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【摘要】对于刚刚接触二胡演奏的练习者来说，最简单的演奏技巧便是发声，对于技能学习阶段的练习者来说，能熟练掌握左右手的基本演奏技法及各调式音阶才是进步，而表演学习阶段却不是单纯地只演奏高难度作品的阶段，它需要练习者将熟练的技巧进行转化，成为服务自我的左膀右臂，在每个阶段都会出现当时难以克服的问题，只要找出解决的关键，接下来的演奏之路会相对顺利许多。
【关键词】二胡演奏；技巧训练；音乐表演
当初学者在正确的持弓、运弓、摆臂，有效地保证擦弦力度及方向等前提条件下可以将二胡演奏得不刺耳、少噪音的时候，便是右手基本技法的初步完成，而这一过程至少需要持之以恒地练习几个月的时间。众所周知，一件乐器的学习不只是可以让它发出声音，更重要的是在技术的支撑下表现情感，这跟所有的艺术都是相通的，因此在初学乐器时，基本功的练习虽单调却是重要且必不可少的环节。这期间，身体各个部位虽明确作用却无法做到尽其所能的运作，最重要的是在反复练习中尽量保持力量的均衡及稳定性，右手持弓的动作要精确到每根手指的功能全部明确，各关节在手臂摆动的同时可以较好地控制方向及弯曲程度，保证各部位既放松又可控地运行，并将具体的操作行为固定化，那么在学习新的演奏技巧时不至于瞻前顾后。二胡拉出声音之后便是最重要的一个阶段：左手音准，这是拉弦乐器演奏者们皆在解决的一个重大问题。
音准的控制可以分为两个部分去关注：
第一个是听觉。对于音的准确性的把握，一大部分是取决于演奏者天生对音准的敏感度。一些演奏者可以感受到“听得不舒服”，可能是音演奏得不够准确，需要左手通过转换位置来不断尝试，直到觉得“听着舒服”为准；而另一些演奏者则是可以准确地感受到“音偏高偏低”，这类天生的音准感受在练习的过程中可以自觉地将音准概念记于脑中，并形成固势，只要经过专业的训练好好引上正途，在潜移默化中便可解决这个很多人在学习弦乐时都苦恼的问题。这类演奏者在学习拉弦乐器上于听觉方面是完全没有负担的。而另一部分在听觉上不是较为突出的演奏者可能需要在学习过程中不间断的练习及在导师的正确引导下，才会对音准的概念稍有理解，进而可以做到自我判断。那么这一类演奏者在学习过程中不要一味地坚持用耳朵去强行听出音准，音的准确性这一概念可以于后天慢慢努力而成，可以尝试辅助以下提到的除了听觉外的其他方法去弥补自身的不足。
第二个是手型的保持。在一定程度上可以说是利用人的视觉及触觉这两种感官感受去解决音准。当然这是在听觉训练有一定的基础时再去完善音准的另一种方式。在把位正确的前提上，演奏手型的保持是音程关系的体现，因此在学习过程中可以清晰地用眼睛看到手指间的距离，这一间距的保持便是用视觉判定音准的凭据之一；演奏手型的保持也是手感的体现，左手手指按音的角度、抬落的方向、指间距的伸缩程度、触弦着力点的变换等等，这些都是对音准的另一种体验方式，也就是说在无数次反复练习的用耳朵校正音准的同时，演奏者最好可以调动身上的感官同时为音准服务，可以尝试演唱作品，在嗓音的高低起伏中寻找音高的频率也未尝不是办法，当然这些无法用视觉去描绘的问题，需要演奏者在练习过程中自我体会并加以巩固，不间断及善于思考的练习者很快便会从肢体等多种感官找到演奏的平衡点及乐趣。
在技能学习阶段中，重点是对二胡演奏的基本技法的学习，并针对每一技法练习两到五首练习曲，当累积到一定技法便可以演奏一些相对应程度的乐曲，与此同时，演奏的调式相对丰富一些，开始接触除二胡基本调式之外的独奏曲中会出现的其他调式。在这些调式中需要注意是在半把上演奏的F调及bB调。除这两个调式以外的其他调式基本是以千金为基准摆手型找音准的，而只有这两个调式是在千金下的第二个音位为把位基准摆手型，因此少了一些对千金的“依靠”，大部分演奏者在演奏这两种调式的作品时会出现音准越拉越高的现象，归根结底是对音位的掌控性太差。除了提到调式的学习，还要说到演奏技巧的补充与丰富。每部作品都有自己的音乐风格及特定的演奏技巧，这就要求演奏者对音乐情绪的控制有所把握。在习得每部作品之前能认真地做好预习，了解乐曲中主要的发音技巧、技能标记、风格倾向及效果，做到有目的的练习；学会控制音准、把握音位、熟练掌握多种演奏技巧，这些才是中级学习者的重点。
进入二胡演奏的专业学习时，很多练习者会发现一些演奏技巧的掌握方法发生了些许变化。在本文开始时也提到，“一件乐器的学习不只是可以让它出声音，更重要的是在技术的支撑下表现情感”，这句话便是二胡演奏专业阶段的宗旨。前面所有技巧的学习最终目的是让听者明白乐曲的情感，明白演奏者的情感，而不单只是将技巧对大家进行呈现。在乐曲的演奏过程中，运用什么样的技巧才能突出乐曲的情感表达是这一阶段的主要课题，这与右手运弓蕴含着千丝万缕的联系，从持弓的松紧程度起就与初学时不同。最开始持弓运弓的主要目的是让二胡发出声音，因此在力度的掌握上以“握住”为准，保持运弓的平、直，而进入高级学习后，右手技巧更注重的是音色上的保持与变化，由“握住”改为“巧握”，这一字之差便将不同点尽显，可松可紧的力度变化、从肩膀到大小臂到手肘手腕的力度传达及摆动频率的变化等；因左手技巧的表达而使右手运弓的表情增多；为将音乐风格表现极致而改变传统运弓方式等，现代作品中如此要求比比皆是，这些方面的完成都是随着时代的进步、技术的完善而不断进步的，在演奏过长中要尽可能地将每个力点与身体相结合，尽量将右手速度及灵敏度的负担卸下。若只单纯地用拉退来带动发声，那么二胡这件乐器早已从几十年前便淡化出人们的视线了。
再还有便是弓速的快慢问题，包括先快后慢、先慢后快、似断非断等；弓子的力度问题，包括音头（弓根强音开始）、保持音（弓根强音开始保持到弓尖）、渐强（弓根弱音开始弓尖强音收尾）、减弱（弓根强音开始弓尖弱音收尾）、枣核状（弓根弱音开始中弓强而再以弱音收尾）等以及个别独奏作品中的特殊演奏技法，如浪弓、大击弓、双弦滑音等，配以音乐风格中的左手技巧做强弱快慢的处理，才算是基本的演奏技法的成熟。
除了对技巧上多变性的掌握之外，在演奏基础上不得不提到的一个关键就是音乐表演的问题。乐器演奏本身就是音乐表演体系中的一个分支，之所以称为表演，这其中一定有演绎的成分存在，而练习者绝大部分是坐在谱台前对着蝌蚪文“孤芳自赏”的。古人云“独乐乐不如众乐乐”，此句绝妙地将音乐表演的精髓点出来，演奏本身除了悦己，也要愉人，乐曲作者要表达的悲欢离合也是需要演奏者借以乐器将其自身理解的喜怒哀乐表达出来的，因此，演奏者是一个媒介，一个有思想、有技术的媒介，像是画家，你描绘的世界就是你理解的世界；像是摄影师，你镜头中的事物是你情感的传递；像是文学家，你笔下的人物是你心灵的倒影。画家以描绘的形式、摄影师以图像的形式、文学家以笔墨的形式表达艺术情感，那么演奏家便是用你的乐器、你灵巧的双手及丰富的肢体去表达心中所想、作者所愿。在演奏技巧训练得当的基础上谈表演才是好时机，诸多二胡演奏练习者只将演奏技巧视为基础训练，实则还包括“表演”这一项，因此在技巧完成较为完善的同时，不妨将重心放一些在音乐表演上。
二胡演奏基本技巧的训练要找到重点及要领，最主要是练习者专心、思考着去完成作品，“台下十年功”不单指的是技巧的纯熟，也包括在练习中抵掉一部分的不稳定因素，使其在演奏过程中更加流畅、完善，达到最佳状态。当然理性演奏的同时加上感性的表演，这样才可以称作专业二胡演奏。
【关键词】二胡演奏；技巧训练；音乐表演
当初学者在正确的持弓、运弓、摆臂，有效地保证擦弦力度及方向等前提条件下可以将二胡演奏得不刺耳、少噪音的时候，便是右手基本技法的初步完成，而这一过程至少需要持之以恒地练习几个月的时间。众所周知，一件乐器的学习不只是可以让它发出声音，更重要的是在技术的支撑下表现情感，这跟所有的艺术都是相通的，因此在初学乐器时，基本功的练习虽单调却是重要且必不可少的环节。这期间，身体各个部位虽明确作用却无法做到尽其所能的运作，最重要的是在反复练习中尽量保持力量的均衡及稳定性，右手持弓的动作要精确到每根手指的功能全部明确，各关节在手臂摆动的同时可以较好地控制方向及弯曲程度，保证各部位既放松又可控地运行，并将具体的操作行为固定化，那么在学习新的演奏技巧时不至于瞻前顾后。二胡拉出声音之后便是最重要的一个阶段：左手音准，这是拉弦乐器演奏者们皆在解决的一个重大问题。
音准的控制可以分为两个部分去关注：
第一个是听觉。对于音的准确性的把握，一大部分是取决于演奏者天生对音准的敏感度。一些演奏者可以感受到“听得不舒服”，可能是音演奏得不够准确，需要左手通过转换位置来不断尝试，直到觉得“听着舒服”为准；而另一些演奏者则是可以准确地感受到“音偏高偏低”，这类天生的音准感受在练习的过程中可以自觉地将音准概念记于脑中，并形成固势，只要经过专业的训练好好引上正途，在潜移默化中便可解决这个很多人在学习弦乐时都苦恼的问题。这类演奏者在学习拉弦乐器上于听觉方面是完全没有负担的。而另一部分在听觉上不是较为突出的演奏者可能需要在学习过程中不间断的练习及在导师的正确引导下，才会对音准的概念稍有理解，进而可以做到自我判断。那么这一类演奏者在学习过程中不要一味地坚持用耳朵去强行听出音准，音的准确性这一概念可以于后天慢慢努力而成，可以尝试辅助以下提到的除了听觉外的其他方法去弥补自身的不足。
第二个是手型的保持。在一定程度上可以说是利用人的视觉及触觉这两种感官感受去解决音准。当然这是在听觉训练有一定的基础时再去完善音准的另一种方式。在把位正确的前提上，演奏手型的保持是音程关系的体现，因此在学习过程中可以清晰地用眼睛看到手指间的距离，这一间距的保持便是用视觉判定音准的凭据之一；演奏手型的保持也是手感的体现，左手手指按音的角度、抬落的方向、指间距的伸缩程度、触弦着力点的变换等等，这些都是对音准的另一种体验方式，也就是说在无数次反复练习的用耳朵校正音准的同时，演奏者最好可以调动身上的感官同时为音准服务，可以尝试演唱作品，在嗓音的高低起伏中寻找音高的频率也未尝不是办法，当然这些无法用视觉去描绘的问题，需要演奏者在练习过程中自我体会并加以巩固，不间断及善于思考的练习者很快便会从肢体等多种感官找到演奏的平衡点及乐趣。
在技能学习阶段中，重点是对二胡演奏的基本技法的学习，并针对每一技法练习两到五首练习曲，当累积到一定技法便可以演奏一些相对应程度的乐曲，与此同时，演奏的调式相对丰富一些，开始接触除二胡基本调式之外的独奏曲中会出现的其他调式。在这些调式中需要注意是在半把上演奏的F调及bB调。除这两个调式以外的其他调式基本是以千金为基准摆手型找音准的，而只有这两个调式是在千金下的第二个音位为把位基准摆手型，因此少了一些对千金的“依靠”，大部分演奏者在演奏这两种调式的作品时会出现音准越拉越高的现象，归根结底是对音位的掌控性太差。除了提到调式的学习，还要说到演奏技巧的补充与丰富。每部作品都有自己的音乐风格及特定的演奏技巧，这就要求演奏者对音乐情绪的控制有所把握。在习得每部作品之前能认真地做好预习，了解乐曲中主要的发音技巧、技能标记、风格倾向及效果，做到有目的的练习；学会控制音准、把握音位、熟练掌握多种演奏技巧，这些才是中级学习者的重点。
进入二胡演奏的专业学习时，很多练习者会发现一些演奏技巧的掌握方法发生了些许变化。在本文开始时也提到，“一件乐器的学习不只是可以让它出声音，更重要的是在技术的支撑下表现情感”，这句话便是二胡演奏专业阶段的宗旨。前面所有技巧的学习最终目的是让听者明白乐曲的情感，明白演奏者的情感，而不单只是将技巧对大家进行呈现。在乐曲的演奏过程中，运用什么样的技巧才能突出乐曲的情感表达是这一阶段的主要课题，这与右手运弓蕴含着千丝万缕的联系，从持弓的松紧程度起就与初学时不同。最开始持弓运弓的主要目的是让二胡发出声音，因此在力度的掌握上以“握住”为准，保持运弓的平、直，而进入高级学习后，右手技巧更注重的是音色上的保持与变化，由“握住”改为“巧握”，这一字之差便将不同点尽显，可松可紧的力度变化、从肩膀到大小臂到手肘手腕的力度传达及摆动频率的变化等；因左手技巧的表达而使右手运弓的表情增多；为将音乐风格表现极致而改变传统运弓方式等，现代作品中如此要求比比皆是，这些方面的完成都是随着时代的进步、技术的完善而不断进步的，在演奏过长中要尽可能地将每个力点与身体相结合，尽量将右手速度及灵敏度的负担卸下。若只单纯地用拉退来带动发声，那么二胡这件乐器早已从几十年前便淡化出人们的视线了。
再还有便是弓速的快慢问题，包括先快后慢、先慢后快、似断非断等；弓子的力度问题，包括音头（弓根强音开始）、保持音（弓根强音开始保持到弓尖）、渐强（弓根弱音开始弓尖强音收尾）、减弱（弓根强音开始弓尖弱音收尾）、枣核状（弓根弱音开始中弓强而再以弱音收尾）等以及个别独奏作品中的特殊演奏技法，如浪弓、大击弓、双弦滑音等，配以音乐风格中的左手技巧做强弱快慢的处理，才算是基本的演奏技法的成熟。
除了对技巧上多变性的掌握之外，在演奏基础上不得不提到的一个关键就是音乐表演的问题。乐器演奏本身就是音乐表演体系中的一个分支，之所以称为表演，这其中一定有演绎的成分存在，而练习者绝大部分是坐在谱台前对着蝌蚪文“孤芳自赏”的。古人云“独乐乐不如众乐乐”，此句绝妙地将音乐表演的精髓点出来，演奏本身除了悦己，也要愉人，乐曲作者要表达的悲欢离合也是需要演奏者借以乐器将其自身理解的喜怒哀乐表达出来的，因此，演奏者是一个媒介，一个有思想、有技术的媒介，像是画家，你描绘的世界就是你理解的世界；像是摄影师，你镜头中的事物是你情感的传递；像是文学家，你笔下的人物是你心灵的倒影。画家以描绘的形式、摄影师以图像的形式、文学家以笔墨的形式表达艺术情感，那么演奏家便是用你的乐器、你灵巧的双手及丰富的肢体去表达心中所想、作者所愿。在演奏技巧训练得当的基础上谈表演才是好时机，诸多二胡演奏练习者只将演奏技巧视为基础训练，实则还包括“表演”这一项，因此在技巧完成较为完善的同时，不妨将重心放一些在音乐表演上。
二胡演奏基本技巧的训练要找到重点及要领，最主要是练习者专心、思考着去完成作品，“台下十年功”不单指的是技巧的纯熟，也包括在练习中抵掉一部分的不稳定因素，使其在演奏过程中更加流畅、完善，达到最佳状态。当然理性演奏的同时加上感性的表演，这样才可以称作专业二胡演奏。