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2012年是石鲁先生逝世30周年。8月8日，“风神兼彩——石鲁的创作与写生（1959～1964）”在北京画院美术馆开幕。展览的举办无疑是对这位英年早逝的天才画家最好的纪念。石鲁出生于四川仁寿一个大地主家庭，原名冯亚珩，因敬慕清代画家石涛和现代著名文学家鲁迅而改名“石鲁”。这位从延安走来的革命艺术家，建国后留在西安，继续保留着与黄土高原血脉相连的情愫，他和一批西北画家一起创立了“长安画派”，为中国绘画史书写了浓墨重彩的一笔。本次展览共展出石鲁先生在1959～1964年个人艺术创作高峰期的主题创作及相关写生画稿等近两百幅作品，其中涉及《转战陕北》《延河饮马》《东方欲晓》等重要作品。北京画院美术馆吴洪亮馆长，也就本次展览接受了本刊记者的专访。
《收藏·趋势》：此次石鲁先生的展览与以往展览有什么不同？
吴洪亮：“风神兼彩——石鲁先生的创作与写生（1959～1964）”是北京画院美术馆“20世纪中国美术大家系列展览”中的一部分，石鲁先生是该系列展中首位西北地区的美术大家。
此次展览具有两方面的特点。一方面，石鲁先生是20世纪中国美术史中很重要的人物，“系列展”通过对每一位艺术家个案的研究，延伸到他周边的艺术生态圈及时代关系、上下游传承，进而慢慢地触摸到整个20世纪中国美术。
另一方面，此次展览展现了石鲁先生从写生、图稿到作品的整个创作流程，这与以前石鲁先生的全景性或生平性展览有很大区别。在石鲁先生之前，北京画院美术馆也做过吴作人、李可染、董希文等老先生的写生展览。通过对这些受过西方美术教育的巨匠的写生研究，探讨今天写生这件事情是否还重要。
我们选取了从1959年至1964年间他创作的重要作品，比如《转战陕北》，可以看出画作图稿中对于毛主席的背影以及黄土高原的山川，是怎样构思的。再比如他画的《延河饮马》《东渡》等重要作品，甚至是在只有十几公分的图稿上，从一种草图式的、勾勒式的、色彩实验式的状态，直到深入刻画为一件非常完整、近乎于成品的图稿，这是一个艺术家很重要的创作过程。
我们根据这样一个断代的石鲁历史，选取一些不同的角度进行分析，像他的笔墨精神，他独特的艺术语言，他的构图方式，甚至他对一个大的主题性的题材如何进行艺术家的诠释，都会在这个展览里提供。这次展览除了普通观众以外，对于专业人士和艺术家，都十分值得观看。
《收藏·趋势》：在今天我们可以以什么样的新视角来重新解读石鲁先生，仔细阅读这个展览？
吴洪亮：石鲁先生的创作生涯是处在一个翻云覆雨的时代大背景中，他是有两种理想的。
第一，他坚守知识分子的人文情怀，有着强烈的社会责任感。这种责任感促使他去了延安，在经历延安的洗礼之后，他以一个艺术家要肩负服务于大众，对世界要有贡献的心态创作了大量作品。在作品中，他融入了个人对艺术的态度，把领导的要求，国家的要求融合为他自己的要求，统一起来，进而提升。这样一个过程的建构，石鲁完成的很好。
第二，他有对艺术本体价值的非常个人化的追求。他表现了与他同代人甚至跟历史上完全不同的笔墨语言。石鲁建构了一套完整的、自由的、自己的语言，比如画人物，他几乎把人当石头来画，比如古人讲求中锋用笔，而他几乎全部都是侧锋。以前咱们中国人说中锋用笔，像锥子入沙一样的力度，突出一种沉重感，但石鲁这种侧锋就像一把刀，同样相当有力度。在笔墨趣味中，确实有他完全个人的认知。
还有，在构图方面，也就是中国画讲的章法上，他非常大胆，从小稿就能看出来。他已经打破了一些我们传统意识上的规则，融汇了东方和西方的，甚至还有一些很具现代感的构成因素。
再有，石鲁先生的画真的是方寸之间有大气，这是一个在西北做艺术的人的能量。那么小的作品他会画得那么有厚度，那么有回味，当你细看，他并没有像很多艺术家那样一遍一遍渲染而失去生气 ，他的这些小画会让你注视很久。
石鲁先生那一辈人没有生活在当今这么幸福的、高速发展的时代里。他的生活节奏恐怕也没那么快，这也相应使他们那一代人，更经得住看。他的小稿和草稿并不是当时他想示人的东西，却竟然能让你站在那看很长时间，这就是石鲁的一种能量。我发现直到今天，所有的批评家、美术史家、艺术家，当说到石鲁的时候，都会有种非常大的崇敬感，对于天才的钦佩感。
《收藏·趋势》：在这次展览中，有没有一些很特别、很珍贵或是很有故事的作品？
吴洪亮：有一幅小稿，画的是一个小女孩在丰收的场面里。这幅小稿对应的大作品，石鲁的家属一直都不知道在哪里。结果我们从对外展览集团借出的五件展品里就找到了这张作品。他们家里人都很兴奋——原来在这儿。包括《东渡》，他们家有很多《东渡》的稿子，但其中有一张展品，是一个藏家从海南带过来借给我们展出的，石鲁先生的家属在此之前，也并不清楚还有这件稿子。
通过一个展览的作品汇集，我们会找到很多支撑作品的因和果，就是图稿，这是很有意思的事情。比如说《东渡》，那整个一个小区域就只展出了这一件作品的来龙去脉，包括相关的马的稿子，包括人的背部，这些都是珍贵的资料。
给我印象最深的是，除了造型，就是对于构图的反反复复的推演，甚至我们看到石鲁连他的题跋都不断地推演。构图推演以外，就是色彩，还有他画水的方式。我觉得石鲁的红，是一种黄土高坡的红，或者说有棕色的红，非常有魅力。
在一幅描绘了一个男性背影的展品中，他对于肌肉的表达方式太酷了。我不知道该用西方的思考还是用东方的，那就像中国庙宇中四大金刚一样的背部，当时我看到那一块一块的肌肉，就想到我在平遥双林寺看到的那种状态。另外，石鲁画的人物，看上去像石头的感觉，他为什么画成那样呢？这些问题还要再去研究，很有趣。
这次展览中还呈现了石鲁画荷花的视频，那是中央美院电教室早年拍的，这个视频很重要。石鲁先生深厚，就像打进去的那种笔墨，是怎样画的，那个片子就给我们提供了很重要的信息。中国画的绘画过程，很多艺术家是不给人看的，而且20世纪那些重要的老先生，他们当年拍的视频非常少。像李可染的积点成线，说起来容易，但那到底是怎么画出来的，你看到的画作只是结果，而这些片子就告诉了你，什么叫积点成线。
《收藏·趋势》：此次石鲁先生的展览与以往展览有什么不同？
吴洪亮：“风神兼彩——石鲁先生的创作与写生（1959～1964）”是北京画院美术馆“20世纪中国美术大家系列展览”中的一部分，石鲁先生是该系列展中首位西北地区的美术大家。
此次展览具有两方面的特点。一方面，石鲁先生是20世纪中国美术史中很重要的人物，“系列展”通过对每一位艺术家个案的研究，延伸到他周边的艺术生态圈及时代关系、上下游传承，进而慢慢地触摸到整个20世纪中国美术。
另一方面，此次展览展现了石鲁先生从写生、图稿到作品的整个创作流程，这与以前石鲁先生的全景性或生平性展览有很大区别。在石鲁先生之前，北京画院美术馆也做过吴作人、李可染、董希文等老先生的写生展览。通过对这些受过西方美术教育的巨匠的写生研究，探讨今天写生这件事情是否还重要。
我们选取了从1959年至1964年间他创作的重要作品，比如《转战陕北》，可以看出画作图稿中对于毛主席的背影以及黄土高原的山川，是怎样构思的。再比如他画的《延河饮马》《东渡》等重要作品，甚至是在只有十几公分的图稿上，从一种草图式的、勾勒式的、色彩实验式的状态，直到深入刻画为一件非常完整、近乎于成品的图稿，这是一个艺术家很重要的创作过程。
我们根据这样一个断代的石鲁历史，选取一些不同的角度进行分析，像他的笔墨精神，他独特的艺术语言，他的构图方式，甚至他对一个大的主题性的题材如何进行艺术家的诠释，都会在这个展览里提供。这次展览除了普通观众以外，对于专业人士和艺术家，都十分值得观看。
《收藏·趋势》：在今天我们可以以什么样的新视角来重新解读石鲁先生，仔细阅读这个展览？
吴洪亮：石鲁先生的创作生涯是处在一个翻云覆雨的时代大背景中，他是有两种理想的。
第一，他坚守知识分子的人文情怀，有着强烈的社会责任感。这种责任感促使他去了延安，在经历延安的洗礼之后，他以一个艺术家要肩负服务于大众，对世界要有贡献的心态创作了大量作品。在作品中，他融入了个人对艺术的态度，把领导的要求，国家的要求融合为他自己的要求，统一起来，进而提升。这样一个过程的建构，石鲁完成的很好。
第二，他有对艺术本体价值的非常个人化的追求。他表现了与他同代人甚至跟历史上完全不同的笔墨语言。石鲁建构了一套完整的、自由的、自己的语言，比如画人物，他几乎把人当石头来画，比如古人讲求中锋用笔，而他几乎全部都是侧锋。以前咱们中国人说中锋用笔，像锥子入沙一样的力度，突出一种沉重感，但石鲁这种侧锋就像一把刀，同样相当有力度。在笔墨趣味中，确实有他完全个人的认知。
还有，在构图方面，也就是中国画讲的章法上，他非常大胆，从小稿就能看出来。他已经打破了一些我们传统意识上的规则，融汇了东方和西方的，甚至还有一些很具现代感的构成因素。
再有，石鲁先生的画真的是方寸之间有大气，这是一个在西北做艺术的人的能量。那么小的作品他会画得那么有厚度，那么有回味，当你细看，他并没有像很多艺术家那样一遍一遍渲染而失去生气 ，他的这些小画会让你注视很久。
石鲁先生那一辈人没有生活在当今这么幸福的、高速发展的时代里。他的生活节奏恐怕也没那么快，这也相应使他们那一代人，更经得住看。他的小稿和草稿并不是当时他想示人的东西，却竟然能让你站在那看很长时间，这就是石鲁的一种能量。我发现直到今天，所有的批评家、美术史家、艺术家，当说到石鲁的时候，都会有种非常大的崇敬感，对于天才的钦佩感。
《收藏·趋势》：在这次展览中，有没有一些很特别、很珍贵或是很有故事的作品？
吴洪亮：有一幅小稿，画的是一个小女孩在丰收的场面里。这幅小稿对应的大作品，石鲁的家属一直都不知道在哪里。结果我们从对外展览集团借出的五件展品里就找到了这张作品。他们家里人都很兴奋——原来在这儿。包括《东渡》，他们家有很多《东渡》的稿子，但其中有一张展品，是一个藏家从海南带过来借给我们展出的，石鲁先生的家属在此之前，也并不清楚还有这件稿子。
通过一个展览的作品汇集，我们会找到很多支撑作品的因和果，就是图稿，这是很有意思的事情。比如说《东渡》，那整个一个小区域就只展出了这一件作品的来龙去脉，包括相关的马的稿子，包括人的背部，这些都是珍贵的资料。
给我印象最深的是，除了造型，就是对于构图的反反复复的推演，甚至我们看到石鲁连他的题跋都不断地推演。构图推演以外，就是色彩，还有他画水的方式。我觉得石鲁的红，是一种黄土高坡的红，或者说有棕色的红，非常有魅力。
在一幅描绘了一个男性背影的展品中，他对于肌肉的表达方式太酷了。我不知道该用西方的思考还是用东方的，那就像中国庙宇中四大金刚一样的背部，当时我看到那一块一块的肌肉，就想到我在平遥双林寺看到的那种状态。另外，石鲁画的人物，看上去像石头的感觉，他为什么画成那样呢？这些问题还要再去研究，很有趣。
这次展览中还呈现了石鲁画荷花的视频，那是中央美院电教室早年拍的，这个视频很重要。石鲁先生深厚，就像打进去的那种笔墨，是怎样画的，那个片子就给我们提供了很重要的信息。中国画的绘画过程，很多艺术家是不给人看的，而且20世纪那些重要的老先生，他们当年拍的视频非常少。像李可染的积点成线，说起来容易，但那到底是怎么画出来的，你看到的画作只是结果，而这些片子就告诉了你，什么叫积点成线。