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KATHARINA GROSSE，当今最大胆创新的艺术家之一，在上海举力、了她的首次中国个展，而她为人熟知的大体量“立体绘画”与奔放的色彩，亦出现在这次展览中。
摄影：PETER FUNCH 造型：STEFANIE KLOPF
现在是柏林时间早上8点。“这里是我的厨房，我刚做完早餐，到处都是乱七八糟的！”德国艺术家Katharina Grosse笑着对我说。实际上，她身后的背景就是一件艺术作品，绿意盎然的花园里，阳光透过夏末盛开的鲜花发散出柔美的光芒。
Grosse很快将动身前往她的工作室，她正在为即将在上海chiKll美术馆举行的中国首次个展做准备。此次展览设计很大程度上基于空间的特殊性，Kathorina惊叹于Kll上海的多层分支空间，犹如行走于移动迷宫之中。于是她选择了彼此相关的由具象至抽象的主题：“地下”、“丝绸工作室”、“幽魂”、“腹中”和“陈列室”，那些最能代表她理念的都会经由她的现场创作展示在其中。而结合K11独特的空间设计，Kothorina的“三维画作”会借由空间的改变而变换视觉效果。“一幅画在空间中可以出现在你能够想象到的任何地方，在桌子下面，在步行道路上，在墙上……”而与同时代大多数以绘画为媒介的艺术家不同的是，Katharina的工作方式是以现场创作为主。她亦会提前到达上海，收集当地性十足的材料来进行现场创作，这无疑赋予了绘画这种古典形式全新的灵魂，绘画在她的定义之下不再只是预先绘制完毕的布尔乔亚式的精致物品;相反，绘画被赋予了野蛮生长的魔力，在空间中如同热带雨林般延展。那些来自上海本地的建筑材料、建工用沙土和布料再加上她代表性的热烈色彩，势必会带来一场激动人心的观展体验。
“K11是一个非常有趣的地方，不同于德国的展示空间，K11将美术馆搬进了商场之内，而我相信这种设计必定吸引了很多年轻人。这种独特的展示空间将我的作品与消费、经济融合到了一起，这对我而言是一种非常特别的美学。”Katharina在谈到此次的创作空间时无疑是兴奋的，具象计划的工作一部分将严格按照空间所铺陈，另一部分则取决于即兴的灵感。而她对于这种未知的语境好奇异常：光影如何随着独特的空间结构而改变，继而改变作品的走向？她不会提前做好画作的草图，而是会依据光影和现场空间即兴创作。
她个人为2018悉尼艺术节专门创作的作品同样是鸿篇巨制。作品采用一幅7000平方米的剧院专用织物，从德国运来，请悉尼一位纺织专家用缝纫机在滚筒上拼接而成，成品可以完全覆盖Carriageworks艺术中心墙壁间的巨大空间。Grosse说：“这块巨大的折叠布料填满整个空间，就像一顶倒置的帐篷。我在里面作画，用喷枪给所有折面和整个内部结构喷绘图案，而你们可以走进去观看，或者在外面绕着它欣赏。”
“The Horse Trotted Another Couple Of Metres， Then It Stopped”这个标题描述的并非作品的内容，因为它本身已拥有自己的生命力，她说：“它描述的是一个时刻，当你走进厨房去拿车钥匙，突然间竟忘了自己为什么会站在那里……在你忘却一切的那一瞬间，你的自我意识复苏了，意识到一些你无法言表的东西，意识到自己生存在这个星球上，空气是那么香甜，你在神游太虚……但是紧接着，一切戛然而止，然后，你想起来自己要干什么……日常生活中，我们偶尔也会遇到这种情况，而这恰恰可以解释我在如此巨大的表面上作画的莫名其妙的行为。”
她为特定场合创作的作品均硕大无比，让人产生一种毫无逻辑和极度不适之感，荒诞不经是其恰如其分的描述，可这或许正是Grosse作品触动观众的地方。不过，她的作品并不都是以恢宏壮丽著称，她解释道：“最开始，我也是在小版面上作画，但喷枪加快了我的速度，我从未惧怕扩大作品的尺寸或规模，这是自然而然的事情。我也从未想过创作大型作品是大胆创新的行为，我理所当然地视其为自己力所能及的一件事，因为自孩提时代，我就开始在车库的墙上涂涂画画，而后经过很长一段时间才创作出真正宏大的作品。与团队合作让一切变得不一样了，这是我在自己艺术生涯中迈出的一大步，我必须学会如何与别人交流我的想法。”
Grosse的团队由15 -20位艺术家和其他创意人员组成，还有一位艺术历史学家兼画廊老板以及一位工程师（“他其实是我的兄弟，一位机械工程师，他负责所有技术方面的问题和管理整个工作室团队。”）。她还为团队配备了一位档案管理员和一位调查员。
尽管Grosse的作品宏伟壮观，但创作过程却非常简单直接，她“就这样开始了”。没有任何仪式，只需要睡一个好觉。“每当我身处创作现场，便只会专心绘画，不再外出，在此后的整整十多天里全身心地投入其中。当你从早到晚都在画画，和你打交道的只有各种色彩，你的想象力和内在视觉完全被它们所占据，那种感觉简直太有意思了！我思考各种令人着迷的情感，但我更喜欢它们油然而生，无需任何因由。我总会对具有攻击性的东西极感兴趣，当然，我绝不喜欢攻击任何人。我觉得温柔也是一种美好的情感，可它一旦出于某种目的而生发，它的迷人之处便会大打折扣。让不带任何动机的情感填满你的心灵，这才是我想要的。在我作画时感受到这些情感是一件美妙绝伦的事，就好像站在蹦床上跳跃到其他地方一样。”
她的现场直觉，无论是对所使用的材料，还是灵光乍现的一瞬，都让人既难以置信又不能忘怀，仿佛它在你的心灵和躯体上留下了不可磨灭的印记。在她的艺术创作历程中，迄今为止她最心仪的重大杰作之一，是2016年捐赠给Rockaway！项目的作品，即对纽约市皇后区洛克威社区废弃的帝尔登堡（ Fort Tilden）水上军事基地进行改造。它是一栋粉红色的宏伟建筑，矗立在那里，显得那么随意、遥远，但却振奋人心。“我们边聊天边给它重新粉刷涂料。我的团队，还有那个地方，尽得天时、地利、人和，我在喷涂房子，他们在享受日光浴，而我甘之如飴接受着这一切……此外，许多我并未刻意创作的元素也成为作品的一部分，好比在飓风桑迪肆虐期间沙暴襄挟而来的沙砾，已经与建筑融为一体，并将后者变得面目全非，与原来的模样迥然不同。因此，我们称这些加诸于建筑之上的东西为‘大地艺术’，而我所做的只是突出那些变化而已。这简直就是神来之笔。” 2017年，她在丹麦创作了同样发人深省的场域特定作品。“我在海边的一大片公园荒地上创作了这个作品，那里有一条大街模穿而过。令人惊喜的是，它在观众中引起了极大的反响，有攻击性的评论，也有正面的褒扬，总之人们给予了高度关注，甚至在电视上都进行了专题讨论。”Grosse的作品AspHalt Air and Hair（ 2017）是受ARoS奥胡斯艺术博物馆的委托而创作，她回忆道：“我在草地和树木上使用了大量紫红色、粉红色和白色颜料，由于作品覆盖的区域包括一个繁忙的交叉路口，因此大家在上班的路上都将穿过这片油画地。人们纷纷质疑：难道这就是艺术？究竟何谓艺术？是谁允许她在我们的公共财产上涂画的？她在破坏大自然吗？难道交叉路口本身不比这个作品更具破坏性吗？……实在太有意思了！”
她的下一站是澳大利亚，在那里，她发现了“令人神魂颠倒的东西”。她第—次造访这个国家是在2000年的悉尼双年展，她在那里待了两个月。“悉尼是一座友好开放、充满活力的城市，夜生活丰富多彩，人们纷纷涌向户外展现自我。我发现它的迷人之处还在于，它与远隔万里之遥的中欧文化产生了共鸣，并且融合了其他元素，不仅包含土著文化，还有各种不同观点之间的交流。”
当地的环境和景物给她留下了深刻的印象。她说：“树木、街道和蓬勃生长的物种，还有广袤无垠的疆土都让我念念不忘。当我飞越这个国家上空时，不禁紧贴舷窗目不转睛地俯瞰那片大地。”Grosse还游览了达尔文和卡卡杜国家公园，那里的土著岩画让她十分着迷，而创作者处理时间、空间和地点三者关系的方式更令她惊叹不已。她若有所思地说：“我原本以为自己对它了如指掌，但后来却发现并非如此。”
1969年，著名环境艺术家Christo Claude和Jeanne Claude夫妇用织物包裹住悉尼的小海湾，为卡尔多公共艺术项目作品系列打响了头一炮。《被包裹的海岸，一百万平方英尺》（Wrapped Coast - One Million Square Feet）是一项极其浩大的工程，我问Grosse是否还有类似可与之相提并论的标志性作品，Grosse说在她的童年记忆中，Claude夫妇曾在加州创作过《奔跑的栅栏》（Running Fence，1972-1976），用白色尼龙做成一道高5.5米、跨度近40千米的栅栏，她说：“它赫然出现在人们眼前。我的父母都是Cloude夫妇的忠实粉丝。”她还亲眼目睹了《被包裹的国会大厦》（Wrapped Re/chstag，1995），“我看到了Christo的晚期作品。除了他，还有一群投身‘贫穷艺术’的艺术家们，例如Piero Manzoni 1961年的作品《艺术家的粪便》（Artist’s Shit ），他们创作的是一些你看不见却能任你天马行空想象的东西。我认为CHristo和所有大地艺术家都在向我证明，他们的作品还能在其他地方呈现在世人面前，不仅仅是在博物馆内。”
她最早的作品之一，是系在森林中两根树干之间的一大块白色织物，“我先用湿涂料在上面作画，然后往上面扔泥土，这就是我大约二十岁时的树木绘画。年少的我还曾在丛林内用树皮创作，后来花了很长时间才回到绘画上来。对我来说，这要运用想象力，就好比一份建议书，你要设想一些根本不存在的内容，这与CHristo的创作方式大相径庭，后者的想象与具体事物相联系，并将这些物体遮盖起来。当然，有两件事对我影响至深：绘画和建筑，这两个领域让我深感震撼。”
她的母亲Barbara Grosse也是一位画家。“她教导我如何顺其自然地工作、绘画、看待各种事物和博览群书，而且所有这些都不应与正常生活割裂开来。”她出生于1961年，对绘画的最早记忆来自于学校，即便在当时，她说：“我已经对自己的画满怀信心了，确信自己能够将各种事物拼凑在一起。即使是画个圆形、方形和三角形，也就是学校教你画的那些简单图形，那时我就能胸有成竹地构想出它们应该呈现的样子。或许这份固执令人反感，我也因此被人疏远，甚至遭到羞辱，但我的信念从未动摇。”
新西兰是Grosse的心灵家园。“我最爱奥克兰的西海岸，那里蕴含着这个国家的精粹，而且拥有无与伦比的阳光，我喜欢在那里工作，或者只是悠闲地待上一两个月，放松身心、冲浪、畅泳、阅读，远离尘嚣。人们联系不上我，我也不会觉得自己错失了什么良机。在那里，我可以尽情放松，与一切重新建立联结，让身心在一定程度上得以复原。”
除了鲨鱼，她最惧怕的“也许是无所不在的爱”，“我希望被爱，我认为爱是最一种令人愉悦的体验，是你最深切的渴望。坠入爱河或相亲相爱是如此美妙，那是一种心境，能够消弭所有争执，有点类似于当你工作顺利、接近成功时的心理状态。但人们可能会因恐惧而不去相爱，或不想有任何感情上的牵扯并忽略那种感觉。但当我绘画时，我会对这个世界产生与恋爱相似的情感和联系。”
她的合作伙伴是新西兰抽象画家Judy Millar。“她有自己的事业和生活，尽管我们无法经常见面，但她仍是我生命中最重要的人，她总会耐心聆听。我们各自创作自己的作品，不必委曲求全地为对方做出牺牲，这样很好。她懂我，我很幸运。”
我问Grosse对未来有何种寄望。“我希望有一天可以在像白宫那样的建筑上创作……还有就是世界和平，我希望我们可以更好地了解人类怎样才能和睦共处，幸福地生活在这个星球上。利用他人、女性、其他文化和群体牟取利益的行为让人无法容忍，我们必须制止。”
编辑：秋楠Rachel Qiu妆发Melanie Schoene制作：Maya iseli at Production Berlin 鳴谢KliArt Foundation及奥地利维也纳Galerie nachst St.Stephan. Katharina Grosse And Vg Bild-Kunst， Bonn。
摄影：PETER FUNCH 造型：STEFANIE KLOPF
现在是柏林时间早上8点。“这里是我的厨房，我刚做完早餐，到处都是乱七八糟的！”德国艺术家Katharina Grosse笑着对我说。实际上，她身后的背景就是一件艺术作品，绿意盎然的花园里，阳光透过夏末盛开的鲜花发散出柔美的光芒。
Grosse很快将动身前往她的工作室，她正在为即将在上海chiKll美术馆举行的中国首次个展做准备。此次展览设计很大程度上基于空间的特殊性，Kathorina惊叹于Kll上海的多层分支空间，犹如行走于移动迷宫之中。于是她选择了彼此相关的由具象至抽象的主题：“地下”、“丝绸工作室”、“幽魂”、“腹中”和“陈列室”，那些最能代表她理念的都会经由她的现场创作展示在其中。而结合K11独特的空间设计，Kothorina的“三维画作”会借由空间的改变而变换视觉效果。“一幅画在空间中可以出现在你能够想象到的任何地方，在桌子下面，在步行道路上，在墙上……”而与同时代大多数以绘画为媒介的艺术家不同的是，Katharina的工作方式是以现场创作为主。她亦会提前到达上海，收集当地性十足的材料来进行现场创作，这无疑赋予了绘画这种古典形式全新的灵魂，绘画在她的定义之下不再只是预先绘制完毕的布尔乔亚式的精致物品;相反，绘画被赋予了野蛮生长的魔力，在空间中如同热带雨林般延展。那些来自上海本地的建筑材料、建工用沙土和布料再加上她代表性的热烈色彩，势必会带来一场激动人心的观展体验。
“K11是一个非常有趣的地方，不同于德国的展示空间，K11将美术馆搬进了商场之内，而我相信这种设计必定吸引了很多年轻人。这种独特的展示空间将我的作品与消费、经济融合到了一起，这对我而言是一种非常特别的美学。”Katharina在谈到此次的创作空间时无疑是兴奋的，具象计划的工作一部分将严格按照空间所铺陈，另一部分则取决于即兴的灵感。而她对于这种未知的语境好奇异常：光影如何随着独特的空间结构而改变，继而改变作品的走向？她不会提前做好画作的草图，而是会依据光影和现场空间即兴创作。
她个人为2018悉尼艺术节专门创作的作品同样是鸿篇巨制。作品采用一幅7000平方米的剧院专用织物，从德国运来，请悉尼一位纺织专家用缝纫机在滚筒上拼接而成，成品可以完全覆盖Carriageworks艺术中心墙壁间的巨大空间。Grosse说：“这块巨大的折叠布料填满整个空间，就像一顶倒置的帐篷。我在里面作画，用喷枪给所有折面和整个内部结构喷绘图案，而你们可以走进去观看，或者在外面绕着它欣赏。”
“The Horse Trotted Another Couple Of Metres， Then It Stopped”这个标题描述的并非作品的内容，因为它本身已拥有自己的生命力，她说：“它描述的是一个时刻，当你走进厨房去拿车钥匙，突然间竟忘了自己为什么会站在那里……在你忘却一切的那一瞬间，你的自我意识复苏了，意识到一些你无法言表的东西，意识到自己生存在这个星球上，空气是那么香甜，你在神游太虚……但是紧接着，一切戛然而止，然后，你想起来自己要干什么……日常生活中，我们偶尔也会遇到这种情况，而这恰恰可以解释我在如此巨大的表面上作画的莫名其妙的行为。”
她为特定场合创作的作品均硕大无比，让人产生一种毫无逻辑和极度不适之感，荒诞不经是其恰如其分的描述，可这或许正是Grosse作品触动观众的地方。不过，她的作品并不都是以恢宏壮丽著称，她解释道：“最开始，我也是在小版面上作画，但喷枪加快了我的速度，我从未惧怕扩大作品的尺寸或规模，这是自然而然的事情。我也从未想过创作大型作品是大胆创新的行为，我理所当然地视其为自己力所能及的一件事，因为自孩提时代，我就开始在车库的墙上涂涂画画，而后经过很长一段时间才创作出真正宏大的作品。与团队合作让一切变得不一样了，这是我在自己艺术生涯中迈出的一大步，我必须学会如何与别人交流我的想法。”
Grosse的团队由15 -20位艺术家和其他创意人员组成，还有一位艺术历史学家兼画廊老板以及一位工程师（“他其实是我的兄弟，一位机械工程师，他负责所有技术方面的问题和管理整个工作室团队。”）。她还为团队配备了一位档案管理员和一位调查员。
尽管Grosse的作品宏伟壮观，但创作过程却非常简单直接，她“就这样开始了”。没有任何仪式，只需要睡一个好觉。“每当我身处创作现场，便只会专心绘画，不再外出，在此后的整整十多天里全身心地投入其中。当你从早到晚都在画画，和你打交道的只有各种色彩，你的想象力和内在视觉完全被它们所占据，那种感觉简直太有意思了！我思考各种令人着迷的情感，但我更喜欢它们油然而生，无需任何因由。我总会对具有攻击性的东西极感兴趣，当然，我绝不喜欢攻击任何人。我觉得温柔也是一种美好的情感，可它一旦出于某种目的而生发，它的迷人之处便会大打折扣。让不带任何动机的情感填满你的心灵，这才是我想要的。在我作画时感受到这些情感是一件美妙绝伦的事，就好像站在蹦床上跳跃到其他地方一样。”
她的现场直觉，无论是对所使用的材料，还是灵光乍现的一瞬，都让人既难以置信又不能忘怀，仿佛它在你的心灵和躯体上留下了不可磨灭的印记。在她的艺术创作历程中，迄今为止她最心仪的重大杰作之一，是2016年捐赠给Rockaway！项目的作品，即对纽约市皇后区洛克威社区废弃的帝尔登堡（ Fort Tilden）水上军事基地进行改造。它是一栋粉红色的宏伟建筑，矗立在那里，显得那么随意、遥远，但却振奋人心。“我们边聊天边给它重新粉刷涂料。我的团队，还有那个地方，尽得天时、地利、人和，我在喷涂房子，他们在享受日光浴，而我甘之如飴接受着这一切……此外，许多我并未刻意创作的元素也成为作品的一部分，好比在飓风桑迪肆虐期间沙暴襄挟而来的沙砾，已经与建筑融为一体，并将后者变得面目全非，与原来的模样迥然不同。因此，我们称这些加诸于建筑之上的东西为‘大地艺术’，而我所做的只是突出那些变化而已。这简直就是神来之笔。” 2017年，她在丹麦创作了同样发人深省的场域特定作品。“我在海边的一大片公园荒地上创作了这个作品，那里有一条大街模穿而过。令人惊喜的是，它在观众中引起了极大的反响，有攻击性的评论，也有正面的褒扬，总之人们给予了高度关注，甚至在电视上都进行了专题讨论。”Grosse的作品AspHalt Air and Hair（ 2017）是受ARoS奥胡斯艺术博物馆的委托而创作，她回忆道：“我在草地和树木上使用了大量紫红色、粉红色和白色颜料，由于作品覆盖的区域包括一个繁忙的交叉路口，因此大家在上班的路上都将穿过这片油画地。人们纷纷质疑：难道这就是艺术？究竟何谓艺术？是谁允许她在我们的公共财产上涂画的？她在破坏大自然吗？难道交叉路口本身不比这个作品更具破坏性吗？……实在太有意思了！”
她的下一站是澳大利亚，在那里，她发现了“令人神魂颠倒的东西”。她第—次造访这个国家是在2000年的悉尼双年展，她在那里待了两个月。“悉尼是一座友好开放、充满活力的城市，夜生活丰富多彩，人们纷纷涌向户外展现自我。我发现它的迷人之处还在于，它与远隔万里之遥的中欧文化产生了共鸣，并且融合了其他元素，不仅包含土著文化，还有各种不同观点之间的交流。”
当地的环境和景物给她留下了深刻的印象。她说：“树木、街道和蓬勃生长的物种，还有广袤无垠的疆土都让我念念不忘。当我飞越这个国家上空时，不禁紧贴舷窗目不转睛地俯瞰那片大地。”Grosse还游览了达尔文和卡卡杜国家公园，那里的土著岩画让她十分着迷，而创作者处理时间、空间和地点三者关系的方式更令她惊叹不已。她若有所思地说：“我原本以为自己对它了如指掌，但后来却发现并非如此。”
1969年，著名环境艺术家Christo Claude和Jeanne Claude夫妇用织物包裹住悉尼的小海湾，为卡尔多公共艺术项目作品系列打响了头一炮。《被包裹的海岸，一百万平方英尺》（Wrapped Coast - One Million Square Feet）是一项极其浩大的工程，我问Grosse是否还有类似可与之相提并论的标志性作品，Grosse说在她的童年记忆中，Claude夫妇曾在加州创作过《奔跑的栅栏》（Running Fence，1972-1976），用白色尼龙做成一道高5.5米、跨度近40千米的栅栏，她说：“它赫然出现在人们眼前。我的父母都是Cloude夫妇的忠实粉丝。”她还亲眼目睹了《被包裹的国会大厦》（Wrapped Re/chstag，1995），“我看到了Christo的晚期作品。除了他，还有一群投身‘贫穷艺术’的艺术家们，例如Piero Manzoni 1961年的作品《艺术家的粪便》（Artist’s Shit ），他们创作的是一些你看不见却能任你天马行空想象的东西。我认为CHristo和所有大地艺术家都在向我证明，他们的作品还能在其他地方呈现在世人面前，不仅仅是在博物馆内。”
她最早的作品之一，是系在森林中两根树干之间的一大块白色织物，“我先用湿涂料在上面作画，然后往上面扔泥土，这就是我大约二十岁时的树木绘画。年少的我还曾在丛林内用树皮创作，后来花了很长时间才回到绘画上来。对我来说，这要运用想象力，就好比一份建议书，你要设想一些根本不存在的内容，这与CHristo的创作方式大相径庭，后者的想象与具体事物相联系，并将这些物体遮盖起来。当然，有两件事对我影响至深：绘画和建筑，这两个领域让我深感震撼。”
她的母亲Barbara Grosse也是一位画家。“她教导我如何顺其自然地工作、绘画、看待各种事物和博览群书，而且所有这些都不应与正常生活割裂开来。”她出生于1961年，对绘画的最早记忆来自于学校，即便在当时，她说：“我已经对自己的画满怀信心了，确信自己能够将各种事物拼凑在一起。即使是画个圆形、方形和三角形，也就是学校教你画的那些简单图形，那时我就能胸有成竹地构想出它们应该呈现的样子。或许这份固执令人反感，我也因此被人疏远，甚至遭到羞辱，但我的信念从未动摇。”
新西兰是Grosse的心灵家园。“我最爱奥克兰的西海岸，那里蕴含着这个国家的精粹，而且拥有无与伦比的阳光，我喜欢在那里工作，或者只是悠闲地待上一两个月，放松身心、冲浪、畅泳、阅读，远离尘嚣。人们联系不上我，我也不会觉得自己错失了什么良机。在那里，我可以尽情放松，与一切重新建立联结，让身心在一定程度上得以复原。”
除了鲨鱼，她最惧怕的“也许是无所不在的爱”，“我希望被爱，我认为爱是最一种令人愉悦的体验，是你最深切的渴望。坠入爱河或相亲相爱是如此美妙，那是一种心境，能够消弭所有争执，有点类似于当你工作顺利、接近成功时的心理状态。但人们可能会因恐惧而不去相爱，或不想有任何感情上的牵扯并忽略那种感觉。但当我绘画时，我会对这个世界产生与恋爱相似的情感和联系。”
她的合作伙伴是新西兰抽象画家Judy Millar。“她有自己的事业和生活，尽管我们无法经常见面，但她仍是我生命中最重要的人，她总会耐心聆听。我们各自创作自己的作品，不必委曲求全地为对方做出牺牲，这样很好。她懂我，我很幸运。”
我问Grosse对未来有何种寄望。“我希望有一天可以在像白宫那样的建筑上创作……还有就是世界和平，我希望我们可以更好地了解人类怎样才能和睦共处，幸福地生活在这个星球上。利用他人、女性、其他文化和群体牟取利益的行为让人无法容忍，我们必须制止。”
编辑：秋楠Rachel Qiu妆发Melanie Schoene制作：Maya iseli at Production Berlin 鳴谢KliArt Foundation及奥地利维也纳Galerie nachst St.Stephan. Katharina Grosse And Vg Bild-Kunst， Bonn。