娜塔莉·萊特 构筑梦中花园

　　娜塔莉·莱特
　　Nathalle Lete
　　法国艺术家，为世界各地的品牌创作。她的画作常见于服饰、家居装饰、文具、陶瓷和纺织物。她在世界各地举办个展，并于2015年，在法国鲁贝的艺术与工业博物馆举办了个人作品回顾展，现居巴黎。
　　提到法国巴黎，很多人的第一印象可能是夕阳西下的埃菲尔铁塔、倒映着树木与建筑的圣马丁运河以及落叶纷飞的卢森堡公园。但对于生活在巴黎的艺术家娜塔莉·莱特来说，这里是她寻找过去、倾听回忆的地方。她爱极了19世纪的巴黎，所以，她总是在街上寻找过去，寻找那些在黑白影片中存在的感觉。“就像是我正在看摄影界‘梵高’尤金·阿杰特的照片或者正在读着爱弥尔·左拉、巴尔扎克的书。过去的东西一直在呼唤着我，周围的事物、房屋、街道是具有表达的能量的。”
　　于是，娜塔莉·莱特将自己的成长历程通过简单的文字和充满想象力的绘画作品展现，汇入《我梦中的花园》这本书中。这本书述说她梦想的生活以及对色彩、旅行、民间艺术的热爱，她画了许多动物、花朵、孩子等，这些画作独特而迷人，成为她为自己构筑的梦中花园。“希望这些画能给你带来快乐、希望，同时也能构成你的梦。”娜塔莉·莱特如是说。

　　21世纪初的巴黎，街道橱窗是巴黎不可缺少的景致。在高档精品店Absynthe橱窗里陈设的肉铺立体模型吸引了很多游客的注意力，让大家驻足观赏。
　　橱窗中，挂在钩子上的一块块肉其实是手工做的涂色织物，朝下的一面还画着友好和善的人脸。整个作品色彩鲜艳，手法很怪诞，但同时又给人昏暗深沉之感。第一眼看是那么回事，但转念一想，好像看到截然不同的东西，而正是这种不同让人深深着迷。这件作品便是娜塔莉-莱特的作品。
　　娜塔莉·莱特出生于法国，她的爸爸是来自中国的老师，妈妈是德国人。她是一位相当多产且多才多艺的艺术家，为世界各地的品牌创作，如Anthropologie（美国中高档的休闲服装品牌）、Astier de Villatte（法国瓷器品牌）、优衣库、三宅一生、歌帝梵、古驰等。她的画作常见于服饰、家居装饰、文具、陶瓷和纺织物。
　　初见娜塔莉，对她的第一印象是美丽高贵的。她有着异国风情的魅力，同时也是可爱风趣的。她是一个真正的艺术家，总是沉浸于她创作的魔法世界中，想象力丰富到会让人觉得她好像是由她自己创造出来的一样。她的很多作品都是一段正在进行的故事，吸引着每一个欣赏她作品的人。
　　一位与娜塔莉·莱特合作的品牌人员曾经被邀请去参观娜塔莉的工作室，他的回忆十分细致：
　　当我去参观她的工作室的时候，我发现，整个工作室似乎是对她艺术创作世界的完美实物呈现，而她则与这些艺术同居、同呼吸。这里面一部分是她珍藏的塑胶玩具、洋娃娃、复古的装饰品和一些激发灵感的小物品，另一部分是她自己的创作。这些物件堆满了整个空间。每个物品看上去都很顽皮、不安分，仿佛是她个性的延伸。
　　娜塔莉的工作室是自己设计建造的，每个早晨，娜塔莉都会怀着愉悦的心情在工作室开始一天的创作，通过阅读与植物、纺织、鸟类、美国和东欧的民间艺术等相关的书，将从阅读中获得的所有灵感呈现在画纸上。“这些画讲述着我生活的故事，诉说着我的渴望与恐惧，以及我对色彩、旅行、原始部落艺术的热爱。”
　　早在1970年代，娜塔莉在很小的时候就已经开始画油画、素描、做手工。那个时候，她的妈妈总让她帮忙制作圣诞贺卡，送给认识的朋友、邻居。为了能按时做完，娜塔莉不得不从9月就开始动手做起来。
　　10岁那年，娜塔莉报了一个油画班，但当她学会画开花的樱花树和单脚站立的火烈鸟之后便离开了。虽然她并不记得当时离开的原因，但这件事对她的影响十分深刻，时至今日，她依旧在不停地画各种各样的树和乌。“我想如果我继续在那班上待着的话，也许我能掌握更多的艺术语言。”
　　大约12岁的时候，娜塔莉又在索镇的青少年中心报了一个绢画班。她被当时上课的老师深深吸引，并开始效仿她。“她有着我想象中一名艺术家应有的样子：穿着波西米亚风格的衣服，戴着一串手工制作的项链。在我眼里，她好比缪斯一般的存在。我想这也是我在18岁之前都待在她主持的工作坊学习的原因。”
　　这位老师的风格也一直在影响着娜塔莉，使她成为一位有着异国风情的魅力，可爱而高贵的女性艺术家。之后，娜塔莉进入巴黎杜佩雷高等应用艺术学院研究时装，而后到巴黎国立高等美术学院学习印刷工艺。
　　“回顾过去，我发现我今天所创作的东西依旧是童年时代创作的延续。20多年里，日复一日，坚持练习自己的手艺，顺应命运的安排，在抚慰时而受伤的心、记录自己秘密的同时，分享我的快乐以及表达我对快乐的渴望。”娜塔莉写道。

　　《我梦中的花园：娜塔莉·莱特的艺术世界》
　　娜塔莉·莱特是一位来自法国的艺术家，她的作品独具特色，广受欢迎，已经成为一个全球品牌，并因其独特的波普-民间艺术风格，获得了一批狂热的崇拜者。从民间艺术、古董玩具、自然中汲取灵感的她，自选代表作250多幅，首次集结成这本《我梦中的花园》。

“我最爱大丽花和玫瑰”

　　Q你目前正在读什么书呢？并说一下在这本书中获得了怎样的灵感，从而进行了怎样的創作？
　　A近期并没有正在读的书。我会在我的书桌上摆放一些书籍，然后，我会把所有不同的灵感同时呈现在一幅画上。
　　Q请您描述一下您工作室门口的花园？都会种植一些什么花朵？您有没有自己偏爱的花朵？
　　A我最喜欢的花是大丽花和玫瑰。但事实上我喜欢所有的花，特别是当它们闻起来很香的时候！
　　但是我工作室的花园没有花，它更像是一个小小的森林，充满绿意。事实上，花园中有一种树叫做“相思树”，因为它的酸性才阻止了花朵的生长。所以，即使我之前种花，第一年我的花园就会有花朵开放，但第二年就又变成了一片绿色。
　　但是，当我在制作这本书的时候，我还没有搬进我的新房子，我种了很多攀缘玫瑰，还有各种各样的花。我想最重要的是，每个周末我都可以做一束花，这对我来说是最快乐的事，不论我自己做的是一小束花，还是一大束花，我都很喜欢！
　　Q在您的画作中，出现了很多的动物，您本身有养宠物吗？如果有的话，您养了什么宠物呢？
　　A 10年前我养了一只腊肠。我之前也养过金丝雀，但现在不养了，因为最后一只金丝雀去年死掉了。而且我总是需要从城里面的家到乡下去喂它们，这样就会让我觉得有点麻烦。
　　Q您说自己很喜欢收集小物件，可以讲述一件您拥有时间最长的小物件是什么吗？它跟您又有怎样的故事呢？
　　A在我的书中，最古老的东西是印有“厨师”字样的小洋娃娃/厨师。我记得，当我在德国巴伐利亚的祖母家度假时，她主动送给我的。
　　Q我很喜欢您的《兔小姐》这幅作品，纯白的小兔子披着红色斑点斗篷，手里还拿着四叶草。这个形象的创作灵感是什么呢？
　　A一个60年代的赛璐珞娃娃，在一本关于“东方”的书中看到，我特别喜欢这个时期的东西，因为我是在这些年里长大的。
　　Q您觉得，童心对成年人甚至是老年人来说有着怎样的意义？
　　A新鲜，自发性，由小事情或小事件带来的快乐，梦想、梦想，还是梦想。
　　Q您说自己的画都会有一个标题，这是完成作品之后蹦出来的词语，标题和画都跟当天的心情有关。当您回看这些画的时候，有没有发现，开心和伤心的不同情绪，创作出来的作品有怎样的不同？
　　A这两种情绪都可以自己创造。不管怎样，最后我想要得到快乐，所以，我创作了一些能让我快乐的图像。所有这些都是从纪念品、从你与绘画的关系，以及他们给你的情感中得到的灵感。
　　Q如果可以把自己想象成一种动物，您觉得自己会是什么？
　　A当然是一只鸟，或者猴子。因为这两种动物可以飞起来，可以跳得很高。但实际上，我会眩晕得很快（但我还是很想成为这两种动物）。
　　Q您目前居住在巴黎，这个城市会给您怎样的创作灵感呢
　　A我爱极了19世纪，所以我总是在街上寻找过去，我在寻找那些在黑白影片总存在的感觉，就像是我正在看尤金-阿杰特的照片或者正在读着爱弥尔·左拉、巴尔扎克的书。过去的东西一直在呼唤着我，你周围的事物、房屋、街道是具有表达的能量的。
　　Q书中有逛花园、在跳蚤市场的小女孩，还有在树荫下阅读的一个午后，这些都是您日常的生活吗？可以简单描述一下您的一天都会做些什么吗？

　　A其实，这些完全不是我的日常生活……只是我喜欢生活的感觉。我的日常生活就是讲故事，画我心中和梦里的东西。

荒木经惟 花与人的本能

　　荒木经惟
　　摄影师、当代艺术家。1940年出生于东京平民区。1959年进入国立千叶大学主修摄影与电影。1963年，从工学系摄影专业毕业。荒木经惟出道以来出版了超过350本出版物，且数量每年仍在增长，因此他被认为是日本乃至全世界最多产的艺术家之一。
　　在东方的尽头，另一位摄影师与梅普尔索普的创作--遥相呼应，那就是东方摄影大师荒木经惟。他的作品有着那些盛开的郁金香、鲜血滴落的玫瑰、垂死枯萎的百合……诉说着对于生的饥渴。 　　荒木经惟的名字对于摄影圈或喜欢摄影的人来说并不陌生，甚至可以说是过于热络了，这个已经80岁的老头至今仍保持着旺盛的创作精力，只要生命继续，他会如一贯彻自己的摄影哲学。
　　大多数时间荒木经惟是一派老不着调的形象，穿着图案花哨的无袖背心，戴着颇似麻将牌中“二饼”形状的墨镜，发际线很高，头发理成一边一小撮的“两只猫耳”模样。有人说，荒木经惟这个名字代表着某种敏感的气体，他是一个容易产生化学反应的男人。直到现在，他仍然是一个具有争议性的人，不论是他的拍摄方式抑或是摄影理念。
　　荒木经惟在1964年的时候就凭借《阿幸》获得日本摄影界最高殊荣的第一届太阳奖。1 971年，与电通同事青木阳子结婚。荒木将两人蜜月旅行的点滴照片集结成摄影集《感伤之旅》，自费印刷了1000本出版，亦借此提出他的“摄影家宣言”。1972年他正式以摄影师为业，开始拍摄东京街景。1990年，拍摄亡妻阳子的遗体，前卫的摄影概念撼动了当代摄影界。
　　很多人爱上荒木，都是从他和妻子阳子的故事开始的。荒木在无数场合说，他的摄影生涯开始于和阳子在一起。当有人问到他最欣赏的人体作品是哪一幅时，他说：“阳子被记录下的一切。”自阳子因病去世以后，荒木说：“从此只拍天空。”
　　荒木经惟对花的执念，与他的妻子阳子不无关系。阳子爱花，所以，他们的家中便少不了花的踪影，荒木经惟最早拍的便是家中的花，比如向日葵。
　　当荒木经惟将镜头对准“花”——盛开的、枯萎的、黑白的、彩色的，他便创造了这片属于荒木经惟的花丛。“花”也成为他最喜爱表达的对象之一，也是其摄影艺术最重要的主题之一。
　　花，尤其是野外的樱花是日本摄影中常见的题材，而荒木经惟却钟情于切花（剪裁后的花朵）。在大多日本攝影师眼中，花意味着“人与自然的对话”，但在荒木经惟的眼中，花却与“人”的本能有诸多相似之处：从萌芽到生长，从怒放到凋零。
　　在各色花朵中似乎隐藏着更加宏大的命题：生，死，以及爱。

乔治亚·欧姬芙 让花朵自由绽放

　　乔治亚·欧姬芙总是身着一身黑衣出现在公共视野中，她喜欢黑色，不是因为时尚，只是因为，黑色可以很好地将她隐藏起来。她的离群索居，也是一种隐藏。她出生于1887年，从31岁成为职业画家，一直画到98岁生命终了，被大家称为“美国现代艺术之母”。她的艺术生涯如此悠长，穿越了社会舆论此起彼伏的思潮。
　　“明亮的光，是我人生的最初记忆——光，到处皆是光。”乔治亚-欧姬芙在自传的开头这样写道。了解艺术家，最好的方法莫过于看他的作品，欧姬芙生活里也一定如此，懒得展示自我，却在她的画里肆无忌惮地绽放。
　　乔治亚-欧姬芙留下的大量与花朵有关的绘画作品，承载了男性目光的凝视，也接受了女性主义的阐释，尽管她本人总是不置可否，但却无法阻止世人对其作品的无限遐想。
　　从早期的炭笔画和明丽的西得克萨斯州水彩画，到享誉世界的花卉作品以及受到超现实主义激发而创作的新墨西哥州的骨骸和云朵作品，欧姬芙的艺术反映了她在自然中所得到的慰藉，她描绘过纽约的摩天楼，新墨西哥州的苍凉风景，但花朵却始终是她最具代表性的符号。
　　欧姬芙去世后，她98年漫长的一生，本身就是一部引人入胜的传奇。有些人的艺术生命不会因为其生命的终止而结束。百年之后，仍有人为欧姬芙“魂牵梦绕”。

　　乔治亚·欧姬芙
　　美国女画家，1920年代在纽约崛起，至1986年辞世，一生作画80年。她从31岁成为职业画家，一直画到生命终了，创下美国艺术史上第一个女性个展的纪录。

罗伯特·梅普尔索普 诡异的花路历程

　　罗伯特·梅普尔索普
　　美国著名艺术家，从1970-1980年拍摄了不少有争议的单一影象黑白照片，此外，他也拍摄过其他主题为花卉、肖像的作品。1972年开始拍照，1976年在纽约首次举办个展，迅速走红。梅普尔索普的古典趣味和注重形式使他的作品雅俗共赏，广受欢迎。
　　罗伯特·梅普尔索普是美国著名艺术家，他经常拍摄一些大胆裸露、制作精良又极富冲击力的人体作品。画面上的人物出人意料的造型，加上遍布全身的奇怪的印痕，以及脚下堆砌的杂乱的床单，全然不顾公众审美能力的接受可能，从而以挑战性的思考方式，将人体摄影带入了现代范畴。
　　花卉是美国摄影家罗伯特-梅普尔索普的一个重要主题。在他短暂的一生中，始终对花表现出一种异常的关心。在他生命的各个阶段，仿佛存在一个默契似的，他的摄影中总会有花的形象出现，这些花卉作品穿插在他的其他作品中，成为一个理解他的心路历程的重要影像线索。
　　但是，梅普尔索普在接受访谈时指出，他并不是因为喜爱花而拍摄花。当采访他的人推测梅普尔索普如此喜爱拍摄花是因为花显得“性感”时，他断然予以否认。他认为他选择拍摄的花都有些“诡异”，他因为它们的“诡异”才起意拍摄它们。
　　梅普尔索普的大部分作品都是黑白的，构图与光影之美贯穿于这些肉体和花卉之中。他偶尔也会尝试一些彩色花卉摄影，当鲜亮的色彩渗入这方寸之间，似乎也赋予作品以性感和活力，这些彩色的花朵或许是梅普尔索普最具有不同意味的作品。
　　梅普尔索普是一个完美主义者，他很注意传统的评论。他选择上流社会的人为拍摄对象，用光平衡对称，展示他们最好的特征。在他的摄影世界中他所表现的主要为纽约。他拍摄了许多艺术家、作家、流行歌手和电影明星、社交名流，因为花的艳丽、尖端和迷人的外形，公众甚至称他的花卉为“纽约花”。
　　在这位艺术大师去世后的近30年，公众可以比较冷静地观看他的作品以及他的其他主题，如花、肖像作品。