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【摘要】客家地区素有“山歌之乡”的美誉，客家人唱山歌自古风行，凭借这一丰厚的传统文化积淀，二十世纪五十年代，客家人开创了真正属于自己的戏剧山歌剧。笔者通过对客家山歌剧现况的实践调查，从表演与教学方面进行了论述。
【关键词】客家山歌剧 扬长补短 因材施教
【中图分类号】G633.95 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2015）08-0200-02
客家人聚居区天生就是孕育金嗓子的沃土，不少剧团的演员嗓子都特别棒。很长一段时间，山歌剧人采取“话剧+唱”的表演形式来扬长避短，山歌剧应该走什么样的路，我们在此不作探究，但“话剧+唱”确实造成了演员在“做功”方面较平庸的现象。进一步导致了一出戏的成败过分依赖剧本、导演等其它部门的创作。
一、继承好山歌剧的经典折子，大胆借鉴学习姐妹艺术，扬长补短。
客家山歌剧应该走戏曲化还是新歌剧的道路，曾经有过很长时间的争论，也进行过多年不同风格的实践和摸索，可喜的是当客家山歌剧人走出困惑时惊喜的发现：山歌剧虽然年轻不成熟，但她具有“比其他剧种更突出的优势特征——开放性”。她没有固定的程式和行当，决定了她的极强的吸收能力。她能借用许多姐妹剧种的艺术手段，使之融化，自成一家。如果说“话剧+唱”的表演风格有它扬长避短的科学性，它的成立和存在本身就说明前辈山歌剧人已清醒地认识到自己的“长”和“短”。衡量一个剧种的演艺水平就是看你演员“唱、做、念、打”的真功夫，那么从剧种的发展，人材培养的角度来看就应该重在扬“长”补“短”。什么是山歌剧表演的“长”？张振坤、熊丽梅的声情并茂，蓝小田、郑秋萍的细腻传神，钟娥青、李惠嫣的泼辣诙谐，胡电明、徐乃果的变形夸张等等都是山歌剧表演史上的一个个成功脚印。注重唱腔的优美悦耳，讲究人物内在的心理流程，这些都是我们必须张扬的“长”。
吸收传统的养料培育客家山歌剧的后辈学子，是我们必须走好的第一步。要继承好这些传统，要求学生加强文化素养，培养学生良好的表演心理素质是达到目的根本。客家山歌剧表演的“短”在哪？就是“简单、平乏”。说起来容易，但真正要去克服完善也许还需要几代人甚至更长时间。今天我们用作教材的一些经典折子、独幕剧一样存在这样的问题，也许是由于历史的原因或者导演出于对整体风格的把握，它没有多少“做功”。但作为教材的折子戏，只要保持其局部风格的统一，应该可以加工充实。怎样加工？如何充实？向汉剧、采茶戏、民间舞蹈等姐妹艺术学习，大胆借鉴，取人之长，补已之短，借鸡生蛋，绝对是一种好办法。
二、因材施教，对症下药，实行适当的反串教学。
“因材施教”对培养演员来说是可从正反两方面去理解的，一方面指从学生的先天条件着眼量体裁衣，根据生、旦、丑、正反角的习惯准绳，让学生对号就坐。这是传统的教学，有他成功的经验积累，有利于学生快速成材，就像张艺谋导演的电影《一个都不能少》，通过对演员本色的再现，能使一群还属“一张白纸”的演员成功地撑起一部作品。同时也让这些“白纸”一夜之间红遍大江南北。电影和戏曲是姐妹艺术，道理是相通的。根据演员的形象、气质、声音等条件来决定他（她）的发展方向是可行有效的，也是培育人材的主流。但是作为教学，这种方法也有它一定的局限性。
对初涉艺坛的学生来说，老师如果像泥人抟土似地把他捏成“理想的模型”，让学生过早地定了型，忽略了对一些学生的潜能挖掘。那培养出的学生通常会有一种现象——演丑的一上台就象玩儿戏，演生的一出场给人的印象是木讷呆板……况且客家山歌剧尚无固定的表演程式，没有明显的行当之分，通常要求演员一专多能，可以胜任多种角色。为此，笔者主张进行适当的“反串教学”，拓寬学生的戏路。这是对“因材施教”的另一种理解。让演“正面”的学生也演一些“反面”，目的是要他解放躯体，松驰表情，增加一些舞台行当的体验；让演“反面”的学生也去演“正面”，意在规范学生在舞台上的举手投足，体验用“心”演戏，有益于日后塑造角色时能进入人物心灵的深处。
客家山歌剧是一个年轻的剧种，表演上没有多少传统积淀，不比一些古老的剧种，人物激动时可以用水袖来抖一抖，人物悲怆时可以用长发来旋一旋，只能凸显演员特质、气质来丰富角色形象。艺术发展需要传承，前人为我们留下了经验，留下了技巧，可经验和技巧只是艺术创作的辅助手段，不是根本，艺术创作的生命在于她的个性和创作性。我们有理由相信，只要不断地反思总结教学得失，虚心学习，勤恳耕耘，客家山歌剧定将在艺术百花园中越开越艳，人才辈出。
参考文献：
[1]胡希张，温萍.《客家山歌》[M].浙江人民出版社，2007：12，23-28
[2]田羽.《广东省戏曲和曲艺之梅县山歌剧》[Z].广东省戏剧研究室.内部资料，1980：110.
[3]刘晓春.《客家山歌的传承方式——以梅州市和兴国县为对象》[J].民族文学研究，2007，（3）：121—127.
【关键词】客家山歌剧 扬长补短 因材施教
【中图分类号】G633.95 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2015）08-0200-02
客家人聚居区天生就是孕育金嗓子的沃土，不少剧团的演员嗓子都特别棒。很长一段时间，山歌剧人采取“话剧+唱”的表演形式来扬长避短，山歌剧应该走什么样的路，我们在此不作探究，但“话剧+唱”确实造成了演员在“做功”方面较平庸的现象。进一步导致了一出戏的成败过分依赖剧本、导演等其它部门的创作。
一、继承好山歌剧的经典折子，大胆借鉴学习姐妹艺术，扬长补短。
客家山歌剧应该走戏曲化还是新歌剧的道路，曾经有过很长时间的争论，也进行过多年不同风格的实践和摸索，可喜的是当客家山歌剧人走出困惑时惊喜的发现：山歌剧虽然年轻不成熟，但她具有“比其他剧种更突出的优势特征——开放性”。她没有固定的程式和行当，决定了她的极强的吸收能力。她能借用许多姐妹剧种的艺术手段，使之融化，自成一家。如果说“话剧+唱”的表演风格有它扬长避短的科学性，它的成立和存在本身就说明前辈山歌剧人已清醒地认识到自己的“长”和“短”。衡量一个剧种的演艺水平就是看你演员“唱、做、念、打”的真功夫，那么从剧种的发展，人材培养的角度来看就应该重在扬“长”补“短”。什么是山歌剧表演的“长”？张振坤、熊丽梅的声情并茂，蓝小田、郑秋萍的细腻传神，钟娥青、李惠嫣的泼辣诙谐，胡电明、徐乃果的变形夸张等等都是山歌剧表演史上的一个个成功脚印。注重唱腔的优美悦耳，讲究人物内在的心理流程，这些都是我们必须张扬的“长”。
吸收传统的养料培育客家山歌剧的后辈学子，是我们必须走好的第一步。要继承好这些传统，要求学生加强文化素养，培养学生良好的表演心理素质是达到目的根本。客家山歌剧表演的“短”在哪？就是“简单、平乏”。说起来容易，但真正要去克服完善也许还需要几代人甚至更长时间。今天我们用作教材的一些经典折子、独幕剧一样存在这样的问题，也许是由于历史的原因或者导演出于对整体风格的把握，它没有多少“做功”。但作为教材的折子戏，只要保持其局部风格的统一，应该可以加工充实。怎样加工？如何充实？向汉剧、采茶戏、民间舞蹈等姐妹艺术学习，大胆借鉴，取人之长，补已之短，借鸡生蛋，绝对是一种好办法。
二、因材施教，对症下药，实行适当的反串教学。
“因材施教”对培养演员来说是可从正反两方面去理解的，一方面指从学生的先天条件着眼量体裁衣，根据生、旦、丑、正反角的习惯准绳，让学生对号就坐。这是传统的教学，有他成功的经验积累，有利于学生快速成材，就像张艺谋导演的电影《一个都不能少》，通过对演员本色的再现，能使一群还属“一张白纸”的演员成功地撑起一部作品。同时也让这些“白纸”一夜之间红遍大江南北。电影和戏曲是姐妹艺术，道理是相通的。根据演员的形象、气质、声音等条件来决定他（她）的发展方向是可行有效的，也是培育人材的主流。但是作为教学，这种方法也有它一定的局限性。
对初涉艺坛的学生来说，老师如果像泥人抟土似地把他捏成“理想的模型”，让学生过早地定了型，忽略了对一些学生的潜能挖掘。那培养出的学生通常会有一种现象——演丑的一上台就象玩儿戏，演生的一出场给人的印象是木讷呆板……况且客家山歌剧尚无固定的表演程式，没有明显的行当之分，通常要求演员一专多能，可以胜任多种角色。为此，笔者主张进行适当的“反串教学”，拓寬学生的戏路。这是对“因材施教”的另一种理解。让演“正面”的学生也演一些“反面”，目的是要他解放躯体，松驰表情，增加一些舞台行当的体验；让演“反面”的学生也去演“正面”，意在规范学生在舞台上的举手投足，体验用“心”演戏，有益于日后塑造角色时能进入人物心灵的深处。
客家山歌剧是一个年轻的剧种，表演上没有多少传统积淀，不比一些古老的剧种，人物激动时可以用水袖来抖一抖，人物悲怆时可以用长发来旋一旋，只能凸显演员特质、气质来丰富角色形象。艺术发展需要传承，前人为我们留下了经验，留下了技巧，可经验和技巧只是艺术创作的辅助手段，不是根本，艺术创作的生命在于她的个性和创作性。我们有理由相信，只要不断地反思总结教学得失，虚心学习，勤恳耕耘，客家山歌剧定将在艺术百花园中越开越艳，人才辈出。
参考文献：
[1]胡希张，温萍.《客家山歌》[M].浙江人民出版社，2007：12，23-28
[2]田羽.《广东省戏曲和曲艺之梅县山歌剧》[Z].广东省戏剧研究室.内部资料，1980：110.
[3]刘晓春.《客家山歌的传承方式——以梅州市和兴国县为对象》[J].民族文学研究，2007，（3）：121—127.