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一次,我偶尔从一本日本的摄影书籍上发现了一篇介绍铂金印相的文章,文中对东京国际画廊(PGI)的西丸雅之先生十分推崇,其中还提到了西丸先生说过的一句话——“相比银盐作品,铂金作品更具有手工感和物质感”。那时我刚刚了解到什么叫铂金印相,它那种独特的韵味令我非常着迷。“物质感 ” 这个词一针见血地把我心中那种隐约模糊、难以言表的感受表达了出来,给我留下了非常深刻的印象,同时也让我记住了西丸雅之这个名字。
经过多方帮助、协调,我们在2009年10月,成功地邀请到西丸雅之先生来北京举办了一个短期铂金印相制作的Workshop。期间西丸先生表示,如果有可能,欢迎我们到日本的影廊去看看。这当然求之不得。于是,2009年底我们终于成行,开始了为期5天的东京摄影画廊的探秘。
探访东京国际画廊
日本的东京国际画廊(Photo Gallery International),简称PGI,是日本第一家专门经营摄影作品的画廊。著名摄影家安塞尔·亚当斯是画廊创始人佐多先生的好友,正是在他的提议下,佐多先生在30多年前创建了PGI。亚当斯先生还动员了伊莫金·坎宁安、爱德华·韦斯顿等的后人,给PGI提供了大量珍贵的藏品,这些作品今天大多已载入史册。PGI也代理像今道子、原直久这样至今仍活跃在日本摄影界的艺术家的作品。它在日本的摄影界,尤其是大画幅摄影界享有极高的声誉。
一进门,西丸先生就热情地迎了上来,异国重逢,大家都非常高兴。西丸先生简要地介绍了一下画廊的情况:一层是陈列区和员工工作区,他们经营的摄影书籍、画册以及装裱用品都陈列在这个区域;二层是展厅,在这里每年要举办十个展览,每次为期一个月;三层是装裱工作区,四层是库房,五层则是经理办公区。一层陈列区的面积很小,各类摄影书籍、画册码放得整整齐齐,墙上挂了几张非常素雅的黑白摄影作品,是日本著名摄影家三好耕三先生的,画廊目前正在举办他的个人影展。
简单地浏览一番后,他领我们上了二层。二层展厅面积不大,完全出乎我的意料,只有约五六十平米左右,与北京的798里面动辄几百上千平米的画廊不可同日而语,可见画廊的制胜之道并不取决于面积大小。
展厅内没有任何多余的装饰,白墙、木地板而已,但灯具和光源很讲究,色温统一、照度均匀,让人几乎注意不到灯光的存在。作品的装裱、展示也非常讲究,镜框里是清一色的无反光玻璃,透明得几乎看不到,只有蹲下身,从下往上看,才能从玻璃里看到淡淡的绿荧荧的日光灯管的倒影。据说,像这样的无反光玻璃,价格是非常昂贵的,是普通玻璃的上百倍。但在PGI,这是基本配置。
西丸先生知道我们对PGI馆藏的大量原作钦慕已久,在征得领导同意后,给我们搬出了沉甸甸的好几大盒原作让我们一睹为快。像亚当斯的《约瑟米蒂峡谷》和韦斯顿的《青椒30号》都是我们耳熟能详的,但这次我们看到的却是原作。韦斯顿的成名作除了那张人体以外,《青椒30号》、《单鹦鹉螺》、《双鹦鹉螺》全都摆在了我们眼前。亚当斯的作品就更多了,除了几张大家熟悉的约瑟米蒂风光,还有一张比较少见的人像作品《门廊里的Gunn夫人》。难得的是,亚当斯的这些作品全都是他本人放大制作的,相比后人制作的版本,更能代表其本人的艺术风格和水准。
短短两个小时,我们就看到了近百幅摄影大师的原作,这无异于一次艺术的饕餮盛宴。原作中的那些精妙的影调过渡与变化绝不是画册或其他裁体所能完全表现出来的。
在我们走访PGI的过程中,参观影展的人也络绎不绝,从衣着打扮来看,有职员、学生,还有家庭主妇,年龄层次也很宽,有年轻人,也有年迈的老人。由此可见,在日本社会,民众对艺术欣赏的需求是很普遍的。
走访日本大学摄影系/原直久教授访谈
我和原直久先生有过几面之缘,最早是在2008年11月上海美术馆他的影展上。那次展览名为《时间的遗产》,共展出了铂金印相作品60幅,其作品拍摄年代跨度超过30年,基本上是原先生毕生心血之精粹。那是我第一次观赏高品质的铂金印相作品,也是第一次被作品感动得热泪盈眶。
这次赴日,西丸先生也特地为我安排了与原老师见面,地点就定在日本大学艺术学部。我们在原老师的研究室见到了他,师生相见甚欢,因为西丸先生也是原老师的学生。原老师精湛的铂金印相技术是众所周知的,所以我们的谈话也是围绕着铂金印相展开。原老师先让我把带去的照片排在展台上,认真地看了一遍,微笑不语,然后转身取出几大盒学生的铂金印相作业,也排在展台上。第一张拿出来就让我们都眼前一亮,这是一张雪景,画面空灵剔透。接下来的片子也不遑多让,显然这些都是原老师的得意弟子拍摄的。
葛:这些片子实在太棒了,它们都是用大画幅拍摄的吗?
原:也不全是。(指着那幅雪景照片)比如这位同学就是用135相机拍摄的,画面上已经能看出明显的颗粒了,不过这样也有另外一种味道。
葛:您学生的这些照片也都是用数字负片制作的吧?
原:是的。
葛:数字负片和古典印相工艺的结合实在是一种伟大的进步,有人说电脑、打印机和紫外线灯箱组成的数字暗房将会成为一种新的趋势。对此,您是怎么认为的呢?
原:数字负片当然非常好,这给更多的人提供了制作大幅面古典印相作品的机会,并非一定需要拍超大画幅的胶片。不过如果能用大幅面的胶片直接印相,也是不错的选择。数字负片至少保证将来传统胶片停产之后我们还能继续使用这些印相工艺。(笑)
葛:网上有这么一种观点,认为大画幅除了拍得清楚,就没有什么优点了。您是怎么看的呢?
原:(略显激动)不,不,不,不是这样,大画幅的质感和透视感是完全不同的,这是需要亲自去体会才能知道的。
葛:您在上海和北京拍的照片打算什么时候展出呢?我们都很期待。
原:这个我还没有想好,估计在2011年,先在PGI展出吧。2010年我还打算再去北京拍一些胡同的照片。
探访小柳画廊
日本摄影家杉本博司是当代非常著名的一位艺术家,他的观念摄影作品如《自然博物馆》系列、《影剧院》系列、《蜡像馆》系列、《建筑》系列、《海景》系列,都广为人知。在全球范围内只有三家画廊可以直接代理杉本博司先生的作品,日本的小柳画廊就是其中之一。画廊的创始人小柳女士本人也是杉本博司先生多年的好友,对他和他的艺术创作都非常了解。这次我们专程拜访小柳女士,也是希望从一个侧面更深入地了解杉本先生和他的创作理念。
小柳女士得知我们是专程为杉本博司先生而来的,又看到我们对杉本先生的新作很感兴趣,便开始介绍新系列的创作过程。我之前看过一部介绍杉本博司的纪录片,里面有一段介绍了系列作品的创作方法,就是用高压电极对胶片放电,在胶片上会留下树状的曝光痕迹。小柳女士告诉我们,杉本博司最新的方法是把带电的胶片浸入水中时,会在胶片上产生均布而密集的细微放电,就形成了类似毛发的效果。
葛:《电》这个系列的创作灵感来自于什么呢?
小柳:最初触动他的是流星,它划过天空,光芒转瞬即逝。据说是陨石给地球带来了最初的生命,因此,流星对他来说就象征着生命。你不觉得画面上有一种生机勃勃的感觉吗?
葛:是的,它看起来就像是活的,有种说不出来的感觉,太奇妙了!这系列作品什么时候会正式展出呢?
小柳:现在艺术收藏界有一种倾向,越来越关注艺术家的早期作品以及成名作,因此,他最近会先展出《自然博物馆》系列的作品。至于《电》这个系列,2010年夏季将会在澳大利亚展出,场地将设在一个发电厂内。
结束语
探访是短暂的,也可能比较片面。日本的摄影艺术是在战后随着经济的复苏逐渐发展起来的。直到70年代,日本才出现了第一批商业性的影像画廊,PGI和小柳画廊就是其中之一。时至如今,日本已经发展成为摄影艺术大国,涌现出一大批世界著名的摄影家,这与成熟的市场运作也是分不开的。
(责任编辑:郭轶)
经过多方帮助、协调,我们在2009年10月,成功地邀请到西丸雅之先生来北京举办了一个短期铂金印相制作的Workshop。期间西丸先生表示,如果有可能,欢迎我们到日本的影廊去看看。这当然求之不得。于是,2009年底我们终于成行,开始了为期5天的东京摄影画廊的探秘。
探访东京国际画廊
日本的东京国际画廊(Photo Gallery International),简称PGI,是日本第一家专门经营摄影作品的画廊。著名摄影家安塞尔·亚当斯是画廊创始人佐多先生的好友,正是在他的提议下,佐多先生在30多年前创建了PGI。亚当斯先生还动员了伊莫金·坎宁安、爱德华·韦斯顿等的后人,给PGI提供了大量珍贵的藏品,这些作品今天大多已载入史册。PGI也代理像今道子、原直久这样至今仍活跃在日本摄影界的艺术家的作品。它在日本的摄影界,尤其是大画幅摄影界享有极高的声誉。
一进门,西丸先生就热情地迎了上来,异国重逢,大家都非常高兴。西丸先生简要地介绍了一下画廊的情况:一层是陈列区和员工工作区,他们经营的摄影书籍、画册以及装裱用品都陈列在这个区域;二层是展厅,在这里每年要举办十个展览,每次为期一个月;三层是装裱工作区,四层是库房,五层则是经理办公区。一层陈列区的面积很小,各类摄影书籍、画册码放得整整齐齐,墙上挂了几张非常素雅的黑白摄影作品,是日本著名摄影家三好耕三先生的,画廊目前正在举办他的个人影展。
简单地浏览一番后,他领我们上了二层。二层展厅面积不大,完全出乎我的意料,只有约五六十平米左右,与北京的798里面动辄几百上千平米的画廊不可同日而语,可见画廊的制胜之道并不取决于面积大小。
展厅内没有任何多余的装饰,白墙、木地板而已,但灯具和光源很讲究,色温统一、照度均匀,让人几乎注意不到灯光的存在。作品的装裱、展示也非常讲究,镜框里是清一色的无反光玻璃,透明得几乎看不到,只有蹲下身,从下往上看,才能从玻璃里看到淡淡的绿荧荧的日光灯管的倒影。据说,像这样的无反光玻璃,价格是非常昂贵的,是普通玻璃的上百倍。但在PGI,这是基本配置。
西丸先生知道我们对PGI馆藏的大量原作钦慕已久,在征得领导同意后,给我们搬出了沉甸甸的好几大盒原作让我们一睹为快。像亚当斯的《约瑟米蒂峡谷》和韦斯顿的《青椒30号》都是我们耳熟能详的,但这次我们看到的却是原作。韦斯顿的成名作除了那张人体以外,《青椒30号》、《单鹦鹉螺》、《双鹦鹉螺》全都摆在了我们眼前。亚当斯的作品就更多了,除了几张大家熟悉的约瑟米蒂风光,还有一张比较少见的人像作品《门廊里的Gunn夫人》。难得的是,亚当斯的这些作品全都是他本人放大制作的,相比后人制作的版本,更能代表其本人的艺术风格和水准。
短短两个小时,我们就看到了近百幅摄影大师的原作,这无异于一次艺术的饕餮盛宴。原作中的那些精妙的影调过渡与变化绝不是画册或其他裁体所能完全表现出来的。
在我们走访PGI的过程中,参观影展的人也络绎不绝,从衣着打扮来看,有职员、学生,还有家庭主妇,年龄层次也很宽,有年轻人,也有年迈的老人。由此可见,在日本社会,民众对艺术欣赏的需求是很普遍的。
走访日本大学摄影系/原直久教授访谈
我和原直久先生有过几面之缘,最早是在2008年11月上海美术馆他的影展上。那次展览名为《时间的遗产》,共展出了铂金印相作品60幅,其作品拍摄年代跨度超过30年,基本上是原先生毕生心血之精粹。那是我第一次观赏高品质的铂金印相作品,也是第一次被作品感动得热泪盈眶。
这次赴日,西丸先生也特地为我安排了与原老师见面,地点就定在日本大学艺术学部。我们在原老师的研究室见到了他,师生相见甚欢,因为西丸先生也是原老师的学生。原老师精湛的铂金印相技术是众所周知的,所以我们的谈话也是围绕着铂金印相展开。原老师先让我把带去的照片排在展台上,认真地看了一遍,微笑不语,然后转身取出几大盒学生的铂金印相作业,也排在展台上。第一张拿出来就让我们都眼前一亮,这是一张雪景,画面空灵剔透。接下来的片子也不遑多让,显然这些都是原老师的得意弟子拍摄的。
葛:这些片子实在太棒了,它们都是用大画幅拍摄的吗?
原:也不全是。(指着那幅雪景照片)比如这位同学就是用135相机拍摄的,画面上已经能看出明显的颗粒了,不过这样也有另外一种味道。
葛:您学生的这些照片也都是用数字负片制作的吧?
原:是的。
葛:数字负片和古典印相工艺的结合实在是一种伟大的进步,有人说电脑、打印机和紫外线灯箱组成的数字暗房将会成为一种新的趋势。对此,您是怎么认为的呢?
原:数字负片当然非常好,这给更多的人提供了制作大幅面古典印相作品的机会,并非一定需要拍超大画幅的胶片。不过如果能用大幅面的胶片直接印相,也是不错的选择。数字负片至少保证将来传统胶片停产之后我们还能继续使用这些印相工艺。(笑)
葛:网上有这么一种观点,认为大画幅除了拍得清楚,就没有什么优点了。您是怎么看的呢?
原:(略显激动)不,不,不,不是这样,大画幅的质感和透视感是完全不同的,这是需要亲自去体会才能知道的。
葛:您在上海和北京拍的照片打算什么时候展出呢?我们都很期待。
原:这个我还没有想好,估计在2011年,先在PGI展出吧。2010年我还打算再去北京拍一些胡同的照片。
探访小柳画廊
日本摄影家杉本博司是当代非常著名的一位艺术家,他的观念摄影作品如《自然博物馆》系列、《影剧院》系列、《蜡像馆》系列、《建筑》系列、《海景》系列,都广为人知。在全球范围内只有三家画廊可以直接代理杉本博司先生的作品,日本的小柳画廊就是其中之一。画廊的创始人小柳女士本人也是杉本博司先生多年的好友,对他和他的艺术创作都非常了解。这次我们专程拜访小柳女士,也是希望从一个侧面更深入地了解杉本先生和他的创作理念。
小柳女士得知我们是专程为杉本博司先生而来的,又看到我们对杉本先生的新作很感兴趣,便开始介绍新系列的创作过程。我之前看过一部介绍杉本博司的纪录片,里面有一段介绍了系列作品的创作方法,就是用高压电极对胶片放电,在胶片上会留下树状的曝光痕迹。小柳女士告诉我们,杉本博司最新的方法是把带电的胶片浸入水中时,会在胶片上产生均布而密集的细微放电,就形成了类似毛发的效果。
葛:《电》这个系列的创作灵感来自于什么呢?
小柳:最初触动他的是流星,它划过天空,光芒转瞬即逝。据说是陨石给地球带来了最初的生命,因此,流星对他来说就象征着生命。你不觉得画面上有一种生机勃勃的感觉吗?
葛:是的,它看起来就像是活的,有种说不出来的感觉,太奇妙了!这系列作品什么时候会正式展出呢?
小柳:现在艺术收藏界有一种倾向,越来越关注艺术家的早期作品以及成名作,因此,他最近会先展出《自然博物馆》系列的作品。至于《电》这个系列,2010年夏季将会在澳大利亚展出,场地将设在一个发电厂内。
结束语
探访是短暂的,也可能比较片面。日本的摄影艺术是在战后随着经济的复苏逐渐发展起来的。直到70年代,日本才出现了第一批商业性的影像画廊,PGI和小柳画廊就是其中之一。时至如今,日本已经发展成为摄影艺术大国,涌现出一大批世界著名的摄影家,这与成熟的市场运作也是分不开的。
(责任编辑:郭轶)