A：《寻人启事》系列最早来源于一种人文关怀，在我们身边或者媒体上经常看到走失、被拐骗的孩子、老人等等，作为弱者是非常无助的。亲人或者朋友突然间消失不见了，又不是自然死亡的那种消失，这种消失会一直烙印在你的大脑里面，因为他们的确生存在你的周边，只是你看不见。就像一个人处于极度痛苦之中，却不能哭出声来，这是非常折磨人的一件事情，很无奈。我们生存的这个时代，有很多不清楚的事，使你在模糊之后无法释怀。
以前，民间用的黑色是用铁锅底面草木灰加水再加胶熬制成的，与中国的手工宣纸、制作毛笔的植物纤维及动物毛发一样，很亲近人的身体。在宣纸上用毛笔、水、墨游戏出人的精神特质来，并生成出一种文化，是因为人的灵魂印在了那里。所以，我创作《寻人启事》只是在提醒自己：人丢了，还可以找到回家的路；魂丢了，再回来就没了可能。特别是处于现在这个物化的世界！
关于艺术创作
Q：您的创作中始终有一个主题是不变的：文化反思与社会学意义的思考。您说，在时代的发展里，作为艺术家应该通过艺术的形态，记录这个时代人们生存的状况，这是这个时代艺术家应该有的一种责任。可以详细说一说吗？
A：人首先是社会的人，艺术家如果不跟时代同步的话，艺术作品就失去了它的意义。中国很多艺术家在走复古这条路，这只是一种路径，但是，作为一个当代人，我关注更多的是我生存的环境。我很敏感于这种生存环境在我艺术中的反应，在我精神上的体现，这种体现只有完成了心里才舒服，才能有一种呼吸，否则会感到呼吸受阻。好的艺术应该是记录一个时代的审美特征，并把这种特征制造一个高度，给人们以醒示，这是最重要的。
Q：您非常注重创作的核心问题：观念、技巧、表达等，并在创作的实践过程中逐步完成和完善，您称之为以“试错”的方式进行自我纠错。为什么要采取这样一种方式呢？
A：“试错”是一种科学方法，也是一种态度。近现代科学就蕴藏着一种实验精神，通过不同的实验，来制造一个新世界，新的文明。不犯错误的人是不真实的，所有的人类文明和向前迈进首先来自于质疑。所以，没有任何一个东西是绝对正确的，只能在相对的正确里制造一种可能。我认为艺术在某些方面也是如此，艺术家也因而呈现出一种特征，即总是对自己的作品不满意，哪怕到了九十岁、一百岁，还是会说，如果有更多的时间，我还能创造更好的辉煌，创作出更多、更成熟的作品。
Q：当下复杂的文化语境中，艺术创作和现实的真实之间总是存在矛盾和冲突。您怎样看待这种矛盾？
A：正因为这种矛盾才制造了艺术家的兴奋点，正是在这种敏锐的、周身环境的压迫、挤压之中，新的空间又来了。
艺术需要符号性，自身的绘画语言、空间语言等等，用哪种语言更直接、更能把自己的主题呈现出来，也是反复试错的一个过程。类似书法中，楷书中毛笔的走向是非常清楚的，提、按、快、慢能看得出来，到了草书就看不出来了，毛笔的动作在哪里完全搞不清楚了，因为从楷书到草书，毛笔的很多书写过程是在空中完成的，假如没有一定的经验、一定书写的实践，没有一定审美高度的话，是看不出来的。
无论是看到的真实还是看不到的真实，最重要的是要在作品里面有精神点，审美是有精神性的，唯有精神是可以交流的，单纯一个技术，不能永远打动人。我们有时候把自己置身于一个环境中，跟古人对话，或者置身于一个空间中，跟未来对话，之所以这样使自己更多的制造一种可能性，就来自于这种精神，来自于精神不断碰撞中的一种启迪。
Q：李小山老师曾说，水墨画是一块试验田，您是这块田地里为数不多的开花结果的画家。您也曾跟他说，您正在作更深入的探究，希望把自己的想法完整地、充分地呈现出来。那么，现在，您在这方面的探究进展如何？
A：现在每年都要参加不同的学术展览，做个人画展，这些展览几乎每次都是用的新作品。有人可能会说，是不是太认真了，每次都用新作品。但是，我是想通过这些展览来反思自己的一些行为，反思自己的呈现，通过展览可以去交流，可以在众多不同思维的作品里面来看自己，看自己的探索哪方面还不到位，哪方面呈现得比较合理，或者是能给观者制造更好的一种感受。通过不断的探索和实践来完善自我。
关于生活
Q：您在高校里面承担了一些教学任务，相较于创作，教学有哪些不一样的体验吗？
A：给学生上课的过程也是自我享受的一个过程，自我思考的一个过程。我们上的是专业课，模特往那里一摆，学生们画学生们的，我画我的，我不希望学生学我的，我只告诉学生我的思维方式，告诉他们观察的方式。观察的方式有很多，我们有一个要求，就是某个阶段必须完成某方面的一些特定思维。比如，写实的思维，模特往那里一坐，必须要画得像，也就是古典主义写生或者写实写生。到了另外一个阶段就没必要写实了，模特往那里一坐，要看他的精神状态。抽象主义画家会把你身上的所有特征都给你剥离，用完全抽象的语言，通过线条进行重组。超现实让你置身于一个不同的环境，虽然你也呈现了一个客观的人，但是却完全处在了一个无限想象的世界里面。通过这些来告诫学生，让他们去独立思考，一方面要完善技术语言，更重要的是要激发想象。想象空间打不开的话你就无法独立，无法拥有独立的思索，不能独当一面。因为我在社会上工作过，就会跟孩子们【编者按：张老师称他的本科和研究生学生为“孩子”，好有爱有没有？】讲，你们需要具备哪方面的能力。
Q：不作画时喜欢做些什么？
A：有时会跟朋友一起聊聊展览的事情，按理说，策展应该由专门的策展人去做，而不应该由艺术家来做，但是，目前，在我们国家还做不到，很多策展人的独立性还不够，过多偏重于经济方面，这与国外存在很大差别。
Q：您生于苏北、长于北方，现在又生活在南京，对于“北方”和“南方”您有怎样不同的印象？
A：我18岁的时候就已经来南方求学了，这些年则一直工作生活在南京。整个艺术的学习和成长之路是在南方完成的，但是，我从来不排斥交流，对南、北的理念也没有绝对的分界线，只能说在南方待长了更喜欢南方。相对来说，这里更独立、自由，远离了制约自我的很多东西。南京既不是政治中心，也不是绝对的文化和商业中心，恰恰这种“不是”给我们制造了一种更深入的实践和思考。
每个人成长的环境不一样，可能更喜欢在某一种语境里面将自己的思维完成和展现。就像英国的培根一样，作为20世纪油画作品销售价格最高的一位艺术家，他一生的作品都是在十几个平方的空间里完成的。对于他来说，随便一张小画就可以换一个非常大的空间，但是，他没有，就在那样一个小的空间里。当你习惯了某种空间，这个空间就是自己的栖身之地，在这个栖身之地里没有具体空间的大小，但是，精神空间的意义是无限的。
突然被问家在哪里的时候，发现家就在脚下，又发现一直生活在另外的空间里面，一直在漂泊。最重要的是精神空间，精神空间里的家如果没有了，你这个人也就永远没有了。每个人都有自己的经历，通过自己的经历营造了一个属于自己的精神家园。
Q：您平时喜欢旅行吗？去国外参加画展，会不会顺便游玩一番？去过的国家之中，给您印象比较深刻的是哪里？
A：去国外参展的时候，当地的博物馆、美术馆基本都会去，看他们的人文古迹、环境，艺术家的一些交流。最喜欢的还是欧洲，他们让我感觉很亲切，很舒服，彬彬有礼，有文化涵养，有历史语境，假如这些东西都没有的话，会有一种掉入陌生环境里的恐惧感和紧张感。
Q：为何命名为“演绎”？
A：我跟本次展览的学术主持人李小山先生共同探讨过这个问题，主要有以下三个方面的原因：
第一，美术史实际上是个体的演绎史，所谓个体的演绎史就是，先有艺术家，才有美术史，没有好的艺术家的个体的实验，不可能组成这么伟大的艺术史。艺术史是将所有个体的探索连续起来，组成这个连续的任何一个符号或者节奏都是个体塑造的。
第二，艺术家的个体某种意义上来说就是一个试验田，就像一块自留地，他可以在试验田里搞自己独一无二的实验，并且迸发出很多个体的创造力。我们希望反过来强调个体，强调个体的独创，回到试验田里寻找原创的精神，制造一种可能性。
第三，区域文化在我们这个时代依然彰显着她的特点，如果没有这种特点，在全球化背景下，我们可能随时就会失去自我。
Q：您在此次展览上将要推出的作品有哪些？
A：以《寻人启事》系列为主。
Q：简单介绍一下这些作品的创作过程及其所要表达的思想。
A：《寻人启事》系列最早来源于一种人文关怀，在我们身边或者媒体上经常看到走失、被拐骗的孩子、老人等等，作为弱者是非常无助的。亲人或者朋友突然间消失不见了，又不是自然死亡的那种消失，这种消失会一直烙印在你的大脑里面，因为他们的确生存在你的周边，只是你看不见。就像一个人处于极度痛苦之中，却不能哭出声来，这是非常折磨人的一件事情，很无奈。我们生存的这个时代，有很多不清楚的事，使你在模糊之后无法释怀。
以前，民间用的黑色是用铁锅底面草木灰加水再加胶熬制成的，与中国的手工宣纸、制作毛笔的植物纤维及动物毛发一样，很亲近人的身体。在宣纸上用毛笔、水、墨游戏出人的精神特质来，并生成出一种文化，是因为人的灵魂印在了那里。所以，我创作《寻人启事》只是在提醒自己：人丢了，还可以找到回家的路；魂丢了，再回来就没了可能。特别是处于现在这个物化的世界！
关于艺术创作
Q：您的创作中始终有一个主题是不变的：文化反思与社会学意义的思考。您说，在时代的发展里，作为艺术家应该通过艺术的形态，记录这个时代人们生存的状况，这是这个时代艺术家应该有的一种责任。可以详细说一说吗？
A：人首先是社会的人，艺术家如果不跟时代同步的话，艺术作品就失去了它的意义。中国很多艺术家在走复古这条路，这只是一种路径，但是，作为一个当代人，我关注更多的是我生存的环境。我很敏感于这种生存环境在我艺术中的反应，在我精神上的体现，这种体现只有完成了心里才舒服，才能有一种呼吸，否则会感到呼吸受阻。好的艺术应该是记录一个时代的审美特征，并把这种特征制造一个高度，给人们以醒示，这是最重要的。
Q：您非常注重创作的核心问题：观念、技巧、表达等，并在创作的实践过程中逐步完成和完善，您称之为以“试错”的方式进行自我纠错。为什么要采取这样一种方式呢？
A：“试错”是一种科学方法，也是一种态度。近现代科学就蕴藏着一种实验精神，通过不同的实验，来制造一个新世界，新的文明。不犯错误的人是不真实的，所有的人类文明和向前迈进首先来自于质疑。所以，没有任何一个东西是绝对正确的，只能在相对的正确里制造一种可能。我认为艺术在某些方面也是如此，艺术家也因而呈现出一种特征，即总是对自己的作品不满意，哪怕到了九十岁、一百岁，还是会说，如果有更多的时间，我还能创造更好的辉煌，创作出更多、更成熟的作品。
Q：当下复杂的文化语境中，艺术创作和现实的真实之间总是存在矛盾和冲突。您怎样看待这种矛盾？
A：正因为这种矛盾才制造了艺术家的兴奋点，正是在这种敏锐的、周身环境的压迫、挤压之中，新的空间又来了。
艺术需要符号性，自身的绘画语言、空间语言等等，用哪种语言更直接、更能把自己的主题呈现出来，也是反复试错的一个过程。类似书法中，楷书中毛笔的走向是非常清楚的，提、按、快、慢能看得出来，到了草书就看不出来了，毛笔的动作在哪里完全搞不清楚了，因为从楷书到草书，毛笔的很多书写过程是在空中完成的，假如没有一定的经验、一定书写的实践，没有一定审美高度的话，是看不出来的。
无论是看到的真实还是看不到的真实，最重要的是要在作品里面有精神点，审美是有精神性的，唯有精神是可以交流的，单纯一个技术，不能永远打动人。我们有时候把自己置身于一个环境中，跟古人对话，或者置身于一个空间中，跟未来对话，之所以这样使自己更多的制造一种可能性，就来自于这种精神，来自于精神不断碰撞中的一种启迪。
Q：李小山老师曾说，水墨画是一块试验田，您是这块田地里为数不多的开花结果的画家。您也曾跟他说，您正在作更深入的探究，希望把自己的想法完整地、充分地呈现出来。那么，现在，您在这方面的探究进展如何？
A：现在每年都要参加不同的学术展览，做个人画展，这些展览几乎每次都是用的新作品。有人可能会说，是不是太认真了，每次都用新作品。但是，我是想通过这些展览来反思自己的一些行为，反思自己的呈现，通过展览可以去交流，可以在众多不同思维的作品里面来看自己，看自己的探索哪方面还不到位，哪方面呈现得比较合理，或者是能给观者制造更好的一种感受。通过不断的探索和实践来完善自我。
关于生活
Q：您在高校里面承担了一些教学任务，相较于创作，教学有哪些不一样的体验吗？
A：给学生上课的过程也是自我享受的一个过程，自我思考的一个过程。我们上的是专业课，模特往那里一摆，学生们画学生们的，我画我的，我不希望学生学我的，我只告诉学生我的思维方式，告诉他们观察的方式。观察的方式有很多，我们有一个要求，就是某个阶段必须完成某方面的一些特定思维。比如，写实的思维，模特往那里一坐，必须要画得像，也就是古典主义写生或者写实写生。到了另外一个阶段就没必要写实了，模特往那里一坐，要看他的精神状态。抽象主义画家会把你身上的所有特征都给你剥离，用完全抽象的语言，通过线条进行重组。超现实让你置身于一个不同的环境，虽然你也呈现了一个客观的人，但是却完全处在了一个无限想象的世界里面。通过这些来告诫学生，让他们去独立思考，一方面要完善技术语言，更重要的是要激发想象。想象空间打不开的话你就无法独立，无法拥有独立的思索，不能独当一面。因为我在社会上工作过，就会跟孩子们【编者按：张老师称他的本科和研究生学生为“孩子”，好有爱有没有？】讲，你们需要具备哪方面的能力。
Q：不作画时喜欢做些什么？
A：有时会跟朋友一起聊聊展览的事情，按理说，策展应该由专门的策展人去做，而不应该由艺术家来做，但是，目前，在我们国家还做不到，很多策展人的独立性还不够，过多偏重于经济方面，这与国外存在很大差别。
Q：您生于苏北、长于北方，现在又生活在南京，对于“北方”和“南方”您有怎样不同的印象？
A：我18岁的时候就已经来南方求学了，这些年则一直工作生活在南京。整个艺术的学习和成长之路是在南方完成的，但是，我从来不排斥交流，对南、北的理念也没有绝对的分界线，只能说在南方待长了更喜欢南方。相对来说，这里更独立、自由，远离了制约自我的很多东西。南京既不是政治中心，也不是绝对的文化和商业中心，恰恰这种“不是”给我们制造了一种更深入的实践和思考。
每个人成长的环境不一样，可能更喜欢在某一种语境里面将自己的思维完成和展现。就像英国的培根一样，作为20世纪油画作品销售价格最高的一位艺术家，他一生的作品都是在十几个平方的空间里完成的。对于他来说，随便一张小画就可以换一个非常大的空间，但是，他没有，就在那样一个小的空间里。当你习惯了某种空间，这个空间就是自己的栖身之地，在这个栖身之地里没有具体空间的大小，但是，精神空间的意义是无限的。
突然被问家在哪里的时候，发现家就在脚下，又发现一直生活在另外的空间里面，一直在漂泊。最重要的是精神空间，精神空间里的家如果没有了，你这个人也就永远没有了。每个人都有自己的经历，通过自己的经历营造了一个属于自己的精神家园。
Q：您平时喜欢旅行吗？去国外参加画展，会不会顺便游玩一番？去过的国家之中，给您印象比较深刻的是哪里？
A：去国外参展的时候，当地的博物馆、美术馆基本都会去，看他们的人文古迹、环境，艺术家的一些交流。最喜欢的还是欧洲，他们让我感觉很亲切，很舒服，彬彬有礼，有文化涵养，有历史语境，假如这些东西都没有的话，会有一种掉入陌生环境里的恐惧感和紧张感。